RENASCIMENTO 2ª SÉRIE

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Renascimento: tudo sobre a arte renascentista 
 
 
O Renascimento é o período histórico da Europa que sucede à Idade Média, com início em meados do século 
XIV até finais do século XVI. Porém, não há um marco, acontecimento ou data específica para o início desse 
período, sendo que aconteceu de forma natural e gradual. 
O 
Nascimento de Vênus - têmpera sobre tela, 1,72 m x 2,78 m, 1483 - Sandro Botticelli 
- Galleria degli Uffizi, Florença 
Foi o poeta Petrarca (1304, Arezzo, Itália-1374, Arquà Petrarca, Itália) que despertou a veia revolucionária do 
Renascimento, apelando à veneração da Antiguidade Clássica (época que antecedera a Idade Média). 
Este apelo foi repetido antes, várias vezes, durante o período da Idade Média, mas apenas então os seus ecos 
foram escutados e a sua repercussão sentida. 
Estava nascendo uma nova forma de pensar e de encarar o mundo, e a arte. Com o Humanismo o Homem passa 
a estar no centro do universo, e o teocentrismo dá lugar ao antropocentrismo. Há um regresso às ideias e glórias 
da época Clássica (greco-romana), um renascer dos ideais e cânones clássicos. 
A era Romana começa a ser enxergada como uma época de luz e prosperidade, enquanto a era cristã (Idade 
Média) passa a ser encarada como uma época de trevas. E assim, o Renascimento vai se propor restaurar essa luz 
perdida. 
Em resumo, ocorre um rinascità (renascimento) da Antiguidade Clássica, onde, segundo os entusiastas da 
Antiguidade, se alcançara o expoente da criação artística. 
A Arte no Renascimento 
 
Escola de Atenas - afresco, 500 cm × 770 cm, 1509–1511 - Rafael, Palácio Apostólico, Vaticano 
Em termos artísticos o Renascimento vai suceder ao Gótico, e como característica principal tem a sua 
aproximação à Antiguidade. Mas o objetivo do artista renascentista não era de copiar a grandeza e excelência da 
arte Clássica, mas de igualar essas criações. 
Durante este período os artistas (das Belas-Artes) deixam de ser considerados meros artesãos e passam a ser 
vistos como homens intelectuais. Esta mudança de atitude em relação ao artista levou ao colecionismo de obras 
de arte, pois tudo que saísse das mãos de um mestre era considerado de grande valor. 
Surgem também as oficinas, que posteriormente levarão à criação das academias, e os artistas ganham mais 
liberdade, funcionando os mesmos quase como empresários. 
Arquitetura 
 
Catedral de Santa Maria del Fiore - cúpula da autoria de Filippo Brunelleschi, Florença 
A arquitetura renascentista deve o seu arranque a Filippo Brunelleschi (1377-1446, Florença, Itália) que apesar 
de ter começado a carreira como escultor, se vai destacar como arquiteto. 
Por volta de 1417-19, Brunelleschi vai competir pela construção de uma cúpula com Lorenzo Ghiberti (1381-
1455, escultor italiano) contra quem perdera uns anos antes o concurso para as portas do Baptistério. 
A referida cúpula deveria encimar a Catedral de Santa Maria del Fiore, edifício monumental que começara a ser 
construído na época medieval, e que continuaria em trabalhos de finalização até ao século XIX. 
Devido à grandiosidade do edifício, até então todas as soluções para a construção da cúpula haviam falhado. Mas 
Brunelleschi consegue apresentar uma solução viável e dessa forma construir aquela que é considerada a primeira 
grande obra da renascença italiana. 
A solução de Brunelleschi para a massiva cúpula foi não só revolucionária, como uma admirável vitória da 
engenharia. Esta consistiu na construção de dois grandes cascos separados ligados e inseridos um dentro do outro, 
de forma a que um reforçasse o outro e assim o peso da estrutura ficasse distribuído. 
 
