Disenos-decorativos-textiles-del-renacimiento-en-Italia-Siglo-XVI

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[1] 
 
 
Universidad Nacional 
Autónoma de México 
 
Escuela Nacional de 
Artes Plásticas 
 
Diseños decorativos 
textiles del renacimiento 
en Italia (siglo XVI) 
 
Tesina que para obtener el 
título de: 
 
Licenciado en Comunicación Gráfica 
presenta: 
Juan Arturo Moncada Mora 
 
director de tesina: 
 
Licenciada Elisa Vargas Reyes 
 
México, D.F., 2012 
 
UNAM – Dirección General de Bibliotecas 
Tesis Digitales 
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[2] 
 
 Índice
índice. 
introducción. 
 
Capitulo 1 Marco de referencia 
Renacimiento en Italia (siglo XVI) pintura 
 
1.1 Clásica o tercera generación 
1.2 El artista y sus conceptos estéticos 
 Leonardo Da Vinci (1452-1519) 
 Rafael Sanzio (1483-1520) 
 Miguel Ángel Bounarroti (1475-1564) 
1.3 Arte manierista 
 
Capitulo 2 Marco de referencia 
Escuela Veneciana (pintura) 
 
2.1 El artista y sus conceptos estéticos 
 Tiziano Vecello (1490-1576) 
 Paolo Caliari o Veronés (1528-1588) 
 Jacopo Robusti o Tintoretto (1518-1594) 
 
Capitulo 3 Análisis de los diseños decorativos 
 textiles en Italia (Siglo XVI) 
 
3.1 Proceso de funciones 
 3.1.1 Síntesis de los conceptos estéticos y elementos formales 
 3.1.2 Definiciones de los recursos visuales gráficos 
 3.1.3 Análisis de los diseños textiles 
 
 Patrón I 
 Patrón II 
 Patrón III 
 Patrón IV 
 Patrón V 
 Patrón VI 
 Patrón VII 
 Patrón VIII 
 Patrón IX 
 Patrón X y (ejemplo out line) 
 Patrón XI 
 Patrón XII 
 
3.2 Aplicaciones: proceso-boceto 
3.2.1 Desarrollo 
- conclusiones 
- glosario 
- índice de imágenes 
- enlaces externos: on line 
- bibliografía 
[3] 
 
Introducción 
 
Los sistemas para la identidad corporativa dependen de los elementos verbales, icónicos y 
cromáticos al identificar y designar en el acto de la percepción con función social para 
entidades públicas y privadas utilidades materiales relacionadas con el consumo y la 
invención tecnológica en que los modelos gráficos llevan implícito diferentes fenómenos: 
conocimientos, instrumentos de análisis y modelos de producción. Las aplicaciones de los 
sistemas de identidad gráficos en la comunicación visual sirven para transmitir una 
información en que existen diferencias tanto en los mensajes como en la recepción y 
procesamiento de esos mensajes que también se basan en la información a través de los 
ojos y que se denomina percepción visual dirigidos a cualquiera de sus modalidades y que 
constituyen uno de tantos canales de emisión de la imagen corporativa siendo el mejor 
exponente el logotipo, en tanto que para el sistema de mensajes de identificación consiste 
en el diseño del conjunto de signos y su modo de aplicación a la totalidad de soportes 
gráficos mas el uso de imágenes que deben tener ciertas características comunes para ver 
el diseño como una totalidad; es así que en la comunicación visual sirven para transmitir 
una información en que existen diferencias tanto en los mensajes como en la recepción y 
procesamiento de esos mensajes que son los del receptor. 
 
Para el caso del diseño decorativo textil este se conforma a partir de un sistema de signos 
visuales que se distinguen y diferencian variando su utilidad según sea el caso: comercial, 
cultural, social o institucional es así que se condicionan por los estereotipos que se 
adoptan visualmente a los ambientes proyectando el gusto y necesidades del público ideal. 
Se trata de obras maestras del diseño que son arquetipo en soluciones motivas para un 
soporte bidimensional con elementos formales o si se prefiere visuales, con carga funcional 
y psicológica cuyo significado se interpreta por el dibujo, es decir la forma y por el color, 
como iconos representativos en la escritura de imágenes en el grupo de la ilustración, para 
esto es importante distinguir dos niveles: uno que comprende el reconocimiento de formas, 
colores y luces y otro que se añade al anterior que permite relacionar objetos y encontrar 
su significado. Para poder crear cualquier forma hay que partir de la línea recta, curva, 
zigzag y ondulada. Las líneas tienen direccionales que al añadirse la anchura se inicia la 
forma, lo anterior se debe estudiar en el contenido, estilo y tipo de imágenes así como 
identificar, seleccionar, ordenar, explicar y ejemplificar para sus posibles aplicaciones como 
modelos a retomar hacia todo contexto que denote elegancia, sobriedad, refinamiento, 
opulencia, cultura, confort, estatus, etc. Para el proceso de proyectación aplicado en un 
catalogo acerca de algunos artículos mercantiles que pueden ser tapete de pared, tapete 
de piso, cortinas inclusive tapiz adherible vinilico etc. En un mercado con características de 
lo conservador, exclusividad y prestigio. 
 
 
 
 
 
[4] 
 
Objetivo general 
 
Conocer y diferenciar a partir de un estudio descriptivo y análisis, las características 
estructurales gráficas que conforman los diseños textiles del Alto Renacimiento en Italia 
siglo XVI y sus analogías con la pintura del mismo lugar y tiempo, en una actividad del 
diseño como imagen corporativa en catalogo y el proceso de desarrollo de la investigación 
a la aplicación como guía de las mismas. 
 
 
Objetivos específicos 
 
1.- Describir los conceptos estéticos en la pintura en el Alto Renacimiento italiano. 
(Resumir e ilustrar) 
2.- Identificar los diseños decorativos textiles del siglo XVI en Italia 
3.- Ejemplificar los modelos textiles del mismo siglo y lugar 
4.- Analizar los diseños decorativos textiles correspondientes a partir de los conceptos 
estéticos y las aplicaciones de los elementos visuales desarrollados en Italia en el siglo 
XVI. 
5.- Entender (clasificar y comparar) los diseños decorativos textiles correspondientes. 
6.- Elaborar en orden clasificado un catalogo de los patrones textiles estudiados a nivel 
boceto. 
7.- Desarrollo en la identidad gráfica. 
 
 
[5] 
 
CAPÍTULO 1 
Marco de 
referencia 
 
 
El 
renacimiento 
en Italia (pintura) 
 
 
[6] 
 
CAPITULO 1 
Marco de referencia 
Renacimiento en Italia 
(pintura) 
 
1.1.- Clásica o tercera generación 
 
“En tres generaciones se divide el 
desarrollo evolutivo de la pintura en Italia 
principalmente en la ciudad de Florencia 
del siglo XV. Las dos primeras 
generaciones se producen dentro de este 
siglo denominado como del cuatrocientos, 
la primera generación está compuesta 
principalmente por fray Angélico (1400-
1455) con obras como Imposicióndel 
nombre a san Juan bautista y Vocación 
de san Nicolás. Con fray Filippo Lippi 
(1457-1504) La danza de Salome. 
De Paolo Uccello (1390-1475) La disputa 
de san Esteban, el diluvio, derrota de san 
Romano, batalla de san Egidio. Masaccio 
(1401-1428) con obras como El pago del 
tributo, San Pedro curando a los 
enfermos. Andrea del Castagno (1390-
1477) con Madona y niño con santa Ana y 
La expulsión de Adán y Eva del paraíso 
terrenal. En manos de ellos se aplicó la 
rudimentaria representación del espacio, 
la representación lineal aunque deficiente, 
más los planos, distancias y tamaños con 
corrección. En las tres primeras décadas 
del siglo XV vienen a imperar los valores 
de forma y movimiento que con la 
representación del espacio limitado o 
ilimitado son el fuerte del cuatrocientos 
por lo que las concepciones estéticas se 
encuentran en un nivel casi moderno 
como sus modos de expresión realizando 
considerables progresos en la anatomía 
sin embargo se sigue produciendo pintura 
en los conventos siendo los temas 
predominantes escenas evangélicas con 
figuras del gótico clásico y con influencia 
en la línea de influjo bizantino como se 
aprecia en frescos de fray Angélico en La 
anunciación. Fuera de los monasterios se 
expresan artistas a los que se considera 
más aptos para la ciencia como Paolo 
Uccello preocupado por los problemas de 
perspectiva y escorzo al mismo tiempo 
que crea fórmulas para la representación 
del espacio o tercera dimensión en una 
superficie así como el desarrollo de la 
perspectiva lineal; lo que se puede ver en 
su obra La batalla de san Egidio. En tanto 
que fray Angélico a pesar de su 
religiosidad supo observar los hechos y 
seres de la tierra. En esta época surgen 
los primeros mecenas de artistas como 
Cosme Medici fundador de la dinastía. 
 
La primera generación cuatrocentista 
florentina alcanzó su madurez entre 1430 
y 1460 habiendo iniciado las dos 
corrientes o modalidades artísticas: la 
sentimental y la científica. La primera 
vinculada con fray Angélico como 
principal representante y la segunda por 
Paolo Uccello. 
La segunda generación cuatrocentista 
aporta pintores como Sandro Filippepi 
llamado Botticelli (1444-1510) con una de 
sus principales obras como El nacimiento 
de Venus. Antonio Pollaiuolo (1431-1498) 
pinta Martirio de san Juan. Andrea 
Verochio (1435-1507) El bautismo de 
Cristo y Benozzo Gozzoli (1420-1498) con 
El Cortejo de los Reyes Magos. Esta 
generación llevó a término con mayor 
perfección los volúmenes y la 
representación del espacio abarcando la 
década del sesenta al noventa del siglo 
XV. En esta etapa se desarrolla la 
observación precisa de la naturaleza 
paganizándose cada vez más el arte. En 
pintura se buscó dar la impresión de 
[7] 
 
espacios panorámicos como con Benozzo 
Gozzoli en El cortejo de los reyes magos. 
Con Verochio aparece por primera vez la 
percepción artística de lo atmosférico y la 
luz produciendo finos efectos de 
claroscuro en pinturas como El bautizo de 
Cristo. Masaccio de la primer generación 
y Verochio de la segunda; obtienen logros 
en perspectiva aérea. Con Pollaiuolo se 
dan logros en la representación de la 
fuerza física y el movimiento con precisión 
de trazo, dominio del desnudo humano y 
definición de la forma en tanto que 
Sandro Botticelli se expresa con línea 
firme y de ondulación delicada, rigor de 
contornos que modelan la forma con 
precisión, elegancia y fluidez en pinturas 
como El nacimiento de Venus. 
 
