A Relevância das Histórias de Tecnologia

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A Relevância das Histórias de Tecnologia
"Historiadores de tecnologia têm feito consideravelmente melhor do que os historiadores
de projeto em relacionar os temas de suas investigações a um social mais amplo
campo. No americana Genesis: Um Século de Invenção e Tecnológico
Entusiasmo, 1870-1970 Thomas Hughes mudou muito além de um estudo
de objetos individuais de ligação tecnologia e da invenção de uma explicação
do caráter americano. Ele localizou o mais importante tecnológico
desenvolvimentos a nível dos sistemas, e não individual
objetos. "Nos relatos populares de tecnologia", escreveu ele, "invenções
do final do século XIX, como a luz incandescente, o
rádio, o avião e o automóvel conduzido a gasolina, ocupar
o centro do palco, mas essas invenções foram integrados no tecnológica
sistemas. Tais sistemas envolvem muito mais do que a chamada
hardware, dispositivos, máquinas e processos, bem como o transporte,
redes de comunicação e informação que os interligam.
Esses sistemas consistem também de pessoas e da organização. "Como um exemplo,
ele citou um sistema de luz e energia elétrica que possam incorporar
"Geradores, motores, linhas de transmissão, as empresas de serviços públicos,
empresas industriais e bancos. Até mesmo um órgão regulador pode
ser cooptados para o sistema. "
"Um tema central do livro de Hughes é a forma como a cultura da
invenção mudou de oficinas de inventores individuais e
suas equipes para grandes laboratórios corporativos, que eram muito mais
conservador, mesmo quando eles industrializados processo de inventar.
Em jogo no relato de Hughes da tecnologia é como os Estados Unidos
organizou-se como uma nação para produzir dispositivos tecnológicos para
paz e de guerra. Sua atenção aos sistemas mostra os atores sociais como
de muitas origens diferentes se uniram para realizar
objetivos comuns, e ele também examina a relação complexa entre
essas metas e os sistemas tecnológicos que ele descreve. embora ele
lida com grandes temas da política do governo e estratégia corporativa,
não há nada na narrativa de Hughes, que se situa fora da história
de design. Comparando Thomas Edison e Henry Ford como designers
ele escreve:
Projetando uma máquina ou um sistema de energia-e-luz que
funcionado de uma forma ordenada, controlável e previsível
encantados Edison o inventor: a concepção de um tecnológico
sistema composto por máquinas, química e metalúrgica
processos, minas, fábricas, linhas ferroviárias, e
organizações de vendas para funcionar de forma racional e eficiente
Ford construtor do sistema eufórico. As realizações de
os integradores de sistemas nos ajudar a entender por que seus contemporâneos
acreditava não só que eles poderiam criar uma nova
mundo, mas que também sabiam como solicitar e controlá-lo.
"Hughes refere-se aqui ao projeto de Henry Ford para o extraordinário
Planta River Rouge, em que todo o processo de criação de um automóvel
a partir da produção de aço para o fabrico de peças, para
o design das carrocerias e montagem final do veículo
ocorreu. Ao caracterizar a concepção de Ford e plano de rio
Rouge como design, Hughes amplia a esfera de atividade que pode
e deve ser tratada no âmbito da história do design, além de conectar
design para uma variedade de práticas de negócios ambiciosos cujo estudo
está faltando no campo.
"Como Hughes, outro historiador da tecnologia, David Nobel,
estende-se a ideia de projeto em seu livro America by Design: Ciência,
Tecnologia, e a ascensão do capitalismo corporativo com a invenção de
sistemas complexos, onde os executivos de negócios expropriados o
conhecimento técnico dos trabalhadores e reduziu-os a partes de um
processo de produção sobre o qual eles não tinham controle. O que, pode-se
pergunto, que isso tem a ver com design? Por que não deveria ser trabalho
história? A resposta é que o objeto de investigação da Nobel é
não o trabalho em si, mas o seu lugar no seio das organizações empresariais que
gerenciado inovação tecnológica. E estes foram concebidos. "Para
A tecnologia não é simplesmente uma força motriz da história da humanidade, "Nobel
escreve. "É algo em si humana; ele não é apenas o homem-made,
mas feito de homens. "
Ambos Hughes e Nobel como historiadores da tecnologia deve uma
tremenda dívida de Lewis Mumford, cujos interesses ampla abraçou
tecnologia, arquitetura, urbanismo, literatura e muito mais.
