historia-del-arte-dibujo-pintura-grabado

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ÍNDICEÍNDICE
Presentación ................................................................ 1
Orientaciones ............................................................. 1
Organizador visual .................................................... 2
UNIDAD 1 
Introducción al dibujo, la pintura y el grabado 3
1.1 El dibujo .............................................................. 3
1.2 La pintura ........................................................... 4
1.3 El grabado .......................................................... 5
UNIDAD 2 
El arte en la Prehistoria y la Edad Antigua ....... 8
2.1 El arte en la Prehistoria, más 
 que unas simples cavernas........................... 8
2.2 El arte antiguo en Egipto, Grecia y Roma .... 10
UNIDAD 3 
El arte desde el Medioevo hasta 
el Romanticismo ....................................................... 14
3.1 El arte Cristiano Primitivo .............................15
3.2 La Edad de las Tinieblas .................................15
3.3 El Románico ......................................................15
3.4 El Gótico ..............................................................16
3.5 El arte Bizantino ...............................................16
3.6 El Renacimiento y su nueva visión 
 de la realidad .....................................................17
3.7 Manierismo .......................................................19
3.8 Barroco ................................................................19
3.9 Rococó .................................................................20
3.10 El Neoclasicismo...............................................20
3.11 Romanticismo ..................................................20
UNIDAD 4 
Ingreso al mundo moderno y 
posmoderno en las Artes Visuales................... 22
4.1 El Impresionismo ............................................. 22
4.2 La forma se convierte en expresión ..........24
4.3 Los Cubistas ....................................................... 25
4.4 Dadaísmo ........................................................... 26
4.5 Surrealismo ........................................................ 26
4.6 Del Expresionismo Abstracto al Pop Art .... 26
4.7 El Minimalismo ................................................. 29
Evaluación ................................................................... 31
Bibliografía ................................................................... 32
En este fascículo vamos a revisar lo más representativo 
de la historia del dibujo, la pintura y el grabado, y a pre-
sentar actividades que nos van a servir de motivación y 
aprendizaje. Dichas actividades se encuentran al fi nal de 
cada unidad y pueden ser modifi cadas e interpretadas 
creativamente, a partir de las necesidades específi cas de 
cada grupo, por lo que no se requiere de excesivos me-
dios para desarrollarlas. 
De la misma manera, este material tiene como objetivo 
promover la investigación como instrumento para el 
desarrollo de procesos, a través de los cuales se podrán 
alcanzar los Logros de Aprendizaje propuestos al inicio 
de cada unidad. Por tal motivo, el presente fascículo no 
debe ser visto como un medio para la formación de his-
toriadores, teóricos del arte, ni artistas, sino como un me-
dio para que los estudiantes puedan desarrollar las ca-
pacidades fundamentales propuestas para la educación 
básica secundaria, utilizando algunas posibilidades que 
nos brinda el lenguaje plástico y visual para poder apre-
ciar, interpretar, expresar y comunicar con libertad: ideas, 
sentimientos y emociones.
PRESENTACIÓNPRESENTACIÓN
OrientacionesOrientaciones
Al inicio de la primera unidad veremos de manera resumida la historia del dibujo, la pintura y el graba-
do, en relación a las técnicas y uso que se le dio a los materiales en distintas épocas. En las siguientes 
unidades reconoceremos estas técnicas dentro de los diferentes movimientos artísticos, y analizaremos 
que las Artes Visuales1 se desarrollan y nacen bajo la infl uencia de contextos históricos específi cos, lo 
que demuestra que el arte está ligado a la experiencia de las personas y de los artistas. Es por eso que 
su aprendizaje nos acerca al conocimiento de la humanidad, y también al conocimiento de nosotros 
mismos como seres humanos sensibles y partícipes de los cambios en nuestra sociedad.
Las actividades de Expresión y/o Apreciación Artística están orientadas a que el estudiante utilice crea-
tivamente la información, investigue y aproveche los recursos y materiales que tiene a disposición en 
su localidad. Para poder profundizar en los temas vistos en el fascículo, se encontrarán páginas web de 
interés, sugeridas al inicio de cada unidad, así como otras fuentes para la investigación, como: entrevistas 
a artistas o personajes locales, artículos de periódicos, revistas, etcétera. 
1 Las Artes Visuales son un medio de representación y expresión visual que abarca prácticas muy variadas y que están asociadas, además de a las artes 
plásticas, al diseño, la fotografía, el video, los medios electrónicos, el cine, la performance, la instalación, la arquitectura, etcétera.
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
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ORGANIZADOR VISUALORGANIZADOR VISUAL
HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADOHISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
O C C I D E N T E P E R Ú O R I E N T E
Arte Actual
Transvanguardia
Hiperrealismo
Arte Conceptual
Minimal Art (minimalismo)
Pop Art (arte popular)
Expresionismo Abstracto
Arte Contemporáneo y 
la Posmodernidad
Surrealismo
Bauhaus
Futurismo
Cubismo
Expresionismo
Fauvismo
Simbolismo
Post impresionismo
Impresionismo
Ingreso al mundo moderno
Romanticismo
Neoclasicismo
Rococó
Barroco
Manierismo
Renacimiento
Arte Bizantino
Gótico
Edad Media 
(Arte Medieval)
Roma
Grecia
Egipto
Edad Antigua
Altamira
Lascaux
Pre-historia
Románico
Dadaísmo
300 d.C.
3000 a.C.
15000 a.C.
30000 a.C.
618 d.C.
206 d.C.
100 d.C.
1000 a.C.
7600 a.C.
1860
1800
1715
1600
1420
1100
2006...
2004
2000
1970
1966
1958
1945
1960
1916
1913
1907
1905
1880
1924
1922
Surrealismo
Expresionismo
Indigenismo
Periodo académico s.XIX
Escuela Limeña
Pintura Virreinal (s. XVII)
Incas (s. XV-XVI)
(S. XIV-XVII) Dinastía Ming-Qing (China)
Dinastía Tang. Pintura de 
paisajes, pájaros y fl ores (China)
Dinastía Han. Primer dibujo de fi gura humana sobre seda
Mochica
Chavín, Paracas
Toquepala (Tacna)
Lauricocha (Huánuco)
(S. XVII-XX) Estampa japonesa
Escuela Cusqueña
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3
Introducción al dibujo, la pintura Introducción al dibujo, la pintura 
y el grabadoy el grabado
UNIDAD 1:UNIDAD 1: 
1. Reconoce algunas técnicas de expresión plástica en el dibujo, la pintura y el grabado, y sus posi-
bilidades de empleo. 
2. Investiga, emplea y adapta materiales alternativos, recursos con los que cuenta en su comunidad, 
y sus posibilidades para la creación y expresión a través del dibujo, la pintura o el grabado.
3. Refl exiona, evalúa y valora su producción plástica y la de sus compañeros, a través del dibujo, 
pintura o grabado, como forma de expresión en las Artes Visuales.
LOGROS DE APRENDIZAJELOGROS DE APRENDIZAJE
A PARTIR DE TU EXPERIENCIAA PARTIR DE TU EXPERIENCIA
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Autorretrato de Leonardo da Vinci 
(Italia, 1452-1519). Dibujo en tiza roja.
“Qué importante es poder 
manifestar lo que se siente, lo 
que se piensa y lo que se quiere 
de forma abierta, sincera y 
respetuosa”. (Rosique, 2005: 40) 
1. ¿Qué sabes acerca del 
dibujo, la pintura y el 
grabado? ¿Conoces 
en qué se diferencian?