En la segunda generación cuatrocentista 
se manifiestan grupos de artistas en otras 
provincias de Italia como Umbría, Verona, 
Padua, Milán, Ferrara, Brescia y Padua; 
los cuales se hallan unidos por cierto 
sentimiento de la naturaleza “sin embargo 
para el propósito del presente estudio es 
en Florencia en donde se concentran los 
acontecimientos culturales más 
importantes de la primera y segunda 
generaciones cuatrocentistas las cuales 
propician a la tercer generación 
denominada Clásica”*. Este periodo que 
se ubica entre 1490 y 1520 se puede 
considerar como el punto más importante 
para la razón y el progreso en los logros 
aportados en la investigación de los 
objetivos para la representación visual 
en un plano como arte y como ciencia 
por parte de los artistas que se abocan a 
explorar y descubrir el mundo material 
observando y estudiando la naturaleza y 
sus fenómenos concibiendo al hombre 
como centro de todas las cosas. También 
estudian y examinan el cuerpo humano y 
su anatomía así como dirigen su mirada 
hacia el arte clásico antiguo griego y 
romano. Las transformaciones de este 
momento histórico se basan en el sistema 
capitalista naciente y del estado moderno 
que va desplazando al feudalismo 
medieval, en este marco se inscriben el 
fenómeno del humanismo en que a los 
artistas se les empezó a considerar como 
hombres de ideas y no como simples 
manipuladores de materiales, así nació el 
artista ilustrador, aparece el pintor 
teorizador protegido por mecenas. 
El Renacimiento clásico en Italia como 
movimiento artístico creador conocido 
como la tercera generación cuatrocentista 
llamada clásica está representada por 
tres personalidades: Leonardo da Vinci, 
Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti 
principalmente”.1 
 
 
1.2.- El artista y sus conceptos 
estéticos 
Leonardo da Vinci (1452-1519) 
 
“Sus fecundas investigaciones científicas 
fueron numerosas y en sus obras como 
pintor consigue elaborar y plasmar el ideal 
de belleza. Los rasgos que lo definen son 
su categórico rechazo al autoritarismo en 
tanto que confirma a la experiencia como 
valor exclusivo; esto será su rasgo 
definitorio en su actividad como pintor. 
Aprendidos los dos principios básicos de 
la pintura florentina del cuatrocientos el 
sistema de representación tridimensional 
y la valoración de la antigüedad clásica 
como maestra se opondrá a ellos, 
superándolos y planteando un nuevo 
 
1
 De la encina, Juan. La pintura italiana del 
renacimiento. 1964, Fondo de Cultura Económica. 
México p. 49 
*Aclaración personal. 
[8] 
 
sistema de representación a la 
construcción geométrica del espacio y la 
perspectiva lineal conseguida por los 
cuatrocentistas opone la perspectiva 
aérea cuya base se encuentra en sus 
continuas investigaciones sobre el 
fenómeno de la luz. Ante la elección de la 
antigüedad clásica reacciona mediante un 
conocimiento racional vasto y 
experimentado de los fenómenos de la 
naturaleza. En Leonardo se funden la 
actividad artística y la actividad científica 
por lo que para Leonardo la belleza no se 
aparta de su concepción científica de la 
naturaleza ya que como ella tiene que ser 
visible y experimentable. 
 
Leonardo fue formado en contacto con el 
núcleo florentino neoplatónico por lo que 
no abandona la idea de que la belleza es 
algo inmaterial que se manifiesta 
mediante una imagen visual directa, 
búsqueda que ocupa toda su actividad 
creadora en pintura. El “sfumato” recurso 
técnico inventado por él que consiste en 
difuminar los contornos se basa en su 
teoría científica sobre el espesor del aire 
que le lleva a la representación 
atmosférica. Leonardo intuye que la 
atmósfera no es transparente. En tanto 
tienen color y densidad propios que 
cambian por los efectos de la luz ya que 
estas propiedades atmosféricas varían. 
 El cuatrocientos representaba los objetos 
partiendo de una visión preconcebidaen 
tanto que Leonardo representa tal y 
como observa las cosas en el momento 
en que van a ser representados 
olvidándose de cualquier idea establecida 
a priori. La técnica del esfumado permite 
la fusión del objeto con la naturaleza que 
lo circunda. En cuanto a la luz esta se 
difunde por la atmosfera y lo solido del 
paisaje y al modo como actúa sobre las 
figuras situadas en distintos planos y 
como los va modelando de manera sutil y 
matizada; cualidades apreciables en su 
pintura de La anunciación del monte 
Oliveto, pintado por el año de 1471 (fig.1) 
 
 
 Fig.1 La anunciación del monte Oliveto. (1473) 97 X 
213 cm. Oleo-tabla, galería Uffizi Florencia. 
en el cincoecento la composición ya no 
está en orden dispersa o sujeta a una 
disposición elementalmente simétrica 
como acontece en la primera y segunda 
generación en pinturas coma la ya 
mencionada en El pago del tributo de 
Masaccio, por ejemplo. En cuanto a las 
cualidades atmosféricas estas 
 
Lograr un magnífico equilibrio de masas 
en movimiento con dependencia estrecha 
de todas las partes, ritmos fuertes y en 
acorde relación entre sí con unidad de 
composición y escena, tal es el caso de la 
pintura La batalla de Anghiari (fig.2). 
 
[9] 
 
 
Fig.2 La batalla de Anghiari. (1505) 7m. X 17m. Fresco. 
(Detalle) Museo del Louvre, Paris. 
 
Leonardo da Vinci en el dibujo y la 
construcción de figuras se aparta del 
estilo cuatrocentista su línea de amplitud 
melódica se desarrolla serena con 
simplicidad expresiva y blandura 
cadenciosa, la simplificación y reposo de 
la línea van unidos a un modelado de las 
figuras más amplio y solido que va 
matizando en la luz. (fig.3) 
 
 
Fig.3 La dama del armiño. (1488-90) 54.8 X 40.3 cm. 
Oleo-tabla Czartoryski Museum Cracovia. 
Entre los dibujos de Leonardo se 
encuentran estudios a detalle de la 
naturaleza, paisajes, flores, montañas, 
nubes, tormentas, animales diversos y 
estudios de fantasía. Aparecen por 
primera vez paisajes de rocas, agua con 
arbustos y florecillas minuciosamente 
tratados. (fig.4) 
 
 
Fig.4 La virgen de las rocas. (1483-86) 199 X 122 
cm. Oleo-tabla, museo de Louvre Paris. 
 
De modo que aparece la voluntad artística 
de composición unitaria y claroscuro, 
mientras que los florentinos 
cuatrocentistas vertían en sus pinturas 
una luz uniforme y clara por igual en toda 
la obra. A partir de 1482 el claroscuro 
será el elemento constructivo y expresivo 
en las obras de Leonardo es así que el 
claroscuro, el esfumado y la unidad de 
composición serán las tres condiciones 
del estilo clásico. (fig.5) 
[10] 
 
 
fig.5Santa Ana con la virgen, el niño y san Juan. (1498) 
141 X 104.5 cm. Piedra negra-tela Londres, National 
Gallery. 
A estas alturas en el trabajo de Leonardo 
la figura humana aparece en plenitud con 
perfección de dibujo y modelado, la obra 
de Leonardo da Vinci es escasa pero 
hecha de manera casi perfecta en 
sobriedad y análisis”. 2 
Rafael Sanzio (1483-1520) 
“El principal merito de Rafael es haber 
sabido conciliar armoniosamente 
tendencias muy diversas; en su pintura 
asimila desde las enseñanzas de su 
maestro Perugino hasta las innovaciones 
de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. El 
genio de Rafael se apoya en el estilo de 
sus predecesores y contemporáneos pero 
lo hace fusionando esos estilos en su 
concepción de la proporción y la medida 
de la elegancia, su tendencia a buscar y 
representar la belleza ideal mediante la 
utilización equilibrada de la línea, el 
 
2
 De la Encina (1964, p. 137) 
volumen y el color ya que sus obras se 
caracterizan por la claridad compositiva y 
por la dulzura frente a la sabiduría de 
Leonardo y la fuerza de Miguel Ángel, en 
Rafael destaca dicha dulzura pues 
sorprende por otra parte, su perfección, 
su virtuosismo formal, así como su 
capacidad para sintetizar lo religioso y lo 
profano, la antigüedad mitológico-
politeísta y el cristianismo monoteísta 
 
“Su primera etapa como pintor se 
desarrolla en Perusa donde asimilo a su 
maestro Perugino: claridad compositiva, 
delicadeza e ingenuidad de las figuras y 
preocupación por la perspectiva de 
amplios horizontes. A este periodo 
corresponde El desposorio y el sueño del 
caballero. Sus cuatro años florentinos 
(1504-1508) son decisivos para su 
formación. Aquí se aprecia la influencia 
de Leonardo decisiva en su pintura, en la 
que es fácil comprender la asimilación del 
esfumado y de la composición triangular. 
En tanto que impresionado por el 
dramatismo de Miguel Ángel realiza su 
pintura El santo entierro donde muestra 
ya el pleno dominio en el arte de 
componer. En 1508 se traslada a Roma 
llamado por el papa Julio II iniciando así 
la última y más fecunda etapa de su vida 
trabajando para el Vaticano con sus 
madonas que crecen en robustez 
componiendo monumentales cuadros de 
altar (Madona de la silla) en cuanto a los 
retratos consigue una fusión perfecta de 
la figura con la atmosfera, perdiéndose la 
línea de contorno destacando los del 
papa Julio II y León X así como El 
cardenal y La Fornarina pero lo más 
destacado de su etapa romana son las 
monumentales pinturas murales que 
realizó para las estancias vaticanas en las 
que está claramente presente la influencia 
[11] 
 
de Miguel Ángel. La primera fue llamada 
cámara de la signatura con cuatro 
grandes alegorías: La filosofía. (Escuela 
de Atenas fig.1) La teología. (Disputa del 
sacramento) El derecho. (Las virtudes 
cardinales) y La poesía. (El parnaso.) 
 
