estética e história da arte contemporânea - resumo

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IMPRESSIONISMO
Foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início as grandes tendências da arte no séc. XX
Os pintores procuravam, com base na observação direta do efeito da luz solar sobre os objetos, registrar em suas telas as constantes alterações que essa luz provoca nas cores da natureza.
Nenhuma teoria orientou a criação artística dos pintores. Haviam apenas considerações gerais, bem práticas.
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Resumo das considerações
A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento, pois as cores da natureza se modificam constantemente, dependendo da incidência da luz do sol.
As figuras não devem ter contornos nítidos, pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens.
As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão visual que nos causam, e não escuras ou pretas, como os pintores costumavam representá-las no passado.
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Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. Assim, um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos.
As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. Pelo contrário, devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. É o observador que, ao admirar a pintura, combina as várias cores, obtendo o resultado final. A mistura deixa, portanto, de ser técnica para ser óptica.
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Os grandes pintores Impressionistas
Manet, Renoir, Degas, Cézanne, Sisleyu e Morisot.
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Manet: Um precursor do Impressionismo
A obra de Manet foi importante na medida em que inovou a pintura, dando-lhe uma luminosidade mais intensa e que já começa a explorar os efeitos da luz natural sobre uma cena a ser retratada.
A grande preocupação de Claude Manet são as pesquisas com a luz solar refletida nos seres humanos e na natureza.
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Renoir: Alegria e Otimismo do fim do séc XIX
Pierre August Renoir foi o pintor impressionista que ganhou maior popularidade e chegou mesmo a ter reconhecimento da crítica ainda em vida. Seus quadros manifestam otimismo, alegria e a intensa movimentação da vida Parisiense do fim do séc XIX.
Princípios Impressionistas observados nos trabalhos de Renoir: Manchas coloridas unidas visualmente pelo observador compõem um todo percebido como uma reunião festiva.
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Degas: O ambiente fechado, a luz artificial.
Apesar de ter feito parte do grupo dos impressionistas, Edgar Degas teve no movimento uma posição muito pessoal. 
Fez poucas paisagens ao ar livre. Os ambientes de seus quadros são interiores e a luz é artificial. Sua grande preocupação era flagrar um instante da vida das pessoas, apreender um momento do movimento de um corpo ou da expressão de um rosto. A contribuição de Degas para a pintura moderna é a angulação oblíqua e o enquadramento das cenas, com objetos e pessoas em primeiro plano, o que dá maior profundidade à composição.
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A evolução do Impressionismo: O Pontilhismo
Em 1886 realizou-se a última exposição coletiva do grupo de artistas impressionistas. Dessa exposição participaram dois pintores que dariam uma nova tendência ao movimento: George Seurat e Paul Signac.
Basicamente, o trabalho desses dois artistas aprofundou as pesquisas que os impressionistas realizaram sobre a percepção óptica. Seurat, principalmente, acabou reduzindo as pinceladas a um sistema de pontos uniformes que, no seu conjunto, dão ao observador a percepção de uma cena.
Essa técnica chamada de Pontilhismo e Divisionismo, porque as figuras, na tela, são representadas em minúsculos fragmentos ou pontos, cabendo ao observador percebê-las como um todo plenamente organizado.
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Final do século XIX na Europa
A pintura que se desenvolveu de 1886, depois da última exposição impressionista, até o surgimento do Cubismo, com Pablo Picasso e George Braque, entre 1907 e 1908, abrange pintores de tendências bem diversas, como Gauguin, Cézanne, Van Gogh, que apenas no início da carreira identificaram-se com o Impressionismo.
Além desses Artistas, nesse período destaca-se a obra de Toulouse-Latrec, que documentou a vida parisiense do fim do século XIX de um ponto de vista muito pessoal e, portanto, impossível de ser enquadrado em algum movimento artístico.
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Gauguin: O uso arbitrário da cor
Inicialmente Paul Gauguin ligou-se ao Impressionismo e participou da quinta exposição coletiva desse movimento, em 1880. Mas por volta de 1884 seus quadros já superavam, em alguns aspectos, a tendência impressionista: a tinta começa a ser usada pura, em áreas de cor bem definidas, os objetos passa a ser coloridos de modo arbitrário e a representação deixa de sugerir a tridimensionalidade.