2. ¿Has visto en tu loca-
lidad o en otro lugar 
algunas expresiones 
del dibujo, la pintura y 
el grabado?
3. ¿Qué tipo de materia-
les utilizaron los artis-
tas en los trabajos que 
viste? ¿Qué diseños y 
colorespredominan?
San Juan 
(Anónimo, 
Abadía de Ramsey, 
1160-1170).
Dibujo a pluma, 
27 x 15 cm .
El autor del 
Apocalipsis 
aparece investido 
como obispo 
con un monje 
postrado a sus 
pies. Observemos 
la rigidez del trazo, 
propio del arte 
románico.
1.1 El dibujo
En el dibujo, el ser humano busca expresarse a través de la línea y las 
distintas valoraciones tonales. Las líneas rectas o curvas, los puntos o 
rayas, sombras y trazos ondulados o diagonales están relacionados a 
la experiencia del artista y sugieren las ideas de espacio, forma, movi-
miento y luz. Por eso, consideramos que su naturaleza es única, y que 
su apreciación está ligada tanto a la intención expresiva del autor a 
través del trazo como al momento en que fue creado. 
Existen varias técnicas como superfi cies para el dibujo, que hacen que 
las cualidades expresivas sean diversas. Por ejemplo, si comparamos 
el dibujo a plumilla (o con punta metálica) con los dibujos a carbón, 
grafi to o tiza, reparamos que el primero posee una línea defi nida y 
con más detalle, mientras que los otros permiten trazos más toscos, 
largos, ininterrumpidos y a gran escala. (Ver fi g. 1, 2, 3 y 4)
Fig. 1
Lambert, 1996: 18
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
4
Cosecha en 
Provenza.
Óleo de Vincent 
Van Gogh, 1888. 
Plumilla, punta 
de caña y tinta 
(24 x 32 cm).
Dos mujeres. Dibujo de Willem 
de Kooning, 1952. Pastel, tiza y 
grafi to sobre papel.
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Fig. 2
Fig. 3
En las fi guras 3 y 51 podemos apreciar la habilidad de Van Gogh para 
el dibujo, las distintas valoraciones tonales y texturas, la línea y el trazo 
defi nido que están presentes tanto en su dibujo como en su pintura. 
Por otro lado, el Autorretrato de Leonardo da Vinci (Pág. 3) y el di-
bujo de Edgar Degas (Fig. 5) observamos cómo la tiza, a diferencia 
de la pluma (Fig. 1), deja un trazo con más valoraciones en grosor y 
longitud; lo que da mayor soltura y menos interrupciones a la línea, 
además de permitir trabajar en formatos más grandes. 
Al observar un dibujo esbozado rápidamente, entendámoslo como 
la primera manifestación de la intuición del artista, el gesto que entra 
en acción. Así también debemos comprender la gran libertad para el 
dibujo que tuvieron las vanguardias del siglo XX, como en el dibujo 
de De Kooning en la fi gura 2. 
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Bailarina ajustando sus sandalias.
Tiza sobre papel de Edgar Degas.
GLOSARIOGLOSARIO
Fig. 4
■ Arte Pop o Pop Art. Movi-
miento artístico de la década 
de 1960 que se desarrolló en 
Estados Unidos e Inglaterra, y 
que trabaja con elementos co-
tidianos y de consumo. 
■ Impresionismo. Movimiento ar-
tístico que se inicia en la segunda 
mitad del siglo XIX, y que trabaja 
a partir del análisis de la luz y el 
color y su aplicación en la forma.
■ Post Impresionismo. Movi-
miento artístico que surgió a 
continuación del Impresionis-
mo y que buscó darle a la pin-
tura mayor colorido. 
■ Valoración tonal. Degrada-
ción de la luz a la oscuridad 
desarrollada en una superfi cie 
plana con diversos materiales. 
PÁGINAS WEB DE INTERÉSPÁGINAS WEB DE INTERÉS
■ Historia de la pintura en Wikipedia 
 (http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_pintura)
■ Historia del dibujo en Dibujos para pintar 
 (http://www.dibujosparapintar.com/curso_de_dibujo1.html) 
■ Historia del grabado en Grabado es arte 
 (http://usuarios.lycos.es/mdocampo/id32.htm)
1.2 La pintura
La pintura se manifi esta a través del uso de la materia y del color. El 
artista experimenta con los materiales que tiene a su disposición y 
descubre nuevos pigmentos, lo cual favorece la aparición de diversas 
técnicas y maneras de percibir la pintura. Es por eso que en el Medio-
evo y, quizá, hasta el siglo XIX, la fi delidad de la representación, o sea, 
el carácter de realidad era lo más importante.
A fi nes del siglo XIX, los impresionistas analizaron la luz e interpreta-
ron cómo esta teñía los objetos. Primero, pintaron azules y púrpuras 
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
5
entre la sombras, luego la luz, no 
blanca, sino amarilla o anaranja-
da, pues utilizaron muchos ma-
tices en contraste con los colo-
res complementarios, a partir de 
pigmentos sintéticos. 
En el siglo XX, con la industria-
lización de la pintura surgieron 
otros movimientos como el Pop 
Art, que consideraba que el me-
dio-material transmite su propio 
mensaje, empleándose el color 
tal cual viene de fábrica. Robert 
Rauschenberg, considerado pre-
cursor de esta corriente, dijo una 
vez: “Creo que un cuadro se pa-
rece más al mundo real, cuando 
está hecho del mundo real” (Ball, 
2003: 401).
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Retrato (1977). Roy Lichtenstein
Óleo y magna sobre lienzo
Fig. 6
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La Gioconda (conocida también 
como la Mona Lisa).
Leonardo da Vinci, c. 1503-1506
Fig. 5
En las fi guras 5 y 7 notamos cómo cambia el empleo del color en el 
tiempo. La diferencia de intensidad de color en Los girasoles (1889) 
de Van Gogh con relación a La Gioconda (c. 1503-1506) de Leonar-
do da Vinci es muy clara. Cabe destacar la cantidad de pigmento 
usado y las pinceladas marcadas en la pintura de Van Gogh (pos- 
impresionista), característica que heredó de los impresionistas. En la 
década de 1960, también se impuso la pureza y limpieza del color, 
como vemos en el Retrato (Fig.6) de Lichteinstein (Pop Art), pintado 
en forma plana, sin rastro de pinceladas ni indicios de que haya sido 
elaborado artesanalmente.
1.3 El grabado
El grabado es una reproducción gráfi ca en serie realizada de forma ar-
tesanal, que consiste en imprimir varias veces una misma imagen que 
se puede realizar sobre diferentes soportes; siendo el papel el más uti-
lizado. Se origina en las culturas asiria y mesopotámica y se propaga 
a Occidente, a partir del siglo XV, con la introducción de la fabricación 
del papel y con el descubrimiento de la imprenta.
En el siglo XIX, los trabajos de los grandes maestros fueron conocidos 
por sus reproducciones en grabado, pues esta era una manera eco-
nómica de poseer una obra artística. El alemán Jacob Christoph Le 
Blon consiguió la primera impresión a color, superponiendo los colo-
res primarios; cada color debía tener una plancha o matriz diferente. 
Durante la industrialización del siglo XX, el Pop Art utilizó la serigrafía 
como medio o técnica de reproducción en serie (Fig. 8).
