arte cultura e estetica unidade 3

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ARTE, CULTURA ARTE, CULTURA 
E ESTÉTICAE ESTÉTICA
Me. Thais Kawamoto Amarães
IN IC IAR
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introdução
Introdução
Nesta unidade, destacaremos que a arte dos séculos XIX e XX é marcada pelo
grande dinamismo das relações econômicas e sociais. Durante esses dois
séculos, a história da humanidade passou por diversas revoluções sociais,
con�itos e guerras. O desenvolvimento industrial e suas consequências
imediatas in�uenciaram não apenas o modo de vida e o modo de produção,
mas também a dissociação entre arte e artesanato.
Assim, se no passado o artista estava vinculado à pro�ssão de artesão, no
século XIX, assume o status de intelectual. Diante disso, ele passa, cada vez
mais, a estar alinhado às correntes �losó�cas de sua época.
Desse modo, analisaremos a arte produzida pelos estilos Realismo, Art
Nouveau, Impressionismo, Neoimpressionismo, Pós-Impressionismo,
Expressionismo, Cubismo, Dadá e Futurismo.
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O século XVIII foi marcado pelos estilos Neoclássico e Romantismo. As
convicções do Iluminismo in�uenciaram o estilo Neoclássico. Já a visão do
Romantismo propôs uma ruptura com a estética neoclássica e seu modo
racionalista, pregando o recolhimento do artista para o seu eu interior.
Durante o século XIX, destacamos dois principais estilos que irão se contrapor
ao Romantismo e ao Neoclassicismo, cada um à sua maneira: o Realismo e o
Art Nouveau . Enquanto o Realismo propunha o enfrentamento direto e
imediato da realidade, o Art Nouveau adere à sociedade industrial e ao ritmo
acelerado da vida moderna.
Realismo
O termo “realismo” é usualmente empregado para de�nir formas de
representações objetivas da realidade. O movimento conhecido como
Realismo está alinhado a tais modos de representação. Durante a primeira
metade do século XIX, esse estilo começou a aparecer lentamente no cenário
europeu.
Realismo e Realismo e Art NouveauArt Nouveau
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É importante lembrarmos que esse período foi marcado pela Revolução
Industrial e que o homem europeu, diante desse processo, acreditava que
deveria ser mais realista, inclusive em suas criações artísticas. Nesse sentido,
as obras do Realismo tendem a um cienti�cismo, com a valorização do objeto
e a expressão da realidade e dos aspectos descritivos.
Temas como �guras mitológicas, deuses e heróis não eram retratados pelos
artistas desse estilo. O enfrentamento direto da realidade descartava
qualquer tipo de ilusionismo nas técnicas de representação. O artista não
tinha pretensão de captar sentimentos, pois buscava-se a superação das
tradições do Romantismo.
Um dos principais artistas do Realismo foi o pintor francês Gustave Courbet
(1819-1877). As telas de Courbet são indiscutivelmente sinceras, pois o pintor
queria chocar a burguesia ao protestar contra as convenções aceitas de seu
tempo. Em suas pinturas, Courbet retratava temas da vida cotidiana,
principalmente das classes populares (ARGAN, 2006).
Para esse artista, a pintura deveria representar a realidade tangível das
coisas, tanto com relação aos temas quanto ao modo de trabalhar as formas
e cores. Vale ressaltar que o Realismo se apresentou como um estilo sóbrio
no qual as coisas eram representadas da forma como eram vistas.
Figura 3.1 – Autorretrato, por Courbet 
Fonte: Gustave Courbet / Wikimedia Commons.
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Art Nouveau
O termo Art Nouveau signi�ca Arte Nova. Trata-se de um estilo que surgiu na
Bélgica e manifestou-se entre 1890 e 1920, tanto na Europa quanto nos
Estados Unidos.