 
 
fig.1 Escuela de Atenas. (1509-10) 500 X 700 cm. 
Técnica al fresco. Estancias de la asignatura del 
Vaticano. 
 
“En el fresco de la escuela de Atenas, 
representa en un monumental fondo 
arquitectónico, numerosos filósofos de la 
antigüedad en diversas actitudes; en el 
punto de fuga y centro de la escena 
representa a Platón que señala hacia 
arriba (el mundo de las ideas) junto a él 
Aristóteles nos indica con su mano el 
mundo de la materia mostrando el valor 
de la experiencia, los personajes son en 
su mayoría retratos: Platón es Leonardo, 
Miguel Ángel aparece como Heráclito con 
esto el pintor quiso enseñar que la 
categoría de los artistas modernos es 
comparable a la de los sabios de la 
antigüedad”3. 
 
 
3
 http://artelaguia2000.com/pintura/rafael-sanzio-
1483-1520 
“Al conjunto de elementos que Rafael 
plasma los ubica en reposo siendo el 
equilibrio muy clásico al emplear el uso de 
ejes de simetría como en el fresco 
Historia de Heliodoro de 1512. En esta 
etapa emplea valores visuales como son: 
colores reales, escenas teatrales, colores 
opacos, con más fuerza conforme avanza 
su obra, un ejemplo podría ser La 
transfiguración del año de 1518 en cuanto 
a las madonas las cuales suman 15 en 
total se le consideró de poca imaginación 
por ser repetitivas y dulces por el tema 
pero que tuvieron éxito en Florencia. En 
su Madona del gran duque esta tiene el 
rostro parecido a la Mona Lisa en que 
utiliza el eje de simetría inclinado para dar 
la sensación de reposo y ternura. (fig.2) 
 
 
fig.2 La madona del gran duque. (1505) 84 X 55 cm. 
Oleo-tabla Florencia. Palazzo Pitti. 
 
En La madona Sixtina maneja un color 
más real y la escena es teatral con sus 
telones aquí nos encontramos con esa 
composición triangular, equilibrada y 
clásica. (fig.3) 
 
[12] 
 
 
 fig.3 Madona Sixtina. (1513-14) 98 X 1.30 Oleo sobre 
lienzo. Vaticano.Roma. 
 
Sus retratos como el de Guidobaldo I. da 
Montefeltro (1507) Baldassore Castiglione 
(1514) Tomaso inghirami (1509) y Miguel 
Ángel Buonarroti (Oleos) se les 
consideran psicológicos como el cardenal 
en que nos muestra un rostro anguloso, 
altivo, distante, no familiar, severo de un 
joven cardenal político de dura 
personalidad, con sus ojos asimétricos 
mirando en diagonal que manifiestan su 
vida interior, también nos muestra la 
fidelidad de lo que representa en cuestión 
de texturas como la túnica del cardenal 
hecha de seda. (fig.4) 
 
 fig.4 El Cardenal. Personaje anónimo. Oleo-tela. 
(1510-11) 61 X 79 cm. Museo del Prado. Madrid. 
 
En cuanto a los murales del Vaticano 
estos están concebidos con armonía, 
organiza la composición por medio de la 
jerarquía de figuras con espacios muy 
amplios y sentido de monumentalidad 
todas dentro de un clasicismo perfecto 
como ya se ha dicho cabe mencionar que 
en el fresco de La escuela de Atenas 
Rafael quiso representar las dos 
tendencias filosóficas opuestas: método 
científico o método ideológico. Es 
importante resaltar que en su pintura del 
Incendio del Borgo, su estilo se inclina por 
un cierto manierismo en que aplica 
fórmulas de rompimiento del equilibrio 
armónico entre el fondo y la forma pues 
relega la escena principal a un segundo 
plano o lateral; recurre a la 
descomposición de espacios creando la 
angustia del espacio para expresar 
tensión, los gestos de los personajes son 
sin energía vital empleando cánones de 
cuerpos alargados. (fig.5) 
[13] 
 
 
 fig.5 Incendio del Borgo. (1514) Base 670 cm. Técnica 
al fresco. Mural de las instancias vaticanas. 
 
Este método considerado “manierista” 
utilizado por Rafael será exagerado por 
sus discípulos llegando así al manierismo 
pleno”4. 
 
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) 
 
“En su condición de arquitecto, escultor, 
pintor y poeta ejerció una enorme 
influencia en sus contemporáneos como 
en todo el arte occidental posterior a su 
época. Nació en Caprese cerca de Arezzo 
aunque en esencia fue un florentino que 
mantuvo a lo largo de toda su vida lazos 
con Florencia y su cultura, pasó gran 
parte de su madurez en Roma trabajando 
en encargos de los papas ya que desde 
los 13 años Miguel Ángel ingresó al taller 
de Dominico Ghirlandaio, dos años 
después se sintió atraído por la escultura 
en el jardín de san Marcos lugar al que 
acudía con frecuencia para estudiar las 
estatuas antiguas de la colección de los 
Medici por entonces Miguel Ángel 
contaba con 16 años de edad para 
entonces ya había realizado al menos dos 
esculturas en relieve El combate de los 
 
4
 Valdearcos, Enrique. “El renacimiento italiano del 
siglo XVI” 2000 Clío33 p. 4,5,6 http://clio.rediris.es 
lapitas y los centauros y La virgen de la 
escalera (ambas fechadas en 1492-1498), 
con las que demostró que ya había 
alcanzado su personal estilo a tan 
temprana edad; su mecenas Lorenzo el 
magnífico murió en 1492, dos años 
después Miguel Ángel abandonó 
Florencia en el momento en que los 
Medici son expulsados por un tiempo de 
la ciudad por Carlos VIII, durante una 
temporada se estableció en Bolonia 
donde esculpió entre 1495 y 1499 tres 
estatuas de mármol para el arca de santo 
domingo en la iglesia del mismo nombre. 
Más tarde Miguel Ángel viajó a Roma 
ciudad en la que podía estudiar y 
examinar las ruinas y estatuas de la 
antigüedad clásica que por entonces se 
estaban descubriendo, poco después 
realizó su primera escultura a gran 
escala, el monumental Baco (1496-1498) 
uno de los pocos ejemplos de tema 
pagano en vez de cristiano realizados por 
el maestro muy ensalzado en la Roma 
renacentista y claramente inspirado en la 
estatuaria antigua, en concreto en el 
Apolo del Belvedere. En esa misma 
época Miguel Ángel esculpió también La 
Pietá (1498-1500) para san Pedro del 
Vaticano, magnífica obra en mármol que 
aún se conserva en su emplazamiento 
original. La Pietá es una de las obras de 
arte más conocidas; Miguel Ángel la 
término casi con toda seguridad antes de 
cumplir los 25 años de edad es además la 
única obra en la que aparece su firma, el 
punto culminante del estilo de juventud de 
Miguel Ángel viene marcado por la 
gigantesca (4.34 metros) escultura en 
mármol El David realizada entre 1501 y 
1504 después de su regreso a Florencia 
paralelamente a su trabajo como escultor. 
Miguel Ángel tuvo la oportunidad de 
demostrar su pericia y habilidad como 
[14] 
 
pintor al encomendársele la decoración 
de la bóveda de la capilla Sixtina, en ella 
Miguel Ángel plasmó algunas de las más 
exquisitas imágenes de toda la historia 
del arte. 
Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina 
en 1505 Miguel Ángel había recibido el 
encargo del papa Julio II de realizar su 
tumba planeada desde un primer 
momento como la más magnifica y 
grandiosa de toda la cristiandad. Miguel 
Ángel terminó algunas de sus mejores 
esculturas con destino a dicha tumba 
entre las que destacan El Moisés (1515) 
figura central hoy conservada en la iglesia 
de san Pedro In Vinculis Roma. Durante 
la década de 1520 diseño Miguel Ángel la 
biblioteca Laurenciana, entre 1519 y 1534 
emprendió el encargo de hacer las 
tumbas de los Medici en la sacristía 
nueva de san Lorenzo ya en Roma Miguel 
Ángel comenzó a trabajar en 1536 en el 
fresco El juicio final para decorar la pared 
situada tras el altar de la Capilla Sixtina 
dando por concluidos los trabajos en 
1541. La obra cumbre de Miguel Ángel 
como arquitecto fue la basílica de san 
Pedro, su cúpula se convirtió en modelo y 
paradigma para todo el mundo occidental 
“el violento ardor de Miguel Ángel y 
maestría expresiva de poder plástico de 
realización, de profundo conocimiento 
intuitivo y racional de la estructura y 
movimientos del cuerpo humano, su arte 
insuperable en el dibujo de contorno y la 
construcción interna trajo tales novedades 
al campo del arte” 
amplitud expresiva de su dibujo, 
penetración hacia la extraña esencia de 
las formas. –“il gran disegno” puso los 
grandes acentos expresivos en las 
articulaciones de la figura humana de 
comunicar a esta toda clase de actitudes 
en todas las direcciones del espacio. 
(fig.1). 
 
 
 fig.1 El rapto de Ganimedes. (1533) Dibujo 19 X 33 
cm. Fogg Art Museum Cambridge. Massachusetts. 
 
Entre Miguel Ángel y Rafael se alcanza 
una amplitud decorativa desconocida 
hasta entonces “su interés fue el de los 
valores específicos en la pintura: La 
forma, el movimiento, la composición, el 
color fue secundario para él pues se 
conformaba con tonalidades en sordina y 
luz gris y difusa”5 (fig.2) 
 
 
 
 
 
5
 De la Encina (1964,p. 148) 
http://2.bp.blogspot.com/_2NZnxbrWls0/S1Q_PWAiZXI/AAAAAAAAAFU/uzlcU-MhBQA/s1600-h/El+rapto+de+Gan%C3%ADmedes+de+Migul.+%C3%81ngel.jpg
[15] 
 
 
fig. 2 Madona de Manchester. (1497) Temple sobre 
madera. 76 X 105 cm. National Gallery Londres. 
 
