teste ESTÉTICA E HISTÓRIA DA ARTE CONTEMPORÂNEA

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ESTÉTICA E HISTÓRIA DA ARTE CONTEMPORÂNEA (Código: 14275)
	Matriz:
	Por que estudar arte?
	Aula:
	1
	Dúvida:
	Por que o estudo da arte é importante para as mais variadas áreas profissionais?
	Resposta:
	O estudo da arte é absolutamente pertinente e importante, nos dias de hoje, em cursos de graduação das mais variadas áreas, para que os alunos adquiram conhecimento sobre a história da arte, mais especificamente, sobre o conceito de arte, a arte no mundo moderno, as vanguardas históricas, e a arte na contemporaneidade. Isto por que vivemos na Civilização da Imagem, e conhecer os conceitos e as técnicas ligadas à criação artística e de imagens, e de que forma os indivíduos respondem à recepção de tais imagens, é um diferencial profissional bastante considerado pelo mercado.
	
	Aula:1
	
	Dúvida:
	Qual é a importância do estudo da arte para diferentes profissões na atualidade?
	Resposta:
	O estudo da Arte é fundamental para determinadas profissões que lidam diretamente com a estética, tais como as de fotógrafo, designer e dos profissionais da moda e da indumentária em geral. Além disso, há profissões diretamente ligadas ao fazer artístico, tais como a de cineasta, ator, pintor, músico etc. Pra todas estas profissões, o estudo da arte é fundamental, pois possibilita o conhecimento das formas artísticas anteriores, de seus objetivos e modos de fazer. Porém, mesmo para profissões como as de advogado, médico, jornalista etc., o estudo da arte passa a ser uma importante ferramenta intelectual de compreensão das sociedades humanas em suas diferentes épocas.
	
	Matriz:
	O conceito de Estética
	Aula:
	1
	Dúvida:
	Por que a Estética é definida como a filosofia da arte? Isto é, de que forma arte e filosofia se relacionam?
	Resposta:
	Considerando que a arte é a única forma de expressão exclusiva do ser humano e que o ser humano utiliza a arte para se expressar, simplesmente, sem que necessariamente o objeto artístico precise ter outra função, senão a de materializar a expressão do artista; e, que um filósofo é aquele indivíduo que dedica-se à busca da verdade, dos fatos particulares da experiência e dos pormenores da história, e mais, que um filósofo ocupa-se do significado primário da linguagem que nós usamos habitualmente e sem pensar (o filósofo diria não apenas que procura a verdade, mas que procura uma verdade, ou teoria, que explique o particular e o pormenor e o cotidiano), é fundamental que a Filosofia se preocupe com as questões da arte, diante da importância da arte na vida do ser humano e das sociedades. E, o segmento da Filosofia que desde à Antiguidade Clássica se ocupa de pensar a arte, hoje é denominado de Estética. Portanto, a Estética pode ser definida com a filosofia da arte.
	
	Matriz:
	Platão e a filosofia do belo
	Aula:
	1
	Dúvida:
	Como o filósofo Platão conceitua o belo ?
	Resposta:
	A estética também é conhecida como a filosofia do belo e na sua origem era uma palavra que indicava a teoria do conhecimento sensível . Para Platão, o belo é o bem, a verdade, a perfeição; existe em si mesma, apartada do mundo sensível, residindo, portanto, no mundo das ideias. A ideia suprema da beleza pode determinar o que seja mais ou menos belo. Assim, temos em Platão, uma concepção de belo que se afasta da interferência e da participação do juízo humano, ou seja, o homem tem uma atuação passiva no que concerne ao conceito de belo: não está sob sua responsabilidade o julgamento do que é ou não é belo.
	Matriz:
	Platão e a filosofia do belo
	Aula:
	1
	Dúvida:
	Os gregos foram os primeiros a refletir a respeito da estética (aisthésis) no que se refere à compreensão do belo e das obras de arte. Ainda assim, havia diferenças fundamentais no entendimento do belo na arte, como representação da natureza (pinturas e esculturas), quando analisamos os pensamentos sobre este assunto de filósofos como Platão e Aristóteles. De que maneira os pensamentos destes filósofos - Platão e Aristóteles - se diferenciam no que se refere ao conceito de "mimese", ou seja, no que se refere à arte como representação ou imitação da natureza através de imagens e objetos artísticos?
	Resposta:
	O conceito de "mimese" está ligado à imitação que a arte proporciona dos objetos e seres naturais. Neste sentido, Platão julgava a arte de maneira bastante negativa, pois considerava o mundo inteligível (as ideias) em primeiro lugar, por conta de sua racionalidade e perfeição das formas; o mundo sensível em segundo lugar, pois acreditava que o mundo sensível (material) era enganoso e formado por cópias imperfeitas do mundo inteligível; e os objetos artísticos em terceiro lugar, por se constituírem enquanto cópias do mundo sensível (ou seja, cópias das cópias). Assim, a arte seria a maior produtora de engano e imperfeição, e o Belo residiria sobretudo nas ideias e nos ideais de Justiça e Verdade, do mundo inteligível. Aristóteles, por sua vez, considerava a arte de forma bastante positiva, pois acreditava que a "mimese" não era necessariamente ruim, visto que o ser humano poderia desenvolver qualidades criativas, novos aprendizados na busca por copiar (representar), através da arte, o mundo natural, além de experimentar emoções e sensações a partir da arte, as quais nunca viveria na vida real.
	Matriz:
	A questão do belo na Idade Média
	Aula:
	1             Vídeo com Explicação: 
	Dúvida:
	O belo na Idade Média continuou com as mesmas características do belo defendido por Platão na Antiguidade Clássica?