Marylin Monroe (1967)
Andy Warhol. Serigrafía
Fig. 8
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Los girasoles (1889)
Vincent Van Gogh.
Óleo sobre lienzo
Fig. 7
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
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SABÍAS QUE...SABÍAS QUE... TÉCNICAS DE GRABADOTÉCNICAS DE GRABADO
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■ Aguafuerte: se dibuja con una punta metálica sobre una matriz o plan-
cha de metal.
■ Xilografía: emplea como matriz una superfi cie de madera, a la que se le 
hacen incisiones.
■ Serigrafía: utiliza como matriz un bastidor con una tela de trama muy 
fi na, a la cual se aplica una reserva (goma, papel, emulsión fotográfi ca, 
etcétera) para crear formas.
■ Litografía: se vale de una piedra lisa como matriz, a la que se le aplica grasa 
para dibujar. 
■ Monotipia: Variedad del grabado cuyo resultado es una impresión única. La 
imagen es creada pintándola, sencillamente, sobre la superfi cie de una lámina 
impermeable y transfi riéndola a otro soporte por medio de presión.
 Rinoceronte (1515). 
Alberto Durero. 
Fig. 9
Alberto Durero fue un artista 
alemán que sobresalió por 
su impecable dibujo y des-
treza técnica en grabado.
Sus obras son la combina-ción ideal de precisión, pu-
reza, claridad y limpieza.
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Combats (1915)
Ernst Kirchner. Xilografía
En la xilografía (Fig. 10) de Kirchner, expre-
sionista alemán, advertimos la marca de la 
incisión dejada por las gubias (herramien-
tas de talla) sobre la madera y apreciamos 
las variaciones de color en la obra de War-
hol (Fig. 8), quien optó por reproducir varias 
veces, mecánicamente, el rostro de Marilyn 
Monroe mediante la serigrafía (ver fotos de 
actividad). De este modo, puso en discusión 
el trabajo manual del artista y su función2.
Fig. 10
Actividad 1. Investiga y experimenta con materiales de tu localidad
ACTIVIDADESACTIVIDADES
■ Muestra tu trabajo a tus compañeros y explícales el proceso de creación, desde la investigación y 
exploración hasta su realización.
■ Observa los diferentes trazos y técnicas que los materiales sugeridos son capaces de proporcio-
nar y realiza dos dibujos con dos materiales distintos, experimenta la calidad y diferencias de cada 
técnica. Si es posible usa materiales de tu localidad, e investiga su origen y procedencia. Puedes 
también efectuar un cuadro comparativo de las técnicas de dibujo y entrevistar a artistas locales, 
preguntándoles qué materiales utilizan.
1) ¿Qué técnicas y materiales para dibu-
jar son típicos de mi localidad?
2) ¿Qué técnicas de dibujo conozco? 
3) ¿Qué tipo de dibujos puedo realizar 
con los materiales seleccionados?
4) ¿Qué artistas, según lo revisado en esta 
unidad, han utilizado un material o téc-
nica similar a la que he escogido? ¿Cuá-
les son las características de sus obras?
Preguntas relacionadas a la actividad
A. Lápices de dibujo B. Carboncillo
C. Tinta y plumilla D. Tizas pastel
2 Cfr. Terradelas, 1987: 68.
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
7
Actividad 2. Hagamos serigrafía
■ Al caminar por la zona más transitada y comercial de tu localidad, observa 
cada elemento que llame tu atención. Pueden ser afi ches, objetos que re-
salten por el color o diseño, ropa, autos, combis, gente, vitrinas, el mercado, 
etcétera. Entre las cosas que te parecieron interesantes, escoge algo muy sen-
cillo de dibujar. Divide tu dibujo en dos colores, como en la imagen de Marilyn 
Monroe (Fig.8) o la del plátano (Fig.11), ambas serigrafías de Andy Warhol. 
Banana. 
Andy 
Warhol
Serigrafía
Fig. 11
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Paso a paso
1) Prepara un dibujo que puedas dividir en dos colores. La fi gura 11 
te servirá de ejemplo.
2) Utiliza dos micas transparentes o cartulinas fi rmes (mejor si son 
plastifi cadas), y un bastidor de madera con una tela de trama muy 
fi na, como la organza. (Fig. 12)
3) Recorta la silueta del objeto elegido (color más claro) de la parte 
interior de una de las micas, y de la otra, recorta los detalles (color 
más oscuro). En la fi gura 11, la silueta del plátano sería el color 
amarillo y los detalles, el color negro.
4) Sobre el papel o cartulina en el que vas a imprimir la imagen, coloca el primer recorte que sería la 
silueta del objeto que has dibujado. Pégala bien con cinta adhesiva sobre una mesa. Coloca encima el 
bastidor, y con un jebe fi rme o una regla de plástico (Fig. 12) pasa un poco de pintura (de cualquier tipo, 
pero que no esté aguada), arrastrándola sobre tu cartulina recortada. Así obtendrás tu primera impre-
sión. Puedes imprimir varias veces y obtener muchas copias de una misma imagen.
5) Después, realiza el mismo proceso, de manera que encajen bien los detalles de la segunda impresión 
(segundo recorte) sobre lo que ya has impreso. En la fi gura 11, corresponderían a los detalles negros 
que van sobre la silueta amarilla del plátano.
6) Pasa la rasqueta (jebe) arrastrando la pintura con fi rmeza, para que el color quede parejo. Ten en 
cuenta que si pasas el segundo color (segunda impresión) sobre la cartulina húmeda de la primera 
impresión, los colores se mezclarán obteniendo un tercer color. También puedes trabajar directamen-
te sobre la tela, aislando las partes donde no quieres que pase la pintura con cola sintética teñida, así 
podrás diferenciar el área donde estás trabajando.
Data-Red
 ¿Cómo 
imprimir?
Con una 
rasqueta de 
jebe arrastra 
la pintura que 
traspasa la tela 
para imprimir 
el papel que 
está debajo del 
bastidor.
Fig. 12
1) ¿Qué objetos y elementos encontrados son característicos de mi localidad?
2) ¿Cómo se hacen los carteles y piezas publicitarias en mi localidad? ¿Qué materiales suelen utilizar?
Preguntas relacionadas a la actividad
PARA REFLEXIONARPARA REFLEXIONAR
■ ¿Qué he comprendido y qué todavía no comprendo acerca de esta unidad o actividad? 
■ ¿He utilizado todos los recursos y estrategias a mi disposición para investigar y complementar la 
información que se me ha brindado y, de esta manera, realizar las actividades? 
■ ¿Cómo puedo relacionar lo aprendido con lo que ya sé? ¿He encontrado alguna relación con las 
técnicas que se usan en mi localidad?
■ ¿Haría algún cambio al material o a las actividades propuestas? ¿He propuesto y realizado algo adi-
cional? 
■ ¿Qué valoro de lo que hecho y aprendido?
EVALUACIÓNEVALUACIÓN
■ Para evaluarte, revisa la página 31.
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8
El arte en la Prehistoria y El arte en la Prehistoria y 
la Edad Antiguala Edad Antigua
UNIDAD 2:UNIDAD 2: 
LOGROS DE APRENDIZAJELOGROS DE APRENDIZAJE
1. Reconoce, compara e interpreta las representaciones gráfi cas del ser humano en la Antigüedad 
y su intención de expresarse a través de la imagen.
