SABATINA - ARTE E MUSICALIZAÇÃO APLICADAS À EDUCAÇÃO (1)-1-1

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Sabatina de Arte e Musicalização aplicadas à educação 
1ª Aula ao vivo 
1) Discorra sobre a etimologia e a definição da palavra arte? 
Do Latim artis, significa maneira de ser ou jeito de agir. Habilidade natural ou, 
adquirida através de conhecimento técnico. Arte é a produção consciente de 
obras ou objetos voltados para a concretização de um ideal de beleza e 
harmonia ou para a expressão da subjetividade humana. Ex.: literária, pintura, 
cinema. Vale ressaltar que esse conceito de arte abordado pelo dicionário é 
restrito e inclui somente o belo, quando na verdade a arte deve ser 
compreendido em sentido amplo, em todas as formas de manifestação, ainda 
que se apresente esteticamente “feia.” 
2) Definição e etimologia da palavra música: 
Do Grego mousikḗ diz respeito às musas, a poesia ou as artes. É a 
combinação harmoniosa de sons. Arte de se exprimir por meio de sons, 
seguindo regras variáveis conforme a época e a civilização, expressando uma 
manifestação cultural. 
3) Contribuições da arte para educação, segundo Barbosa: 
A arte não é apenas básica, mas fundamental na educação de um país que se 
desenvolve. Arte não é enfeite, é cognição, é profissão, é uma forma diferente 
da palavra “interpretar” o mundo. Como conteúdo, a arte apresenta o melhor 
trabalho do ser humano. Não é possível o desenvolvimento integral da 
inteligência sem o desenvolvimento do divergente, do pensamento visual e do 
conhecimento representacional que caracterizam a arte. 
4) Apresente a justificativa da inserção da disciplina de arte no conteúdo 
escolar: 
Devido ao valor intrínseco da arte, como construção humana, patrimônio 
comum a ser apropriado por todos. A disciplina de artes contribui para o 
desenvolvimento dos processos de pensamento e aquisições de atitudes, cujo 
alcance transforma o aluno, pois propicia confiança, capacidade de análise e 
visão ampla da realidade. 
5) Os objetos criados pelo homem possuem uma função específica, em 
outros casos o ser humano com suas emoções e sua estética cria coisas 
sem uma utilidade imediata. Explica a diferença entre a criação da obra de 
arte e a criação de objetos: 
O homem cria objetos para: 1) utilizar, 2) comunicar, 3) expressar sentimentos 
ou 4) visão histórica. As obras de arte são parte de uma cultura (povo). 
Retratam 1) desejos, 2) sentimentos, 3) realidade e história. 
 
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6) Se pretendemos uma educação intelectual, formal, informal, mas 
principalmente humana, a arte é necessária para desenvolver algumas 
habilidades, quais são elas? 
a) Para desenvolver percepções e imaginações, b) para capturar a realidade 
circundante, c) e desenvolver a capacidade criadora, necessária à modificação 
dessa realidade. 
7) Como a arte e a educação podem propiciar inserção cultural e social? 
Mediante a construção de novos conhecimentos. Arte e educação tem alto 
potencial transformador. A educação exerce um papel primordial no 
desenvolvimento da personalidade dos indivíduos. Logo o futuro de um aluno 
motivado e instigado a desenvolver a criatividade e o pensamento crítico, tem 
perspectivas melhores de inserções cultural e social. 
8) Piaget acredita que o conhecimento é resultado de uma construção 
contínua de mediação entre sujeito e o objeto, ou seja, entre meio físico e 
social. É nesse ponto que a participação da arte é fundamental no 
processo de construção de conhecimento. Explique: 
Um trabalho artístico sempre carrega embutido a ação, a intenção do sujeito 
que o criou. Esta intenção é fruto da interação do artista com sua realidade 
histórica e com o próprio objetivo criado. Nesse processo o indivíduo é capaz 
de construir novos entendimentos, novos conceitos, por meio das obras de sua 
criação. Como processo de criação do novo, a arte favorece a superação do 
que é igual, da reprodução. 
9) Como dever ser ministrada a disciplina de arte segundo o 
Plano Curricular Nacional na educação das crianças, e qual é a realidade 
apresentada hoje nas escolas? 
A educação deve se dar em contexto capaz de propiciar o acesso a elementos 
culturais que contribuam para o desenvolvimento e para interação das crianças 
na sociedade, inserindo recursos de artes visuais tais como escultura, pintura, 
desenho e fotografia. Porém, as aulas de arte geralmente são consideradas 
como passatempo e o papel do professor é o de mero decorador. As 
produções das crianças são reduzidas a meras lembrancinhas que não 
envolvem a capacidade de criar. 
10) Qual deve ser então ser o verdadeiro papel do professor, de acordo 
com o contexto citado na questão anterior? 
O papel fundamental do professor é integrar o aluno nessa trama de 
significados produzidos pela arte. Isso inclui conhecimentos sobre diferentes 
operações técnicas, estéticas, críticas, históricas e sociais. Ele deve intervir 
para potencializar o encontro do aluno, com a obra de arte nas diferentes 
instâncias envolvidas em sua compreensão. 
 