Embora Mumford tinha compromissos acadêmicos de várias universidades
Durante sua carreira, ele era principalmente um ativista e cruzado
para quem a pesquisa histórica foi uma estratégia para examinar grande moral
e questões éticas que relacionados com a concepção de tudo. sua 1934
livro Technics e Civilização, como repleto de polêmicas, pois é com os fatos,
não é um modelo para o historiador sistemática. No entanto, é o
melhor relato que temos de quão profundamente a tecnologia está embutida
a condução da vida social. O que leva a narrativa de Mumford é o
maneira que moldou o caráter humano. Enquanto ele se insere e
seus valores na história da tecnologia de uma forma que faria com que
consternação entre os historiadores profissionais, como resultado, ele faz a negrito
afirmam que a tecnologia contribui para a mecanização da vida e
prejudica o estilo de vida orgânica valoriza. Mumford também aborda
o futuro como Hobsbawm exortou os historiadores a fazer, embora ele faz isso de uma normativa, em vez de uma forma preditiva. "Por isso nós não
tem que renunciar a máquina completamente ", diz ele," e voltar
ao artesanato, a fim de abolir uma boa dose de máquinas inúteis
e pesada rotina: nós apenas temos que usar a imaginação e
inteligência e disciplina social em nosso tráfego com a máquina
si. "
Por que é então que Technics e Civilizacao dificilmente é lido ou
referidas pelos historiadores de design, ao mesmo tempo que continua sendo um dos fundadores
textos para os historiadores da tecnologia? É um complemento natural para
Mecanização de Siegfried Giedion Takes Comando, que muitos
historiadores design de referência, mas dedica menos atenção ao mobiliário
e outros objetos domésticos que continuam a ocupar um lugar central na
projetar a pesquisa de história. Historiadores do design feministas como Cheryl
Buckley também ignorou Mumford e a história da tecnologia em
geral quando procurou identificar o papel que as mulheres desempenharam
na história do design. Em um ensaio seminal ", mas o patriarcado:
Para uma análise feminista de Mulheres em design ", publicado em
1986, Buckley defendeu um maior reconhecimento das artes do ofício que tinha
sido negligenciado pelos historiadores do design, em vez de considerar o
campo de invenção mecânica e técnico, onde muitos exemplos
das conquistas das mulheres são evidente.
Toque, mesmo levantamento de Isabelle Anscombe de uma mulher: Mulheres em projeto de 1860 até o presente Abrangentes, Mulheres volume editado do dia e Pat Kirkham
Designers nos EUA, 1900-2000, os quais discutem as mulheres como
designers industriais, não fazem menção da invenção e do projeto
da tecnologia como atividades que se envolveu mulheres.
Historiadores escrevem a historia do design
"Entre os historiadores, a Escola dos Annales francesa tomou materiais
cultura mais sério como uma consequência do interesse dos seus membros
em geografia, sociologia, economia e disciplinas afins. Henri
Berr, fundador da Revue de síntese histórica no final do
século XIX, constituíram um estímulo para futuros historiadores Annales,
mas foi o diário de Lucien Febvre Annales de Marc Bloch e
d'histoire économique et social, que foi fundada em 1929, que
tornou-se o foco principal para a grupo.25 dos historiadores Annales,
Fernand Braudel pago a maior atenção ao material de diário
vida e incluiu-a como um componente vital de sua história em três volumes
Civilização e Capitalismo décima quinto ao décimo oitavo século, a edição francesa de
que foi publicado em 1979, o objetivo da Braudel era expandir o
estudo da economia de mercadoeuropeia, expondo a mais complexa
estrutura do que ele acreditava que outros historiadores havia reconhecido. além
os mecanismos de produção e de troca, ele identificou "um outro,
zona de sombra, muitas vezes difícil de ver por falta de documentos históricos adequados,
encontrando-se abaixo da economia de mercado: isto é que elementar
atividade básica que passou por toda parte e cujo volume é
verdadeiramente fantástico. "Braudel chamou esta zona" vida material "ou" materiais
civilização. "Embora ele reconheceu a ambiguidade de ambos os termos, ele acreditava que a esfera de atividade para a qual eles estavam foi essencial
ao seu relato de como o capitalismo se desenvolveu.