	Resposta:
	Durante a Idade Média, o Cristianismo difundiu uma nova concepção da beleza, que tinha como fundamento a identificação de Deus com a beleza, o bem e a verdade. Santo Agostinho concebeu a beleza como o todo harmonioso, isto é, como unidade, igualdade, proporção e ordem. A beleza do mundo não é mais do que o reflexo da suprema beleza de Deus, de onde tudo emana. A partir da beleza das coisas podemos chegar à beleza suprema (a de Deus). Com a queda do Império Romano, técnicas artísticas da Grécia antiga acabaram perdidas, entre elas estava muito do que se sabia sobre a noção de perspectiva. A pintura medieval passa a ser predominantemente bidimensional, e as personagens retratadas eram pintadas maiores ou menores de acordo com sua importância. Esse caráter estilizado das obras do período é também entendido como um reflexo próprio daquele contexto cultural, que enxergava a vida com forte ênfase no seu aspecto simbólico.
	Matriz:
	A questão do belo na Idade Moderna: o belo no Renascimento
	Aula:
	1
	Dúvida:
	As técnicas da perspectiva e profundidade já estavam presentes na arte renascentista ?
	Resposta:
	O Renascimento teve por característica principal a busca por representar a realidade em sua mais bela forma. Por isso, o desenvolvimento das técnicas de perspectiva e profundidade, o impressionante realismo das obras e a ampliação das técnicas de sombreamento com luz e sombra ganharam grande espaço nas produções artísticas. O objetivo dos artistas era reproduzir a realidade exatamente como o autor a enxergava. Com isso, as representações da figura humana adquiriram solidez, majestade e poder, refletindo o sentimento de autoconfiança de uma sociedade que se tornava muito rica e complexa, com vários níveis e classes sociais.
	Matriz:
	O idealismo hegeliano e a filosofia da arte
	Aula:
	1
	Dúvida:
	A filosofia platônica estabeleceu uma hierarquia considerando que o belo da natureza tinha primazia sobre o belo da arte. Mas, tempos depois, o pensamento platônico foi deixado de lado, pois o conceito de estética passou a considerar o belo da arte como sendo superior ao belo da natureza, pois a beleza artística revelava uma maior dignidade do que a beleza natural, visto que enquanto a natureza era nascida uma vez do espírito, a arte nascia duas vezes do espírito. Que vertente filosófica idealizou essa nova concepção estética e por que defendia tal posicionamento?
	Resposta:
	A vertente filosófica emquestão foi o Idealismo Hegeliano. Quando Hegel afirmou que o belo era uma ideia que existia na realidade, ele, na verdade, elevou a arte ao campo das ideias e a equiparou à religião e à filosofia. Logo, sendo a arte uma manifestação do espirito (como a religião e a filosofia), ela é superior à natureza, que apenas materializa o inteligível (as ideias). Atente para o fato de que Hegel se utilizou do pensamento platônico, mas não considerava a arte simples imitação, por isso o belo seria a manifestação sensível, numa obra de arte histórica, desse espírito.
	Matriz:
	A Estética e a modernidade
	Aula:
	1
	Dúvida:
	O pintor Édouard Manet é considerado o precursor do Impressionismo. Para ele, os objetos tinham somente valor pictórico, isto é, a forma e a representação eram mais importantes que o tema ou que o conteúdo da imagem, daí o surgimento da afirmação consciente de um "olhar puro", no domínio da pintura, estabelecida por tal artista. O que significa, exatamente, a expressão "olhar puro", definida por Manet?
	Resposta:
	O termo "olhar puro", cunhado por Manet, significa o olhar sobre aquilo que lhe pertencia em particular, ou seja, sobre a forma e a técnica enquanto um fim exclusivo da arte. O "olhar puro" é também compreendido como uma espécie de retorno reflexivo e crítico dos produtores sobre sua própria produção. Isto é, do artista em relação à sua criação, que poderia se referir a qualquer tipo de tema, em oposição à tradição acadêmica que valorizava apenas a representação de certos temas nas pinturas.
	Matriz:
	A importância da arte e da estética na "Civilização da Imagem"
	Aula:
	1             Vídeo com Explicação: 
	Dúvida:
	Qual é o papel da estética nos dias de hoje, considerando o universo da arte?
	Resposta:
	A Estética, palavra de etimologia grega αισθητική ou aisthésis, que significa percepção, sensação, é um ramo da filosofia cujo objetivo é pensar a natureza do belo e dos fundamentos da arte. Ela estuda o julgamento e a percepção do que é considerado belo e a produção das emoções pelos fenômenos estéticos, além das diferentes formas de arte e de técnica artística. Da mesma forma, a estética ocupa-se também do sublime ou da privação da beleza, ou seja, do que pode ser considerado feio, ou até mesmo ridículo, afinal não é a beleza que define se um objeto é ou não um objeto de arte. Dessa forma, os pressupostos da Estética ou as conclusões resultantes do estudo da Estética, acompanham as transformações na arte e na forma como os indivíduos se relacionam com a arte, no decorrer do tempo. Portanto, a Estética contemporânea é diferente da Estética de outros tempos, mas a sua missão continua a mesma.
	Matriz:
	A história da arte: da antiguidade à arte moderna
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Qual é o papel da arte na História da Humanidade?