 
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11) Tabela sobre as concepções de ensino: 
Objetivos 
Tradicional Escola Nova Tecnicista 
Para garantir a 
construção de uma 
sociedade democrática 
e superar a opressão do 
Antigo Regime era 
necessário combater a 
ignorância. Só mediante 
às instruções de uma 
cultura letrada era 
possível transformar os 
súditos em cidadãos. A 
intenção é promover a 
igualdade por meio da 
instrução, da 
transmissão de 
conhecimentos. 
 
 
Nessa Escola o método 
é a modificação da 
aparência da Escola. O 
espaço escolar precisa 
acolher o aluno e não 
castigá-lo. As paredes 
da escola assumem 
cores novas. O método 
está relacionado ao 
interesse espontâneo 
e natural da criança 
pela aprendizagem. 
Cada aluno deve ser 
respeitado em seu nível 
de desenvolvimento e 
em seu tempo pessoal 
de assimilação do 
conteúdo 
Inspirada em princípios 
positivistas, baseados 
na racionalidade, na 
eficiência e na 
produtividade, a escola 
passou a ser neutra, 
com processo educativo 
operacional e objetivo. 
A intenção da escola é 
minimizar a interferência 
social sem colocar em 
risco sua eficiência. 
Para tal, era necessário 
mecanizar os processos 
de ensino e padronizá-
los. A educação deve 
treinar para execução de 
tarefas demandadas 
pelo sistema social. A 
pedagogia tecnicista 
transpôs para a escola o 
sistema fabril. 
 
 
Quem era o marginalizado? 
Escola Tradicional Escola Nova Escola tecnicista 
Era marginalizado 
(ignorante) aquele que 
não era esclarecido. A 
escola é a cura, o 
remédio para falta de 
conhecimento e 
exclusão social. Palavra 
–chave: ignorância 
 
O marginalizado era o 
incapaz, o deficiente, o 
que apresentava 
dificuldade e atraso na 
aprendizagem em 
relação aos demais 
alunos. Aquele que não 
aprende é anormal e 
não mais marginal. 
Palavra-chave: 
anormalidade 
Na didática tecnicista, o 
marginalizado era o 
incompetente, 
ineficiente, improdutivo 
e, sendo incompetente, 
não contribuía para o 
aumento da produção 
social, sendo um fardo 
para os produtores. 
 
Palavra-chave: 
incompetente 
 
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O papel do professor 
Escola Tradicional Escola Nova Escola tecnicista 
De acordo com essa 
teoria o professor é 
considerado o centro 
do processo educativo. 
Sua função é transmitir 
o conhecimento por ele 
retido, e aos alunos 
cabia assimilar. 
O método escolhido 
para fixação da 
aprendizagem era 
memorização, repetição 
e imitação. 
 
Nesse sentido o 
professor é apenas 
um colaborador, O 
aluno precisa sentir-se 
bem na Escola. O 
professor perdeu seu 
caráter hierarquizado 
para que na relação 
com o aluno, o discente 
assumisse o centro.O foco se desloca 
para o aluno. 
 
 O elemento principal da 
didática passa a ser a 
organização racional 
dos meios. Professores 
e alunos são meros 
executores de um 
processo cuja 
concepção, 
planejamento, 
coordenação e controle 
ficam a cargo de 
especialistas neutros, 
objetivos e imparciais. 
O conhecimento passou 
a ser fragmentado em 
diversas áreas de 
especialização. 
 
Críticas: Ao ensino de ARTE 
Escola Tradicional Escola Nova Escola tecnicista 
O ensino da arte não 
era obrigatório, e 
visava desenvolver 
habilidades para o 
artesanato. 
Os alunos eram 
examinados oralmente, 
e a disciplina (garantida 
através de castigos 
morais e físicos) era 
imprescindível para 
concentração. 
 
Logo essa concepção 
de escola denunciou 
sinais de crise. Evasão 
escolar através de 
grande número de 
alunos que não se 
ajustavam ao modelo de 
aluno receptivo. 
A aula de arte nesse 
momento era um 
momento de 
relaxamento. Era uma 
matéria não “séria”, em 
que os alunos tinham 
tempo para brincar, 
descansar e depois 
voltar a raciocinar. 
Houve afrouxamento da 
disciplina e 
despreocupação com a 
transmissão do 
conhecimento. Um 
rebaixamento do ensino 
para os pobres e um 
aprimoramento para as 
elites. É melhor uma 
boa escola para poucos 
do que uma escola 
deficiente para todos 
As obras de arte são 
desprezadas em função 
da valorização da 
técnica com que a arte 
fora produzida. As 
técnicas deviam ser 
ensinadas sempre 
prevendo um fim para 
tal obra. Nada de 
criatividade e improviso. 
 