Braudel enfatizou casas, móveis e modas como
indicadores de diferenças entre os ricos e os pobres. "Os pobres
nas cidades e no campo do Ocidente vivia em um estado de quase
privação completa ", escreveu ele. "A mobília consistia de próximo a
nada, pelo menos antes do século XVIII, quando um rudimentar
luxo começou a se espalhar ... ". Ele brevemente discutidos os fabricantes de móveis,
mas dedicou muito menos atenção ao seu ofício do que para um mais
conta antropológico de onde os móveis foram colocados em casas e
porquê. O design de interiores foi, para Braudel, também um indicador de um
estabilidade da sociedade. Ele observou que os interiores imutáveis ​​eram característicos
de civilizações tradicionais.
"Um interior chinês da XV século ", afirmou," poderia igualmente bem data do XVIII, se
ignora certas variações-porcelanas, pinturas e bronzes ".
Por outro lado, Braudel argumentou que "a característica do Ocidente em
matéria de mobiliário e decoração interior foi, sem dúvida, a sua
gosto de mudança, uma relativa rapidez do desenvolvimento que a China
nunca soube. No Ocidente, tudo estava em constante mudança ...
nada escapava uma evolução complexa. "Ele tratou de moda da mesma forma,
vinculando-o a uma ampla gama de costumes que incluem gestos, cumprimentos,
e corpo cuidado.
Braudel considerado casas, interiores e componentes de vestuário
da vida material, que se relacionava com alimentos, tecnologia, dinheiro,
e urbanismo. Concluindo o capítulo em seu primeiro volume, onde
discute estes, ele afirmou a importância de material, considerando
mercadorias em um contexto econômico e um social bem. Para Braudel,
os bens materiais são constituintes de "uma ordem complexa, à qual o
suposições, tendências e pressões inconscientes das economias,
sociedades e civilizações contribuem. "
A principal e críticas justificadas da escola dos Annales
é sua ênfase em estruturas e processos ao invés de eventos.
No entanto, o estudo de Braudel do capitalismo, que adota métodos
da antropologia e da sociologia, pode ser útil para projetar os historiadores
tanto como uma demonstração de ambição acadêmica e um modelo de como
os componentes da vida diária se relacionam com maior econômica e social
forças. Braudel não escrevi sobre o projeto em si, mas a sua inclusão
de edifícios, mobiliário, interiores e roupas dentro de seu estudo
do capitalismo era excepcional entre os historiadores da época, e
continua a servir como um exemplo de como a cultura material pode ser
incorporado dentro de uma grande narrativa, histórica.
Em todo o tempo Braudel publicou seu estudo na França,
historiadores em outros lugares também tinham começado a analisar a relação do design para
temas e questões sociais e econômicas; embora mais recentes.
Um dos textos clássicos agora adotadas pelos historiadores de design, embora
escrito por uma fora historiador do campo, é de Jeffrey Meikle
Twentieth Century Limite: Desenho Industrial na América, 1925-1939. ele
foi publicado em uma série Temple University Press chamada Civilização Americana, onde se juntou a outros volumes sobre a religião revivalista, o darwinismo social, e do feminismo radical. Embora Meikle, um estudioso americano estudos, fornece análises formais de excelentes
vários produtos industriais, ele discute-los dentro de uma narrativa
que descreve como a América tornou-se uma sociedade de consumo. repleto
com documentação de muitas fontes, o livro de 1979 com sucesso
revela as relações sociais complexas que Dilnot mais tarde alegou serem
fundamental para compreender design.
