RESUMO DE MOVIMENTOS ARTÍSTICOS PARA O ENEM

Prévia do material em texto

RESUMO DE MOVIMENTOS ARTÍSTICOS PARA O ENEM
OS IMPRESSIONISTAS
 
O impressionismo foi um movimento que revolucionou a pintura e deu inicio às grandes tendências da arte do século XX. Os impressionistas não chegaram a formar uma escola ou sistema; apenas compartilharam algumas técnicas e procedimentos gerais.
Em 1863 estourou um escândalo quando o pintor Edouard Manet expôs uma pintura onde eram retratados dois personagens em roupas elegantes sentados ao lado de uma jovem nua:
 
Almoço sobre a relva - Edouard Manet
Os freqüentadores da mostra se reconheceram no quadro e julgaram moralmente inconveniente o conteúdo. Além disso, o quadro era tratado de modo pictoricamente sumário, em comparação com as obras acadêmicas, bem acabadas nos mínimos detalhes.
Inovadores na França
Esse parecer negativo foi estendido a um grupo de artistas que buscavam novas expressões pictóricas. Foram chamados de impressionistas em virtude do quadro de Claude Monet intitulado Impressão do sol nascente.
  
Com uma pintura feita de impressões cromáticas eles almejam reproduzir sobre a tela as sensações visuais diante da realidade.
Pintores ao ar livre
Os impressionistas pintavam ao ar livre, para captar diretamente as variações da luz. A paisagem já havia se desenvolvido no século XVIII, mas no século XIX ganhou nova força, principalmente na Inglaterra. Caracterizou-se, de um lado, pelo realismo; de outro, pela preocupação dos artistas em estudar e representar as contínuas variações de cores da natureza decorrentes da luz solar ao longo do dia.
A linguagem visual
O Impressionismo não foi somente uma revolução artística, mas também uma revolução do modo de ver. Os artistas nos ensinam a ver, porque o olho é um instrumento que deve ser guiado pela mente.
A atenção contínua na percepção das cores aguçaram a sensibilidade visual desses artistas, que realizaram em suas obras todas as mudanças de luz no ambiente, do alvorecer ao pôr-do-sol e nas diversas estações do ano.
Os impressionistas aplicaram a teoria científica segundo a qual as cores não são mais que emanação da luz branca (solar), que ao atingir um objeto se decompõe e se torna cor. Veja fig. Mulher com sombrinha:
  
Esses pintores criaram um novo código de representação pictórica: as suas pinturas não são mais desenhos coloridos, mas são construídas diretamente com a cor; as sombras também são cores.
As cores e as estações
Para os impressionistas atentos às menores variações cromáticas, as estações do ano, a hora do dia, o bom ou o mal tempo eram principalmente uma questão de cor.
Os artistas e a cidade
A grande cidade, Paris, fornecia aos artistas temas e idéias de grande interesse.
Reflexos na água
A paisagem fluvial oferecida pelo rio Sena no seu longo e serpentino curso pelo campos francês deu aos impressionistas a oportunidade de estudar as vibrações das cores e o reflexo na água. Os impressionistas que pintavam apenas o que viam e que fazia parte da vida cotidiana, retrataram os amigos nos momentos de sereno descanso e as tranqüilas localidades fluviais.
  
PROCEDIMENTOS GERAIS DO IMPRESSIONISMO:
 
•A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento, pois as cores da natureza se modificam constantemente dependendo da incidência da luz solar.
•As figuras não devem ter contornos nítidos, pois a linha é só uma forma encontrada pelo ser humano para representar, por meio de imagens, a natureza, os objetos, os seres em geral.
•As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão visual que nos causam, e não escuras e pretas, como os pintores as representavam até então.
•As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta. Devem ser puras e utilizadas na tela em pequenas pinceladas. É o observador que, ao apreciar a pintura, combina as várias cores, obtendo o resultado final. A mistura de cores passa a ser, portanto, resultado do olhar humano.
 