Los conceptos plásticos que Miguel Ángel 
utilizó quedaron registrados en su 
principal obra pictórica de la capilla 
Sixtina ya antes mencionada la cual fue 
pintada en 9 paneles entre 1508 y 1512 
por encargo del papa Sixto IV con los 
temas El génesis y El juicio final bíblicos. 
(fig.3) en esta obra se reúnen las 
siguientes características: 
 
-elementos ficticios arquitectónicos 
-triángulos monumentales 
-división de escenas 
-creación de espacios con figuras fuera 
de escena 
 
Es precisamente en estas figuras donde 
Miguel Ángel desarrolla los primeros 
elementos manieristas de su pintura 
en que desarrolló:- el equilibrio inestable del manierismo 
- figuras que se sientan mal 
- estructuras insuficientes y 
- posiciones antiestéticas que provocan 
tensión 
 
fig.3 Capilla Sixtina. El juicio final. (Concluida en 1541) 
Técnica al fresco. 12.20 X 13.70 Capilla Sixtina del 
Vaticano. 
 
Miguel Ángel describe el tema de la 
creación del hombre como una 
prolongación de dios y encontramos un 
aspecto hercúleo y monumental en todas 
sus figuras, (fig.4) aunado a lo siguiente: 
 
- color austero 
- reduce el paisaje a una mínima 
expresión 
- color sombrío, con predominio de azules 
- conjuntos de desnudos 
 
En definitiva es un arte más tremendo con 
concepto dramático, en que aplica sus 
conceptos de: 
 
 
- figuras desproporcionadas 
- gestos duros 
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/df/Michelangelo_manchaster.jpg
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/24/Rome_Sistine_Chapel_01.jpg
[16] 
 
- cuerpos excesivamente alargados 
 
podría decirse inclusive que casi llega al 
expresionismo aunque para Miguel 
Ángel lo que más importa fueron los 
valores específicos de la pintura: 
 
- la forma 
- el movimiento 
- y la composición 
 
 
fig.4 El diluvio universal. (1509) 280 cm. X 570 cm. 
Técnica al fresco. Capilla Sixtina, Vaticano. 
 
el color fue secundario para él; se 
conformaba con lo siguiente: 
 
- tonalidades en sordina 
- luz gris y difusa 
- efectos difusos 
 
Miguel Ángel se propuso a sí mismo 
vencer las mayores dificultades de forma 
y composición, para ello utilizó: 
 
- el tondo o espacio circular 
- paisaje esquemático como fondo 
- la forma muy definida y circunscrita”6 
 
“en la obra El juicio final los valores 
plásticos de Miguel Ángel fueron 
extremos no solo en lo que afecta a las 
formas humanas sino a la exacerbación 
del movimiento” es por medio de esta 
 
6
 http://www.epdlp.com/pinturaphp?=182p.3,4 
obra en que ha entrado ya decidida y 
cumplidamente en el barroco. 
Así como Leonardo Da Vinci acomete el 
viaje del arte cuatrocentista al clásico, 
Miguel Ángel partiendo también de 
conceptos cuatrocentistas pero 
grandemente mitigados por el estudio de 
lo antiguo y por concepto nuevo de la 
forma no solo asienta de manera 
definitiva la concepción clásica del arte 
sino que al correr de los años está ya no 
le sirve para expresarse cabalmente, bien 
pudiera decirse que Miguel Ángel es 
nativamente barroco y que su clasicismo 
en realidad no es sino una especie de 
fase intermedia, una etapa necesaria de 
transición al tipo de arte que el 
verdaderamente crea de conformidad con 
ardor de su espíritu. 
Miguel Ángel en su excelente plástica ha 
descoyuntado a favor de los elementos 
dinámicos al considerar que el barroco es 
masa y movimiento así su gran estilo se 
convirtió en manera.”7 (fig.5) 
 
 
 
 fig. 5 La batalla de Casina. (1506) Boceto en 
carboncillo-cartón, copia de Bastiano da Sangallo. 
 
 
 
 
7
 De la Encina (1964 p. 155) 
http://www.historia-del-arte-erotico.com/1506_miguel_angel/Michelangelo_Buonarroti_020.jpg
http://www.historia-del-arte-erotico.com/1506_miguel_angel/a/MICHELANGELO_1505_cascina1.jpg
[17] 
 
1.3.- Arte manierista (pintura) 
 
“La pintura manierista es un estilo artístico 
que predominó en Italia desde el alto 
renacimiento por 1530 y duró hasta 
alrededor del año 1580, cuando comenzó 
a ser reemplazado por un estilo más bien 
barroco, siendo el término “manierismo” 
una manera moderna en referencia a 
aquellas obras que se decían realizadas 
como los grandes maestros del alto 
renacimiento; la imitación de las obras de 
Leonardo, Rafael y Miguel Ángel hacen 
que se produzca imágenes artificiosas en 
cierta forma la propia grandeza de esos 
maestros cerraba las vías a la creatividad 
artística y a las jóvenes generaciones que 
no les quedaba sino la imitación. 
 
El manierismo es un arte propio de la 
época de crisis tanto económicamente 
como espiritual en el medio de la Reforma 
protestante, los diversos problemas se 
resienten en Roma en 1527 dado que los 
comitentes no son burgueses sino 
aristócratas, mecenas que deseaban 
complicadas alegorías cuyo sentido no 
siempre es claro, resultaba un estilo 
inadecuado para el tema religioso por lo 
que en la contrarreforma se opto por otras 
formas más apropiadas. 
No se intenta representar la realidad de 
manera naturalista sino que se hace 
extraña un poco deformada como un 
capricho. Los cuadros ya no transmiten el 
sereno orden y equilibrio del alto 
renacimiento sino que se inclinan por 
representaciones anti clásicas intrincadas 
y complicadas en cuanto a su sentido; los 
modelos adoptan posturas complicadas y 
se las presenta de manera 
desproporcionada, elásticas y alargadas 
la perspectiva es infinita por lo que el 
manierismo resulta refinado y de difícil 
interpretación, la luz no es natural sino 
fría y coloreada de manera antinatural lo 
mismo que los colores: son extraños, 
fríos, artificiales y violentamente 
enfrentados entre sí en vez de apoyarse 
por gamas. En Roma trabajaba Miguel 
Ángel quien en algunas de sus obras 
presenta rasgos que anticipan el 
manierismo como en las diversas 
escenas pintadas en diferentes 
posiciones en el techo de la capilla Sixtina 
“este periodo ha sido descrito como una 
extensión natural del arte en tanto que 
Miguel Ángel y Rafael así como el declive 
de los logros clasicistas de esos mismos 
artistas van siendo remplazados, es así 
que las formas alargadas de este estilo y 
formas distorsionadas fueron 
interpretadas como una reacción a las 
composiciones idealizadas prevalentes en 
el Alto Renacimiento por lo tanto este 
estilo a menudo se lo identifica como “anti 
clásico” sin embargo en su época se 
considero una progresión natural a partir 
del Alto Renacimiento”*, la más temprana 
fase experimental del manierismo 
conocida por sus formas anti clásicas 
duraron hasta alrededor de 1540 a1550 
 
 
Alta maniera 
 
“El segundo periodo del manierismo se 
diferencia normalmente del anterior 
llamada fase “anti clásica” los manieristas 
posteriores enfatizaron los conceptos 
intelectuales y el virtuosismo artístico, 
rasgos que han llevado a críticos 
posteriores a acusarlos de trabajar en un 
estilo “maniera” poco natural y afectada. 
Los artistas de maniera consideraban a 
su contemporáneo de mayor edad, Miguel 
Ángel como su primer ejemplo; el suyo 
era un arte de imitación al arte más que 
[18] 
 
de imitar a la naturaleza. El aspecto 
intelectual de este arte “amanerado” 
proviene de que el artista espera que el 
público se dé cuenta y comprenda sus 
diferencias visuales, el artificio supremo 
proviene en el amor de este tipo de pintor 
de malversar deliberadamente una cita 
con base principalmente en los círculos 
cortesanos e intelectuales de toda 
Europa. El manierismo aúna elegancia 
exagerada con una atención exquisita a la 
superficie y el detalle; el sujeto manierista 
raramente muestra un exceso de emoción 
y por esta razón son a menudo 
interpretados como fríos o distantes y a 
menudo se les llama estilo “estiloso” o a 
la maniera. 
 
La difusión del manierismo en los centros 
manieristas en Italia fueron Roma, 
Florencia y Mantua, mientras que la 
pintura veneciana en su “escuela” 
separada siguió una vía independiente 
representada en la larga carrera de 
Tiziano. Siendo el gran maestro de la 
pintura veneciana precisamente Tiziano. 
Realizó cuadros religiosos como La 
Asunción de la Virgen, pero notables son 
también sus retratos como el de Carlos V 
a caballo en tanto que Paolo Veronés 
pintoescenas religiosas enmarcadas en 
enormes arquitecturas clásicas que 
anticipan el barroco pero el único al que 
propiamente se puede llamar manierista y 
barroco de todos los artistas venecianos 
es Tintoretto, influido por el color de 
Tiziano y la tensión de las posturas 
difíciles de Miguel Ángel. Su obra la 
última cena epitomiza el manierismo al 
situar a Jesús y la mesa fuera del centro 
de la habitación más el movimiento y la 
fuerza expresiva del barroco” 8 
 
8
 http://es.wikipedia.org./wiki/pinturamanierista 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Pérez Sánchez, Alfonso Emilio ((La pintura del 
“cinquecento” El manierismo en Italia)) Historia del 
arte,1986, Ed. Anaya, Madrid, págs. 385-406 
*Observación hecha por los contemporáneos más 
jóvenes de Miguel Ángel 
http://es.wikipedia.org./wiki/pinturamanierista
[19] 
 
CAPÍTULO 2 
Marco de 
referencia 
 
 
Escuela 
veneciana 
(pintura) 
 
[20] 
 
CAPITULO 2 
Marco de referencia 
Escuela Veneciana (pintura) 
 