Desde Meikle escreveu de dentro estudos americanos, em vez de
história do design, ele tinha que fazer o projeto relevante para a pesquisa de
outros estudiosos no seu campo; daí o seu quadro é a econômica e
transformação social do período entre as duas guerras mundiais para
que uma transformação na prática do design contribuído. embora
Twentieth Century Limited tem um lugar mais central hoje no cânon
de projetar literatura história do que em estudos norte-americanos, a sua importância
para o último campo está na forma Meikle demonstrado que o design
é crucial na obtenção de uma imagem completa da economia norte-americana durante a
o final de 1920 e os 1930s.33 Alguns anos mais tarde, outro historiador
formado em Estudos Americanos, Regina Lee Blaszczyk, publicou um livro
que o projeto relacionado ao campo mais amplo do consumo. em Imaginando
Consumidores: Projeto e Inovação do Wedgwood a Corning, Blaszczyk
explorou as maneiras que vários fabricantes norte-americanos de porcelana,
vidro e produtos cerâmicos correlacionada a concepção e produção
estratégias com uma avaliação dos mercados procuraram reach.34
Um livro relacionado cujo tema é a sociedade britânica em um período anterior,
e que teve alguma influência sobre a obra de Blaszczyk, é o nascimento de um
Sociedade de Consumo: A Comercialização da Inglaterra do século XVIII
por Neil McKendrick, John Brewer, e JH Plumb em que os três
historiadores mostram como objetos projetados contribuiu para o consumidor
revolução que paralelo de fabricação em fazer a produção em massa
um grampo do mercado capitalista.
Olhando para publicidade e relações públicas, em vez de
design industrial, Roland Marchand anúncios e
capas de revistas, em vez de produtos para examinar negócios americanos
práticas na primeira metade do século XX, e seu efeito sobre a
o público. No entanto, seu livro Anunciando o sonho americano: Factura
Caminho para o Modernismo, 1920-1940 contribui tanto para a compreensão
o consumidor como faz para explicar o funcionamento das empresas
e suas agências de publicidade. Em um volume posterior, criando o
Alma da Empresa: The Rise of Relações Públicas e Sociedades Imagery em
Americano Big Business, Marchand fez uma importante contribuição
a história dos negócios através da análise do papel das agências de publicidade,
designers e consultores de relações públicas na criação corporativo
imagens. Entre os designers industriais que participaram deste
processo foram Walter Dorwin Teague e Norman Bel Geddes, sobre
tanto de quem escreveu Marchand extensível.35 histórias Publicidade
como fábulas de Jackson Lears da abundância: uma história cultural do
Publicidade na América e Artistas de Michele Bogart, Publicidade e Fronteiras da Arte também fizeram contribuições importantes para a
nossa compreensão de como os designers, bem como diretores de arte e
ilustradores trabalhou dentro do sistema de publicidade maior, enquanto Neil
Harris incluiu um ensaio sobre a concepção e a corporação moderna
seu livro Excursões Culturais: Marketing de apetites e gostos culturais
na América moderna.
Outros historiadores culturais, além de Neil Harris ter escrito
sobre o projeto; entre eles Deborah Silverman, um estudante de Carl
Schorske. Em seu livro Fin-de-Siècle de Viena: Política e Cultura,
Schorske incluído um capítulo sobre a Ringstrasse e sua construção,
que se relacionava com discussões de figuras intelectuais e culturais
incluindo Gustav Klimt e Sigmund Freud. Silverman adotado
Método de integração de cultura material e intelectual do Schorske
história em seu estudo Art Nouveau na Fin-de-Siècle França, onde ela
olhou art nouveau de várias novas perspectivas: o seu lugar em um
evoluindo discussão políticado governo no âmbito da União Central
das Artes Decorativas, abraço de século 18 da Terceira República
arquitetura e artes decorativas como um ato de auto-glorificação,
e a relação do movimento com a nouvelle.36 Psychologie
De todas as figuras canônicas da história do design, William Morris
atraiu o maior interesse dos historiadores fora do campo.