	Resposta:
	Muitos estudiosos e outros tantos pesquisadores tentam, desde muito tempo, desvendar as origens da humanidade, isto é, as raízes da passagem do homem primitivo ao homem propriamente dito, o Homo sapiens. A despeito das conclusões dessas pesquisas, uma coisa permanece como fato: ao aparecimento do homem, ou da humanidade, está diretamente associado o aparecimento das formas simbólicas, isto é, da religião, da língua e da arte. A história de cada uma dessas formas simbólicas, sobretudo a história da arte, consiste em um conjunto de depoimentos sobre a própria origem e evolução do ser humano, pois uma coisa não se dissocia da outra. É por isso que a história da arte geralmente é organizada em períodos que acompanham o próprio desenvolvimento das civilizações, e está aí a importância da arte para a História da Humanidade.
	Matriz:
	A arte na Antiguidade
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Por que grande parte das representações artísticas dos egípcios destinava-se a ser "uma moradia do Ka"?
	Resposta:
	O termo "KA", no Egito Antigo, significava um dos quatro (ou cinco) elementos da essência espiritual de sua crença, mas de modo geral, para nossa compreensão, o KA pode ser entendido como um equivalente da alma na dualidade cristã corpo-espírito. Pois bem, como a religião do Egito Antigo preconizava uma vida além-túmulo, para que os espíritos prosseguissem nessa vida eterna, depois da morte, precisavam que no mundo terreno o KA contasse com representações que garantissem a eles uma morada, uma referência, logo toda a criação artística egípcia preocupava-se com essa temática. Assim, as estátuas, os sarcófagos e as próprias múmias tinham como finalidade representar o indivíduo morto no mundo terreno, para que no mundo além-túmulo, a sua alma ou o KA continuasse a viver da mesma maneira que ele vivia na terra.
	Matriz:
	A arte na Antiguidade
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Equilíbrio e simetria significam a mesma coisa em arte?
	Resposta:
	Não. Tecnicamente, existem dois tipos de equilíbrio em uma composição. Equilíbrio simétrico, também denominado de "formal" ou "axial", e equilíbrio assimétrico, também denominado de "informal". O equilíbrio simétrico, produz na pintura, sensação de paz, calma e estabilidade visual, pois sempre será referente a um eixo - vertical ou horizontal, que dividirá a imagem em duas partes rebatidas. Enquanto que o equilíbrio assimétrico é caracterizado pela distribuição de objetos com "pesos" visuais diferentes, contrabalançando um e outro, produzindo uma certa informalidade e tensão na pintura.
	
	Matriz:
	A arte na Antiguidade
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Qual a importância da arte egípcia, para a humanidade e para a história da arte?
	Resposta:
	A arte egípcia, assim como a arte nos demais períodos e estilos artísticos, foi importante por vários motivos. A arte representa uma época e uma cultura, sob a ação do indivíduo artista, mas também deixa um legado para a posteridade, tanto no campo técnico e pictórico, como quanto a valores conceituais. No caso da arte egípcia, especificamente, é fundamental considerar a Lei da Frontalidade que regia as representações artísticas do ser humano, a utilização das cores e da escala como símbolos de gênero e importância social, as obras arquitetônicas, quase inimagináveis para a época, além da escrita, reconhecida por muitos como a primeira forma de escrita de que se tem notícia. No Egito Antigo, a arte foi muito importante pois estava presente em todas as áreas da atividade humana, visto que era a ferramenta de representação da religião egípcia e a civilização egípcia antiga tinha na religião a sua regra de vida.
	Matriz:
	A arte na Antiguidade
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Quais foram as principais manifestações da arquitetura na Mesopotâmia?
	Resposta:
	A arquitetura mesopotâmica foi caracterizada por influências exercidas pelo meio ambiente. Em virtude da inexistência de pedra e madeira na planície aluvial, entre os rios Tigre e Eufrates, os escultores dependiam da importação de materiais de construção ou tinham que utilizar substitutos como a terracota. Logo, a arquitetura foi afetada pela necessidade de empregar o tijolo como material e também por problemas técnicos na construção dos telhados, apenas em parte solucionados com a invenção da abóbada de tijolos no segundo milênio. Diante dos fatores apresentados, as principais manifestações da arquitetura mesopotâmica foram os palácios, em geral muito grandiosos; construídos com pouca pedra, daí as paredes tinham que ser grossas, pois eram feitas de tijolos. E os templos, que possuíam instalações completas, com aposentos para os sacerdotes e outros compartimentos. Um elemento característico da arquitetura mesopotâmica foi o Zigurate, torre de vários andares, em geral sete, sobre a qual havia uma capela, usada para observar o céu e para a realização de rituais sagrados das diversas religiões mesopotâmicas.
	Matriz:
	A arte na Antiguidade
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Por que as pinturas egípcias muitas vezes apresentam imagens de corpos humanos "retorcidos" ?
	Resposta:
	No Egito Antigo, havia uma preocupação em representar, através de imagens pintadas, cada parte docorpo no melhor ângulo de visão possível para quem olhasse a imagem. Desta forma, o tronco era apresentado de frente, mas a cabeça de lado, por exemplo. Os artistas egípcios seguiam regras bem estritas e havia uma preocupação maior com a plenitude do que com a beleza da obra. O que quer que fosse representado na obra, deveria ser representado em seu melhor ângulo de visão, para que ficasse bastante claro para qualquer observador.
	Matriz:
	O Renascimento
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Como se caracteriza o Maneirismo, movimento artístico situado entre o Renascimento e o Barroco?
	Resposta:
	Alguns historiadores consideram o Maneirismo uma transição entre o Renascimento e o Barroco, enquanto outros preferem vê-lo como um estilo, propriamente dito. O certo, porém, é que o Maneirismo é uma conseqüência de um Renascimento clássico que entra em decadência. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o Renascimento. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa naquele momento, quando não só a Igreja, mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Portanto, o Maneirismo, que foi uma evidente tendência para a estilização exagerada e para um capricho exacerbado nos detalhes, extrapolando as rígidas linhas dos cânones clássicos, encerra o movimento renascentista e precede o movimento barroco.