A EVOLUÇÃO DO IMPRESSIONISMO: PONTILHISMO
Em 1886 ocorreu na França a ultima exposição coletiva dos impressionistas. Uma nova tendência artística teria lugar com dois de seus participantes: Georges Seurat e Paul Signac, que aprofundaram as pesquisas impressionistas quanto à percepção óptica, isto é, o modo como os objetos são vistos.
Georges Seurat, em especial, reduziu as pinceladas a um sistema de pontos uniformes que, no conjunto, permitem perceber uma cena.
Paul Signac, foi outro grande pintor que dominou a técnica pontilhista. Ele gostava de observar o movimento da água no mar e nos rios, e procurou registrar em muitas obras.
Tarde de Domingo-George Seurat
Entre os artistas que mudaram a arte do final do século XIX figuram pintores de tendências bem diversas. Alguns, como Gauguin, Cézanne e Van Gogh, chegaram a envolver-se com o Impressionismo, mas depois desenvolveram diferentes tipos de pintura. Temos, ainda, Tolouse-Lautrec, que retratou a vida parisiense de modo muito pessoal e não se ligou a nenhum movimento artístico.
 
A ARTE DA PRIMEIRA METADE DO SÉCULO XX
Foi marcado por vários conflitos políticos, a Primeira Guerra mundial, a Revolução russa, a formação do fascismo na Itália e do nazismo na Alemanha e ampliou as conquistas técnicas e o desenvolvimento industrial do século anterior. Na primeira metade do século ainda ocorreu a Segunda guerra mundial. Na sociedade, acentuaram-se as diferenças entre as classes mais ricas e as mais pobres, e nesse contexto histórico  desenvolveu a arte da primeira metade do século XX.
Na pintura e na escultura desenvolveram-se tendências artísticas como o Expressionismo, o Fauvismo, o Cubismo, o Abstracionismo e o Futurismo.
 
O EXPRESSIONISMO
Teve origem entre 1904 e 1905, em Desdren.
Na Alemanha, com um grupo chamado Die Brucke (a ponte). Desenvolveu-se como uma reação ao Impressionismo. Procurava retratar as inquietações do ser humano no início do século XX.
O movimento expressionista inspirou-se no pintor norueguês Edvard Munch . Sua obra “O Grito”, por exemplo, representa um dos temas que sensibilizaram os artistas ligados a essa tendência.
O grito-Edvard Munch
Ao longo do agitado século XX, o clima de tristeza e inquietação do Expressionismo, históricamente o primeiro grande movimento da pintura moderna.
O Expressionismo no Brasil:
Dois artistas expressionistas se destacam neste períodol: Lasar Segall e Anita Malfatti. O primeiro, ao realizar sua primeira exposição em São Paulo, mostra sua pintura cheia de cores tropicais e repleta de cenas da realidade do Brasil. Anita Malfatti choca a sociedade tradicional com suas obras expressionistas como, por exemplo, O homem Amarelo e O Japonês.
O FAUVISMO
Durante a realização do Salão de Outono em Paris (1905), alguns jovens pintores foram chamados pelos críticos de fauves(feras), pela intensidade com que usavam as cores puras, sem misturas ou matizes. Sua obras pareciam infantis, bem primitivas.
Caracterizou-se pela simplificação das formas e pelo emprego das cores puras. As figuras fauvistas são apenas sugeridas e não representadas de modo realista. Da mesma forma, As cores não são as da realidade: são puras, tal como saem do tubo de tinta; os pintor não as suaviza nem cria gradação de tons. Dos pintores fauvistas, Henri Matisse foi, sem dúvida, o mais expressivo. Destacou-se pela despreocupação com o realismo tanto nas formas quanto nas cores. Em sua obra, os objetos representados são menos importantes que a maneira de representá-los.
A dança
O CUBISMO
Teve sua origem histórica na obra de Cézanne, para ele a pintura deveria tratar as formas imutáveis da natureza, como cones, esferas e cilindros. Os cubistas foram mais longe: representaram os objetos como se estivessem abertos, com todos os seus lados no plano frontal em relação ao observador. Essa decomposição dos objetos significou o abandono da intenção de representá-los em perspectiva e em três dimensões – altura, largura e profundidade. Picasso foi um dos iniciadores doCubismo juntamente com Braque.
No período de 1906 e 1907 Picasso entrou em contato com a arte africana e voltou-se para o Cubismo. Uma de suas obras mais importante foi Les Demoiselles D’Avignon  (1907)
  