 
 
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Considerações: Enquanto na Pedagogia Tradicional o professor decide 
quando e como ministrar um novo conteúdo, na Escola Nova essa escolha 
ficou a critério do aluno, de acordo com as suas necessidades e interesses 
pessoais. Já na Pedagogia Tecnicista é o processo que decide o que 
professores e alunos devem fazer e, assim também, quando e como o farão. 
12) De que forma devem ser trabalhados os conteúdos na disciplina de 
artes? 
Os conteúdos de artes devem ser trabalhados de forma contextualizada, em 
suas diversas dimensões (políticas, econômicas, históricas e sociais). Cada 
conteúdo pode ser percebido em suas contradições e ligações com outros 
conteúdos e com outras disciplinas. Assim a arte passa a ser capaz de produzir 
reflexões, dúvidas, comparações e divergências em seu processo. 
13) De que forma o aluno pode adquirir uma consciência crítica, e qual é o 
papel do professor para que uma obra de arte deixa de ser apenas uma 
obra e passe a assumir um caráter coletivo? 
A consciência crítica se conquista a partir da compreensão de uma realidade 
holística. Essa transformação via educação acontece da ação humana. Nem 
sala de aula, nem escola poderão fazê-lo, mas sim, a realidade social ampla 
em que o aluno está inserido. Nesse sentido, o papel do educador é de 
contextualizar a produção do aluno, de situá-la historicamente e socialmente. 
Para isso, professor e aluno precisam ter visão ampla e clara da realidade na 
qual atuam. É assim também que uma obra de arte deixa de ser apenas uma 
obra e passa a assumir um caráter coletivo, capaz de expressar emoções, 
ideias e necessidades de um determinado período. É também dessa maneira, 
que a arte deixa de ser um produto maravilhoso, fruto apenas dos “artistas 
ilustres”. Pelo contrário, ela passa a ser vista como parte integrante da nossa 
cultura e de nosso povo. 
2ª Aula ao vivo 
14) Discorra sobre a história da arte em sua origem: 
A história da arte se confunde com a história da própria humanidade. O homem 
se adapta a natureza e produz o que não encontra pronto no ambiente natural, 
e para tal, modifica a natureza constantemente. A soma dessas modificações 
para sobrevivência, as ações no decorrer do tempo, instrumentos de trabalho e 
cultura, se confundem com a própria história da Arte. A história da arte tem 
início com as pinturas primeiras, encontradas nas rochas e paredes das 
cavernas, chamadas arte rupestre ou arte do paleolítico. 
 
15) Como estão classificados os períodos da pré-história? 
 
A Pré-História é muito longa e dividida em: Paleolítico Inferior, Paleolítico 
Superior e Neolítico. 
 
 
 
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Tabelas de diferenciação dos períodos e como trabalhar com os alunos 
 
Paleolítico Superior Arte Egito 
 
 
As primeiras 
expressões 
artísticas 
eram 
simples, 
feitas nas paredes de argila das 
cavernas, chamadas mãos em 
negativo ou Idade da Pedra Lascada. 
Nesse período o artista pintava o 
animal como o via. Não criava nada. 
 
Existe uma proximidade desses 
desenhos com a arte infantil, mas já 
existiam traços de elaboração própria 
do artista. 
 
 
Na Serra da Capivara no Piauí, Brasil, 
é possível ver arte rupestre, 
retratando rituais, cenas de lutas, 
cenas de sexo, figuras de animais etc. 
No entanto esse tipo de arte 
inestimável tem sido descuidada, 
queimada, depredada. 
 
 
 
 
O povo egípcio 
era bem 
organizado 
social e 
culturalmente. A 
arte era muito 
influenciada pela religião. Logo, 
toda arte refletia a crença e desejo 
de uma vida além morte. 
 
As tumbas dos faraós eram réplicas 
idênticas da casa onde moravam. Por 
outro lado, as pessoas comuns eram 
sepultadas em Mastabas que deram 
origem às mais tarde conhecidas 
como pirâmides. 
 
As pirâmides atestavam o poder 
religioso e político do faraó. Toda 
imagem de pessoas ou divindades 
retratavam primeiro o tronco à 
frente. Essa era a Lei da 
Frontalidade. A arte era 
padronizada e não apresentava 
margem para criatividade ou 
imaginação pessoal 
 
 
 
Como trabalhar com os alunos 
Paleolítico Superior: 
 
O grafite é um tipo de pintura mural 
que remete à arte rupestre. No 
entanto, atualmente utiliza como 
suporte os muros das cidades e tem 
tintas produzidas pela indústria, como 
o látex e as tintas em spray. 
Encomende à turma um levantamento 
na escola e na região tentando 
descobrir alguns grafiteiros. 
 
 
Como trabalhar com os alunos a 
arte do Egito: 
 
Uma atividade muito bonita e 
agradável de se produzir com os 
alunos de diferentes faixas etárias é a 
confecção de um hieróglifo. O termo 
hieróglifo é utilizado para denominar 
os sinais da escrita egípcia 
 
 
 
 
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Arte na Grécia Antiga Arte Romana (grego-
romana) 
Arte Bizantina 
 
Reflete toda 
história de 
democracia 
de seu 
povo. Os gregos, segundo 
Proença (2003), não se 
submeteram a imposições 
de reis autoritários e 
valorizam muito as ações 
e produções humanas. 
Para os gregos o homem 
era a criatura mais 
importante do universo. 
 