Os poetas e escritores ingleses John Ruskin e William Morris sonhavam com
uma reforma completa das artes, com a substituição da produção em massa
por um artesanato mais signi�cativo. Nesse cenário, diversos artistas
ansiavam por uma nova arte baseada em uma nova sensibilidade para o
desenho e para as possibilidades inerentes em cada material (ARGAN, 2006).
Desse modo, o Art Nouveau se inseriu na sociedade moderna contrapondo-se
aos estilos desenvolvidos anteriormente no século XIX. A nova arte tinha
como objetivo dialogar diretamente com a produção industrial em série.
Dessa forma, materiais industrializados, por exemplo, ferro e vidro, eram
empregados de modo lógico e racional.
saiba mais
Saiba mais
Gustave Courbet foi um dos pintores mais
expressivos dentro do Realismo, sendo,
inclusive, um dos primeiros artistas desse
estilo. A sua exposição individual,
denominada Le Realisme, que signi�ca "O
Realismo", determinou o nome desse estilo.
Para saber mais sobre os primeiros
momentos do Realismo, assista ao vídeo
Courbet e a tela que marcou o começo do
realismo na arte.
ASS I ST IR
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Na arquitetura, é possível perceber experimentações de novos tipos de
materiais e de ornamentos. As novas tecnologias desenvolvidas nesse período
permitiam essa ruptura radical. As principais características do estilo Art
Nouveau foram a exuberância decorativa e as formas ondulantes e elegantes.
Um dos mais expressivos artistas desse estilo foi o austríaco Gustav Klimt
(1862-1918).
Figura 3.2 – Retrato de Adele Bloch-Bauer I, por Klimt 
Fonte: Gustav Klimt / Wikimedia Commons.
praticar
Vamos Praticar
O estilo conhecido como Realismo iniciou-se na primeira metade do século XIX, na
Europa. Nessa época, a Revolução Industrial já havia consolidado o pensamento
realista e cienti�cista na sociedade. Desse modo, é correto a�rmar que as pinturas
do Realismo
Representavam os sentimentos do artista.
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Traziam composições com representações abstratas.
Trouxeram como temas as cenas do cotidiano.
Exploravam a ilusão de ótica.
Tinham como temas as histórias sagradas.
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Não existe um consenso sobre onde e quando se iniciou a Arte Moderna. Para
a historiogra�a, a Idade Moderna teve início em 1453, estendendo-se até
1789. Isso signi�ca que a Arte Moderna, ao contrário do que podemos pensar
em um primeiro momento, não está inserida na Idade Moderna, mas sim na
Idade Contemporânea, que se iniciou em 1789 e perdura até hoje.
Independentemente de tais divergências em relação às denominações, a Arte
Moderna é associada à transição entre século XIX e XX. Segundo Argan (2006),
com a industrialização, a produção artesanal entrou em crise, sendo a Arte
Moderna a própria história dessa crise. Desse modo, o cenário social,
econômico e político da Europa não foi apenas um pano de fundo para a
produção artística, mas fator fundamental para a arte da época.
Impressionismo
O Impressionismo surgiu na França, em 1860, e manifestou-se por toda
Europa até 1880. O nome desse estilo remonta à exposição, em 1874, na qual
Claude Monet apresentou sua obra Impressão: Nascer do Sol . O crítico Louis
Arte Moderna IArte Moderna I
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Leroy referiu-se a todoo grupo como impressionistas, de modo pejorativo,
com a intenção de dizer que tais pintores não trabalhavam na base de um
sólido conhecimento (ARGAN, 2006).
A partir disso, é possível imaginar o quanto a arte impressionista chocou em
um primeiro momento. As obras incomodaram não apenas os críticos, mas
também o público da época. As primeiras reações ao Impressionismo foram
negativas, porém é importante lembrar que, nesse momento, o observador
ainda estava habituado aos princípios acadêmicos da pintura.