Mas em 1888, as características de sua pintura se acentuam, principalmente na obra Jacó e o anjo, nessa obra, ao contrário da pintura impressionista, os campos de cor são bem definidos e limitados por linhas de contorno visíveis, as formas das pessoas e dos objetos são planas e as sombras desaparecem.
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Cézanne: A busca de estrutura permanente da natureza
Buscava o permanente, a estrutura íntima da natureza.
Tendência em converter os elementos naturais em figuras geométricas, tornando para ele, impossível a recriação da realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos.
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Van Gogh: A emoção como cor
Alguém que se empenhou profundamente em recriar a beleza dos seres humanos e da natureza por meio da cor, que para ele era o elemento fundamental da pintura.
Sua pintura estava então ligada à tradição holandesa do claro-escuro e à preocupação com os problemas sociais. As cores que usavam eram sombrias, e seus personagens, melancólicos. 
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Toulouse-Lautrec: Traços rápidos, poucas cores e uma situação humana
Desde cedo seu talento firmou-se como independente e original.
De modo geral, o que caracteriza sua pintura é sua capacidade de síntese, o contorno expressivo das figuras e a dinâmica da realidade representada.
Quanto a temática, seus quadros afastam-se da natureza e voltam-se para ambientes interiores: o circo, o bar, o bordel. 
No estilo, destacam-se os traços rápidos. Revelou-se para desenvolver um tipo de arte muito específico: o dos cartazes e pôsteres publicitários.
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A arte da segunda metade do século XX
No decorrer do século XX, inúmeros fatos tornaram bastante complexo esse período da história da humanidade.
Da mesma forma, deixam de existir os grandes movimentos artísticos que reuniam vários artistas e cujas tendências permaneciam por vários anos e sucediam com o passar do tempo. Ao contrário disso, coexistiam diversas concepções que partem de pontos de vista diferentes e experimentam suportes igualmente diferente para suas obras.
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Os muitos nomes da arte pós-moderna
O modernismo abrange aproximadamente as manifestações artísticas ocorridas do final do séc XIX até o início dos anos 1960. A partir de então, em geral, as tendências artísticas são agrupadas sob a denominação de Pós-Modernismo.
Entre as muitas tendências em que se dividem as criações artísticas de pós-modernas estão o Happening, a Arte conceitual, a Arte por Computador, a Minimal Art e a Body Art.
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Pablo Picasso
A arte africana influenciou a estética cubista pois contrastando com o artista ocidental o escultor negro aborda seu tema de um modo muito mais conceitual, as ideias sobre seu tema são mais importantes que a representação naturalista, daí resultaram as formas mais abstratas e estilizadas /simbólicas. Que artista representante desta corrente estética iniciou a utilização destas referências em suas obras?
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Cubismo
Este movimento artístico tem seu surgimento no século XX e é considerado o mais influente deste período. Com suas formas geométricas representadas, na maioria das vezes, por cubos e cilindros, a arte cubista rompeu com os padrões estéticos que primavam pela perfeição das formasna busca da imagem realista da natureza. A imagem única e fiel à natureza, tão apreciada pelos europeus desde o Renascimento, deu lugar a esta nova forma de expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes ângulos ao mesmo tempo. 
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O marco inicial do Cubismo ocorreu em Paris, em 1907, com a tela Les Demoiselles d''Avignon, pintura que Pablo Picasso levou um ano para finalizar. Nesta obra, este grande artista espanhol retratou a nudez feminina de uma forma inusitada, onde as formas reais, naturalmente arredondadas, deram espaço a figuras geométricas perfeitamente trabalhadas. Tanto nas obras de Picasso, quanto nas pinturas de outros artistas que seguiam esta nova tendência, como, por exemplo, o ex-fauvista francês – Georges Braque – há uma forte influência das esculturas africanas e também pelas últimas pinturas do pós-impressionista francês Paul Cézanne, que retratava a natureza através de formas bem próximas as geométricas.
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Principais artistas
Os mais conhecidos além dos precursores Pablo Picasso e Braque são: Albert Gleizes,  Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.   
No Brasil: Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Rego Monteiro e Di Cavalcanti.
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Futurismo
O futurismo foi um movimento literário e artístico iniciado em 1909. Foi Felippo Marinetti, poeta italiano, quem começou este movimento com a publicação do Manifesto Futurista. Ele fez parte da primeira vanguarda futurista.