	Matriz:
	O Renascimento
	Aula:
	2
	Dúvida:
	A arte no renascimento representa a natureza do homem ou simplesmente o belo da natureza real?
	Resposta:
	A partir do Renascimento, o ser humano passou a ser o grande foco das preocupações da vida e do imaginário dos artistas. O retrato, por exemplo, tornou-se um dos gêneros mais populares da pintura, utilizado, na ausência da fotografia, para o registro de pessoas e famílias nobres e burguesas. Dentro desse universo de figurações, o auto-retrato se estabelece como um sub-gênero repleto de peculiaridades. Nele, o artista se retrata e se expressa, numa tentativa de leitura e transmissão de suas características físicas e sua interioridade emocional. Mas também, na maneira como utiliza cores e pinceladas, no modo como desenha suas próprias formas e lhes atribui volumes e texturas, o artista constrói seus próprios comentários sobre a natureza a partir dos atributos da arte renascentista: Racionalidade; Dignidade do Ser Humano; Rigor Científico; Ideal Humanista; Reutilização das artes greco-romanas.
	Matriz:
	O Renascimento
	Aula:
	2
	Dúvida:
	A arte no renascimento representa a natureza do homem ou simplesmente o belo da natureza real?
	Resposta:
	A partir do Renascimento, o ser humano passou a ser o grande foco das preocupações da vida e do imaginário dos artistas. O retrato, por exemplo, tornou-se um dos gêneros mais populares da pintura, utilizado, na ausência da fotografia, para o registro de pessoas e famílias nobres e burguesas. Dentro desse universo de figurações, o auto-retrato se estabelece como um sub-gênero repleto de peculiaridades. Nele, o artista se retrata e se expressa, numa tentativa de leitura e transmissão de suas características físicas e sua interioridade emocional. Mas também, na maneira como utiliza cores e pinceladas, no modo como desenha suas próprias formas e lhes atribui volumes e texturas, o artista constrói seus próprios comentários sobre a natureza a partir dos atributos da arte renascentista: Racionalidade; Dignidade do Ser Humano; Rigor Científico; Ideal Humanista; Reutilização das artes greco-romanas.
	Matriz:
	O Barroco no Brasil
	Aula:
	2             Vídeo com Explicação: 
	Dúvida:
	Quais foram os primeiros modelos literários portugueses que chegaram ao Brasil?
	Resposta:
	Os primeiros modelos literários portugueses que chegaram ao Brasil foram do estilo barroco. Os autores barrocos que mais se destacaram, nessa época, foram: - Gregório de Matos (na poesia); - Padre Vieira (na prosa); - Bento Teixeira; - Frei Manuel de Santa Maria Itaparica; - Botelho de Oliveira; - Sebastião da Rocha Pita;e, - Nuno Marques Pereira.
	Matriz:
	O Barroco no Brasil
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Quando e como surgiu o movimento barroco no Brasil?
	Resposta:
	No século XVIII, o Brasil presenciou o surgimento de uma literatura própria a partir dos escritores nascidos na colônia, quando as primeiras manifestações valorizando a terra surgiram. Os fatos históricos fundamentais da época foram a primeira invasão holandesa, que ocorreu na Bahia, em 1624, e a segunda, em Pernambuco, em 1630, que perdurou até 1654. As invasões aconteceram na região que concentrava a produção da cana-de-açúcar. O Barroco surgiu nesse contexto como fruto de esforços individuais, quando os modelos literários portugueses chegaram ao Brasil. Costuma-se considerar a publicação da obra Prosopopéia (1601), de Bento Teixeira, como o marco inicial do Barroco no Brasil. Esse é um poema épico, de estilo cancioneiro que procura imitar Os Lusíadas. No entanto, a expressão artística barroca que se desenvolveu com mais força foi a arquitetura, na primeira metade do século XVIII.
	Matriz:
	O Barroco no Brasil
	Aula:
	2
	Dúvida:
	Os primeiros artistas brasileiros foram os artistas do Barroco brasileiro ou existe alguma outra expressão, anterior ao Barroco brasileiro, na qual é possível também identificar o papel do artista?
	Resposta:
	Nos primeiros anos da colonização, os padres da chamada Companhia de Jesus (Jesuítas), que vieram para o Brasil, tinham como principal objetivo a catequese dos índios. Eles encontraram nas tribos brasileiras uma inclinação natural para a música, a dança e a oratória. Ou seja: tendências positivas para o desenvolvimento do teatro, que passou a ser usado como instrumento de "civilização" e de educação religiosa, além de diversão. Os atores, nessa época, eram os índios domesticados", os futuros padres, os brancos e os mamelucos. Todos amadores, que atuavam de improviso nas peças apresentadas nas Igrejas, nas praças e nos colégios. No que diz respeito aos autores, o nome de mais destaque da época é o de Padre Anchieta. É dele a autoria de Auto de Pregação Universal, escrito entre 1567 e 1570, e representado em diversos locais do Brasil, por vários anos. O que podemos ainda identificar no século XVI é a repercussão do teatro espanhol em nosso país, e a existência de um nome - ligado ao teatro - de destaque: Manuel Botelho de Oliveira (Bahia, 1636-1711). Ele foi o primeiro poeta brasileiro a ter suas obras publicadas, tendo escrito duas comédias em espanhol (Hay amigo para amigo e Amor, Engaños y Celos).
	Matriz:
	O que é arte moderna?