A arte era livre e seus 
artistas exploravam a 
razão e o conhecimento. 
As esculturas 
representavam o homem 
belo. Por isso o escultor 
esculpia corpos nus, 
musculosos e jovens. 
 
 
Em Roma 
destacou-
se as 
abóboda
s e arcos arquitetônicos. 
 
A pintura era feita 
inicialmente em blocos de 
gesso, depois os artistas 
conseguiram a ilusão da 
profundidade e de janelas 
abertas e saliências 
murais. 
 
Depois veio o cuidado com 
os pequenos detalhes, 
sem muita perfeição ou 
realidade. Os pintores 
misturavam realismo e 
imaginação, formas 
toscas ou alegres ou 
brilhantes e seguras. 
 
 
 
A arte 
bizantina 
tem objetivo 
de expressar 
autoridade 
absoluta de 
seu imperador (Bizantino) 
e também demonstrar 
poder, luxo e riqueza. 
 
Pouco espaço, portanto, 
para criatividade nas 
representações artísticas. 
Mas nas técnicas havia 
muita liberdade e 
inovação. Por exemplo, os 
mosaicos e vitrais com 
ricas pedrarias. 
 
 
Como trabalhar arte 
grega: Podemos realizar 
com os alunos um trabalho 
coma argila. Após a 
contextualização dessa 
etapa, o aluno pode ser 
motivado a trabalhar com 
esculturas. 
 
O ideal é levá-los a 
observar em revistas, 
televisão, filmes, em casa 
e na própria escola, 
diferentes tipos humanos e 
diferentes tipos de 
moradias. 
 
Ao trabalhar o período da 
arte grego-romana, o 
professor terá uma grande 
oportunidade de trabalhar 
com a pintura de painéis. 
 
 
 
O ideal é que o professor 
demonstre que no painel 
existem planos de visão, 
na qual o tamanho das 
gravuras define o 
destaque, a imagem de 
fundo e outros. 
 
Desenvolver atividades em 
Mosaicos desde as séries 
iniciais é um grande 
recurso para o 
desenvolvimento das 
habilidades cognitivas das 
crianças. 
 
O movimento de pinça, 
presente no momento da 
colagem, a organização de 
cores e do espaço, 
também são 
extremamente benéficas. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Arte Gótica Arte no Renascimento 
 
Essa arquitetura 
era assim 
chamada por ter 
aparência tão 
rude que parecia 
ter sido criada pelos godos, povo 
bárbaro que invadiu o Império 
Romano. Com o passar do tempo, o 
termo gótico perdeu seu caráter 
depreciativo e passou a fazer parte de 
grande número de edificações. 
 
Um dos maiores símbolos da 
arquitetura é a catedral de Notre 
Dame na França, um dos mais belos 
conjuntos escultóricos do mundo. 
 
O Renascimento era um 
movimento intelectual que 
tenta resgatar os valores 
humanos. Esse 
movimento era chamado 
de Humanismo. O 
Humanismo pregava a valorização do 
homem e da natureza em oposição ao 
divino e sobrenatural. 
 
Na arte, a preocupação era com o rigor 
científico. Artistas dessa época: 
Leonardo da Vinci (1452-1519), 
Michelangelo Buonarroti (1475-1564), 
retratavam o realismo. 
 
 
 
Esse período da História da Arte é 
riquíssimo para trabalharmos com 
maquetes. 
 
 Ex: Castelos de caixa de leite. Depois 
de ajudar a construir as paredes, a 
criançada se diverte dentro desta 
moradia diferente 
Trabalhar conceitos éticos, morais e 
histórico. O Renascimento evoca uma 
reflexão a respeito do valor do homem. 
Podemos propor uma releitura de “A 
Monalisa”. 
 
A obra também nos permite discutir sobre 
modelos e ideais de beleza e enfim, 
permitir que cada aluno dê sua 
interpretação da obra. 
 
 
16) Discorra sobre a importância e a necessidade do professor conhecer 
a historiografia da arte no Brasil: 
 
É necessário o professor conhecer a historiografia para contextualizar o 
trabalho dos alunos e assim dar significado a eles. O Brasil possui uma história 
cultural e artística riquíssima, fruto da miscigenação de seu povo, fato 
primordial para o arte educador. A história do nosso país e de nosso povo nos 
permite enxergar e compreender como se constitui nosso presente, a realidade 
em que estamos inseridos e a cidadania crítica. 
 
17) Conceitue arte brasileira: 
 
É considerada arte brasileira toda e qualquer forma de expressão artística 
produzida no Brasil desde o pré-colonial até os dias de hoje. A arte no Brasil 
esteve ligada a aspectos econômicos e religiosos. Nossa cultura formou-se em 
raízes sobre os gêneros literários e artísticos de visão europeia. Essa ampla 
definição de arte compreende muitas obras e estilos que, pela curta duração da 
história do descobrimento de nosso país, muitos acreditam nem existir. É o 
caso da pré-história brasileira. 
 