Interior da Igreja de San Lorenzo, Florença (igreja românica refeita por Brunelleschi, 
cujos trabalhos apenas se finalizaram cerca de 20 anos depois do artista morrer, sendo que a fachada permanece 
incompleta até hoje) 
Além disso, Brunelleschi recusou também usar as técnicas habituais de transporte dos materiais, criando ele 
soluções engenhosas para tal, como máquinas que içassem os referidos materiais. 
Os contributos de Brunelleschi vão muito além da grandiosa cúpula, pois ele se tornou no primeiro grande 
arquiteto da época moderna, introduziu ao Renascimento a perspectiva linear e fez regressar os arcos de volta-
perfeita e as colunas em vez dos pilares. 
Apesar de ter nascido e começado sua carreira em Florença é em Roma que o seu futuro se vai traçar. Junto com 
Donatello, Brunelleschi vai viajar para Roma e lá estudar as obras da Antiguidade Clássica e mais tarde adaptar 
métodos de construção da Roma Antiga nos seus edifícios, mas com diferentes proporções. 
Brunelleschi vai usar processos geométricos e matemáticos de projeção do espaço como a perspectiva 
matemática, e a ele se deve outras descobertas científicas que usou a favor da arte, ajudando assim a elevar as 
Belas-Artes. 
Essas descobertas de Brunelleschi foram recolhidas por escrito por Leone Battista Alberti (1404, Génova, Itália-
1472, Roma, Itália), que escreveu os primeiros tratados de pintura (dedicado a Brunelleschi e que contém 
referência a Donatello, amigo comum dos dois) e escultura do Renascimento, e começou um sobre a arquitetura. 
Alberti foi um homem muito culto, humanista e de sociedade, e depois da morte de Brunelleschi começou a 
exercer a atividade tornando-se também ele um dos grandes arquitetos do Renascimento. 
 
Interior da Basílica de Santo André de Mântua, em Mântua, Itália, de Leone Battista Alberti 
(as obras do edifício começaram em 1472, mas só acabaram em 1790) 
Acreditando que o círculo era a forma mais perfeita, logo, a mais próxima do divino, Alberti vai dar predileção a 
plantas centradas para as igrejas, inspirando-se sobretudo no Panteão de Roma, apesar de tais plantas serem pouco 
convenientes ao culto católico. Porém, e depois que seu tratado se torna famoso, a planta centrada acaba sendo 
aceita e foi muito usada no Renascimento Pleno. 
De uma forma geral a arquitetura do Renascimento é caraterizada por um revivalismo clássico, sendo que as 
ordens arquitetônicas (dórica, jônica, coríntia, toscana e compósita) retornam, assim como o arco de volta-
perfeita. 
Na projeção e construção dos edifícios segue-se um rigor matemático, e há também uma separação definitiva 
entre a arquitetura e a escultura e a pintura, pois a imponente grandiosidade da nova arquitetura não permitia à 
escultura ou à pintura qualquer destaque, brilhando ela própria sozinha sem mais ajuda. 
Escultura 
 
San Marcos - mármore, 2,48 m., 1411-13 - Donatello, Or San Michele, Florença 
Com o Gótico a escultura arquitetônica quase desapareceu e a produção escultórica estava mais centrada em 
imagens de devoção e sepulcros, por exemplo. Mas com o Renascimento a escultura vai recobrar a sua 
independência em relação à arquitetura. 
O primeiro passo nesse sentido é dado pelo grande escultor do Proto-Renascimento, Donatello (1386-1466, 
Florença, Itália), com a obra San Marcos, uma escultura em mármore. Esta, apesar de ter sido concebida para 
integrar um nicho de uma catedral Gótica, não necessita do enquadramento arquitetônico para se destacar. 
 
Davi - bronze, 1,58 m., 1408-09 - Donatello, Museo Nazionale del Bargello, Florença 
É com Donatello que as figuras escultóricas começam a perder a rigidez do Gótico, sendo estas já dotadas de 
flexibilidade e padrões de beleza e proporções próximas das da antiguidade Clássica. 
Donatello aperfeiçoou também a técnica do schiacciato (achatado), um baixo-relevo pouco saliente dotado de 
profundidade pictórica. 
A escultura renascentista vai reavivar também a sensualidade do corpo nu tão característica da época clássica, 
sendo que o primeiro grande exemplo disso é o Davi de Donatello. Esta é a primeira escultura independente, de 
tamanho natural e totalmente nua desde a Antiguidade. 
 
 
 
 
 
 
Pintura 
Expulsão do Jardim do Éden - afresco, 214 cm × 88 cm, 1425 - Masaccio, Capela Brancacci, 
igreja de SantaMaria del Carmine, Florença 
Sendo que os primeiros passos rumo ao Renascimento foram dados primeiramente pela escultura e pela 
arquitetura, a pintura vai seguir o mesmo caminho cerca de uma década depois, espelhando nas suas composições 
os feitos destas. 
Os primeiros passos da pintura no Renascimento foram dados pelo jovem Masaccio (1401, San Giovanni 
Valdarno, Itália-1428, Roma, Itália) que tragicamente faleceu prematuramente, apenas com 27 anos. 
Logo nas primeiras obras de Masaccio se percebe sua aproximação a Donatello e um distanciamento em relação 
a Giotto, mestre do Gótico e conterrâneo do jovem mestre. Também nas figuras de Masaccio as roupagens são 
independentes do corpo, sendo representadas como verdadeiro tecido, assim como os cenários arquitetônicos 
envolvendo as figuras são representados respeitando a perspectiva científica desenvolvida por Brunelleschi. 
 