Este interesse não ignorou suas realizações de design, mas tem
mais enfaticamente enfatizou suas opiniões políticas e sua crítica
de cultura industrial. Um livro no início Morris, e ainda mais
substancial em relação a suas opiniões políticas, é EP Thompson
William Morris: Romântico a Revolucionário. Ao redesenhar o mundo:
William Morris, 1880, e as Artes e Ofícios Movimento, Peter
Stansky não atender aos artefatos que Morris e outros produzidos,
mas ele dedica grande atenção às relações sociais que
subjacente às alianças e sociedades expositoras do movimento, e
aborda a questão da sua eficácia. Arte e Trabalho de Eileen Boris:
Ruskin, Morris, eo artesão Ideal na América apareceu no
mesma série Civilização americana como Twentieth de Jeffrey Meikle
Century Limited. Um estudioso Estudos Americanos como Meikle, Boris
examinou como os valores de artesanato de Ruskin e Morris subjacente um
resistência aos processos de americanos dominantes mecanizada
produção. "Ao analisar as ideias do movimento de artesanato em sua
social, econômico e contexto cultural ", escreve Boris", este livro
tenta examinar o final do século XIX e início do século XX
resposta à ordem corporativa em desenvolvimento. "
Ao citar uma série de historiadores que encontraram no estudo
de projetar os meios para lidar com questões relacionadas com a economia, trabalho,
política, e movimentos sociais, eu não quero dar a entender que os estudiosos
cujo principal destaque é a história do design não se engajaram
Da mesma forma com preocupações sociais. Poderíamos citar vários estudos,
por exemplo, de como a política de design projeto e contribuíram
para o desenvolvimento de identidade nacional. Nacional de David Crowley
Estilo e Estado-nação: Projeto na Polônia ao vernáculo Revival ao Estilo Internacional é um excelente exemplo, como são muitos dos
ensaios em Designing Modernidade, o catálogo editado por Wendy Kaplan
que acompanhou a primeira exposição no Wolfsonian em Miami,
Florida. Jonathan Woodham abordou esta questão em um contemporâneo
contexto através de uma série de artigos sobre o British Council
de Desenho Industrial; Quarenta e Adrian em Objetos de Desejo: Projeto &
Sociedade de Wedgwood a IBM tem um número de capítulos que seriam
extremamente útil para os historiadores interessados ​​em aspectos da história social
como o trabalho, a higiene, tecnologia e negócios.
Fonte: http://www.mitpressjournals.org/doi/pdf/10.1162/desi.2009.25.2.94
O Design Vitoriano 1835 a 1903
  A Rainha Vitória (1837-1907) da Grã Bretanha marcou uma era muito importante para a cultura inglesa: a Era Vitoriana. No seu reinado as artes, as ciências e a tecnologia foram desenvolvidas em um espaço de tensão entre a tradição do passado e a modernidade. O estilo vitoriano, do qual os ingleses se orgulharam, se estendia aos objetos, móveis,roupa, tecidos, gráfica, arte, arquitetura, paisagismo e design de interiores. Sua influencia chegou a muitos outros continentes e durou mais de um século.  
  O pensamento de John Ruskin (1819-1900), crítico de arte e medievalista, as obras de A.W. Pugin (1812-1852) arquiteto e designer e de William Morris (1834-1896) tiveram uma grande influencia sobre o design vitoriano. Todos eles proclamaram a importância da relação entre arquitetura e design que existia na cultura clássica greco-romana e medieval. Este saudosismo de tempos passados, era parte da cultura romântica da época, mas também revelava o medo do presente e do futuro cada vez mais tomado pelas máquinas de ferro.
  A sociedade industrial era orgulhosa do progresso material que trazia a Revolução Industrial. Mas muitos pensavam que este progresso material deixava de lado as preocupações espirituais e que assim ameaçava o tecido social. Ruskin encontrava na arte a possibilidade de devolver o equilíbrio entre o progresso material e espiritual. Ele escreveu muitos livros de história e crítica de arte que o gosto vitoriano encontrava moralmente edificante. Estes livros instruíram á classe média britânica na idéia da arte como reflexo das condições morais de uma sociedade: "o sinal visível da virtude nacional".(EFLAND, A., 1990).
  Ruskin via a arte como a imitação da natureza, além disto devia proporcionar também prazer. Mas aquilo que tornava um objeto em uma obra de arte era o propósito moral: a maior quantidade de grandes idéias. Para Ruskin as obras de arte são encontros com as grandes idéias. Por causa disto ele defendia a importância de viver em ambientes altamente estéticos. 
 O arquiteto Pugin levou as idéias de Ruskin ao plano do design. Como Ruskin, Pugin propunha um design baseado na utopia regressiva do retorno à beleza da natureza, em oposição ás novas tendências que exaltavam a beleza das máquinas. Eles sentiam aversão pelas tendências arquitetônicas marcadas pelo Palácio de Cristal.  Para Ruskin e Pugin a beleza devia expressar uma função social: "só pode ser belo aquilo que é bom", esta era uma idéia medieval que explicava a beleza como a materialização do bem. (ECO, U.2007)
  Nas artes, o movimento Pré-rafaelista, que tentava retornar á simplicidade e sinceridade da arte foi o que melhor representou a estética e moral vitoriana.   