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Tabela de artes no Brasil 
 
Arte Rupestre Arte indígena Arte Barroca Barroco Mineiro 
 
Encontradas na 
Serra da Capivara 
no Piauí, as 
pinturas rupestres 
retratam animais, 
cenas de caça etc. 
 
Documentações 
arqueológicas 
comprovam o uso 
de materiais como 
ossos, chifres, 
pedras e argila. 
 
 
 
 
Destacavam-se a 
arte plumária e a 
pintura corporal, 
lábios e auriculares, 
fabricação e 
decoração de 
artefatos de 
cerâmica, como as 
da ilha Marajó. As 
estatuetas de 
terracota e objetos 
de pedra, utilizados 
como pingentes” 
 
 
 
 O estilo Barroco no 
Brasil é 
considerado o estilo 
nacional por 
excelência. Foi 
introduzido por 
Jesuítas, que as 
utilizavam como 
instrumentos de 
doutrinação cristã. 
O legado Barroco 
no Brasil está na 
arte sacra, em 
pinturas, esculturas 
e decorações de 
igrejas. 
 
 
 
Em Minas Gerais o 
estilo Barroco 
ganhou maior 
liberdade e 
riquezas. Muitas 
obras entalhadas 
com detalhes em 
ouro e pedrarias 
como diamantes. A 
pintura serviu de 
divulgação para as 
sagradas 
escrituras. 
 
 
 
18) Segundo Barbosa (2002), coube à manifestação barroco mineira a 
tarefa de narrar os principais grupos temáticos conservados no Brasil. De 
acordo com o autor, quais são os principais eixos temáticos? 
 
*Antigo Testamento: oferecendo visualização didática da criação do homem e 
dos fundamentos da fé cristã. 
*O segundo eixo se fundamenta no Novo Testamento, centralizado em 
Jesus Cristo e em sua doutrina de salvação, temática apresentada em muitas 
telas e cenas, mostrando seus milagres, sua Paixão e Ressurreição. 
•O terceiro grupo gira em torno dos retratos das autoridades da Igreja, os 
antigos patriarcas, mártires, santos e santas. 
•Obras do grupo temático do culto mariano, retratando a mãe de Jesus em 
suas múltiplas invocações. 
 
19) Discorra sobre a finalidade da “missão francesa”: 
 
Com a presença do príncipe regente de Portugal, D. João VI, buscou-se 
oficialmente iniciar arte no Brasil. Para estimular os artistas locais e melhorar 
suas técnicas e conhecimentos, D.João VI solicitou a vinda de renomados 
artistas franceses para fundar a Academia de Belas-Artes no Brasil. O fato 
ficou conhecido, segundo Duarte Júnior (1998), por “missão francesa”. 
Segundo o autor citado acima, nesse período, a maioria de nossos artistas 
 
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populares era mestiços, considerados apenas artesãos. E, de acordo com a 
concepção europeia o grau de reconhecimento e a importância de um artista 
advinha também da classe social que ele ocupava. Portanto, o principal 
objetivo da referida “missão francesa” era o de ensinar o povo a arte 
europeia, tida como reconhecida e acadêmica. 
 
20) O que significa academicismo no Brasil? 
 
O Academicismo no Brasil foi um método de ensino artístico profissionalizante 
de nível superior, equivalente ao nosso ensino universitário atual. Foi também 
uma expressão institucionalizada de todo sistema de arte baseado nas 
academias de arte europeia, implantado na Academia de Belas Artes por Dom 
João VI. A obra do pintor paraibano Pedro Américo foi um dos primeiros 
trabalhos academistas produzidos no Brasil com temas bíblicos e históricos. No 
seu quadro Grito do Ipiranga, Dom Pedro I é retratado no centro da imagem 
proclamando a independência do Brasil. 
 
21) Discorra sobre os padrões de arte no academicismo e a missão 
francesa: 
 
Durante muito tempo, a arte brasileira seguiu os padrões do academicismo 
introduzido pela Missão Francesa. De acordo com esses padrões, a beleza 
perfeita é um conceito ideal e não real. Mas, o artista devia tentar recriar este 
ideal de beleza por meio da imitação dos clássicos gregos e do Renascimento. 
 
22) Disserte sobre a chegada do impressionismo no Brasil: 
 
O impressionismo chega ao Brasil em um momento de reestruturação 
socioeconômica, onde cai a cultura do café e começam a surgir as indústrias. 
Ocorrera a abolição da escravatura e uma nova classe social surge, que são os 
operários, principais personagens dessa época. Obras como O Cortiço e Casa 
de Pensão de Aluísio Azevedo atestam a miséria e a exploração sob a qual 
viviam essa obra. Os artistas agora procuram retratar cenas corriqueiras, 
costumes, paisagem e nus. 
 