	Aula:
	3             Vídeo com Explicação: 
	Dúvida:
	O termo pós-modernidade, ou mais especificamente, arte pós-moderna, é a mesma coisa que arte moderna? Trata-se apenas da simples opção que o autor faz de usar um ou outro termo?
	Resposta:
	A arte moderna e a arte pós-moderna são coisas diferentes. A ruptura decisiva entre a modernidade e a pós- modernidade aconteceu, segundo Jean François Lyotard, a partir de 1950, com a mudança no estatuto do saber ocorrida após o ingresso das sociedades na era pós-industrial. Portanto, não podemos utilizar o termo pós-modernidade como sinônimo de modernismo. Na verdade, o termo pós- modernidade significa, a grosso modo, o mesmo que contemporaneidade. Logo, a arte moderna é diferente da arte pós-moderna ou contemporânea.
	Matriz:
	O que é arte moderna?
	Aula:
	3
	Dúvida:
	Na segunda metade do século XIX, surgiu sobretudo na pintura francesa, uma nova tendência estética chamada Realismo, que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização da sociedade. Quais foram as principais preocupações dos pintores realistas?
	Resposta:
	Os pintores realistas preocuparam-se em responder às novas necessidades urbanas, devido às aceleradas mudanças geradas pela industrialização. A compreensão e representação da realidade, o cientificismo, a valorização doobjeto e o sóbrio foram características do Realismo.
	Matriz:
	O Impressionismo: origem e conceitos estéticos
	Aula:
	3
	Dúvida:
	Por que o Impressionismo revolucionou a pintura? Esse movimento faz parte do período da Arte Moderna?
	Resposta:
	A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris, em abril de 1874. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento, pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. O movimento impressionista foi um marco para o início da arte moderna. Os artistas impressionistas não mais se preocupavam com os ensinamentos do Realismo ou da Academia, e mesmo se mantinham alguns aspectos do Realismo, não se comprometiam com a denúncia social. Os pintores impressionistas pesquisavam a produção pictórica, não se interessavam por temáticas nobres ou pelo retrato fiel da realidade, e sim pela criação de novas formas de registrar a luz e as cores, decompondo-as, e captando o instante em que a ação acontecia. As telas eram pintadas ao ar livre, o objetivo era criar obras espontâneas, inspiradas na natureza e que representassem a luz e as cores resultantes num determinado momento.
	Matriz:
	As influências do surgimento da fotografia na arte
	Aula:
	3
	Dúvida:
	Qual a relação entre o surgimento da fotografia e a arte? Quais foram as influências do surgimento da fotografia na pintura impressionista?
	Resposta:
	Vista inicialmente como uma novidade exótica, a fotografia era um processo puramente mecânico. Na segunda metade do século XIX, passa a ser empregada em reportagens de guerra, e se descobre a fotografia como documento histórico. Com o avanço técnico do ofício e menores tempos de exposição, é utilizada para a realização de retratos. Foi um duro golpe para os pintores da época. Antes da fotografia, uma pessoa que desejasse um retrato deveria posar para um pintor. Com a fotografia, tornou-se mais barato e rápido possuir um retrato. Aos pintores, restou o caminho da experimentação. É a gênese dos movimentos modernistas. A fotografia revelou aos artistas aspectos desconhecidos do mundo, e influenciou diretamente o movimento impressionista, considerando-se a ideia de movimento e a instantaneidade da representação.
	Matriz:
	As relações entre fotografia, Impressionismo e Simbolismo
	Aula:
	3
	Dúvida:
	De que forma o surgimento da fotografia no século XIX, influenciou a pintura, estabelecendo os novos rumos da arte, caracterizados, principalmente, pelo movimento impressionista?
	Resposta:
	No século XIX, com o surgimento da fotografia, os artistas, principalmente os pintores, se viram liberados do compromisso que até então possuíam de através da pintura representar de forma fiel a realidade do mundo material. Com isso, na pintura da época é possível observar-se uma tendência cada vez maior para novas experimentações e para o distanciamento da figuração na arte, numa trajetória em busca da abstração na arte, iniciada pelo movimento Impressionista.
	Matriz:
	A arte no Brasil no início do século XIX
	Aula:
	3
	Dúvida:
	No início do século XIX, predominava no Brasil a produção artística nacional ou os pintores eram europeus ?
	Resposta:
	Para compreender as características da arte brasileira do século XIX, é preciso ter em mente que o Brasil fazia parte do sistema colonial português, e que este, ao impedir qualquer desenvolvimento brasileiro que não servisse diretamente aos interesses de Portugal, acabou por limitar as manifestações artísticas da colônia. A Arte Brasileira, no período colonial, desenvolveu-se estritamente relacionada à religião e não houve, durante esses 300 anos, nenhuma instituição dedicada ao ensino, ocasionando o desenvolvimento do autodidatismo e do empirismo artístico. Até o final do século XVIII, a produção artística estava vinculada à igreja e à construção de fortificações. Durante séculos, as artes foram um poderoso instrumento de evangelização nas mãos das ordens religiosas. A história da arte brasileira, a partir de meados do século XIX até o seu final, é fortemente marcada pela atuação da Academia Imperial de Belas Artes (artistas europeus, dominantemente franceses) que determinou, não só a sistematização do ensino artístico, como também criou uma referência estética e cultural através deste modelo, estabelecendo um novo tipo de olhar. Desenvolveu-se sob a proteção do Imperador e, pela convivência direta com o poder, impôs seu programa de forma autoritária. Os ensinamentos foram formulados e dirigidos visando manter os princípios neoclássicos que, por um longo período, ditaram as bases da arte brasileira.