Santíssima Trindade - afresco, 667 cm x 317 cm - Masaccio, Santa Maria Novella, Florença 
Assim lançou Masaccio as principais sementes da pintura renascentista que, ao contrário do Gótico que favorecia 
a representação imaginada das coisas, vai preferir a representação exata do real. 
A profundidade dos interiores representados na pintura renascentista são possíveis de medir, e os mesmos 
transmitem a ideia de que se as figuras quisessem poderiam se movimentar à vontade. 
Depois de Masaccio, Andrea Mantegna (1431, República de Veneza-1506, Mântua, Itália) foi o pintor mais 
importante do Proto-Renascimento, sendo também este um gênio precoce que aos dezessete anos já executava 
encomendas sozinho. 
São Sebastião - painel, 68 × 30 cm, 1456–1459 - Andrea Mantegna, Kunsthistorisches Museum, Viena, Áustria 
Mas é com Sandro Botticelli (1445-1510, Florença, Itália) que a pintura começa a ganhar mais movimento e 
graciosidade, apesar de este não compartilhar da visão anatômica mais poderosa e musculada que vai caracterizar 
o Renascimento, pois seus corpos são mais etéreos, porém, bastante voluptuosos e sensuais. 
Botticelli foi o pintor favorito de Lourenço de Médici (grande mecenas da arte renascentista e governante da 
cidade de Florença), e é para ele que Botticelli vai pintar sua obra mais famosa, O Nascimento de Vênus (ver 
primeira imagem do artigo). 
Primavera - têmpera sobre madeira, 2,02 × 3,14 m., 1470-1480 - Sandro Botticelli, Galleria degli Uffizi, Florença 
De uma forma geral, na pintura predomina a técnica do óleo por oposição ao fresco, o que propiciou que as obras 
pictóricas se tornassem mais móveis. Proliferam também os retratos. 
Os princípios aplicados à arquitetura, como o rigor matemático das proporções e a perspectiva são usados na 
pintura, e nas composições pictóricas as figuras são agora enquadradas na arquitetura falsa ou paisagem à escala, 
respeitando as proporções de cada elemento, conferindo assim profundidade e mais realismo à pintura. 
 