2. Investiga, emplea y adapta el uso de materiales alternativos, recursos con los que cuenta en su 
comunidad, y sus posibilidades para la creación y expresión a través del dibujo, la pintura o el 
grabado.
3. Refl exiona, evalúa y valora su propia producción plástica y la de sus compañeros a través del 
dibujo, pintura o grabado, como forma de expresión en las Artes Visuales.
A PARTIR DE TU EXPERIENCIAA PARTIR DE TU EXPERIENCIA
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99
: 3
9. Vista desde 
la entrada en 
la cueva de 
Lascaux, 
Francia 
16.000-
14.000 a.C. 
Pigmento 
sobre roca.
1. ¿Qué sabes o qué has es-
cuchado antes sobre la 
Prehistoria y el Arte an-
tiguo? ¿Cuál podría ser la 
diferencia entre esos dos 
conceptos?
2. ¿Qué imaginas que bus-
carían representar los 
seres humanos con sus 
dibujos en esas épocas? 
3. ¿Qué herramientas y ma-
teriales pudieron haber 
utilizado? 
“La naturaleza inorgánica no tiene otro lenguaje que el 
color. Sólo a través del color una piedra nos dice que es 
zafi ro o esmeralda”. (Ball, 2003: 43)
2.1 El arte en la Prehistoria, más que unas simples cavernas
Mucho antes de que utilizara la palabra escrita, el hombre se expresó 
a través de sorprendentes dibujos y pinturas en las rocas y piedras de-
jadas al interior de las cavernas hace 33 mil años, aproximadamente. 
Algunas teorías sostienen que los temas y diseños formaban parte de 
rituales mágico-religiosos para obtener una buena caza, pues en ellos 
aparecen más animales que seres humanos. 
La primera caverna descubierta fue Altamira (Fig.13), en 1879, en el nor-
te de España. Muy pocos creían que esos extraordinarios dibujos fueran 
prehistóricos, hasta que a comienzos del siglo XX fueron reconocidos y 
fechados en 14.000-10.000 a.C. Las fi guras predominantes en los muros 
Detalle de pintura mural en las 
cuevas de Altamira. 
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Fig. 13
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
9
A PARTIR DE TU EXPERIENCIA
pertenecen a ciervos, bisontes, caballos y jabalíes. 
Lascaux, de aproximadamente 15 mil años de antigüedad, se encuentra 
cerca de Montignac en Francia. Fue descubierta casualmente por unos 
jóvenes quienes no imaginaron que encontraríantan valiosa muestra 
de la Prehistoria. Destacan las fi guras de toros, bisontes, caballos y, en 
menor cantidad, renos, osos, felinos, peces y pájaros; hay pocas repre-
sentaciones humanas y signos, como se observa en la imagen motiva-
dora de la página anterior. 
Chauvet, al sur-este de Francia, es el descubrimiento más reciente (1994), 
sus pinturas datan de hace, aproximadamente, 31 mil años. Posee más 
de 200 imágenes de animales, la mayoría pintadas, lo que demuestra 
el vasto conocimiento que sobre las técnicas pictóricas básicas se te-
nía entonces. Algunas líneas fueron grabadas en la roca con una piedra 
afi lada y rellenadas con color, sobre todo con rojo óxido. Los colores y 
pigmentos que usaban los antiguos hombres para pintar fueron extraí-
dos de minerales y plantas.
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Detalle de los jeroglífi cos de la 
Piedra Roseta.
Fig. 14
PÁGINAS WEB DE INTERÉSPÁGINAS WEB DE INTERÉS
■ Artehistoria.com (http://www.artehistoria.com)
■ La cueva de Chauvet-Pont-D’arc (http://www.culture.gouv.fr/
culture/arcnat/chauvet/es/index.html) 
■ La cueva de Lascaux 
 (http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/lascaux/es)
■ Museo Louvre (http://www.louvre.fr)
■ Wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Antigua)
GLOSARIOGLOSARIO
■ Arte rupestre. Primera ma-
nifestación artística de la Pre-
historia, desarrollada a modo 
de pintura y dibujo sobre las 
paredes de las cavernas.
■ Caligrafía china. Escritura a la 
que se le asigna valor artístico en 
China y en todo Oriente. Durante 
la era de Han (206 a.C. - 220 d.C.) 
comenzó a utilizarse el pincel y 
los caracteres se escribían con 
tinta negra sobre rollos de seda.
■ Canon. Medida de la propor-
ción humana que varía a tra-
vés del tiempo.
■ Caverna. Cueva profunda de 
paredes rocosas.
■ Efecto tridimensional. Cuan-
do se percibe el volumen y pro-
fundidad en una imagen plana.
■ Iconográfi co. Describe el 
contenido y signifi cado de 
una obra artística.
■ Jeroglífi cos. Sistema de escri-
tura inventado y utilizado por 
los antiguos egipcios (Fig. 16).
■ Mosaico. Técnica en la que se 
utilizan trozos de piedra de 
varios colores, pedazos de te-
rracota y trozos de nácar, para 
formar imágenes y/o decorar 
superfi cies (Fig.18).
Hay que resaltar que la forma-
ción y textura de las paredes de 
las cavernas fueron explotadas 
visualmente por los pintores, 
quienes aprovecharon los volú-
menes de las rocas, integrando 
el dibujo y pintura, en las que 
trabajaron petroglifos y picto-
grafías.
En Perú también se desarrolló el 
arte rupestre (Fig. 15) alrededor 
del 7.600 a.C., siendo las más 
relevantes las cuevas de Lauri-
cocha (Huánuco) y Toquepala 
(Tacna), seguidas de las cuevas 
de Yacusani y Chillapi en Puno, 
Yonán en Cajamarca, Toro Muer-
to en Arequipa, entre otras.
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Detalle de pintura rupestre en las 
cuevas de Toquepala 
(Tacna, 7.600 a.C.)
Fig. 15
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
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Detalle de mosaico romano.Fig. 16
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Fig. 17 Arte egipcio. 
El Faraón Ramsés y 
su esposa. Fig. 18 Pintura mural romana del siglo I. 
2.2 El arte antiguo en Egipto, Grecia y Roma
Egipto fue la primera gran civilización occidental; se desarrolló a lo lar-
go del río Nilo por el año 3000 a.C. Los antiguos egipcios crearon los 
signos de su lenguaje escrito, al mismo tiempo que elaboraron las pri-
meras imágenes de varones, mujeres, reyes, reinas, dioses y animales 
(Fig. 17). La confi rmación de que el arte y el lenguaje estaban estrecha-
mente unidos la dio el francés Jean Frangois Champollion cuando des-
cifró los jeroglífi cos escritos en la Piedra de Roseta (Museo Británico), 
descubriendo el alfabeto y los sonidos del lenguaje egipcio (Fig.14). 
La mayor parte del arte egipcio estuvo destinado a las tumbas, pues al 
creer en la vida después de la muerte, lo que pintaban estaba orientado 
a recibir favores de los dioses en la otra vida. Anubis, dios de los muertos 
y del más allá, era caracterizado con cabeza de chacal. 
Llama la atención que rostros, piernas y pies fueran representados de 
perfi l, mientras que ojos y hombros fueran pintados de frente. Algu-
nos estudiosos creen que así buscaban retratar todos los ángulos del 
personaje.
La cultura de Grecia aportó muchísimo a 
la representación naturalista de la fi gu-
ra humana, en cuanto a la proporción, 
movimiento y la expresión de las emo-
ciones; así como a establecer el canon 
de belleza ideal. Lamentablemente, 
muy pocas obras sobrevivieron hasta 
nuestros días, algunas de ellas las cono-
■ Petroglifos. Grabados en pie-
dra y rocas al aire libre.