23)Discorra sobre as características do movimento modernista: 
 
O Brasil nasceu mesmo em arte, a partir do século XX, com o Movimento 
Modernista. Progresso técnico, aumento da necessidade de operários com 
aumento de imigrantes no país. Essa nova arte aparece na literatura de Oswald 
Andrade com a valorização da arte e das raízes nacionais. A história do 
Brasil serviu de inspiração para os artistas. Os trabalhos com as exposições de 
arte moderna em São Paulo de Lasar Segal e Anita Malfati. A estética 
renovadora da Semana de Arte Moderna, caracterizou nova concepção do 
fazer e compreender a obra de arte. 
 
 
 
 
 
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Academicismo Impressionismo Mov. Modernista 
 
-Arte baseada nas academias 
de arte Europeia. 
- Formação artística padronizada 
- Ensino por meio de técnicas 
para criar a ilusão da realidade. 
- Temas bíblicos, históricos. 
- A beleza perfeita é um 
conceito ideal e não real. Mas, 
o artista devia tentar recriar este 
ideal de beleza por meio da 
imitação dos clássicos gregos e 
do Renascimento. 
 
 
 
 
- Reestruturação econômica do 
país. 
 
- Abolição da escravatura, queda 
do café. 
- Os artistas agora procuram 
retratar cenas corriqueiras, 
costumes, paisagem e nus. 
 
 
 
Valorização da arte e das 
raízes nacionais. 
 
A história do Brasil serviu de 
inspiração para os artistas. 
 
A estética renovadora da 
Semana de Arte Moderna, 
caracterizou nova concepção 
do fazer e compreender a obra 
de arte. 
 
 
 
Tabela de artistas brasileiros e de como trabalhar com os alunos 
 
Lasar Segal Anita Malfatti 
Lituano, dedicou-se a 
pintura decorativa e arte 
crítica como a tela Navio de 
Imigrante. 
 
Natural de São Paulo, filha de mãe norte 
americana. Sua exposição foi duramente 
criticada por intelectuais como Monteiro 
Lobato. Depois desse fato, Anita passa a 
retratar a natureza morta, paisagens, cenas 
populares e retratos. A obra dela que 
conhecemos chama-se, Tropical 
Pode – se trabalhar com as crianças à 
diversidade de cores. Diversidades etnicas 
e culturais. 
 
Com as crianças é possível 
trabalhar com as frutas e a 
representação das frutas, e a as 
etnias. 
 
Di Cavalcante Tarsila do Amaral Candido Portinari 
Nasceu no Rio de Janeiro, seu 
primeiro trabalho de pintura foi 
para revista Fon Fon. 
Caracterísiticas: 
 
• Ambientes tipicamente 
nacionais. 
• Humor e leveza nas 
pinturas 
Começa a pintar aos 31 anos. 
Para ela os artistas brasileiros 
deveriam conhecer e 
compreender a arte europeia, 
mas não imitá-la. 
 
Caracterísitcas: Retrato 
politizado. Contextualização 
histórica. / Proposta 
nacionalizante. 
 
Filho de 
imigrantes 
italianos, de 
origem humilde, 
tem uma 
infância pobre. 
Recebe apenas a instrução 
primária. 
 
 
Podemos trabalha a 
obra que se chama o 
palhaço, para 
contextualizar a obra 
podemos sugerir uma 
pesquisa sobre o circo. Em 
seguida, podemos reproduzir a 
obra com desenhos e colagens 
de tecidos e papéis. 
Na tela A Gare, 
nos reportamos 
para o início da 
cidade. 
Precisamos 
pensar em como 
as pessoas se transportavam 
antes dos trens, ônibus, etc. A 
chegada da primeira estação de 
ferro, deve ser pesquisada. 
A obra não exprime abstrações. 
Comprometida com valores 
sociais e humanos. Se eleva 
contra a violência e as injustiças. 
O tema essencial da obra é o 
Homem. Temática social. 
 
• Miscigenação 
• Retrato da miséria. 
• Resgate cultural. 
• Traços bem delineados. 
• Proposta politizante. 
 
 
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Aula ao vivo III 
 
24) O início de um projeto envolve uma ideia, um plano, algo que você 
gostaria de ensinar, de fazer etc. Com essa ideia em mente, precisamos 
planejar os meios para executá-la, mediante estudo e desenvolvimento 
dessa ideia, segundo concepções da Pedagogia Histórico Crítica. Nesse 
contexto, explique características dessa concepção e exemplifique: 
 
Na pedagogia Histórico Crítica, a escola existe para propiciar a aquisição dos 
instrumentos que possibilitam o acesso ao saber científico. A construção do 
saber científico se dá por meio dos conteúdos de arte. Por exemplo, um 
projeto inspirado na transformação social deve primar pela transmissão de 
conteúdos artísticos. Isso por que é por meio deles que imprimimos a 
humanidade desejada, garantimos acesso à cultura elaborada e garantimos as 
novas gerações a assimilação dos conhecimentos construídos ao longo da 
história dos homens. 
 
25) Cite e explique quais são os passos para se realizar um projeto de 
arte? 
 