O Renascimento Pleno 
Pietà - mármore, 1,74 m x 1,95 m - Michelangelo, Basilica di San Pietro, Vaticano 
A fase final do Renascimento Italiano é conhecida como Renascimento Pleno e é o expoente do que até então 
fora sendo cultivado. Nesta fase desenvolve-se o culto ao gênio, algo que acaba empurrando alguns artistas para 
tentarem alcançar o impossível, como a busca da perfeição absoluta. 
Nesta fase o foco dos artistas está mais na efetividade das obras, na forma como estas mexeriam com as emoções 
dos espectadores, do que com o rigor racional ou os precedentes clássicos, e assim que algumas obras dos grandes 
mestres do Renascimento Pleno foram criadas, foram logo consideradas clássicas, únicas, incomparáveis e 
inimitáveis. 
Dessa forma o Renascimento Pleno, herdeiro do Proto-Renascimento, é único e muito exclusivo, e apesar de 
influenciar a arte posterior, foi um casulo sem metamorfose. 
Leonardo da Vinci 
Mona Lisa - óleo sobre painel, 77 cm x 53 cm, 1503 - Leonardo da Vinci, Louvre, Paris 
Leonardo da Vinci (1452, Anchiano ou Vinci (?), Itália-1519, Château Du Clos Lucé, Amboise, França) é 
considerado o primeiro grande mestre do Renascimento Pleno. Foi aprendiz na oficina de Verrocchio e sua mente 
curiosa o levou a enveredar por áreas distintas como a escultura, a arquitetura ou a engenharia militar, porém foi 
a pintura que imortalizou o seu nome elevando-o à categoria de gênio e mito. 
Nas obras de Leonardo a luz tem uma importância grande, e durante a sua vida artística ele vai desenvolver e 
aperfeiçoar a utilização do claro-escuro (chiaroscuro). Outra característica da sua pintura é o sfumato que confere 
às suas composições um esbater das formas, uma diluição dos contornos na paisagem através da utilização da 
luz, por oposição aos mestres do Proto-Renascimento que favoreciam o sobressair dos contornos. 
A Última Ceia - 4,6 m x 8,8 m - Leonardo da Vinci, 
refeitório do Convento de Santa Maria Delle Grazie, Milão 
Também aperfeiçoou a perspectiva aérea, e as figuras representadas nas suas obras são predominantemente 
andróginas e enigmáticas. Há também uma importância atribuída ao gesto e com frequência encontramos nas 
pinturas de Leonardo figuras que se expressam através de gestos contundentes. 
Em termos de técnica tinha predileção pelo óleo, o que no caso da Última Ceia se revelou terrível para a 
conservação da pintura, pois apesar de ser um afresco, Leonardo não usou têmpera a ovo como era comum, mas 
a óleo, o que provocou que pouco tempo depois de estar concluída a mesma se começasse a deteriorar. 
Bramante 
Tempietto - 1481-1500 - Bramante, S. Pietro in Montorio, Roma 
https://www.culturagenial.com/a-ultima-ceia/
Donato Bramante (1444, Fermignano, Itália-1514, Roma, Itália) é um dos principais arquitetos do Renascimento 
e aquele que coloca em prática o novo estilo na perfeição. Ele vai aplicar o princípio de "parede esculpida" de 
Brunelleschi com excelência, o que confere aos seus edifícios uma maior imponência e distinção. 
O seu grande momento chegou quando o Papa Júlio II lhe encomendou a construção de uma nova basílica de São 
Pedro, algo que Bramante tomou como oportunidade para conceber uma grandiosa planta que iria suplantar os 
dois maiores edifícios da Antiguidade, o Panteão e a Basílica de Constantino. 
Para tão grandioso projeto, e por razões de logistica e de dinheiro, Bramante foi buscar uma velha técnica do 
tempo romano, a construção em betão, algo que mais tarde viria se afirmar e revolucionar o mundo da arquitetura. 
Ainda assim, o projeto sofreu várias alterações até ao começo das obras, e da ideia original de Bramante resta 
apenas uma gravura da planta. 
As obras de construção foram lentas e quando Bramante morreu pouco havia sido até então construído. O projeto 
foi então conduzido por arquitetos que haviam sido treinados por Bramante, mas só em 1546, com Michelangelo, 
o edifício vai entrar na sua fase final de concepção e construção. 
Michelangelo 
Afrescos da Capela Sistina de Michelangelo 
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475, Caprese Michelangelo, Itália-1564, Roma, Itália) foi pintor, 
escultor, poeta e arquiteto, e acima de tudo foi o que melhor encapsulou a ideia de gênio sob inspiração divina. 
Além disso, da sua obra e vida não se pode dissociar o drama e a tragédia, fazendo de Michelangelo o protótipo 
do artista solitário e torturado. 
Michelangelo considerava a escultura como a mais nobre das artes, e ele se considerava um escultor em primeiro 
lugar. Com a sua obra tentou chegar ao divino e à perfeição absoluta, mas no final chegou à conclusão que falhara 
em ambas as frentes, apesar de a História lhe reservar um lugar de destaque na criação artística como um dos 
maiores, senão o maior artista de todos os tempos. 
 
Davi - mármore, 4,089, 1502-1504 - Michelangelo, Galleria dell'Accademia, Florença 
O corpo humano era para Michelangelo uma expressão do divino e representá-lo sem roupagens era a única forma 
de absorver toda sua divindade. Daí a sua obra estar recheada de corpos nus e possantes,pois ao contrário de 
Leonardo, cujas figuras parecem imbuídas de uma feminilidade latente, em Michelangelo o pendor é para o 
masculino. 
Michelangelo é o artista que mais se aproxima dos clássicos da Antiguidade, muito pelo foco que colocou na 
imagem humana ao longo da sua obra. E o seu Davi, a primeira escultura monumental desta fase, é o melhor 
exemplo de todas as qualidades e características da arte de Michelangelo 
Casamento da Virgem - óleo sobre madeira, 170 x 117 cm, 1504 - Rafael, Pinacoteca di Brera, Milão 
https://www.culturagenial.com/davi-de-michelangelo/
Rafael Sanzio (1483, Urbino, Itália-1520, Roma, Itália) foi um artista e grande homem de sociedade. 
Contemporâneo de Michelangelo, a fama de ambos foi equiparada na época em que viveram, mas a História foi 
relegando Rafael para segundo plano como se a sua importância ou fama fosse menor que a de Michelangelo na 
época do Renascimento. 
A história de Rafael carece de dramatismo ou do elemento trágico, ao contrário da de Michelangelo, e da sua 
obra não saíram tantas inovações. Porém, o seu gênio é inegável, assim como a sua contribuição para um estilo 
que ele representou melhor que qualquer um. 
Papa Leão X com seus sobrinhos Giulio de Médici e Luigi de Rossi - óleo sobre madeira, 155 × 119 cm, 
1517-1518 - Rafael, Galleria degli Uffizi, Florença 
A sua vasta obra pictórica é um exemplo de fusão do que melhor se praticava no Renascimento Pleno, suportando 
as suas composições a candura e o lirismo de Leonardo, e o dramatismo e a força de Michelangelo. Rafael foi 
também um prolífero e exímio retratista. 
 