	Matriz:
	O conceito expressionista e suas origens
	Aula:
	4
	Dúvida:
	O que foi o Expressionismo?
	Resposta:
	O Expressionismo foi uma corrente artística concentrada especialmente na Alemanha, entre os anos de 1905 e 1930. Os artistas expressionistas tentaram transmitir a sua arte utilizando uma forma psicológica onde pudessem expressar seus sentimentos íntimos, mais do que o mundo exterior. É uma pintura pessoal e intensamente apaixonada. No Expressionismo o artista utiliza a tela como um meio de comunicação para manifestar suas emoções. As cores utilizadas são fortes, chegando a ser irreais. As pinceladas eram rápidas, demonstrando enorme vitalidade. Um dos grandes inspiradores dos pintores expressionistas foi Van Gogh, com suas técnicas e cores extraordinárias. O expressionismo nasce no fim do século XIX e início do XX em oposição ao Impressionismo. O pintor expressionista buscava representar a subjetividade, como as paixões e o irracional. Os pintores expressionistas aproveitaram o pós- guerra (no caso, relativo à Primeira Guerra Mundial) e usavam a pintura como uma forma de denúncia.
	Matriz:
	O movimento fauvista ou Fauvismo
	Aula:
	4
	Dúvida:
	Como conceituar o Fauvismo, o que o movimento fauvista representou e quais foram as suas características?
	Resposta:
	O Fauvismo foi um movimento artístico que ocorreu no início do século XX (a partir de 1901, mas realmente reconhecido como movimento entre 1905 e 1907). Tratava-se de pintores, como Matisse, que usavam as cores de modo violento e com bastante sentimentalismo. Foram influenciados por Van Gogh (através de sua passionalidade) e por Gauguin (por conta de seu primitivismo). O nome foi dado a partir de uma crítica que correlacionou os pintores do Fauvismo e a forma como as cores eram apresentadas nas pinturas fauvistas a feras (fauve em francês). Além disso, havia, nas pinturas fauvistas, uma deformação da realidade bastante impulsiva e expressiva (tal como no Expressionismo).
	Matriz:
	Características estéticas do Fauvismo
	Aula:
	4
	Dúvida:
	O Fauvismo foi o movimento artístico que estabeleceu o gosto pelas cores puras. Mas, além disso, a visão dos artistas fauvistas sobre a representação da natureza foi, também, bastante particular. Como os pintores fauvistas se comportavam em relação à representação da natureza?
	Resposta:
	Os fauvistas representavam as paisagens, e a natureza de um modo geral, numa clara tentativa de interpretação subjetiva da natureza. Isto é, os fauvistas não se preocupavam em representar a natureza, de maneira realista, ou como ela era vista de fato, principalmente, no que se refere à utilização das cores.
	Matriz:
	Características estéticas do Expressionismo
	Aula:
	4
	Dúvida:
	Quais as principais características do Expressionismo?
	Resposta:
	É importante ressaltar que quando nos referimos ao Expressionismo, estamos tratando do Expressionismo alemão, diferente do Expressionismo Abstrato. O Expressionismo começa com um período preliminar e está representado pelo artista norueguês Munch, autor da obra O Grito. O Expressionismo desenvolveu-se principalmente na Alemanha, onde surgiram importantes grupos de artistas, tais como: Die Brücke (A Ponte), contemporâneo do movimento fauvista francês. Deste grupo, destacam-se Nolde e Kirshner, artistas comprometidoscom a política e a situação social do seu tempo. Outro grupo foi o Der Blaue Reiter (O Ginete ou Cavaleiro Azul), formado em Munique, em 1911, suas obras eram mais subjetivas e espirituais do que as obras do Die Brücke. Os artistas do Ginete Azul pensavam que o sentido e o significado de cada quadro estavam na percepção de cada espectador. As características do Expressionismo são: a deformação da imagem visual e o uso de cores resplandecentes, vibrantes, fundidas ou separadas; a recusa do aprendizado técnico e a pintura conforme as exigências da sensibilidade; o resgate das obras primitivas e a utilização de traços fortes. Como o interesse do movimento é projetar uma reflexão subjetiva, é comum o retrato de seres humanos solitários e sofredores, onde a intenção é de captar estados mentais, que podem ser vistos em vários quadros de personagens deformados.
	Matriz:
	Expressionismo X Impressionismo
	Aula:
	4
	Dúvida:
	Os artistas expressionistas sofreram algum tipo de discriminação dos impressionistas por fazerem uma arte onde os valores emocionais tinham predomínio sobre os valores intelectuais?
	Resposta:
	Não. O Expressionismo surge no final do século XIX com características que ressaltam a subjetividade. Neste movimento, a intenção do artista é de recriar o mundo e não apenas a de absorvê-lo da mesma forma que é visto. Aqui ele se opõe à objetividade da imagem, destacando, em contrapartida, o subjetivismo da expressão. Em oposição ao Impressionismo, o pintor expressionista buscava representar a subjetividade, como as paixões e o irracional. Esse movimento se desenvolveu na Alemanha, os pintores expressionistas usavam a pintura como uma forma de denúncia social. O Expressionismo é posterior ao Impressionismo, e os artistas expressionistas não foram discriminados pelos artistas impressionistas.
	Matriz:
	Expressionismo X Impressionismo
	Aula:
	4
	Dúvida:
	Por que o Impressionismo e o Expressionismo são considerados movimentos artísticos antitéticos?