■ Pictografías. Figuras pintadas 
sobre piedra y rocas en el inte-
rior de las cuevas.
■ Pictórica. Relacionado a la 
pintura. 
■ Piedra Roseta. Contiene un 
texto en tres tipos de escritura, 
su gran importancia radica en 
ser la clave para descifrar los 
jeroglífi cos de la cultura egip-
cia (Fig.16).
■ Pigmentos. Materia colorante 
que se halla en diversos mi-
nerales, plantas y elementos 
orgánicos, los cuales son la 
base para la preparación de 
diferentes tipos de pintura.
■ Pintura mural. Pintura que se 
aplica sobre grandes superfi -
cies planas.
■ Polícromo. Que tiene varios 
colores.
■ Proporción. Correspondencia 
y relación de medidas entre 
cada uno de los elementos de 
una imagen.
■ Ónice. Variedad de piedra que 
se encuentra en colores claros y 
oscuros y que es utilizada para 
la elaboración de mosaicos. 
GLOSARIOGLOSARIO
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
11
cemos gracias a las réplicas que los romanos hicieron. El desarrollo 
de la fi gura humana (Fig. 19 y 20) en el arte griego fue muy rápido. Si 
comparamos las fi guras egipcias con las griegas, percibiremos cómo 
los griegos dotaron de realismo a la representación humana. Resalta 
la pintura sobre cerámica: apreciamos fi nos motivos en la ornamenta-
ción de ánforas, platos y vasijas, que era un negocio muy productivo 
en la antigua Grecia. En un principio trabajaron elementos geométri-
cos, después decoraron sus piezas con animales y plantas hasta llegar 
a la fi gura humana.
La antigua Roma se caracterizó por la pintura realizada en sus mura-
les, y también por los mosaicos que decoraban los pisos de la ciudad y 
las villas en Italia. Los mosaicos (Fig. 16) tienen un origen muy antiguo, 
se realizaban sobre grandes superfi cies planas, como paredes, suelos 
y techos, pero también se adaptaron a simples objetos o pequeños 
paneles. Los materiales que más se emplearon fueron el mármol, vi-
drio y ónice. 
La pintura mural (Fig. 21), en la que se advertía gran infl uencia griega, 
tuvo como fi nalidad la decoración de las casas y los palacios de los 
Césares. En la pintura romana observamos un evidente realismo y re-
presentaciones de la vida cotidiana, a través, por ejemplo, del retrato 
(Fig. 18).
Pintura griega sobre vasija 
(500 a.C.)
Fig. 20
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Pintura mural en la Villa Esquiline 
(Roma, siglo I d.C.)
Fig. 21
SABÍAS QUE...SABÍAS QUE...
En cuanto al arte en Oriente, en China, los pobladores chinos en la 
época neolítica ya decoraban sus utensilios, y hace unos 2 mil años, 
durante la dinastía Zhou, pintaban sobre seda. El primer dibujo de 
la fi gura humana tuvo lugar en el 206 a.C. durante la dinastía Han. 
En el 618-907 d.C. durante la dinastía Tang, apareció la pintura de 
paisajes, pájaros y fl ores. Uno de los rasgos más importantes en su 
pintura es la línea, que está muy relacionada con la caligrafía.
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Pintura tradicionalchina hecha con 
bambú y piedra.
Dinastía Qing.
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La importancia 
del trazo en 
la pintura china. 
Fig. 22
Fig. 23
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
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Fig. 24 Manto Paracas Necrópolis. 
Personaje que comparte ojos 
con delfín.
Paracas (Fig.24) es una de las culturas peruanas más conocidas en 
el mundo por sus textiles (1000-200 a.C.). Sus mantos bordados con 
gran destreza dejan apreciar gran riqueza técnica e iconográfi ca, en 
la que casi siempre está presente un personaje mítico, el cual era 
usualmente representado como un ser compuesto con partes de 
distintos animales. 
Sacerdote y personaje pájaro ofreciendo sacrifi cio.Fig. 25
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Dios Aia-Apaec en mural de la 
Huaca de la Luna (Trujillo).
Fig. 26
Asimismo, la cultura Mochica (100-800 d.C.) sobresalió por su pintura 
sobre cerámica, en la que predominaban las siluetas rojizas sobre 
fondo crema, y los temas relacionados a sus costumbres y rituales 
(Fig. 25). En recientes investigaciones realizadas en la Huaca de la 
Luna, se descubrió un panel con relieves y pintura policroma, cuya 
representación principal es un rostro con atributos felinos atribuida 
al Dios Supremo Aia-Apaec (Fig.26). El rostro se encuentra rodeado 
de una serie de volutas de color negro en fondo blanco y en forma de 
rombo y, a su vez, está delimitado por diseños con motivos geométricos 
en los que observamos estilizadas rayas marinas en relieve. 
ACTIVIDADESACTIVIDADES
Actividad 1. Pinta, graba o dibuja sobre piedra
■ Crea un grabado, pintura o dibujo sobre una piedra. Utiliza pigmentos naturales propios de tu 
localidad o cualquier otro material a tu alcance.
■ Representa en tu trabajo alguna costumbre de tu localidad o grupo de amigos, con la cual te 
sientas identifi cado o quisieras resaltar. Realiza dibujos y bocetos previos. Usa como referencia las 
culturas estudiadas.
■ Expón el trabajo en clase y justifi ca todo el proceso. Comenta con argumentos los trabajos de 
tus compañeros.
Preguntas relacionadas a la actividad
1) ¿Con qué materiales se pintaba, se dibujaba o grababa en la Prehistoria o Edad Antigua?
2) ¿Existe alguna manifestación artística en mi comunidad o país en la que se grabe, pinte o dibuje 
la piedra?
3) ¿Qué costumbre es la más representativa de mi comunidad? ¿Existe algún artista o artesano en 
mi comunidad que trabaje representando costumbres o actividades de mi localidad?
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
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Actividad 2. Analicemos las representaciones de la fi gura humana
■ Haz un cuadro comparativo de las principales características y diferencias de la representación de 
la fi gura humana en las culturas estudiadas (Egipto, Grecia y Roma) en esta unidad.
■ Investiga y, si te es posible, recopila la mayor cantidad de fuentes e imágenes.
■ Presenta tu trabajo en público y justifi ca todo el proceso. Da tu opinión sobre los trabajos de tus 
compañeros, argumentando tus ideas.
Preguntas relacionadas a la actividad
1) ¿Qué relaciones y diferencias existen entre las imágenes observadas?
2) ¿Cómo se representaba la fi gura humana en algunas culturas precolombinas peruanas?
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Fig. 27 Personaje volador (detalle). Manto 
Paracas Necropolis.
Fig. 28 Detalle de mural 
egipcio 
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Detalle de mural 
romano
Fig. 29
PARA REFLEXIONARPARA REFLEXIONAR
■ ¿Qué he comprendido o qué todavía no comprendo acerca de esta unidad? 
■ ¿He utilizado todos los recursos a mi disposición para poder investigar y complementar la infor-
mación que se me ha dado y, de esta manera, realizar las actividades?
■ ¿Cómo puedo relacionar lo aprendido con lo que ya sé? 
■ ¿Haría algún cambio al material y actividades propuestos?