  O gosto vitoriano cresceu no coração da burguesia britânica do século XIX. Na arquitetura, na decoração, no paisagismo e nas artes gráficas e nos objetos predominaram as formas orgânicas estilizadas de linhas marcadas e osarabescos com decoração austera e volumes geométricos.
  2.2. O movimento Arts and Crafts
   Assim como para Ruskin e Pugin, para William Morris oretorno ao sistema dos grêmios da Idade Média e o retorno à vida em contato com a natureza eram as únicas saídas da alienação das metrópoles, da fria e artificiosa beleza do ferro, da produção industrial em série e da miséria causada pela exploração e pelo trabalho mecanizado das fábricas (ECO, 2007).
  Movido por estas idéias iniciou o movimento Arts and Crafts (Artes e Ofícios) e fundou em 1861 junto ao arquiteto Philiph Webb e outros associados, um estúdio de design com o propósito de restabelecer os laços entre o trabalho belo e o trabalhador e voltar á honestidade do design que a produção em massa negava. O estúdio de Morris e Webb ficou conhecido pela idéia da casa como uma obra de arte total, com todos os objetos desenhados pelos arquitetos e realizados por artesãos experientes usando métodos tradicionais e se inspirando na natureza.
  O design do movimento Arts and Crafts se caracterizou pela:
simplicidade vs. complexidade no ornamento
sistema de grêmios vs. sistema industrial
acabado artesanal vs. acabado industrial
  A missão social do movimento era dar solução aos males da Revolução Industrial: melhorar a qualidade de vida dos trabalhadores, levar a cultura a todos e restabelecer aunião das artes e os ofícios perdida desde o Renascimento.
  Todas as peças feitas nos estúdios do Arts and Crafts seguiam os princípios estabelecidos por Morris:
considerar o material (qualidade e nobreza)
considerar o uso (função)
considerar a construção (design)
considerar a ferramenta (técnica)
  O movimento Arts anda Crafts de Morris teve o apóio da monarquia vitoriana e teve grande sucesso entre a burguesia rica. A marca registrada da oficina de Morris e arquitetos era a alta qualidade artesanal dos produtos. Isto encarecia muito os objetos frente àqueles que produziam as fábricas. O sonho de Morris de oferecer ambientes e objetos altamente estéticos a todos não era possível. Só os ricos podiam comprá-los. Mas o gosto pelos objetos Arts and Crafts cresceu e se estendeu na Alemanha e nos Estados Unidos onde se publicaram revistas especializadas que atingiam umgrande público feminino.
  As idéias do movimento Arts and Crafts, os ventos românticos e a veloz modernização da Europa no final do século XIX inspiraram na França um movimento ainda maior e mais abrangente.
  2.3. O Modernismo ou Art Nouveau 1890 - 1918
  O movimento do Art Nouveau se iniciou na França e se expandiu por toda a Europa convertendo-se em um estilo internacional. Em inglês se conheceu como Modern Style, em espanhol e português como Modernismo, em alemão como Jugenstil e em italiano como Liberty ou Estilo Floreale.
  Este movimento esta estreitamente ligado às correntes artísticas de fim de século que promoveram a imaginação, a expressão e o simbolismo na arte, mas também à produção industrial em série e ao uso de materiais modernos como o ferro, vidro e cimento. À diferença do movimento Arts and Crafts, o movimento francês do Art Nouveau valorizava a racionalidade da ciência e da engenharia e acompanhava o crescimento da burguesia. Era uma nova geração que tinha nascido e crescido nas metrópoles. Desta maneira o Art Nouveau estabeleceu uma articulação estreita entre arte e indústria resultando numa alta qualidade estética dos objetos.
  O Art Nouveau foi o primeiro fenômeno de moda em que as tendências da arte era aplicadas aos objetos. Moderno significa novo, atual. A moda é uma novidade que toma conta de todos os aspectos da vida. Isto foi possível no contexto de uma sociedade que já contava com uma rápida propagação das idéias e os costumes pelos meios de transporte e comunicação e que contava com um mercado entusiasmado pelo consumo das novidades modernas.