A arte impressionista rompeu com as formas de representação do passado e
abriu caminho para a pesquisa artística moderna, dando início às tendências
que iriam se manifestar posteriormente no século XX. Os artistas desse estilo
levaram a fundo o programa desenvolvido por Gustave Coubert no Realismo.
Para os impressionistas, o modo como a natureza vinha sendo representada
era baseado em uma concepção errônea (ARGAN, 2006).
Quando observamos um objeto sob a luz natural, fora de um estúdio, é
possível perceber que as sombras produzidas são diferentes daquelas
geradas em um ambiente com iluminação controlada. Esse fator foi
questionado pelos impressionistas, visto que, para eles, a arte tradicional
representava as �guras sob condições muito arti�ciais.
Nesse sentido, Manet e seus seguidores desenvolveram técnicas de
representação nas quais uma mistura de matizes era combinada para formar
uma imagem. Na pintura, as �guras surgem sem contornos nítidos. O
aparente esquematismo das formas não tinha relação com falta de técnica ou
desleixo. Os quadros impressionistas deveriam ser observados a uma
distância maior para que as manchas ganhassem vida aos olhos do
espectador. 
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Segundo Argan (2006), o Impressionismo contou com o suporte de dois
importantes aliados no processo de sua aceitação por parte do público: a
fotogra�a e a cromoterapia japonesa.
A fotogra�a surgiu no século XIX, no entanto, foi apenas no século XX que a
máquina fotográ�ca portátil foi desenvolvida. Graças a essa tecnologia, o
encanto da cena casual e do ângulo inesperado passou a ser mais bem aceito
pelo espectador. Outro ponto proporcionado pela fotogra�a foi o seu uso em
substituição à pintura de retrato. Desse modo, os artistas se viram obrigados
a procurar novos campos e a explorar regiões nas quais a fotogra�a não
representaria uma concorrência.
Durante o século XIX, o Japão entrou em relações comerciais com os
continentes europeu e americano. Dessa forma, os artistas europeus
passaram a ter contato com as gravuras produzidas no Japão, já que muitas
dessas estampas eram usadas como invólucros para os produtos
comercializados. O artista impressionista viu nessas pinturas uma arte que
não estava “contaminada” pelas regras e clichês da arte acadêmica. As
gravuras japonesas ajudaram, então, a re�etir até que ponto as convenções
europeias persistiam na arte, mesmo que eles não notassem (ARGAN, 2006).
Entre os principais artistas desse período, destacamos Édouard Manet (1832-
1883) e Edgar Degas (1834-1917), ambos pintores franceses. As obras de
Figura 3.3 – O tocador de pífaro, por Manet 
Fonte: Édouard Manet / Wikimedia Commons.
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Manet se caracterizam pelas pinceladas rápidas, cuidando menos dos
detalhes e mais do efeito geral como um todo. Na obra de Degas, é possível
notar que esse artista valorizava o desenho, e não apenas a cor. Degas
buscou realçar a impressão de espaço, movimento e de formas sólidas, vistos
de ângulos inesperados. 
reflita
Re�ita
Ainda hoje não existe um consenso sobre a fotogra�a ser ou
não uma forma de arte. No século XIX, ela permitiu uma
transformação nos meios de expressão e representação,
contudo diversos críticos da época eram enfáticos em declarar
que a fotogra�a não era uma arte. Embora a fotogra�a atual
empregue conhecimentos artísticos para a sua composição,
sobretudo aqueles encontrados na pintura, o mais correto é
denominar tais trabalhos como fotogra�a de autor, em vez de
fotogra�a artística.
praticar
Vamos Praticar
O estilo impressionista foi marcado pela crítica com relação ao modo como as
�guras vinham sendo representadas pelos estilos acadêmicos. Dessa forma, o
Impressionismo buscou trazer novas formas de registro. Com base nisso, assinale a
alternativa correta.
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O Impressionismo criticava as técnicas de pontilhismo e divisionismo.