■ ¿He propuesto y realizado algo adicional diferente? 
■ ¿ Qué valoro de lo que he hecho y aprendido?
EVALUACIÓNEVALUACIÓN
■ Para evaluarte, revisa la página 31.
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El arte desde el Medioevo El arte desde el Medioevo 
hasta el Romanticismohasta el Romanticismo
UNIDAD 3:UNIDAD 3: 
LOGROS DE APRENDIZAJELOGROS DE APRENDIZAJE
1. Compara e interpreta algunas representaciones plásticas del ser humano y su intención de co-
municar y expresarse desde la Edad Media hasta el Romanticismo, y reconoce la gran infl uencia 
del momento histórico para los cambios en las Artes Visuales.
2. Reconoce algunas formas de expresión plástica en el dibujo, la pintura y el grabado de la Edad 
Media hasta el Romanticismo, y sus posibilidades de empleo en la actualidad.
3. Investiga, emplea y adapta materiales alternativos y recursos con los que cuenta en su comuni-
dad para la creación y expresión a través del dibujo, la pintura o el grabado.
4. Refl exiona, evalúa y valora su producción plástica y la de sus compañeros a través del dibujo, 
pintura o grabado como forma de expresión en las Artes Visuales.
A PARTIR DE A PARTIR DE 
TU EXPERIENCIATU EXPERIENCIA
La pintura es una combinación de luz y sombra 
entremezclada con las diversas cualidades de los 
colores simples y complejos3. Leonardo da Vinci
1. ¿Qué relación puede 
existir entre la religión y 
el arte?
2. ¿Has visto pinturas re-
ligiosas? ¿Con qué ob-
jetivo crees que fueron 
hechas?
3. Si has visto pinturas re-
ligiosas, ¿qué imágenes 
has visto representadas?
4. ¿Qué te sugieren las pa-
labras “Renacimiento” y 
“Romanticismo”? Si hoy 
hubiera un movimiento 
artístico con esos nom-
bres, ¿qué es lo primero 
que vendría a tu mente? 
El arte en la Edad Media y durante el Imperio Bizantino estuvo marcado 
por la religiosidad, ya que tuvo la misión de atraer devotos y propagar 
la religión cristiana a través del arte. 
3 Ball, 2003: 14
El milagro de los panes y peces (504 d.C.). Anónimo. Mosaico 
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
■ ■ 
15
3.1 El arte Cristiano Primitivo (313 d.C. a siglo V)
Durante este periodo se vivió una marcada orientación dogmática, dán-
dose cambios importantes en la historia del arte. Esta visión de cristian-
dad tenía como objetivo destruir las imágenes clásicas de los emperado-
res paganos, cuyas esculturas y pinturas, como hemos visto en la antigua 
Grecia y Roma, resaltaban la perfección del cuerpo humano. A medida 
que la fe cristiana ganaba más seguidores, la escultura tuvo menos aco-
gida; lo que propició el auge del mosaico –técnica anteriormente usada 
solo en pisos–, que despertó entusiasmo por sus colores brillantes y lla-
mativos, y empezó a aplicarse en enormes pinturas murales. 
3.2 La Edad de las Tinieblas
(siglo VII a siglo VIII) 
Se le llamó así a una etapa de 
decadencia en la forma de re-
presentar la fi gura humana. No 
obstante, encontramos en el 
Libro de Kells (Fig. 30) un traba-
jo sobre pergamino con diver-
sos diseños, realizado con un 
detalle y precisión complejos. 
Esta etapa termina con la coro-
nación de Carlomagno, quien 
estimuló a los artistas a crear 
un nuevo estilo que emulara el 
fervor cristiano.
PÁGINAS WEB DE INTERÉSPÁGINAS WEB DE INTERÉS
■ Barroco en Wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Barroco)
■ El Arte Medieval en Arte Historia (http://www.artehistoria.
com/historia/contextos/1358.htm)
■ Museo Louvre ((http://www.louvre.fr)
■ Renacimiento en Wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Re-
nacimiento)
■ Romanticismo en Wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Ro-
manticismo)3.3 El Románico (siglo XII d.C.)
Durante la vigencia del Arte Románico se construyeron muchas igle-
sias en piedra, que fueron decoradas con temas cristianos con el fi n 
de enseñar la religión. La pintura mural se integraba con la arquitectu-
ra; sus fi guras son planas, alargadas y sin perspectiva. Los personajes 
adoptan diferentes tamaños en función de su relevancia. Los ojos y 
manos adquieren una desproporcionada dimensión pues se les con-
■ Bizantino. Que pertenece a 
Bizancio, antigua Constanti-
nopla, lo que hoy es Turquía. 
Tiene una marcada orientación 
cristiana. (Fig. 32, 36 y 37) y se 
propagó en el siglo XIV.
■ Cinqueccento. Denominación 
italiana para el siglo XVI, se re-
fi ere específi camente al arte y 
cultura de esa época.
■ Dogmático. Relacionado a los 
dogmas religiosos; los que se-
gún la Iglesia son las verdades 
reveladas por Dios.
■ Gótico. Arte que se desarrolló 
desde el siglo XII hasta llegar 
el Renacimiento.
■ Ideología humanista. Movi-
miento del siglo XVI que exal-
taba las cualidades humanas y 
que pone en el ser humano la 
responsabilidad de darle sen-
tido a su vida y no dejarla en 
manos de Dios. 
■ Ilustración. Fenómeno inicia-
do en Francia, que se exten-
dió por toda Europa a lo largo 
del siglo XVII, y que tomó una 
postura crítica frente al orden 
establecido. El ideal de la Ilus-
tración es la razón. 
GLOSARIOGLOSARIO
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Cristo Pantocrátor en la iglesia 
de Sant Climent de Taüll. Pintura 
mural de Arte Románico.
Fig. 31
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Libro de Kells. Biblioteca del Trinity 
College en Dublín, Irlanda.
Fig. 30
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
16
sideraban las partes de la anatomía humana más expresivas, y de esa 
manera se deseaba resaltar la espiritualidad. Los colores empleados 
son intensos y brillantes (rojo, amarillo, naranja y azul), y se disponían 
en franjas contiguas muy contrastadas entre sí. El color negro se utili-
zaba para perfi lar las fi guras (Fig. 34). 
3.4 El Gótico
Aproximadamente en 1140, el Gótico se inició en Italia. La pintura demo-
ró mucho más que la arquitectura y la escultura en asimilar su infl uencia. 
Recién en el siglo XIII apareció la pintura gótica, principalmente, en Flo-
rencia y Siena, refl ejando más realismo que la románica y la bizantina. 
Se aprecia una clara fascinación por la creación de la ilusión de un es-
pacio con apariencia más real. Muchas de las pinturas son de acabado 
delicado, mientras que otras muestran interés por la narración pictórica 
y la expresión de la espiritualidad. Los artistas góticos consiguieron repre-
sentar mejor la solidez de la forma, en contraste con sus antecesores que 
habían mostrado un mundo lineal, falto de volumen y con poca sustan-
cia, a pesar de su fuerza espiritual. 
Entre los principales artistas fi guran Cimabue, Duccio y Giotto. Este úl-
timo considerado como un nexo entre el Gótico y el Renacimiento por 
su revolucionario enfoque de la forma y su manera de representar el 
espacio. En la fi gura 32, vemos que Giotto pintó algunos personajes de 
espaldas, lo que crea una perspectiva poco común en el arte medieval.