“Cuando se habla de la pintura 
renacentista italiana es costumbre señalar 
la primacía de Florencia en el 
cuatrocientos y la de Roma en el 
cincoecento pero no faltan razones para 
reconocer por orden de importancia a una 
de las ciudades más prosperas de la 
época: Venecia, la cual gozaba de una 
posición privilegiada en cuanto al 
comercio marítimo mediterráneo y ya en 
el siglo XV sus naves gozaban de una 
supremacía absoluta en los intercambios 
entre oriente y occidente mientras que 
una acaudalada burguesía controlaba los 
destinos de la ciudad. Es en este contexto 
de prosperidad en el que podemos situar 
el desarrollo de una escuela veneciana de 
pintura que desde mediados del siglo XV 
tiene ya completamente asumidos los 
principios básicos del arte renacentista y 
que continua evolucionando durante el 
siglo XVI tendiendo hacia la plástica 
manierista. Pero para tan amplio espacio 
temporal y con una elevada nomina de 
artistas es posible señalar algunos 
caracteres comunes en esta escuela 
pictórica dejando a un lado la lógica 
evolución hay al menos tres elementos 
comunes a estos pintores venecianos. En 
primer lugar encontramos una innovación 
respecto al soporte pictórico; en el siglo 
XV los artistas van abandonando el uso 
de la tabla para explorar las posibilidades 
del oleo aplicado sobre lienzo ya 
prácticamente generalizado desde 
mediados de siglo, en segundo lugar la 
perspectiva lineal que caracterizo buena 
parte de la pintura veneciana de aquella 
centuria acabara sustituida por la 
perspectiva aérea que triunfo con las 
grandes realizaciones del siglo XVI por 
último la característica más destacada de 
los pintores renacentistas venecianos es 
sin duda alguna la importancia concedida 
al color que suele aplicarse con pincelada 
gruesa y pastosa y preferentemente con 
tonos luminosos muy cálidos, acordes 
con la peculiar luz que caracteriza la 
ciudad y muy adecuados para plasmar 
en el lienzo la atmosfera veneciana. 
Partiendo de esos elementos comunes, 
sintetizar las principales figuras de esta 
escuela no es tarea fácil ya que fueron 
muchos los artistas que desarrollaron su 
obra en la ciudad desde luego no puede 
hablarse en sentido estricto de un creador 
de la escuela aunque en sus orígenes 
cabe destacar la figura de Vittore 
Carpaccio (1460-1525) con pinturas como 
Escenas de la vida de santa Úrsula. 
Interesado en temas cortesanos y la 
trayectoria de Giovanni Bellini (1424-
1516) con obras como Presentación en el 
templo. Si comparamos algunas de sus 
primeras obras con las que realizo ya en 
el siglo XVI apreciaremos al instante la 
capacidad de evolución de este pintor y 
como fue mientras el dibujo pasaba a 
ocupar un lugar secundario entre sus 
preocupaciones muy probablemente fue 
discípulo suyo Giorgio de Castelfranco, 
Giorgione (1477-1516) quien pinta temas 
como La Adoración de los Magos y que 
heredó las mismas preocupaciones de su 
maestro mostrando al mismo tiempo 
algunas influencias de Leonardo y Rafael, 
con lo que marca ya la entrada de la 
pintura veneciana en el cincoecento. 
Fallecido en plena madurez durante el 
transcurso de la epidemia de peste que 
asolo Venecia en 1510, son pocas las 
obras de Giorgione entre las que 
destacan La tempestad de 1516 para 
[21] 
 
valorar como el color y la luz se ponen 
aquí por completo al servicio de la 
representación del paisaje. Posterior a 
Giorgione es Tiziano Vecello (1490-1576) 
es en el mismo siglo de Tiziano que 
trabajo también Jacopo Robusti Tintoretto 
(1518-1594) discípulo suyo por breve 
tiempo, amante también del dibujo e 
influido además por el Miguel Ángel de la 
Sixtina; su obra es ejemplo de las 
tendencias manieristas que agitaron la 
pintura italiana de la época y en sus 
últimos años de trabajo un claro preludio 
de la plástica barroca que se manifiesta 
en los agudos contrastes entere luces y 
sombras en los violentos escorzos y 
perspectivas a los que recurre y en el 
insólito tamaño de algunos de sus 
cuadros como El paraíso que ocupa 7.4 x 
24.6 metros: el lienzo de mayor tamaño 
de toda la historia de la pintura, también 
de la misma época es Paolo Cagliari; 
Veronés (1528-1588) por la ciudad en que 
nació aunque se estableció en Venecia 
desde mediados de siglo cultivando 
también la estética manierista volcada 
sobre todo a formatos grandes útiles para 
representar las escenas de carácter 
clásico que daban mayor suntuosidad a 
las escenas. Es así que esta escuela 
pictórica hizo del color la mayor 
preocupación de su pintura la apoteosis 
del color. La escuela veneciana se dejo 
influir por los grandes maestros pero ella 
también influirá en toda la pintura italiana 
e incluso europea. En su etapa final es el 
precedente de las escuelas barrocas, 
habiendo constituido con características 
establecidas en el desarrollo de las 
técnicas del oleo sobre lienzo y la pintura 
mural al fresco de gran afición por el lujo y 
suntuosidad en las vestimentas así como 
abundancia de los objetos de la vida 
cotidiana, expresión de alto nivel de la 
vida veneciana, sentido lujoso del color, 
calidades táctiles de una gran densidad, 
colores cálidos propios para el ambiente 
opulento; importancia del paisaje, visión 
poético- romántica y visión idílica”9 
 
2.1.- El artista y sus conceptos 
estéticos 
 Tiziano Vecello (1490-1576) 
Generación clásica. 
 
“Tiziano es uno de los más versátiles 
pintores italianos igualmente capacitado 
para ejecutar retratos, paisajes, escenas 
mitológicas o cuadros de temática 
religiosa. Su obra atravesó muchas y 
diferentes etapas en las que su estilo tuvo 
cambios prácticos como el conjunto de 
color vivido y luminoso con una pincelada 
suelta y una destreza en las 
modulaciones cromáticas sin precedente. 
Tiziano a la edad de 10 años ingreso al 
taller de Sebastian Zucatto, en Valencia, 
un famoso mosaiquero, en el transcurso 
de tres años o cuatro entro en el estudio 
del pintor Giovanni Bellini, allí se encontró 
con un grupo de jóvenes que 
conformarían la primera generación de 
pintores de la escuela veneciana. 
Giovanni Palma da Serinalta, Lorenzo 
Lotto, Sebastano Luciani y Giorgio da 
Castell Franco, conocido como Giogione. 
El fresco sobre Hércules en el palacio 
Morosoni que se considera como una de 
sus primeras creaciones. Otras obras 
tempranas son La virgen con el niño del 
palacio del Belvedere en Viena y La 
visitación de María Isabel del convento de 
san Andrés hoy Academia de Venecia. En 
1511 Tiziano demostró su talento en la 
técnica del fresco en la iglesia de los 
 
9Micheletti, Emma. La escuela de pintura veneciana. 
Historia del arte. Tomo 7 1979 Salvat. México p. 47 
[22] 
 
carmelitas, como en la escuela de san 
Antonio en que destacan el abrazo en la 
puerta dorada y tres escenas de la vida 
de san Antonio de Padua: el milagro del 
recién nacido, el milagro del marido 
celoso y el milagro del Hijo irascible. En 
1512 Tiziano volvió de Padua a Valencia 
donde comenzó a establecer una red de 
relaciones que lo llevaría a la cúspide del 
grupo veneciano de artistas, también llego 
a ser superintendente de las obras 
gubernamentales abriendo su propio taller 
en 1513, el cardenal Pietro le Bembo le 
traslado la invitación del papa León X 
para instalarse en Roma sin embargo 
prefirió quedarse en Venecia, fue hasta la 
muerte en 1516 de su maestro Giovanni 
Bellini cuando su prestigio empezó a 
crecer pues en esta época recibió un 
encargo muy exclusivo que le reportaría 
una notable anualidad de veinte coronas 
y la extensión de ciertas tasas; se trataba 
de una serie de retratos de los sucesivos 
duques de Venecia. Durante su carrera se 
convirtió en el más influyente pintor de la 
escuela veneciana y durante el periodo de 
1516-1530 se puede calificar como de 
expansión del artista que se libero de los 
cánones herméticos aprendidos durante 
su juventud y abarco un mayor número de 
temas empero sus retratos fueron un 
elemento clave para introducirle en las 
cortes más prestigiosas y conocer a los 
hombres más poderosos de su tiempo. 
Algunos de ellos como los señores de 
Mantua, Ferrara o Urbino pequeños 
estados italianos amenazados por la 
expansión de las potencias 
internacionales y que encontraron en los 
retratos de Tiziano una ocasión para 
demostrar una imagen de poder y de 
gloria que quizá no se correspondía con 
la realidad. Ya en 1518 el pintor entro en 
contacto con Alfonso I del este duque de 
Ferrara. La serie de retratos de la corte 
estense hoy esparcidos por medio mundo 
constituyen una reveladora galería de 
personajes, sentimientos y situaciones. 
En 1518 completo para el altar mayor de 
la basílica de Santa María Gloriosa Dei 
Frari en Venecia La asunción de la virgen 
que aún permanece allí, esta 
extraordinaria pieza del colorismo 
realizada en una gran escala cromática 
raramente usada en Italia anteriormente 
en su época. La estructura pictórica de La 
asunción de la virgen que unificaba en la 
misma composición dos o tres escenas 
superpuestas en diferentes niveles cielo y 
tierra, lo infinito y lo temporal fue 
continuada en otras obras, esta serie de 
lienzos con la misma estructura formal 
comprende el retablo de san Doménico 
en Ancona (1520) el retablo de Brescia 
(1522) y el retablo de san Nicolo (1523) 
en la ciudad del Vaticano, cada uno de los 
cuales representa una mayor y más 
perfecta concepción distributiva llegando 
finalmente a crear una fórmula clásica 
cuyo mejor exponente es el retablo de 
Pesaro (1526) en la misma iglesia Dei 
Frari que es quizá su obra más estudiada 
del periodo en la cual desarrollo 
pacientemente un plan de trabajo basado 
en una libre visualización y originalidad. 
 