O Impressionismo defendia a criação de composições monocromáticas.
O Impressionismo propunha a representação abstrata das formas.
O Impressionismo a�rmava que a arte, até então, representava as �guras sob
circunstâncias muito arti�ciais.
O Impressionismo pregava o resgate aos temas sagrados.
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O Impressionismo foi um movimento experimental que abriu caminhos para
o desenvolvimento de novos estilos. Desse modo, analisaremos o Pós-
Impressionismo, o Neoimpressionismo e o Fauvismo. Perceba que, embora
tais correntes tenham uma proximidade temporal, os resultados obtidos
serão bastante diversi�cados.
Pós-Impressionismo e
Neoimpressionismo
O Pós-Impressionismo e o Neoimpressionismo não foram movimentos
homogêneos, inclusive, diversos autores não os consideram como estilos
propriamente, mas sim como desdobramentos do Impressionismo.
O termo Neoimpressionismo foi usado pela primeira vez em 1886, pelo crítico
Félix Fénéon. Esse movimento criticava a improvisação impressionista. Desse
modo, os artistas neoimpressionistas levavam a cor à tela por meio de
Arte Moderna IIArte Moderna II
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pequenos toques controlados, resultando em novas técnicas de pintura,
como o pontilhismo e o divisionismo.
O principal artista dentro desse movimento foi o pintor francês Georges
Seurat (1859-1891). Em suas obras, as cores nascem da justaposição de tons,
o olho passa a recompor o conjunto de pontos e traços formando a imagem
�nal. 
No Pós-Impressionismo encontram-se as obras que exploraram as
possibilidades abertas pelo Impressionismo, sobretudo aquelas produzidas
entre 1880 e 1890. Entre os artistas que seguiram tais caminhos, destacamos
Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890) e Paul Gauguin
(1848-1905) (ARGAN, 2006).
Para Cézanne, pintor francês, cada forma se destaca nitidamente e podemos
visualizá-la como um corpo sólido e �rme, nada era casual ou vago. Embora
Cézanne admirasse as descobertas no campo da cor e da forma
proporcionadas pelo Impressionismo, queria pintar suas próprias impressões,
de modo ordenado. Os quadros impressionistas eram brilhantes, mas
também confusos, o que causava desagrado em Cézanne. Em suas pinturas,
buscou formas lúcidas e intensas para transmitir os tons ricos da natureza. 
Figura 3.4 – Tarde de domingo na Ilha de Grande Jatte, por Seurat 
Fonte: Georges Seurat / Wikimedia Commons.
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Já o holandês Van Gogh desejava que suas telas tivessem o efeito direto e
forte das gravuras japonesas. Ele absorveu as características do
Impressionismo e do Pontilhismo de Georges Seurat. Desse modo, em suas
obras aplicava a cor pura através de pontos e pinceladas únicas. Ao
observarmos as pinturas de Van Gogh, é possível notar que, ao contrário dos
impressionistas,ele não esteve tão interessado na representação correta,
mas sim em usar cores e formas para transmitir o que sentia e despertar tais
sentimentos no observador.
Figura 3.5 – Os jogadores de carta, por Cézanne 
Fonte: Paul Cézanne / Wikimedia Commons.
Figura 3.6 – Autorretrato, por Van Gogh 
Fonte: Vincent van Gogh / Wikimedia Commons.
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Gauguin, pintor francês, passou grande parte da vida recluso no Taiti,
episódio que re�etiu em sua obra. As pinturas de Gauguin são marcadas pela
simplicidade e intensidade, o que chocou o público da época, que chamava
tais obras de “bárbaras” e “primitivas”. O artista criava formas com contornos
simpli�cados e áreas de cores puras e planas.