O primeiro passo do método é a Prática Social Inicial do Conteúdo: Nesta 
etapa realizamos um primeira leitura da realidade, um primeiro contato com o 
conteúdo ou tema do projeto que será estudado. Podemos, nesse sentido, 
relacionar o conteúdo trabalhado à prática cotidiana do acadêmico, através de 
debates, ou conversas informais. 
 
O segundo passo da problematização é o questionamento dessa realidade e 
do conteúdo apresentado/trabalhado. Deve-se estabelecer uma ligação entre o 
conteúdo e os aspectos sociais atuais. 
 
 O terceiro passo é a instrumentalização. Nessa etapa, o professor ensina, 
fornecendo destaques do assunto trabalhado. O aluno estabelece conexões 
com o que foi aprendido. Nesse momento reforçamos a aprendizagem, 
analisamos, levantamos hipóteses. Logo, o educando percebe que o conteúdo 
foi ministrado em favor de uma necessidade social. Aqui prevalece a análise. 
 
Próxima etapa (catarse) prevalece a síntese. Nessa etapa, o aluno manifesta 
tudo que aprendeu, assimilou e produziu. Aqui realizamos também uma 
avaliação que contemple todas as etapas passadas no projeto para construção 
do conhecimento científico. 
 
A última etapa é a Prática Social Final que “[...] representa a transposição do 
teórico para o prático dos objetivos dados ao conteúdo e aos conceitos 
adquiridos.” (GASPARIN, 2007, p. 145). 
 
26) Vale ressaltar que além dessas etapas metodológicas (catarse, 
instrumentalização etc.) é preciso que o professor também desenvolva 
ações participativas, quais são? 
 
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* Avaliação iniciante: sondagem para o levantamento do repertório, ou tema. 
• Encaminhamento de ações: levantar as propostas possíveis de serem 
praticadas, avaliar e replanejar durante todo o desenvolvimento do projeto. 
• Sistematização: apropriação do conteúdo adquirido, reiterando a contribuição 
de todas as áreas do conhecimento 
 
27) Qual é o papel da música para a educação? 
 
A música é uma manifestação artística. A música contribui para a formação 
humana. A música faz parte da nossa vida, quando cantamos, batucamos ou 
ligamos o rádio ou televisão. A música faz parte de uma linguagem de 
comunicação visual. Essa linguagem pode ser usada para sensibilizar, 
conscientizar, protestar, para religiosidade e manipulação. 
 
28) Explique a diferença e a relação entre som e música: 
 
Música e som são complementares. A música é a expressão artística mais 
divulgada universalmente, é uma produção humana, na qual o homem se 
apropria do som e lhe atribui ordem, duração e ritmo. O som é um elemento 
natural de diversas formas que nos rodeia desde o nascimento. 
 
A relação entre música, som e contexto social atribui caráter cultural e 
comunicativo às formas de expressão artística. Os sons que nos rodeiam não 
se parecem com música, eles são diferentes, mas não é possível existir 
música sem som. 
 
A música é uma organização sonora no decorrer de espaço e tempo. Ou 
seja sons produzidos em um tempo determinado para começar e terminar. A 
música é movimento atrelado a outras manifestações culturais. A música 
comunica. A música participa de momentos na vida das pessoas,organiza 
calendários festivos e religiosos e insere-se em manifestações tradicionais. 
 
29) A música existe e sempre existiu como produção cultural, pois, de 
acordo com o estudos científicos, desde que o ser humano começou a se 
organizar em tribos ou bandos primitivos, a música era parte integrante 
do cotidiano dessas pessoas. Discorra resumidamente sobre a história da 
música: 
 
As primeiras manifestações culturais começaram na África. Na pré-história 
a música fazia parte de rituais de danças, caça, comunicação e produção de 
utensílios. 
 
Na cultura egípcia a música também tinha muito valor. Araújo (2009) afirma 
que os egípcios eram um povo que preservavam a cultura e como parte deste 
costume, realizavam cerimônias religiosas, na qual as pessoas batiam 
espécies de discos e paus um contra os outros. 
 
 
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Na Grécia foram encontradas as primeiras peças musicais. Foram também os 
filósofos gregos que criaram a teoria mais elaborada para linguagem musical 
na Antiguidade 
 
Na idade média, a música era ditada pela igreja e utilizada em cerimônias 
sacras. Os cantos eram conhecidos como gregorianos. Somente a partir do 
século IX começa a surgir as primeiras músicas polifônicas, ou seja com mais 
de uma linha melódica, chamada Organum (primeiras músicas polifônicas). A 
música profana também existia. Era praticada pelo povo e principalmente pelos 
músicos de tabernas 
 
Com o Renascimento, a música se afasta da Igreja e se torna universal e cada 
país com suas músicas vocais. Após a música Renascentista, surge a 
música Barroca com conteúdo dramático e elaborado. Daí surgiu a ópera 
musical. Logo após surge a música clássica. Esse período é marcado pelas 
composições de Mozart e Bethoven. 
 
Surge também a orquestra, na qual aparecem as composições para 
instrumentos. Essas composições são mais valorizadas que o canto, Surge aí 
a Sonata, obra escrita para dois instrumentos e a Sinfonia, no qual um conjunto 
de instrumentos tocam sonata. 
 