  As linhas curvas, os arabescos, as formas orgânicas e geométricas e os motivos florais que caracterizaram o estilo do movimento Arts and Crafts se fizeram mais atrevidas e sensuais no Art Nouveau. Arquitetura, móveis, objetos, jóias, roupa, máquinas, móveis urbanos, tudo se vestiu de linhas onduladas como as entradas do Metrô  de Paris de Henry Guimard ou o Parque Guell de Gaudi. Era uma geração que aceitava a máquina, mas a vestia de adornos floridos para naturalizá-la. A máquina de costura Singer, que foi uma das peças mais vendidas na história do comércio e que até hoje funcionam em alguns cantos domésticos do mundo, são a evidencia do desejo de esconder a frieza do ferro e das máquinas com formas e ornamentos que lembravam a natureza. Era a forma que os modernistas tinham encontrado para aceitar o peso da civilização industrial e que os idealistas ingleses do Arts and Crafts recusavam assimilar.
  Sendo uma continuação do movimento inglês, compartilhou muitas das características estilísticas, mas devido a sua visão otimista do progresso moderno e á sua ligação com a corrente artística do Simbolismo o movimento Art Nouveau foi muito mais sensual e alegre, muito mais glamoroso e atrevido, muito menos preocupada com o sentido moral e mais com o sentido estético e tecnológico. Enquanto o movimento do Arts and Crafts era idealista, o Art Nouveau era positivista.
  Estas são suas características estilísticas:
União entre natureza e artefato
estilização figurativa
Uso de figuras femininas
Padrões florais
Formas orgânicas e geométricas
Cores planas e pasteis
Linhas curvas
arabescos
Originalidade
  Do movimento participaram arquitetos como o espanhol Gaudi, o artista francês Henry Tolouse Lautrec, o designer gráfico e artista inglês Aubrey Beardslay, o arquiteto inglês Machmurdo, o arquiteto belga Victor Horta, o artista austríaco Gustave Klimt, o designer gráfico checo Alphonse Mucha e o francês Jules Cheréte junto a muitos outros mais.
  Houve um grande desenvolvimento do design gráfico com o surgimento dos cartazes coloridos, que agora eram possíveis com a litografia (gravura com matriz de pedra). A vida noturna, boêmia, artística e consumista das metrópoles exigia  por primeira vez uma imensa produção de publicidade e propaganda. Os desenhos eram feitos à mão e a fotografia era usada como base do desenho realista e decorativo. A tipografia seguia uma expressividade manual que lhes deu uma visualidade muito audaz e moderna.
  O nome de Belle Èpoque corresponde a uma época de grande otimismo no futuro da civilização. Uma onda positiva que deu origem ao pensamento Positivista na filosofia de ocidente (ver também materialismo, evolucionismo, marxismo e determinismo na filosofia) e na perspectiva dos que desfrutavam dos prazeres e luxos da modernidade. Mas o que acontecia nas ruas pobres de Paris e de outras metrópoles européias estava longe de ser uma bela época, a situação iria detonar em poucos anos as certezas da razão que na época se encontrava na ciência, nas máquinas e no sistema de produção capitalista. O Art Nouveau foi um sucesso enquanto durou a Belle Époque mas se restringia às ruas dos bairros ricos e ao consumo da burguesia ascendente. Na virada do século com a iminência de uma guerra de grandes proporções o movimento diminuiu a sua força. Com a Primeira Guerra Mundial o movimento se centrou nos Estados Unidos e nos anos 20 derivou no estilo decorativo chamado Art Deco.
  No Brasil a arquitetura e os objetos Art Nouveau ou Modernistas chegaram no começo do século XX com as muitas novidades modernas de Ocidente. Em São Paulo, Rio de Janeiro e Manaus se levantaram obras arquitetônicas das quais só restam algumas como a casa Vila Penteado desenhada por Carlos Eckman e que agora é a Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo.
O movimento artístico Modernista da Semana de 22 não faz parte desta influencia. Ela tem origem nas correntes artísticas da segunda década do século XX. Embora originadas no Art Nouveau ou Modernismo a Arte Moderna do seguinte século difere em propósito e estética daquela que floresceu na Belle Èpoque.
Fonte: http://www.estagiodeartista.pro.br/artedu/histodesign/2_design_secxix.htm