Embora em um primeiro momento possa parecer que esses três artistas
tinham pouco em comum, é possível notar que, na busca artística de
representar a natureza como a vemos, um tanto se perdeu da arte, que era o
que tais pintores tentavam resgatar. Esse sentimento de insatisfação levou à
criação das vanguardas europeias. A solução de Cézanne guiou o Cubismo; a
de Van Gogh, o Expressionismo; e a de Gauguin culminou em várias formas
de primitivismo, como a Arte Naïf (ARGAN, 2006).
Fauvismo
O Fauvismo foi um estilo que se manifestou entre 1904 e 1907. Ao contrário
de outras vanguardas europeias, o Fauvismo não apresentou teorias,
manifestos e programas de�nidos. Alguns críticos, inclusive, defendem que o
Fauvismo não representava um movimento propriamente dito, mas sim um
Figura 3.7 – Mulheres de Taiti na praia, por Gauguin 
Fonte: Paul Gauguin / Wikimedia Commons.
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processo de testes e descobertas a partir das possibilidades sugeridas pelos
pintores pós-impressionistas (GOMBRICH, 1999).
Artistas como Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) e Maurice
Vlaminck (1876-1958) encabeçaram um grupo de estudo de arte, que trouxe a
eles o apelido de Les Fauves, ou seja, "As feras". A arte fauvista é
caracterizada pela presença de elementos da arte não europeia. Os artistas
desse estilo tinham como princípio seguir os instintos primários. Desse modo,
linhas e cores nasceriam impulsivamente.
O uso da cor era libertador e estimulante, por esse motivo as pinturas
fauvistas trazem cores puras e intensas. As formas são simpli�cadas e
construídas com pinceladas espontâneas. O Fauvismo foi um dos grupos mais
experimentais do período, trazendo consigo grande liberdade de expressão e
exagero do desenho e da perspectiva.
Entre os principais pintores desse estilo, destaca-se o francês Henri Matisse.
Para esse artista, tudo aquilo que não era útil ao quadro era prejudicial. Nesse
sentido, suas pinturas apresentam contornos simples e cores vivas, o
equilíbrio das cores não deveria vir da simples cópia da realidade, mas sim da
expressão do modo de pensar (ARGAN, 2006).
praticar
Vamos Praticar
Paul Gauguin (1848-1905) foi um pintor francês que passou grande parte da sua
vida no Taiti, tema recorrente em suas pinturas. Muitas de suas obras foram
duramente criticadas, pois o público acreditava que eram primitivas. Considerando
a obra de Gauguin, assinale a alternativa correta.
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A obra de Gauguin apresentava contornos simples e falta de
tridimensionalidade.
Gauguin desconhecia as técnicas de perspectiva matemática.
A obra de Gauguin é marcada pela paleta monocromática.
Entre os temas mais recorrentes na obra de Gauguin, destaca-se a mitologia.
A obra de Gauguin serviu como referência para o Expressionismo na
Alemanha.
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Quando falamos em estilos de Arte Moderna, logo associamos esse período
aos movimentos de vanguardas europeias. A expressão vanguarda deriva do
termo francês avant-garde, que signi�ca guarda avançada. Desse modo, os
estilos de vanguarda serão caracterizados pela ruptura com os modelos
vigentes e a busca pelo novo.
Expressionismo
O Expressionismo foi um estilo que se manifestou entre 1905 e 1930,
sobretudo na Alemanha. Toda arte é expressiva, no entanto, essa corrente
artística buscou impressionar o observador por meio de gestos visuais que
transmitissem emoções, em oposição ao Impressionismo francês (STANGOS,
1991).
Esse estilo proporcionou a descoberta de que as composições abstratas
poderiam ser tão efetivas quanto os quadros temáticos e �gurativos. As
pinturas desse movimento tinham como característica as cores vibrantes e o
Vanguardas IVanguardas I
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dinamismo improvisado. Os temas recorrentes estavam relacionados ao
domínio psicológico, ao trágico e ao sombrio.