30) Em contraposição, as produções clássicas, temos o movimento do 
Romantismo, quais são as características deste movimento? 
 
O romantismo enfatiza a emoção humana. O que por sua vez provocou o 
estudo da cultura popular e da tradição folclórica de diversos países. No brasil, 
Villa Lobos é o maior representante desse estilo. Enquanto os compositores 
clássicos buscavam equilíbrio entre a estrutura formal e a expressividade, os 
compositores do Romantismo pretendiam maior liberdade da estrutura, da 
forma e da concepção musical, valorizando a intensidade e o vigor da emoção, 
revelando os pensamentos e sentimentos mais profundos. 
 
31) Explique como a escola deve trabalhar com os instrumentos 
musicais? 
 
A escola faz a ponte ente o aluno e música, fazendo compreende-las como 
expressão artística, sob uma forma de manifestação cultural. O professor deve 
ensinar e construir instrumentos capazes de se comunicar com a linguagem 
musical e, sobretudo, saber por que existem tantas diferenças entre os estilos 
musicais. 
 
32) Discorra sobre a importância pedagógica da união entre música, e 
dança, brincadeira e educação: 
 
A união da educação com música serve para desenvolvimento cognitivo, 
afetivo e motor da criança e formação da personalidade do ser humano. Dança 
e música formam uma dupla indispensável para o desenvolvimento de crianças 
saudáveis, com bom desenvolvimento rítmico, corporal de lateralidade, 
 
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respiração, percepção visual e auditiva, organização temporal e especial. É 
uma atividade de grande valor educativo porque envolve a criança 
integralmente. A escola tem o papel de incentivar brinquedos cantados, para 
enriquecimento cultural. 
 
33) o vasto repertório de brincadeiras cantadas envolvendo as parlendas, 
canções de ninar, brincadeiras de roda e outras atividades, fazem parte 
da cultura de todos corre cada dia mais o risco de desaparecer, de se 
perder as brincadeiras cantadas. Explique qual é o papel da Escola, nesse 
sentido. 
 
 A cada dia menos nossas crianças brincam de roda, de trava línguas e outros 
brinquedos cantados. E sendo assim, as crianças chegam à escola 
desconhecendo essas brincadeiras e também encontram professores que 
conhecem pouco a esse respeito. Simas e Dias (2007) afirmam que a escola 
tem o importantíssimo papel de incentivar os brinquedos cantados para que 
esse rico repertório continue fazendo parte de nossa cultura. Além disso, 
brincar e cantar juntos auxilia no desenvolvimento social, na construção dm 
cidadania e na multiplicação do conhecimento. 
 
34) Cite os benefícios da brincadeira de roda? 
 
Brincar de roda exercita o raciocínio, a memória, estímulo ao gosto pelo canto 
e desenvolvimento da musculatura. Também desenvolvem a expressão oral, a 
audição e o ritmo. Cantando em roda, as crianças desenvolvem a coordenação 
motora e o equilíbrio. É importante que os alunos conheçam a coreografia 
tradicional das cirandas como forma de preservar nossa cultura. 
 
35) Cite instrumentos que podem ser trabalhados em arte musical na 
escola: 
 
Chocalho 
instrumento 
que produz 
sons quando 
agitado, com 
recipiente oco 
contendo pequenos objetos 
em seu interior. De fácil 
manuseio por crianças 
menores. Ótimo para ensinar 
ritmo e bandinhas. 
 
 
Triângulo: feito de 
metal, utilizado na 
percussão, 
tipicamente no estilo 
forró. 
 
Pandeiro: instrumento 
constituído de pele 
esticada em um arco ou 
armação estreita. 
Instrumento de 
percussão que pode ser 
usado na música popular 
ou erudita. 
 
 
 
 
 
 
 
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Reco-Reco: instrumento 
que produz som por 
raspagem. Pode ser 
construído com bambu 
ou madeira. A raspagem 
de uma madeira sobre 
os talhos produz o som. 
 
 
Agogô: pode ser 
considerado um dos 
mais antigos 
instrumentos do samba. 
É constituído por duas 
ou quatro sinetas que 
produz som quando são 
batidas por uma baqueta 
de madeira. É de origem 
africana e serve para ser 
tocado enquanto se joga 
capoeira. 
 
 
Bateria: conjunto de 
tambores e pratos 
colados de forma 
conveniente com a 
intenção de serem 
percutidos por único 
músico. Foi criada por 
bandas da década de 
1920 com a intenção de 
diminuir o número de 
músicos utilizados na 
percussão. 
 
 
 
Sabatina baseada no livro de Arte e Musicalização Aplicadas à Educação - 
Professora Me. Ionah Beatriz Beraldo Mateus – Unicesumar, e nas aulas 
ao vivo do Professor: Prof. Me. João Carlos Dias Furtado 
Aluna: Karem Chistina karemchristina@hotmail.com 
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Prova Comentada de Arte e Musicalização do ano de 2013- Disponível na 
biblioteca digital do ava. 
 
 
 
 
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