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Fig. 32 Lamentación por Cristo muerto 
(1304). Giotto. Pintura al fresco, 
detalle.
3.5 El arte Bizantino 
Fue considerado el arte cristiano 
por excelencia. El arte Bizantino Tar-
dío, por infl uencia griega, creó mo-
saicos de gran complejidad, entre 
los que se distinguen los mosaicos 
de los siglos XIV y XV de la iglesia de 
Cora (Estambul), que presentan una 
técnica impecable, y en los que em-
plearon pequeñísimos fragmentos 
de vidrio, dorados y plateados. Las 
espigadas fi guras resaltan enigmá-
ticas en un reino etéreo y mágico.
Cristo Pantocrátor (Fig. 33) es uno de 
los mosaicos bizantinos más conoci-
dos del siglo XII; se encuentra en Es-
tambul, antigua Constantinopla.
Observa la diferencia de técnica entre el Cristo románico de la fi gura 
31 y el Cristo bizantino de la fi gura 33.
Fig. 34 Virgen bizantina Glicofi lusa, 
acariciando al niño Jesús (S. XV).
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Durante los siglos IX y XII surge 
la fi gura de Cristo Pantocrátor, 
o todo poderoso. Con una de 
sus manos bendice y con la otra 
sostiene un libro que simboliza la 
luz del mundo.
Fig. 33
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
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GLOSARIOGLOSARIO
■ Quattrocento. Denominación 
italiana para el siglo XV, se re-
fi ere específi camente al arte y 
cultura de esa época.
■ Representación plana. Que 
no describe volumen en los 
elementos, ni profundidad.
■ Románico. Se denomina así a 
la época entre los años 1140 a 
1250. Este movimiento alcan-
zó su máximo esplendor en 
Francia, Borgoña, Alemania y 
Lombardía.
■ Pagano. Nombre que reciben 
aquellos que adoran imáge-
nes, tienen muchos dioses o no 
profesan la religión católica.
■ Volutas. Formas cuyos bordes 
y extremos se enrollan en for-
ma de espiral.
El nacimiento de Venus (1485). Sandro Botticelli. Temple sobre lienzo.Fig. 35
3.6 El Renacimiento y su nueva visión de la realidad
El Renacimiento marcó el inicio de una nueva manera de ver la vida. El 
hombre tomó interés por el mundo que le rodeaba. Sus imágenes ya 
no fueron meramente religiosas, las que en su mayoría eran maneja-
das por el clero. Las relaciones y el intercambio comercial con países 
lejanos trajeron riquezas y conocimiento. 
Giotto (representante del Gótico) fue uno de los primeros en aban-
donar la forma tradicional de representación. En su pintura Lamen-
tación por Cristo muerto (Fig. 32) se reconoce un primer y segundo 
plano, cuyo fondo es un paisaje (perspectiva), y en la actitud de los 
personajes se pueden percibir sentimientos. 
El impulso innovador del Renacimiento no se limitó al mundo artístico, 
la ideología humanista encontró un espacio en esta época (s. XV-XVI), y 
Florencia se convirtió en su centro espiritual y cultural. El Humanismo 
consideraba como bárbaro al arte medieval y promovió la exaltación 
del hombre como medida de todas las cosas.
En el Quattrocento (s. XV) se descu-
brió la perspectiva central (Fig. 36A), el 
hombre se presentó a sí mismo como 
el encargado de ordenar el mundo. El 
Humanismo situó al hombre como el 
centro del universo, dando paso a un 
nuevo género: el retrato. Además, se 
volvieron a usar las imágenes de dio-
ses paganos. La mitología griega estu-
vo presente en muchas obras, como 
en El nacimiento de Venus (Fig.35) de 
Botticelli, donde el fundamento del 
arte ya no era la religión. La última cena (1495-1498). Leonardo da Vinci. Pintura muralFig. 36
Fig. 36A Las líneas sobre 
la pintura nos muestran la 
perspectiva central, que fue 
la forma de composición que 
predominó en el Renacimiento.
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
18
Uno de los máximos representantes de esta época fue Leonardo da Vin-
ci (1452-1519), quien llevó la técnica del difuminado (sfumato, en italia-
no) a su máxima expresión, mediante la fusión de luces y sombras; efecto 
que hacía que los objetos pierdan rigidez. Entre sus obras más impor-
tantes resaltan: La Anunciación (1472), La última cena (1495-1498) –ver 
fi gura 36– y La Gioconda (1503) –ver fi gura 5–. Esta última es quizá la más 
famosa de sus obras, en la que se observa la magia del difuminado en el 
retrato de una mujer de dulce sonrisa y mirada expresiva. Para apreciar la 
calidad de su dibujo, observa el Autorretrato de la página 3.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) es otro artista signifi cativo. Entre 
sus obras más importantes sobresale La creación del mundo (Fig. 37), fresco 
que pintó parala Capilla Sixtina y en el que representa a la mitología cristia-
na. Las formas y torsiones del cuerpo humano sugieren e interpretan a un 
hombre liberado y con voluntad propia, que era el ideal de la época. 
La creación del mundo (1508-
1512). Miguel Ángel. Detalle de 
pintura al fresco.
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 Amor sacro, amor profano (1514). Tiziano.
Precisamente, uno de los más representativos creadores de esta épo-
ca fue Tiziano, quien en su obra Amor sacro, amor profano (Fig. 38), re-
crea una atmósfera en la que la naturaleza y los personajes se hallan 
en una armonía casi poética. 
En la pintura Veneciana (1500-1570) predomina el aspecto cromáti-
co, en el que Tiziano también sobresale por lo colorido de su obra. Los 
pintores venecianos utilizaban colores brillantes, tonos rojos y azules 
aterciopelados y delicados empastados, que dotaban a la técnica del 
retrato de una cualidad expresiva.
SABÍAS QUE...SABÍAS QUE...
En el Renacimiento se empleó el retrato como una necesidad de representar la individualidad, por infl uencia 
del Humanismo, que propuso al ser humano como eje del universo. No ocurría lo mismo en la etapa medie-
val, en la cual las representaciones simbólicas estaban orientadas a la exaltación divina y doctrinal. 
Para ciertos artistas lo importante era plasmar la personalidad y características del retratado. Para 
lo cual, tomaban en cuenta que la similitud del dibujo o pintura no descubre, necesariamente, los 
principales rasgos del modelo. El Renacimiento buscó resaltar, así, al hombre en su individualidad, y 
es por eso que el retrato se convirtió en un medio de esa búsqueda de identidad. 
Para estos fi nes, el grabado fue utilizado más que el dibujo y la pintura. De acuerdo con Gombrich, “[…] lo 
que le da al retrato el alma y un aire de verdad, no es tanto la exactitud del diseño, como el acuerdo entre 
las partes en el preciso momento que han de captarse la disposición y temperamento del modelo”. 
Gombrich, 2000: 118
En el Cinqueccento (1500-1530) se conce-
dió mucho más valor a la capacidad de in-
vención que a la representación de la reali-
dad. El artista integró forma y contenido, y 
para ello utilizó composiciones simétricas 
piramidales y circulares, logrando fi guras 
armónicas (Fig.38A). Destacan nuevamen-
te Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, junto 
a Rafael y Tiziano. 
 Las líneas sobre la pintura 
nos muestran cómo se utilizaba el 
movimiento del cuerpo para buscar 
una solución en la composición, en la 
que se mantenga cierta simetría. 