Um dos mais importantes artistas do Expressionismo foi Wassily Kandinsky
(1866-1944), que reduziu o naturalismo em sua arte e ampliou o seu poder
liricamente expressivo. Ele desenvolveu uma arte sem tema, na qual
empregava cores brilhantes e pinceladas intensas.
O Expressionismo apresentou elevado grau de individualismo, uma vez que o
estilo nada mais era do que a transmissão de uma experiência pessoal, na
qual a personalidade do artista era explorada.
Cubismo
O início do Cubismo está relacionado ao quadro Les Demoiselles d´Avignon,
de Pablo Picasso, em 1907. Essa pintura representou uma ruptura nas formas
de representação, uma vez que o Cubismo recusa a arte enquanto imitação
da natureza. É importante destacarmos que o Cubismo não pretendia abolir a
representação, mas sim reformá-la.
Certamente, Pablo Picasso (1881-1973) é um dos nomes mais famosos dentro
desse estilo. Picasso passou por diversas fases artísticas em sua vida, sendo
Figura 3.8 – Amarelo, vermelho e azul, por Kandinsky 
Fonte: Wassily Kandinsky / Wikimedia Commons.
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que, após descobrir a arte primitiva e africana, começou a desenvolver a
estética cubista. As obras desse estilo são marcadas pela geometrização, a
renúncia da perspectiva e a utilização de cores austeras, muitas vezes criando
composições monocromáticas. Desde o início do Renascimento até esse
período, os artistas se guiavam a partir da perspectiva matemática quando
tinham a intenção de representar a tridimensionalidade. Em suas pinturas
cubistas, Picasso fragmentou o todo em diversas impressões e retratou todas
em uma única imagem (STANGOS, 1991).
O Cubismo é dividido em duas fases, o Cubismo Analítico, a primeira fase, que
teve como característica a desestruturação da obra em todos os seus
elementos; e o Cubismo Sintético, a segunda fase, na qual os pintores
começaram a fazer uso de recursos para rea�rmar o realismo de sua visão.
Uma das técnicas empregadas neste processo de tornar as formas abstratas
novamente reconhecíveis foi o papier collé, desenvolvido por Georges Braque
(1882-1963).  O papier collé é uma técnica especí�ca de colagem, na qual
papéis são aplicados à superfície da pintura para garantir a sensação de
relevo e reintroduzir cores à composição.
Dadá
O Dadá ou Dadaísmo teve início em 1916, em Zurique, como um movimento
literário. Ao contrário das demais correntes artísticas, o Dadaísmo
apresentou-se como um movimento de crítica cultural amplo, não se
limitando apenas ao campo artístico.
As obras dadaístas foram transitórias por sua própria natureza e produzidas
para entretenimento, agiam como isca para o público,já que o objetivo era
provocar e chocar o observador. A arte dadaísta pode ser compreendida
como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra
(STANGOS, 1991).
Nas artes visuais, uma das maiores preocupações do Dadaísmo foi a não
superioridade dos artistas como criadores, sendo que as ligações entre objeto
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e autor foram rompidas. A arte se tornou livre do racionalismo e passou a ser
entendida como o resultado do automatismo psíquico, no qual elementos
eram selecionados e combinados ao acaso.
Entre os artistas desse estilo, destaca-se Marcel Duchamp (1887-1968) que
criou o conceito de ready-made, que criticava o sistema da arte. Os ready-
mades consistiam em objetos escolhidos ao acaso que, após uma
intervenção, adquiriam a condição de objeto de arte.
Futurismo
O Futurismo foi um movimento que nasceu na Itália, em 1909, com o
Manifesto Futurista de Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Nesse
primeiro manifesto, Marinetti declara a ruptura com o passado, exaltando a
identi�cação do homem com a máquina. Segundo o poeta, as artes deveriam
demolir o passado e exaltar a velocidade e a energia das máquinas (STANGO,
1991).