	Resposta:
	O termo "antitéticos" vem da palavra antítese, que se refere a ideias opostas, contrárias. O Impressionismo foi um movimento que buscou retratar através de suas obras os efeitos da luz do sol sobre a natureza, por isso, quase sempre os artistas impressionistas pintavam ao ar livre. A ênfase impressionista estava na capacidade da luz solar em modificar todas as cores de um ambiente. O Impressionismo surgiu como resultado do surgimento da fotografia, que liberou a arte de seu compromisso com a representação da realidade. O Impressionismo e o Expressionismo são movimentos artísticos consequentes e conceitualmente opostos, ou seja, o Expressionismo surge em consequência do Impressionismo, numa atitude de tentar superá-lo. O Expressionismo foi uma reação à atitude dos artistas impressionistas que não se preocupavam com a emoção em suas criações. Os expressionistas se posicionaram de forma oposta aos impressionistas, pois valorizavam muito mais o tema, a mensagem da obra, e não a captação das cores da natureza, apenas, como os impressionistas. A atitude angustiada e negativa expressionista revelava o lado pessimista da vida, desencadeado pelas circunstâncias históricas de determinado momento. A face oculta da modernização, o isolamento, a alienação, a massificação se fizeram presentes nas grandes cidades e os artistas acharam que deveriam captar os sentimentos mais profundos do ser humano, assim, o principal motor do Expressionismo foi a angústia existencial.
	Matriz:
	Considerações sobre a tela Les Demoiselies d´Avignon
	Aula:
	5
	Dúvida:
	Qual a influência da arte africana na obra Les Demoiselies d´Avignon de Picasso?
	Resposta:
	O Cubismo foi um dos principais, e mais comentados, estilos do Modernismo ou das chamadas Vanguardas. Mas o que a Arte Africana tem a ver com isso? Pablo Picasso (1881-1973), um dos precursores do Cubismo, começou a desenvolver o estilo a partir de visitas a uma exposição de Arte Africana, no Museu do Homem de Paris, em 1905. O trabalho exposto causou uma forte impressão no artista, especialmente as máscaras, o que fez com que ele procurasse retratá-las em suas pinturas. As máscaras, carregadas de significados sagrados, mas também pela simplificação das formas, tornaram- se referência para alguns artistas do Modernismo, em especial para Picasso que, influenciado por elas, inaugurou uma nova fase da sua obra, o que alguns estudiosos denominam como protocubismo, um antecedente do Cubismo. Na tela Les Demoiselle d´Avignon, de Picasso, percebemos, nas duas figuras da direita, a semelhança com as máscaras. Também é possível notar que nas cores do quadro há a predominância de tons terrosos, outra forte referência às cores das máscaras africanas.
	Matriz:
	As fases do Cubismo
	Aula:
	5
	Dúvida:
	O movimento cubista pode ser dividido em fases. Quais foram as principais fases do Cubismo?
	Resposta:
	As principais fases do movimento cubista foram as seguintes: Fase do Cubismo Analítico - caracterizada pela cor moderada e pelo registro de elementos pictóricos em planos sucessivos e superpostos. As representações do Cubismo Analítico assemelham-se à desconstrução dos objetos representados que se tornam, praticamente, irreconhecíveis. Fase do Cubismo Sintético - caracterizada pelas cores mais fortes e pelo retorno ao figurativo na medida em que buscava tornar as figuras reconhecíveis. Não obstante, passa a empreender o método de "Colagem", fixando objetos reais na tela para extrapolar os limites das sensações visuais que a pintura insinua. É comum considerarmos o Protocubismo ou Fase Cezannista ou Cezaniana, caracterizada pela influência dos trabalhos do artista plástico francês Paul Cézanne e pela arte africana, como a primeira fase do Cubismo, mas, na verdade, essa fase é considerada anterior ao movimento cubista.
	Matriz:
	Características do movimento cubista
	Aula:
	5
	Dúvida:
	Desde o início do Renascimento italiano, os artistas tinham sido guiados pelos princípios da perspectiva matemática e científica, de acordo com os quais o artista via seu modelo ou objeto de um único ponto de vista estacionário. Como o Cubismo, a partir do rompimento com a perspectiva tradicional, estabeleceu o conceito de visão simultânea?
	Resposta:
	O rompimento com a perspectiva tradicional por parte dos cubistas, que estabeleceu um tipo de representação tridimensional dos objetos, na bidimensionalidade da tela, seria denominado pelos críticos como visão simultânea, ou seja, a fusão de várias vistas de uma figura ou objeto numa única imagem. Era como se Picasso e os cubistas andassem 180 graus ao redor de seus modelos e tivessem sintetizado suas sucessivas impressões e percepções em uma única imagem.
	Matriz:
	O Futurismo
	Aula:
	5
	Dúvida:
	De certa forma o movimento futurista foi o mais radical dos movimentos da arte moderna, rejeitando todas as tradições e os valores, e as instituições consagradas pelo tempo. O que o Futurismo oferecia ao mundo?
	Resposta:
	O movimento futurista oferecia ao mundo o desafio, não só quanto aos valores artísticos tradicionais mas também às ambições estéticas da arte de vanguarda mais radical. As artes futuristas provaram a possibilidade de usar a arte como meio de captar aspectos tanto não visuais quanto visuais de um meio ambiente reconhecido como dinâmico e não estático. Ao associar as cores brilhantes às formas fragmentadas do Cubismo, eles também encorajaram os cubistas a se aproximarem da cor e foram os precursores da Arte Óptica (Op Art) da década de 60.
	Matriz:
	Características do movimento futurista
	Aula:
	5
	Dúvida:
	Os futuristas tentaram mostrar em suas pinturas a ideia de dinamismo?