Sua outra obra, também importante retratou os horrores da guerra, a invasão de Guernica (Espanha) pela França. Utilizou apenas o preto, o branco e alguns tons de cinza, com detalhes que impressionam o observador. Além das pessoas mortas no chão, uma mulher segura uma criança e olha para cima como que procurando identificar de onde vêm as bombas; uma outra pessoa grita em dsespero; um cavalo, com o corpo contorcido, parece relinchar.
Guernica – Pablo Picasso
 
O ABSTRACIONISMO
A pintura abstrata caracteriza-se pela ausência de relação imediata entre as formas e as cores representadas e as formas e as cores reais. Assim, uma tela abstrata não representa a realidade que nos cerca, nem narra com imagens uma cena histórica, literária, religiosa ou mitológica.
Considera-se que a moderna arte abstrata tenha sido iniciada pelo pintor russo Wassily Kandinsky, com a tela Batalha, figura abaixo. Em pouco tempo o abstracionismo dominou a pintura moderna e tornou-se um  movimento bastante diversificado. Uma de suas principais tendências ficou conhecida como abstracionismo geométrico, pela geométrica das formas e das cores. As obras do pintor holandês Piet Mondrian são as mais representativas do abstracionismo geométrico.
 
 
O SURREALISMO
Foi um movimento da literatura e das Artes Plásticas que começou na França, em 1924, sob a liderança do escritor André Breton. Para os surrealistas, a obra de arte não resulta de pensamentos racionais e lógicos do artista; ela é, isto sim, resultado de pensamentos absurdos e ilógicos, como as imagens dos sonhos. Mesmo quando a obra surrealista representa aspectos da realidade, eles estão associados a elementos inexistentes na natureza, criando conjuntos irreais. O mais conhecido pintor, sem dúvida é o espanhol Salvadorf Dalí. Além de Dalí, destacaram-se na pintura surrealista os artistas Marc Chagall e Joan Miró.
 
Persistência da Memória – Salvador Dalí
 
O FUTURISMO
Os futuristas valorizavam o futuro. E mais, a velocidade, que na época começava a fazer parte do cotidiano e a ser admirada, graças ao emprego das máquinas nas indústrias e aos primeiros automóveis que começavam a circular. Na visão dos futuristas, os demais artistas deixavam de lado o aspecto mais evidente dos novos tempos: o movimento veloz ds máquinas, muito superior ao movimento natural.
Como os futuristas procuravam a expressão do próprio movimento, usavam linhas retas e curvas e cores que sugerissem velocidade. Como exemplo temos Umberto Boccioni e Giácomo Balla.
Escultura –Umberto Boccioni   	Manifesto futurista-Giácomo Balla
                    
     SÉCULO XX NO BRASIL: O MODERNISMO
 
O marco desta época foi a Semana de Arte Moderna realizada em São Paulo, em fevereiro de 1922. Nesta semana,vários artistas comprometidos em mudar a cara da arte nacional se apresentaram e chocaram a sociedade. Quebraram com os padrões europeus e buscaram valorizar a identidade nacional e uma arte, cujo cenário de fundo, eram as paisagens brasileiras e o povo brasileiro. Inovaram e romperam com o tradicional. O modernismo preocupou-se muito a parte social do Brasil. Destacam-se como artistas modernistas: Di Cavalcanti, Vicente do Rêgo, Anita Malfatti, Lasar Segall, Tarsilla do Amaral e Ismael Nery. Para valorizar a arte modernista, embora reúnam obras de vários períodos, dois museus são criados nesta época: o MASP ( Museu de Arte Moderna de São Paulo), criado pelo empresário Assis Chateaubriand e o MAM-RJ ( Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro). 
 