Tiziano les concedió un uso nuevo a las 
figuras situándolas en el espacio aéreo 
de la escena mientras que el conjunto 
quedaba enmarcado por elementos 
arquitectónicos como en sus “Donantes” y 
La comitiva de santos. El retablo de 
Pesaro debe su nombre a Jacopo Pesaro 
obispo de Páfos quien se lo encargo para 
conmemorar la victoria naval sobre los 
turcos en la batalla de santa Maura, aquí 
Tiziano estaba en la cumbre de su fama 
hacia 1521 tras la realización de un san 
[23] 
 
Sebastián para la nunciatura papal en 
Brescia trabajo del que existen 
innumerables réplicas pues los encargos 
se acumulaban en su taller, a este 
periodo pertenece otra obra extraordinaria 
El martirio de san Pedro de Verona (1530) 
alojado en la iglesia dominica de san 
Zanipolo y destruido por un proyectil 
austriaco en 1867 considerada como una 
obra pre-barroca. El artista continúo 
simultáneamente con su serie de 
pequeñas madonas que insertaba en 
escenas paisajísticas a la manera de la 
pintura de género poético-pastoral muy de 
moda en aquella época La virgen con el 
niño, san Juan y santa Catalina, conocida 
como la virgen del conejo (Museo del 
Loubre) prototipo de esta clase de 
lienzos, otro ejemplo de pintura religiosa 
de este periodo es El entierro de Cristo 
(Museo del Loubre) está también fue la 
época de su mejor pintura mitológica: La 
Bacanal, Baco y Ariadna (National Gallery 
London) quizá las más brillantes 
producciones de cultura neo-pagana del 
renacimiento, también habrá que destacar 
los retratos de medio cuerpo y bustos 
femeninos como el de Flora de los Ufizzi 
o La mujer mirándose al espejo (Museo 
del Loubre) La relación de Tiziano con la 
corte de Mantua se inició gracias a la 
recomendación de Alfonso I del este a su 
hermana Isabel a quien Tiziano retrato 
posteriormente, durante el periodo de 
1530 a 1550 tal y como se podría suponer 
a la vista El martirio de san Pedro de 
Verona, Tiziano se dedicó a cultivar un 
estilo cada vez más dramático, en este 
momento pintó La batalla de Cadore una 
escena histórica la más característica de 
las obras tizianescas perdidas o 
mutiladas. El artista se esforzó por 
plasmar magistralmente el movimiento del 
tumulto en su representación más violenta 
del heroísmo rivalizando el lienzo con 
otras pinturas bélicas como La batalla de 
Anghiari de Leonardo da Vinci. La pintura 
religiosa más representativa de este 
periodo es la presentación de María en el 
templo (1534-39) uno de los lienzos más 
populares o el Ecce Homo (1541) de 
singular patetismo y realismo pre-barroco. 
El notable efecto conmovedor de los 
caballos, soldados, sacerdotes y multitud 
en general a los pies de la escalera 
alumbrados todos por antorchas y con las 
ondas de las banderolas en el cielo ha 
sido utilizado con frecuencia en época 
posterior. Menos éxito tuvieron los frescos 
de la cúpula de Santa María Della Salute 
(Muerte de Abel, sacrificio de Abraham, 
David y Goliat) estas tres escenas 
violentas del antiguo testamento fueron 
pintadas con extremo realismo el cual se 
acentuaba debido a su visión en 
perspectiva del observador (como en las 
escenas de la Capilla Sixtina) las buenas 
relaciones que mantuvo con la corte de 
Mantua le van a proporcionar contactos 
que supondrían su consagración como 
pintor. Cuando Carlos I de España se 
desplaza a Bolonia con motivo de su 
coronación imperial como Carlos V su 
amigo el tratadista Sebastiano Serlio le 
puso en contacto con una nueva corte: 
Urvino, cuyo duque Francesco María 
Della Rovere le encargo un retrato vestido 
con rica armadura, la maestría de Tiziano 
para el retrato le otorgo una amplia fama 
durante toda su vida ya que pinto a 
príncipes, duques, cardenales, monjes, 
artistas y escritores. Ningún otro pintor 
tuvo tanto talento para extraer de cada 
fisonomía rasgos a la vez característicos 
y bellos. El reflejo de la psicología de los 
retratados. La claridad de los rasgos y la 
instantaneidad de las figuras elevan a 
Tiziano a la altura de los mejores 
[24] 
 
retratistas de la historia. En 1548 se 
requirió su presencia en la dieta imperial 
celebrada en Augsburgo donde pinto el 
innovador retrato ecuestre del emperador 
en la batalla de Muhlberg todo un símbolo 
del poder imperial. Desde octubre de 
1545 hasta 1548 en que fue llamado a 
Augsburgo, Tiziano se instalo en Roma 
bajo el mecenazgo del papa Pablo III a 
quien retrato varias ocasiones siendo 
precisamente para su familia los Farnesio 
que realizo varias obras: Magdalena 
penitente, Ecce Homo y la primera 
versión de Danae que se conserva en el 
museo de Copodimonte. La ciudad de 
Roma le concedió en 1546 la ciudadanía, 
prestigioso reconocimiento en el que suinmediato predecesor había sido Miguel 
Ángel. Durante sus últimos veinticinco 
años (1550-1576) el artista quedo 
absorbió cada vez más por su faceta de 
retratista y se volvió más autocrítico con 
un insaciable perfeccionismo que le 
impidió terminar muchas obras sin 
embargo nunca alcanzo cotas tan altas en 
emoción y tragedia como en La 
Coronación de espinas en la expresión 
del misterio y la divinidad de los 
peregrinos de Emaus o del heroísmo y la 
soberbia de él Dux Grimani adorando a 
La fe o de La trinidad (Museo de 
Capodimonte) en esta etapa plasma sus 
pinturas más conmovedoras como las 
Danae de Nápoles y de Madrid la 
Antíope (Museo del Louvre) el rapto de 
Europa incluso trato problemas de 
claroscuro en los efectos nocturnos de 
sus escenas como El martirio de San 
Lorenzo o San Jerónimo. Siempre 
mantuvo un dominio característico del 
realismo como se puede comprobar en 
los magníficos retratos de esta época 
como los de Felipe II o varios 
autorretratos. A partir de 1522 en que 
comunico al entonces príncipe Felipe el 
envió de un paisaje y santa Margarita con 
el dragón comenzó una correspondencia 
que mantendrían ininterrumpidamente y 
que se intensificaría con el transcurso de 
los años. Por esta época sus obras fueron 
de tipo religioso como El entierro de 
Cristo, La oración en el huerto y una 
segunda versión de El martirio de san 
Lorenzo para el monasterio del Escorial. 
Otras de corte mitológico como las 
poesías a que se refiere en sus cartas o 
una serie de Venus y otras composiciones 
de carácter patriótico. En 1565 Tiziano 
acudió a Cadore y diseñó la decoración 
de la iglesia del pueblo entre las pinturas 
que la decoraba se destacan una 
transfiguración y una anunciación. Es así 
que Tiziano continuo aceptando encargos 
hasta el fin de sus días, la carrera artística 
de Tiziano fue muy dilatada con una 
producción grandiosa la mayoría por 
encargo en este pintor se puede 
comprobar perfectamente el cambio de 
status producido durante el renacimiento 
pasando de ser artesanos a convertirse 
en artistas reconocidos socialmente. La 
temática tizianesca es también amplia 
pues retrato a la clase dirigente de su 
época recibiendo encargos de 
comunidades religiosas y de la nobleza, 
pinto paisajes reflejando el clasicismo 
renacentista y anticipo algunas cualidades 
del barroco. En general podemos dividir 
su producción pictórica en tres grandes 
temas: la pintura religiosa, las escenas 
mitológicas y los retratos. A Tiziano se le 
atribuye la perfección del color, formas 
amplias y desenvueltas y con movimiento 
fluido siendo su color suntuoso y de 
ritmos armoniosos que se hace opulento 
aunado a luces vibrantes más atmósferas 
en penumbra. Tiziano fusiona 
perfectamente los colores con pocas 
[25] 
 
tonalidades; rosado, rojo y blanco. Las 
formas son sensuales envueltas por luz 
dorada y resplandores en el fondo (fig.1) 
 
 
 fig.1 Diana y Calisto. (1559) 187 X 205 cm. Oleo-lienzo. 
National Gallery of Scotland Edinburgh. 
 
Posteriormente el color lo vuelve más 
sobrio en la gama de grises y pardos en 
cuanto a la forma impone el dinamismo 
de masas mas la fulguración impetuosa 
de colores, suaviza y profundiza las 
penumbras la energía de líneas y la 
solidez de masas que parecen salir del 
plano. Recurre a los mitos antiguos con 
imágenes de sensualidad natural con 
cromatismo armónico de gamas cálidas, 
de rojos, amarillos que con azules se 
entrelazan con verdes. (fig.2) 
 
 
fig.2 Flora. (1515) 63 X 79 cm. Oleo-lienzo. Galería 
Uffizzi. 
Sus mitologías son paganas pero también 
realizó obras religiosas. Tiziano desarrolló 
el principio de la composición 
arquitectónica vista en diagonal y los 
ritmos dinámicos vivos en disposición 
escalonada, este planteamiento será 
ejemplo para los venecianos de siglos 
venideros. (fig.3) 
 
 
 fig.3 La bacanal. (1518-19) 175 X 193 cm. Oleo-lienzo 
Museo del Prado. 
 