	Resposta:
	Os futuristas procuraram caracterizar a deformação e desmaterialização pelas quais passam os objetos e o espaço quando ocorre a ação. Uma de suas propostas foi a divisão da cor. É mais do que sabido que, qualquer objeto em movimento, um automóvel, por exemplo, é visto pelo observador como uma sucessãode linhas coloridas fugazes. Esta teoria pode parecer familiar quando se pensa nos esforços que os impressionistas fizeram para captar a luz ou as cores num momento determinado. Mas é exatamente aí que está a diferença na proposição dos futuristas. É que os futuristas aspiram à captação de um instante preciso na tela, sem a soma de momentos que, em conjunto, constroem a ação. Além disso, como um objeto em movimento também perde sua forma original, é necessário fragmentar volumes e linhas. Não bastasse isso, os futuristas ousaram ainda mais. Repetiram essas fragmentações até saturar o plano, com o que conseguiram alcançar seus maiores objetivos: a simultaneidade e a ideia de aceleração e movimento.
	Matriz:
	O período colonial e barroco brasileiros
	Aula:
	5
	Dúvida:
	Quais as principais diferenças entre o Barroco Brasileiro e o Barroco Europeu?
	Resposta:
	O contexto histórico do movimento Barroco se situa após o processo de reformas religiosas, ocorrido no século XVI, quando a Igreja Católica que havia perdido muito espaço e poder, continuava, ainda assim, influenciando o cenário político, econômico e religioso na Europa. A arte barroca expressava todo o contraste daquele período: a espiritualidade e o teocentrismo da Idade Média contra o racionalismo e o antropocentrismo do Renascimento. Todavia, é possível perceber algumas diferenças entre os movimentos que aconteceram na Europa e no Brasil. As obras do Barroco Europeu valorizavam as cores, as sombras e a luz, e representavam contrastes. As imagens não eram tão centralizadas quanto as renascentistas e apareciam de forma dinâmica, valorizando o movimento. Os temas principais eram a mitologia, passagens da Bíblia e a história da humanidade. As cenas retratadas costumavam ser sobre a vida da nobreza, o cotidiano da burguesia, naturezas-mortas entre outros. Muitos artistas barrocos dedicaram-se a decorar igrejas com esculturas e pinturas. Mas, no Brasil, apesar do Barroco Brasileiro ter sido diretamente influenciado pelo barroco português, com o tempo, ele foi assumindo características próprias. A grande produção artística barroca no Brasil ocorreu nas cidade auríferas de Minas Gerais, no chamado século do ouro (século XVIII). Estas cidades eram ricas e possuíam uma intensa vida cultural e artística em pleno desenvolvimento. O principal representante do barroco mineiro foi o escultor e arquiteto Antônio Francisco de Lisboa também conhecido como Aleijadinho. Suas obras, de forte caráter religioso, eram feitas em madeira e pedra-sabão, os principais materiais usados pelos artistas barrocos do Brasil, já que a maior parte do ouro de Minas Gerais seguia para Portugal. No barroco europeu observamos tons mais escuros e suaves em comparação com o barroco brasileiro que possui tons mais fortes e expressivos com o uso de cores vivas evidenciado, principalmente, nas pinturas do mestre Ataíde, outro importante artista do Barroco brasileiro.
	Matriz:
	A missão francesa no Brasil
	Aula:
	5
	Dúvida:
	Quais as contribuições dos artistas franceses para a arte no Brasil, durante o século XIX ?
	Resposta:
	Independente das circunstâncias de sua formação, a Missão Francesa ou Colônia Lebreton devido ao nome do maior organizador Joachim Lebreton, chegou ao Brasil em 26 de março de 1816, composta de artistas e artífices. A proposta de Lebreton era organizar um sistema de ensino das Belas-Artes e dos Ofícios, que já estava em vigor nas mais importantes cidades europeias, mas ainda não havia chegado a Portugual. Em 12 de agosto de 1816, um decreto cria a Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios. Para desenvolver o projeto do edifício da futura Academia das Belas-Artes, foi chamado o arquiteto da Missão Grandjean Montigny. Seu projeto foi apresentado a D. João VI, que imediatamente autorizou o inicio das obras. Independente da posição crítica diante da Missão Francesa de 1816, é fato que os artistas franceses que aqui estiveram sob a liderança de Lebreton, deixaram seus frutos em terras brasileiras. Dentre as artes por eles ensinadas, foi a arquitetura que teve maior e mais rápida aceitação, pois consolidou o Neoclassicismo que chegou ao Rio de Janeiro juntamente com a corte portuguesa, composta por alguns arquitetos neoclássicos. O artista como homem livre, tem aceitação relativamente rápida em uma classe burguesa e sua liberdade de criar passa a ser fundamental para que ele absorva algumas condições reais do século XIX.
	Matriz:
	A semana de arte moderna de 22 e o movimento antropofágico
	Aula:
	5
	Dúvida:
	"Embora tenha sido alvo de muitas críticas, a Semana de Arte Moderna de 1922, através dos movimentos Pau-Brasil e Antropofágico, divulgou o movimento modernista no Brasil." Qual foi a importância de Anita Malfatti e Tarsila do Amaral na Semana de 1922 e para o Modernismo Brasileiro?
	Resposta:
	Além de serem mulheres envolvidas com a arte, o que já era chocante na época, ambas as artistas ousaram e quebraram normas e padrões até então vigentes na arte nacional. Anita Malfatti, com suas obras influenciadas pelo Cubismo e Futurismo, escandalizou a sociedade conservadora da época. E, Tarsila do Amaral, utilizando em suas obras temas sociais e cotidianos e formas geométricas (influência cubista), estabeleceu uma estética considerada totalmente fora do padrão da época.