REVISSÃO 
 
Renascimento 
 
 
 
O Renascimento foi um movimento científico-cultural ocorrido, inicialmente na Itália e difundido pela 
Europa aproximadamente entre os anos de 1300 e 1650 marcando a transição da Idade Média para 
a Idade Moderna. No Renascimento, os artistas passaram a ser reconhecidos, assinavam suas obras, 
tornando-se famosos. Por sua característica humanista, o Renascimento trouxe a glorificação do 
homem e da natureza humana, em contraposição ao divino e ao sobrenatural. 
 
 
APROFUNDANDO-SE 
 
 
 
 
 
Chamou-se Renascimento em virtude da intensa revalorização das referências da Antiguidade 
Clássica, que nortearam um progressivo abrandamento da influência do dogmatismo religioso e do 
misticismo sobre a cultura e a sociedade, com uma concomitante e crescente valorização da 
racionalidade, da ciência e da natureza. Neste processo o ser humano foi revestido de uma nova 
dignidade e colocado no centro da Criação, e por isso deu-se à principal corrente de pensamento 
deste período o nome de humanismo. 
 
 
Fonte do trecho acima: Wikipédia 
 
 
 
 
O Renascimento surgiu na Itália graças à prosperidade das cidades de Veneza, Gênova, Florença, Roma com o 
desenvolvimento do comércio no Mediterrâneo. Surgiu uma rica burguesia mercantil que procurava ser o centro da 
nova sociedade e se transformava em "mecena", protetora da arte. O Mecenato foi uma espécie de patrocínio aos 
artistas. 
 
O Renascimento Artístico 
 
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(Fonte do trecho abaixo: Site Toda Matéria) 
 
Representou uma das vertentes do período renascentista com a profusão de diversas obras. Lembre-se que o 
Renascimento foi um movimento artístico, intelectual e cultural que teve início no século XV na Itália. Foi com o 
declínio do sistema feudal e de diversas caraterísticas associadas ao período medieval, que surgiu a Renascença, 
um período de efervescência cultural, artística e científica que se espalhou pela Europa. 
 
“O Humanismo foi a razão do Renascimento” 
 
IMPORTANTE DESTACAR: 
 
 
 
O pensamento predominante do Renascimento é o Antropocentrismo, o homem no centro do universo. Na Idade 
Média predominava o pensamento do Teocentrismo, Deus no centro do universo. 
 
Outras características: 
 
Racionalismo – a razão é o único caminho para se chegar ao conhecimento. 
 
Individualismo - artistas com um estilo pessoal, diferente dos demais, já que o período é marcado pelo ideal de 
liberdade. 
 
 
OBSERVE: 
 
 
No Renascimento, destacam-se as diferenças individuais, cada moça tem suas próprias características, são 
graciosas e atraentes. 
 
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Na Idade Média, as três moças são praticamente idênticas, postura rígida, louras, mão direita levantada, roupa 
uniformizada. 
 
PRINCIPAIS PINTORES DO RENASCIMENTO 
Leonardo Da Vinci 
 
 
 
Foi cientista, pintor, urbanista, entre outros, dominou várias áreas do conhecimento científico. Suas pinturas que 
ficaram famosas, Mona lisa , A Última Ceia. 
 
Michelangelo 
 
 
 
Foi um genial artista, na escultura teve influência na escultura grega, pintou com muita genialidade o teto da capela 
Sistina da Criação do homem ao julgamento final. 
 
Rafael Santio 
 
 
 
É considerado o pintor que mais desenvolveu, na Renascença os ideais de beleza: Harmonia e regularidade de 
formas e cores. Tornou-se conhecido pintor das figuras de Maria e Jesus. 
 
CONCLUSÃO 
 
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O Renascimento foi uma época importante para afirmação do artista como criador individual da obra de arte. 
 
 
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