Posteriormente en la esencialidad de la 
imagen recorta los contornos sobre los 
fondos oscuros con luces doradas, 
ulteriormente conforme progresa da un 
nuevo paso hacia el naturalismo en el 
estilo manierista se templa en suave 
luminosidad sus atmosferas y su luz se 
vuelve clara y extendiéndose hacia las 
figuras y los fondos. Por 1544 trabaja con 
riqueza de escorzos y ciertos claroscuros 
de gusto enfático sin embargo las formas 
del manierismo no se limitan en la 
interpretación de Tiziano a convertirse en 
academia de escorzos y de movimiento 
en rotación vistos en un contraste de 
luces sino que además se convierte en 
fuente de búsqueda y objeto. Tiziano 
supera toda la crisis manierista y sintetiza 
la luz y el color creando a su manera la 
forma y el espacio. Su realidad natural se 
traduce en una ideal medida clásica, es el 
[26] 
 
color con todos sus valores expresivos lo 
que se impondrá y vivirá en su obra. Por 
1551 realiza algunas “poesías” 
mitológicas en las que se expresa 
principalmente por medio del color 
alcanzando fusiones de figuras y 
ambiente en una gama cromática y luz en 
que armoniza tonos marrones, rojos y 
grises. (fig4) 
 
 
 
fig.4 Venus y Adonis. (1533-34) 186 X 207cm. Oleo-
lienzo Museo del Prado Madrid. 
 
Tiziano aplicó una dinámica rica en 
efectos de claroscuro llegando a 
conseguir dramáticos contrastes 
buscando una fusión entre inspiración y 
naturaleza. Hacia 1568 el original 
planteamiento de sus figuras se convierte 
en un juego de luces, sombras y colores. 
(fig.5) 
 
fig.5 Dánae recibiendo la lluvia de oro. (1554) 135 X 152 
cm. Oleo-lienzo Konsthistorisches Viena. 
 
Tiziano dominó al menos dos 
generaciones de pintores venecianos: la 
de sus contemporáneos como Lorenzo 
Lotto o Sebastiano del Piombo y la de los 
pintores que tenían la edad de sus hijos 
nacidos en torno al tercer decenio del 
siglo XVI como Tintoretto y Paolo 
Veronés. Su interpretación cromática 
supuso el más influyente legado a sus 
sucesores en la escuela veneciana. 
Tintoretto anuncio su taller de pintura 
prometiendo: el dibujo de Miguel Ángel y 
el color de Tiziano” 10 
 
Paolo Cagliari o Veronés (1528-1588) 
Generación barroca. 
 
 “Paolo Veronés nació en el año de 1528 
bautizado como Paolo Cagliari en Verona 
Italia su tierra natal en que el artista se ha 
transformado en lo que luego sería uno 
de los mejores pintores italianos, en el 
año de 1556 Paolo se establece 
definitivamente en Venecia donde 
desarrolla su arte siendo una de las 
figuras destacadas de la escuela 
veneciana. Desde 1541 fue discípulo y 
ayudante del veronés Antonio Badile con 
 
10
 Micheletti, Emma.Tiziano, Historia del Arte, tomo 7 
1979 Salvat, México p.75-100 
[27] 
 
cuya hija llamada Elena contrae 
matrimonio más adelante, el artista 
durante los siguientes años ha continuado 
con su excelente labor en la pintura y en 
1555 recibe en Venecia su primer 
encargo representativo el cual ha 
consistido en la decoración de la sacristía 
y los techos de la iglesia de san 
Sebastián, allí Paolo crea un ciclo de 
pinturas con perspectiva al que llama 
“sotto in su” (de abajo hacia arriba) en 
1560 viaja a Roma para estudiar los 
techos de la capilla Sixtina de Miguel 
Ángel cuya influencia se deja notar en las 
obras posteriores como los frescos de la 
villa Bárbaro en Máser, estas obras le 
influyeron en las arquitecturas que se 
representan en sus cuadros posteriores. 
A principios de los años de 1570 la 
familia Cuccina una prestigiosa familia de 
La Regin le encarga una serie de cuadros 
de granformato sobre los temas bíblicos: 
La virgen y la familia Cuccina, Adoración 
de los reyes, Bodas de Cana y Camino 
del calvario, en los que Veronés 
representa un estilo renovado 
profundizando en el color e 
incrementándose el claroscuro. Estas 
cuatro obras se encuentran en la iglesia 
de Dresde, posteriormente precisamente 
en 1573 debido a la interpretación de sus 
cuadros es llevado el artista Veronés ante 
el tribunal de la Inquisición debido a que 
en sus cuadros los temas religiosos se 
representaban de un modo profano al 
definir totalmente su estilo propio. 
Veronés ha aprendido de los grandes 
venecianos como Tintoretto y Tiziano ya 
que se les considera como los creadores 
del gusto suntuoso y colorista que en 
Venecia se prolongó hasta el siglo XVIII. 
Veronés siempre ha tenido preferencias 
por los grandes formatos su estilo se 
caracteriza por el lujo la arquitectura 
clásica que enmarca sus escenas y el rico 
aunque suave colorido se logra persuadir 
en sus cuadros el tratamiento del color 
que anticipa a la pintura francesa del siglo 
XVIII. Veronés prefiere los tonos fríos y 
claros como gris, plata, azules y amarillos. 
(fig.1) en lo que se refiere a su técnica el 
artista usa un empaste ligero lo cual 
permite innumerables transparencias y le 
interesa la perfección del dibujo a este 
artista se le considera como uno de los 
artistas más destacados de la escuela 
veneciana aunque de un manierismo 
innegable. Su trascendencia en el estilo 
posterior ha permitido clasificar su obra 
de pre barroca en particular por la 
elegancia de la forma. Su gusto por las 
atmosferas diáfanas y el sentido 
decorativo de la composición. Veronés ha 
influido en pintores posteriores como 
Rubens, Tiepolo y otros pintores del 
Barroco. 
 
 
fig.1 Adonis. (1580) Oleo-lienzo Museo del Prado 
Madrid. 
 
[28] 
 
Los cuadros de Veronés han sido todos 
de grandes dimensiones, con 
composiciones muy estudiadas de 
carácter ostentoso y aire teatral en el que 
bullen un sin número de figuras, 
caracteres generales que proclaman un 
gran genio de la pintura así como la 
riqueza de su colorido bajo una suave 
atmosfera dorada. (fig.2) 
 
 
fig.2 Desposorios místicos de santa Catalina. 1575) 
Oleo-lienzo. 241 X 337 cm. Academia de Bellas Artes 
Venecia. 
 
Las temáticas de Veronés son religiosas 
pero representa las escenas bíblicas al 
modo de las grandes fiestas venecianas 
reflejando así la alegría de vivir y el 
esplendor de la república de los dogos, 
los trajes son fastuosos y el ambiente 
suntuoso, puebla sus obras de multitud de 
personajes en grandilocuentes 
arquitecturas. Estos alardes creativos 
chocaban frontalmente con la fidelidad 
histórica de los hechos bíblicos lo que 
motivo las fricciones entre el artista y la 
iglesia. Veronés es el pintor más ilustrado 
del lujo y de la alegría veneciana siendo 
su pintura decorativa de carácter mural y 
teatral al decorar palacios y villas, cuando 
llega a Venecia se da a conocer como 
decorador de iglesias, el concepto de la 
decoración mural lo traslada a los lienzos, 
sus temas como ya se ha dicho son casi 
siempre religiosos pero se inclina por los 
objetos de lujo y por el marco 
monumental. Veronés no tiene nada de 
religioso pues se concentra más en la 
representación de los vestidos y objetos 
con colores fuertes mas composición 
numerosa o de escenas simultaneas. 
(fig.3) 
 
 
 fig.3 Cena en casa de Levi. (1573) Oleo-lienzo. 310 X 
555 cm. Galería de la Academia de Venecia. 
 
Las obras más importantes fueron 
monumentales creaciones épicas de 
temas bíblicos como ya se había 
mencionado así como alegorías o hechos 
históricos poblados por multitud de 
personajes. Sus primeras obras reflejan la 
influencia manierista pero su estilo se 
desarrolla en el sentido de movimiento de 
escenas desapareciendo tal manierismo 
en su método dando lugar a un clasicismo 
riguroso en estructura pero lleno de 
vitalidad en sus colores. Las escenas 
mitológicas del pintor constituyen un 
homenaje a la capacidad del placer del 
ser humano, sus obras monumentales y 
[29] 
 
complejas se multiplican en planos 
extendiendo el espacio y acumulando 
detalles en una sinfonía de movimiento. 
(fig.4) En una de sus respuestas que da a 
la santa Inquisición dijo: nosotros los 
pintores tomamos las mismas libertades 
que los poetas y los locos. 
 
 
fig.4 Las bodas de Cana. (1563) Oleo-lienzo. 677 X 994 
cm. Museo del Louvre, Paris. 
 
Las aplicaciones plásticas de Paolo 
Veronés fueron ricas y variadas entre las 
que se pueden enlistar las siguientes: 
 
- equilibrio 
- clasicismo 
- rectángulos que dividen escenas 
- simetría 
- perspectiva convergente 
- se sirve de arcos 
 
para vincular las escenas entrelaza los 
personajes siendo sus decoraciones 
frecuentes para conventos pero con 
carácter festivo combinando a los 
símbolos sacros, en cuanto al color utiliza 
derivados de los minerales los siguientes: 
 
- blanco cerusa 
- rojo cinabrio 
- tonos carne 
- rojo naranja 
- oro pimente 
- amarillo 
- azul zurita 
- azul fuerte 
- azul ultra mar 
- diversos verdes (entre los que destaca 
el verde Veronés) 
- violeta 
- ocre 
- café 
 
en cuanto a la composición esta reúne las 
siguientes características: 
 
- por medio de red 
- crea proporciones mediante el 
claroscuro 
- se basa en el juego de luces 
- los espacios los llena con figuras 
- aplica tonos opuestos en su esquema 
cromático 
- crea efectos de profundidad 
- neutraliza con el color para crear 
equilibrio cromático 
- trabaja por gamas de color 
- crea contrastes con colores 
complementarios 
- crea efectos con las intensidades de luz 
con la interrelación de los 
colores y hay sensualidad en el color. 
 
se puede decir que Paolo Veronés 
práctico el impresionismo, 
adelantándose a su tiempo por la ilusión 
óptica que produjo con sus efectos, son 
cientos las obras que produjo Veronés, 
fecundidad creadora y excelencia” 11 
 
 
 
11
 Fernández, de Lara Martin y Hinojosa, Carmen. Los 
mil grandes de la pintura, vol.1 1982, PROMEXA, 
México p. 198 
[30] 
 
 
 
Jacopo Robusti o Tintoretto (1518-
1594) Generación barroca. 
 