 
O CONCRETISMO (décadas de 1950 e 1960)
Movimento de arte abstrata marcado pelo uso de figuras geométricas e pela elaboração baseada no raciocínio. Esse movimento artístico foi criado pelo grupo paulista Ruptura, formado pelos artistas Haroldo de Campos, Geraldo de Barros e Valdemar Cordeiro. No Rio de Janeiro, surge o grupo Frente que contesta a arte concreta e inicia o neoconcretismo. Aproximando-se da pop art e da arte cinética, elaboram obras de arte valorizando a luz, o espaço e os símbolos. São deste período: Amilcar de Castro, Franz Weissmann, Lygia Clark, Lygia Pape e Hélio Oiticica e Ivan Serpa.
 
 
 
 
Hélio Oiticica
 
OP ART
 
Op-art é um movimento artístico que tem por objetivo dar movimento às pinturas, Victor Vasarely foi o pioneiro entre os artistas no aprimoramento dessa arte.
A op-art é produzida através da combinação de figuras geométricas especialmente em preto e branco, essas combinações dão ao espectador a impressão de que a imagem na tela está em movimento.
Quando o observador troca de posição, a peça em op-art dá a ele a impressão de que a obra sofre transformações. Essa arte encontra-se em constante transformação. Foi por volta da década de 60 que surgiram pesquisas relacionadas a essas sensações ópticas nas telas. A primeira exposição de op-art foi realizada em 1965 e recebeu o nome de The Responsive Eye. Os principais artistas da op-art são: Alexander Calder e Victor Vasarely.
 
 
POP ART
 
O lugar da arte sempre foi um tema extensamente debatido entre críticos, apreciadores, pesquisadores e os próprios artistas. Durante um bom tempo, o mundo da arte foi pensado como uma esfera autônoma, regida por seus próprios códigos e fruto de uma criatividade centrada na individualidade do artista. Contudo, principalmente a partir do século XX, notamos que essa separação entre a arte e o mundo veio perdendo força na medida em que movimentos diversos buscaram quebrar tais limites.
Na década de 1950, observamos a formulação de um movimento chamado de “pop art”. Essa expressão, oriunda do inglês, significa “arte popular”. Ao contrário do que parece, essa arte popular que define tal movimento não tem nada a ver com uma arte produzida pelas camadas populares ou com as noções folcloristas de arte. O “pop art” enquanto movimento abraça as diversas manifestações da cultura de massa, da cultura feita para as multidões e produzida pelos grandes veículos de comunicação.
Ao envolver elementos gerados pela sociedade industrial, a “pop art” realiza um duplo movimento capaz de nos revelar a riqueza de sua própria existência. Por um lado, ela expõe traços de uma sociedade marcada pela industrialização, pela repetição e a criação de ícones instantâneos. Por outro, questiona os limites do fazer artístico ao evitar um pensamento autonomista e abranger os fenômenos de seu tempo para então conceber suas criações próprias.
O movimento “pop art” apareceu em um momento histórico marcado pelo reerguimento das grandes sociedades industriais outrora afetadas pelos efeitos da Segunda Guerra Mundial. Dessa forma, adotou os grandes centros urbanos norte-americanos e britânicos como o ambiente para que seus primeiros representantes tomassem de inspiração para criar as suas obras. Peças publicitárias, imagens de celebridades, logomarcas e quadrinhos são algumas dessas inspirações.
Os integrantes da “pop art” conseguiram chamar a atenção do grande público ao se inspirar por elementos que em tese não eram reconhecidos como arte, ao levar em conta que o consumo era marca vigente desses tempos. Grandes estrelas do cinema, revistas em quadrinhos, automóveis modernos, aparelhos eletrônicos ou produtos enlatados foram desconstruídos para que as impressões e ideias desses artistas assinalassem o poder de reprodução e a efemeridade daquilo que é oferecido pela era industrial.
Entre outros representantes desse movimento, podemos destacar a figura de Andy Warhol, conhecido pelas múltiplas versões multicoloridas de “Marilyn Monroe”, produzida no ano de 1967. Outro exemplo de “pop art” pode ser reconhecido na obra “No Carro”, em que Roy Lichenstein utiliza a linguagem dos quadrinhos para explorar situações urbanas. Ainda hoje, diversos artistas empregam as referências da “pop art” para conceber quadros, esculturas e outrasinstalações.
 
 
 
Obras de Andy Wharol