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Características
- Desvalorização da tradição e do moralismo;
- Valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico;
- Propaganda como principal forma de comunicação;
- Uso de onomatopéias (palavras com sonoridade que imitam ruídos, vozes, sons de objetos) nas poesias;
- Poesias com uso de frases fragmentadas para passar a ideia de velocidade;
- Pinturas com uso de cores vivas e contrastes. Sobreposição de imagens, traços e pequenas deformações para passar a ideia de movimento e dinamismo;
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Futurismo na Itália Foi em território italiano que o futurismo ganhou grande notoriedade. O fascismo italiano teve grande influência neste movimento artístico na Itália. Os principais artistas plásticos futuristas italianos foram Luigi Russolo, Umberto Boccioni e Carlo Carrá. Futurismo na Rússia O movimento futurista russo recebeu forte influência do socialismo, principalmente após a Revolução Russa de 1917. O grande expoente da poesia futurista russa foi o poeta Vladimir Maiakovski, que fez uma ligação entre a arte e o povo. Futurismo no Brasil No Brasil, o futurismo teve grande influência na produção artística de artistas ligados ao movimento modernista. Anita Malfatti e Oswald de Andrade entraram em contato com Marinetti e seu Manifesto Futurista. Muitas ideias e conceitos futuristas foram incorporados às obras destes modernistas brasileiros. Pode-se observar estas influências na Semana de Arte Moderna de 1922.
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Dadaísmo
O dadaísmo foi um movimento artístico que surgiu na Europa (cidade suiça de Zurique) no ano de 1916. Possuía como característica principal a ruptura com as formas de arte tradicionais. Portanto, o dadaísmo foi um movimento com forte conteúdo anárquico. O próprio nome do movimento deriva de um termo inglês infantil: dadá (brinquedo, cavalo de pau). Daí, observa-se a falta de sentido e a quebra com o tradicional deste movimento
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Características
- Objetos comuns do cotidiano são apresentados de uma nova forma e dentro de um contexto artístico;
- Irreverência artística;
- Combate às formas de arte institucionalizadas;
- Crítica ao capitalismo e ao consumismo;
- Ênfase no absurdo e nos temas e conteúdos sem lógica;
- Uso de vários formatos de expressão (objetos do cotidiano, sons, fotografias, poesias, músicas, jornais, etc) na composição das obras de artes plásticas;
- Forte caráter pessimista e irônico, principalmente com relação aos acontecimentos políticos do mundo.
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Principais Artistas
- Tristan Tzara  - Marcel Duchamp  - Hans Arp  - Julius Evola  - Francis Picabia  - Max Ernst  - Man Ray  - Raoul Hausmann  - Guillaume Apollinaire  - Hugo Ball 
- Johannes Baader  - Arthur Cravan  - Jean Crotti  - George Grosz  - Richard Huelsenbeck  - Marcel Janco  - Clement Pansaers  - Hans Richter  - Sophie Täuber
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Surrealismo
O surrealismo surgiu na França na década de 1920. Este movimento foi significativamente influenciado pelas teses psicanalíticas de Sigmund Freud, que mostram a importância do inconsciente na criatividade do ser humano.
O marco de início do surrealismo foi a publicação do Manifesto Surrealista, feito pelo poeta e psiquiatra francês André Breton, em 1924. Neste manifesto, foram declarados os principais princípios do movimento surrealista: ausência da lógica, adoção de uma realidade "maravilhosa" (superior), exaltação da liberdade de criação, entre outros.
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Foi através da pintura que as idéias do surrealismo foram melhor expressadas. Através da tela e das tintas, os artistas plásticos colocam suas emoções, seu inconsciente e representavam o mundo concreto. O movimento artístico dividiu-se em duas correntes. A primeira, representada principalmente por Salvador Dalí, trabalha com a distorção e justaposição de imagens conhecidas. Sua obra mais conhecida neste estilo é A Persistência da Memória. Nesta obra,  aparecem relógios desenhados de tal forma que parecem estar derretendo.
Os artistas da segunda corrente libertam a mente e dão vazão ao inconsciente, sem nenhum controle da razão. Joan Miró e Max Ernst representam muito bem esta corrente. As telas saem com formas curvas, linhas fluidas e com muitas cores. O Carnaval de Arlequim e A Cantora Melancólica, são duas pinturas de Miró que representam muito bem esta vertente do surrealismo.