“Tintoretto de nombre verdadero Jacopo 
Comin fue uno de los grandes pintores de 
la escuela veneciana y quizá el último 
gran pintor del Renacimiento italiano. Se 
le conoció más por su apodo como 
Tintoretto. Por su fenomenal energía y 
énfasis a la hora de pintar fue también 
apodado “il furioso” y su dramático uso de 
la perspectiva y los espaciales efectos de 
luz hacen de él un precursor del arte 
barroco, sus trabajos más famosos son 
una serie de pinturas sobre la vida de 
Jesús y la virgen María en la escuela 
grande de san Rocco de Venecia. Nació 
en Venecia en 1518 siendo el mayor de 
21 hermanos, su padre Giovanni era un 
tintorero de ahí su sobre nombre de 
Tintoretto es decir pequeño tintorero o hijo 
del tintorero. La familia era originaria de 
Brescia una ciudad estado a unos 
kilómetros de Venecia también se tienen 
datos posteriores que indican que 
provenían de la ciudad Toscana de Lucca 
como origen de la familia, en su infancia 
Jacopo un pintor innato comenzó a dar 
muestras de su vocación la cual lo llevo al 
taller de Tiziano por el año de 1533 
cuando Tiziano tenía ya 56 años de edad. 
Alumno de Tiziano aunque no por mucho 
tiempo, se dice que aprendió de su 
maestro el arte del color y las sombras. 
Las relaciones entre Tiziano y Tintoretto 
fueron distantes a lo largo de su vida 
siendo de hecho Tintoretto un admirador 
profeso y ardiente de la obra de 
Tiziano.Tintoretto se interesó por las 
corrientes manieristas difundidasen 
Venecia por artistas como Jacopo de 
Antonio Sansovino, Frencesco Salviati y 
Andrea Schiavone. Su gran modelo en el 
dibujo fue Miguel Ángel, estudio 
especialmente los modelos de la capilla 
funeraria de los Medici (Florencia) la 
aurora, el día, el crepúsculo y la noche. 
Su noble concepción del arte y su alta 
ambición personal quedaron evidenciadas 
en la inscripción que colocó sobre su 
taller: ((il disegno di Michel Ángelo ed 
colorito di Tiziano )) Pues sentía pasión 
por los efectos de luces, hacía figuras de 
cera de sus modelos y experimentaba con 
ellos colocándolos en distintos ángulos 
para ver el efecto de luz antes de 
pintarlos, como resultado de estas 
pruebas algunas figuras aparecen en más 
de una de sus obras siempre pintadas 
con diferente iluminación a veces tomaba 
como modelos a muertos diseccionados o 
estudiados en escuelas de anatomía en 
que algunos estaban envueltos en telas 
otros desnudos, con frecuencia trabajaba 
tanto por el día como durante la noche, 
debido a su trabajo vivía de la manera 
más retirada e incluso cuando no estaba 
pintando solía permanecer en su taller 
rodeado por moldes manteniendo sus 
técnicas de trabajo en secreto excepto 
para sus asistentes ya que existe un 
documento de 1539 que menciona que 
Tintoretto era un pintor independiente. 
 
El artista frecuentaba la compañía del 
joven pintor Andrea Schiavone cuatro 
años menor que él a quien ayudo de 
forma incondicional en sus pinturas 
murales y en muchas otras ocasiones 
posteriores trabajo sin retribución y de 
esta manera triunfaba a la hora de 
obtener encargos. Las dos pinturas 
murales más tempranas conocidas de 
Tintoretto hechas como otras 
prácticamente sin retribución se dice 
fueron El festín de Belshazzar y Una 
[31] 
 
lucha de caballería ambas han 
desaparecido hace tiempo así como todos 
sus frescos. La primera de sus obras que 
llamó la atención fue un retrato de grupo 
con él y su hermano, este último tocando 
la guitarra con efecto nocturno que 
también se perdió. Le siguieron algunas 
obras de tema histórico que Tiziano fue lo 
suficientemente franco como para 
elogiarlas. Una de las primeras obras de 
Tintoretto que aún se conservan está en 
la iglesia del Carmen en Venecia La 
presentación de Jesús en el templo 
también en san Benedetto están La 
anunciación y Cristo con la mujer de 
Samaria. Se le atribuyen escenas 
mitológicas para los techos del palacio 
veneciano de los Pisani datados en 1541. 
Realiza retratos de nobles y burgueses 
venecianos como el Retrato de un gentil 
hombre veneciano de 1545 no se sabe 
con certeza si estuvo en Roma. Tal vez 
haya estado en 1547 pues allí conocería 
la obra de Miguel Ángel para la escuela 
Della Trinita pintó Historia del Génesis por 
1550-1552 en Venecia en que dos de los 
cuatro temas pintados son Adán y Eva y 
La muerte de Abel ambas obras nobles 
de gran maestría lo que no deja duda de 
que Tintoretto fue por aquella época un 
consumado pintor, uno de los pocos que 
ha alcanzado la mayor eminencia en 
ausencia de aprendizaje formal. En estas 
pinturas se evidencia la influencia de 
Tiziano y un nuevo sentido del paisaje. 
Tintoretto pintó para la iglesia de santa 
María del huerto de la que era feligrés 
tres de sus destacadas obras: La 
adoración del becerro de oro (se cree que 
la figura que lleva el becerro puede ser un 
retrato del artista). La presentación de la 
Virgen en el templo y El juicio final de 
1562-1564 hoy repintadas. Entre 1548 y 
1563 pintó varios lienzos de gran tamaño 
con escenas de La vida de san Marcos 
son representaciones caracterizadas por 
una acción vehemente y desconocida 
hasta entonces en la pintura veneciana 
con violentos escorzos. De 1548 es San 
Marcos liberando al esclavo obra maestra 
innovadora que asienta su estilo. Fue muy 
celebrada representando hasta hoy en día 
una de las obras más destacadas. (fig.1) 
 
 
 fig.1 San Marcos liberando al esclavo. (1548) 416 x 544 
cm. Oleo-lienzo. Galería de la Academia Venecia. 
 
La pintura de las paredes y techos de la 
escuela de san Marcos supusieron una 
enorme labor y marca el desarrollo 
personal del pintor, este edificio puede 
considerarse hoy en día un santuario 
alzado por Tintoretto a su propio genio, el 
edificio se comenzó en 1525 por los 
Lombardi. A esta escuela de san Marcos 
entrega entre 1562 y 1566 Los milagros 
de san Marcos: El hallazgo del cuerpo de 
san Marcos y san Marcos salvando aun 
sarraceno de un naufragio. Estas obras 
de san Marcos fueron recibidas con 
elogios por parte de Pietro Aretino muy 
amigo íntimo de Tiziano durante los años 
de 1564 a 1588 Tintoretto realizó la 
decoración de la escuela y la adyacente 
iglesia de san Roque; en la iglesia de san 
Roque había realizado la destacada 
[32] 
 
pintura de La curación del paralítico de 
1559; así como escenas de la vida de san 
Roque en el presbiterio de esta iglesia, 
cinco pintores destacados entre ellos 
Tintoretto y Paolo Veronés fueron 
invitados a mostrar proyectos para la 
pieza central de la sala pequeña llamada 
sala dell albergo de la escuela u hospital 
de San Roque en Venecia con el tema de 
San Roque en la Gloria de 1564. (fig.2). 
 
 
 
fig.2 Glorificación de San Roque. (1564) Oleo-lienzo. 
240 X 360 cm. Iglesia de san Roque. 
 
 
Tintoretto no entregó un esbozo sino una 
pintura y consiguió que lo insertaran en el 
ovalo de la sala. Las primeras pinturas 
que realizó para la escuela están en la 
pequeña sala dell albergo junto al salón 
superior cerca de la entrada hay un 
autorretrato de 1573 del autor. En 1565 
regresó a su obra en la misma escuela 
pintando en esta sala dell albergo una 
magnífica crucifixión con escenas de la 
pasión: Jesucristo ante Pilatos, la 
coronación con espinas y la ascensión al 
calvario. En 1576 presentó como una 
cortesía otra pieza central la del techo de 
la sala representando la plaga de 
serpientes y en el año siguiente completó 
este techo con pinturas de La fiesta 
pascual y Moisés golpeando la roca. En 
Noviembre de 1577 se ofreció a ejecutar 
tres pinturas cada año, es así que dicha 
escuela contiene 52 pinturas memorables 
que pueden describirse como amplios 
esbozos sugestivos. Sus pinturas tardías 
ocupan el techo del salón superior y el 
salón inferior junto la entrada. Los realizó 
entre 1583 y 1587 en que presenta ocho 
pinturas sobre la virgen María: 
Anunciación, Asunción de la virgen, la 
huida a Egipto, santa María Magdalena y 
santa María de Egipto. Entre otros temas 
más. Se considera que en torno a 1560 
Tintotetto comenzó sus numerosas 
pinturas del palacio Ducal de Venecia; 
ejecutó allí un retrato del dogo Girolamo 
Priului. Le siguieron otras obras como La 
excomunión de Federico Barbarroja por el 
papa Alejandro III y La victoria de 
Lepanto. Pintó el techo de la sala Delle 
Quatro porte en la sala del anti-colegio, 
cuatro extraordinarias obras maestras: 
Baco con Ariadna coronada por Venus, 
Las tres gracias, La fragua de Vulcano y 
Mercurio hacia 1578; así como Los 
esponsales de santa Catalina con Jesús; 
en la sala del senado en el techo y las 
paredes destacando Venecia Reina del 
Mar; en la sala dello scrutino pinto 
Captura de Zora a los Húngaros en 1346 
en medio de un huracán de misiles; San 
Jorge y san Nicolás con santa Margarita y 
san Jerónimo y san Andrés; en la sala del 
consejo mayor nueve grandes 
composiciones principalmente escenas de 
batalla. En la pared del fondo pintaría 
años después El paraíso. Entre 1578 y 
1580 marchó a Mantua para trabajar en 
el servicio del duque Guillermino 
Gonzaga. Las dos últimas grandes obras 
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5e/Jacopo_Tintoretto_-_Glorification_of_St_Roch.jpg
[33] 
 
que culminan la carrera de Tintoretto 
fueron El paraíso y La ultima cena. El 
paraíso ocupa la pared este de la sala