Apesar da sua duração efêmera, o Futurismo propagou suas ideias de modo
rápido por toda a Europa, caracterizando-se como um dos estilos mais
radicais da época. Para os artistas do Futurismo, a tecnologia e o
desenvolvimento da sociedade exigiam expressões artísticas mais audaciosas.
As obras desse estilo apresentavam a ruptura com a tradição, a valorização
do industrial e da tecnologia, o uso de cores vivas e contrastantes, a
sobreposição de imagens, as deformações para retratar a ideia de movimento
e dinamismo. A exaltação da máquina e da velocidade aparece associada à
valorização da técnica e da ciência.
Um dos principais artistas dentro do Futurismo foi Giacomo Balla (1871-1958).
Em suas obras, ele procurou registrar o dinamismo das formas, exaltando os
avanços cientí�cos e técnicos da época.
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praticar
Vamos Praticar
O Cubismo surgiu na França, em 1907, e contou com grandes nomes, como Pablo
Picasso e Georges Braque. Esse estilo é dividido em dois momentos, o Cubismo
Analítico e o Cubismo Sintético. Considerando a fase do Cubismo Sintético, assinale
a alternativa correta.
Consistiu na desestruturação da forma e abstração dos modelos.
Foi a primeira fase do estilo cubista.
Empregou a técnica papier collé, que consiste em colar papel sobre a tela.
Aplicou técnicas como a perspectiva matemática para a construção das
formas.
Baseou-se no estudo da anatomia humana para a representação das formas.
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indicações
Material
Complementar
LIVRO
Dadaísmo
Dietmar Elger
Editora: Taschen do Brasil
ISBN: 3836514028
Comentário: Por meio da leitura indicada, você poderá
aprofundar os seus conhecimentos sobre a arte
produzida pelo estilo Dadaísmo. Nessa obra, o autor
nos convida a conhecer exemplos do Dadaísmo que
vão além do famoso mictório de Duchamp,
apresentando-nos artistas como Max Ernst, Johannes
Baader, Tristan Tzara, entre outros.
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FILME
No portal da Eternidade
Ano: 2019
Comentário: O �lme sugerido conta a história de
Vincent van Gogh (1853-1890), um dos grandes pintores
do século XIX. Como vimos em nossas análises, Van
Gogh desenvolveu uma estética pós-impressionista
particular que serviria de base para as futuras
vanguardas europeias do século XX, sobretudo o
Expressionismo desenvolvido na Alemanha. Na obra
indicada, você poderá conhecer um pouco mais sobre a
vida e a trajetória conturbada desse grande artista.
Para conhecer mais sobre o �lme, assista ao trailer.
TRA ILER
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conclusão
Conclusão
Ao �nal desta unidade, percebemos que a Arte Moderna é caracterizada pela
ruptura com os modelos acadêmicos de representação. Desse modo, as
vanguardas europeias apresentaram críticas aos caminhos que a arte havia
tomado, modi�cando o panorama da época.
No entanto, a partir de nossas investigações, foi possível notar que essa
ruptura não ocorreu de um dia para o outro, mas sim como resultado de um
longo processo de transição que teve início ainda no século XIX.
Por �m, analisamos que os artistas e, consequentemente, as obras
produzidas por eles passaram, cada vez mais, a se relacionar com a cultura,
os anseios e os problemas de sua época. Por meio de nossas análises,
percebemos que arte, cultura e sociedade converteram-se em conceitos cada
vez mais vinculados, tornando-se indissociáveis.
referências
Referências
Bibliográ�cas
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ARGAN, G. C. Arte Moderna : do iluminismo aos movimentos
contemporâneos. São Paulo: Companhia das Letras, 2006.
GOMBRICH, H. A História da Arte . 16. ed. Rio de Janeiro: LTC, 1999.
STANGOS, N. Conceitos de Arte Moderna . 2. ed. Rio de Janeiro: Jorge Zahar
Editor Ltda., 1991.
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