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De Stijl
A revista "De Stijl" foi uma publicação iniciada em 1917 por Theo van Doesburg e alguns colegas que viriam a compor o movimento artístico conhecido por Neoplasticismo, movimento estético que teve profunda influência sobre o design, artes plásticas e sobre a poesia.
Devido à influência dos textos da revista, que muitas vezes assumiam um aspecto de manifesto, o próprio movimento neoplástico (e mais tarde, oElementarismo) é confundido com o nome da revista. Também costuma-se chamar o seu grupo criador pelo título da publicação.
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Construtivismo
O construtivismo como um movimento artístico modernista ocorre no período entre 1913 e 1930, na Europa, principalmente na Rússia. Surge como uma decorrência do futurismo italiano e do cubismo francês. Adquire característas próprias perseguindo o ideal de abstração: despoja-se de qualquer alusão à natureza. Rompe radicalmente com a arte do passado (da representação do real) e propõe uma nova linguagem plástico-pictórica: "O mundo da não-representação" (Malevitch). Marca o início da preocupação da arte em criar objetos numa nova direção: a virtual, no sentido que a ênfase está mais no espaço vaziu que na massa, na ausência que na presença. O objeto artístico se liberta de sua base, do pedestal, do paralelismo à parede, trabalha mais com o espaço como elemento da linguagem plástica. Na pintura chega ao branco sobre o branco, ressaltando a presença matérica da tela, o objeto "tela" como mais importante que representações feitas sobre sua superfície. Nesta acepção está denotada a valorização do objeto industrial frente ao artesanal e a consequente dessacralização do objeto artístico.
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Pop Art
A Pop Art, abreviatura de Popular Art, foi um movimento artístico que se desenvolveu na década de 1950, na Inglaterra e nos Estados Unidos. Foi na verdade uma reação artística ao movimento do expressionismo abstrato das décadas de 1940 e 1950.
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Principais Artistas
- Andy Warhol: maior representante da Pop Art. Além de pintor foi também cineasta.
- Peter Blake: foi o criador da capa do disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dos Beatles.
- Wayne Thiebaud: pintor norte-americano que se destacou na criação de obrascom teor humorístico e nostálgico.
- Roy Lichtenstein: pintor norte-americano que trabalhou muito com HQs (histórias em quadrinhos), criticando a cultura de massas.
- Jasper Johns: pintor norte-americano cuja obra principal foi Flag (Bandeira) de 1954.
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Minimalismo
Minimalismo é um movimento artístico e cultural que surgiu nos Estados Unidos no começo da década de 1960.
Características 
- Elaboração de obras (pinturas, esculturas, músicas, peças de teatro) com a utilização do mínimo de recursos;
- Utilização de poucas cores nas pinturas;
- Nas artes plásticas, destaque para o uso de formas geométricas com repetições simétricas;
- Criação de músicas com poucas notas musicais, valorizando a repetição sonora.
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Principais artistas
- Samuel Beckett (dramaturgo e escritor irlandês)
- Raymond Clevie Carver (escritor norte-americano)
- Philip Glass (compositor norte-americano)
- Robert Bresson (cineasta francês)
- Dan Flavin (artista plástico norte-americano)
- Sol LeWitt (artista plástico norte-americano)
-Frank Stella (artista plástico norte-americano)
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Arte Conceitual
A Arte Conceptual foi iniciada nos anos 60 do seculo XX (1965); prevaleceu pela década de 70 o que implicou uma remodelação dos processos criativos e expressivos.
Nesta arte valoriza-se mais a ideia da obra do que o produto acabado, sendo que às vezes este (produto) nem mesmo precisa de existir. É bastante expressada através de fotografias, vídeos, mapas, textos escritos e performances. Não existem limites muito bem definidos para que uma obra seja considerada Arte Conceptual já que esta abrange vários aspectos tendo como intenção desafiar as pessoas a interpretar uma ideia, um conceito, uma crítica ou uma denúncia. O objetivo é que o observador reflita sobre o ambiente, a violência, o consumo e a sociedade. Esta arte é vivenciada por todos os observadores do mesmo modo ou seja, ela não possui nenhuma singularidade aos olhos de quem a vê.
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