Fig. 37
Fig. 38A
Fig. 38
Z_H del dibujopyg.indd Sec1:20Z_H del dibujopyg.indd Sec1:20 7/12/07 11:01:45 AM7/12/07 11:01:45 AM
FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
19Las Meninas (1656). Velázquez.
3.7 Manierismo (1530-1600)
El Manierismo rompe con los elementos de composición clásica y surge 
en un contexto de movimientos reformistas, junto al descubrimiento de 
América por Colón y a la vuelta al mundo de Magallanes, viajes que confi r-
man la sospecha de que la Tierra era redonda. Los artistas de esa época se 
revelaron contra el canon tradicional, combinando y descomponiendo lo 
anterior, destacando con mayor fuerza el estilo personal y rompiendo los 
elementos de composición clásicos. 
Uno de los manieristas más originales fue Giuseppe Arcimboldo (Fig. 39), 
junto a Jacopo Pontormo, Tintoretto y El Greco.
3.8 Barroco
En el Barroco apreciamos recargadas y monumentales imágenes, que 
prevalecieron de fi nes de siglo XVI al siglo XVII. En el contexto de lu-
chas religiosas reformistas contra la Iglesia católica, estallaron guerras 
en nombre de la religión, lo que promovió un profundo cambio de 
ideologías y propició la creación de obras majestuosas. 
La Iglesia católica, a raíz de la Contrarreforma, recobró poder y se con-
virtió en uno de los grandes mecenas, convencida de que el arte era 
el mejor medio para recuperar creyentes. Era muy frecuente ver obras 
religiosas con un alto contenido emocional. Se pintaron iglesias y pa-
lacios con grandes murales; se dominó mejor la perspectiva, lo que 
permitió crear sensaciones ilusionistas en las que la arquitectura se 
funde con la pintura, revelando un espacio entre realidad y trascen-
dencia. Además, se empezaron a pintar paisajes y bodegones. 
El Barroco fue una época de oro con muchos artistas de renombre. 
Entre ellos se distinguió el pintor Caravaggio (Fig. 40), quien dejó de 
lado las representaciones religiosas y se inclinó por el naturalismo. 
Trabajó las luces y las sombras con violentos contrastes, lo que daba a 
sus obras un misticismo particular.
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5:
 3
4
Rembrandt (1606-1669) es uno 
de los maestros barrocos más im-
portantes, cuyas obras no se que-
dan en la anécdota de represen-
tar ciertos episodios, sino que les 
confi ere a las personas emociones 
determinadas. Pintó la luz y las es-
cenas de interior (Fig. 42) de forma 
contrastante, logrando efectos in-
teresantes de claroscuro. 
Diego Velázquez (Fig. 41) es 
considerado por algunos auto-
Filósofo en meditación (1631).
Rembrandt.
Fig. 42
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4
Baco (1593). Caravaggio.Fig. 40
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24
Fig. 39
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El emperador Rodolfo II, como 
el dios Vertumno (1590). 
Arcimboldo.
Fig. 41
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
20
res como el máximo representante del siglo XVII, pues concentró el 
vigor y teatralidad del estilo Barroco. Entre sus obras más importantes 
fi gura Las Meninas (1656). En ella, la relación que establece entre el 
espacio y los personajes es el tema principal, a su vez pareciera que 
retratara al espectador.
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5:
 5
8
El columpio (1797). Fragonard 
Óleo sobre lienzo.
Fig. 43
El término “Rococó” está relacionado a la ornamentación a partir de volu-
tas y conchas, donde prevalecen la apariencia y visión realista de la vida. 
Jean Honore Fragonard representaba escenas comunes convirtiéndolas 
en estéticas y elegantes, ya que su objetivo era resaltar la belleza. Fue un 
virtuoso colorista y uno de los autores de escenas de costumbres (Fig.43) 
más importante de su tiempo.
3.10 El Neoclasicismo (1770-1830)
Bajo la infl uencia de la Ilustración, esta tendencia representó un arte guiado 
por la razón. Las pinturas religiosas que preponderaron durante el Barroco 
fueron sustituidas por temas de la Antigüedad clásica.
Se expresa a través de la fuerza de la imaginación, donde predomina la 
subjetividad y se le da espacio a la intuición. David Friedrich, pintor román-
tico alemán, se refi ere a la obra de arte como “una voz interior que debe 
refl ejar el alma y sus sentimientos” (Krauße, 2005: 58). En el romanticismo, 
los artistas buscaban espectadores tan receptivos como ellos.
El artista se convierte en un intérprete del mundo. En Francia destacan 
los artistas Gericault y Delacroix; en Inglaterra, William Turner y John Cons-
table. Turner trabajó con mucha intensidad el color y el movimiento. La 
mayoría de sus paisajes transmiten tal fuerza de la naturaleza que fue im-
pactante para la época. 
El Naufragio del Minotauro (1905). 
John Constable. Óleo sobre 
lienzo.
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3.11 Romanticismo (1800-1890) 
3.9 Rococó
Fig. 44
ACTIVIDADESACTIVIDADES
Actividad 1. Hagamos un mosaico
■ Investiga sobre los diferentes materiales que se pueden usar para elaborar mosaicos. Utiliza mate-
riales de tu entorno para realizar este trabajo.
■ Haz un diseño para tu mosaico en el que te vas a poner en la posición de un personaje del Medio-
evo. Tu tema de adoctrinamiento será el respeto a los derechos humanos y a vivir en tolerancia. 
También puede ser realizado en equipo.
■ Presenta el trabajo a tus compañeros, justifi ca y explica todo el proceso. Comenta con argumentos 
los mosaicos de tus compañeros.
Preguntas relacionadas a la actividad
1) ¿Qué materiales de mi localidad puedo utilizar para realizarun mosaico?
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
21
2) ¿Qué tipo de mosaicos conozco y dónde se encuentran? ¿De qué material están hechos y qué 
representaban?
3) ¿Crees que los diferentes acontecimientos en cualquier sociedad infl uyen en la aparición de deter-
minadas técnicas y manifestaciones artísticas? 
4) ¿Por qué crees que en la Edad Media predominaban los temas religiosos?
Actividad 2. Retratémonos
■ Investiga y compara diferentes retratos de artistas en diferentes épocas, movimientos y técnicas. 
Observa los autorretratos de la actividad y otros retratos que puedas encontrar, para ello revisa 
todo el fascículo.
■ Haz un diseño de tu autorretrato en el que resaltes parte de tu personalidad. Toma en cuenta no solo 
los rasgos físicos, sino también el lugar donde vas a estar, los colores, dimensiones, técnica, etcétera.
■ Explica con argumentos con qué movimiento artístico se relaciona más tu autorretrato, e inter-
cambia opiniones con tus compañeros.
Preguntas relacionadas a la actividad
1) ¿Qué características crees que debe tener un buen retrato? 
2) ¿Tengo retratos de mí mismo hechos por otros o por mí? ¿Me gustan, me siento identifi cado con 
ellos? ¿Por qué?
Autorretratos
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 Goya4(1795).
Dibujo a tinta.
Fig. 48
 Warhol 
(1986). Acrílico y 
serigrafía
Pop Art
Fig. 47
 Picasso
Óleo sobre lienzo (1907).
Cubismo
Fig. 46 Salvador Dalí
Autorretrato blando con 
tocino frito (1941).
Óleo sobre lienzo
Surrealismo
Fig. 45
■ ¿Qué he comprendido o qué todavía no comprendo acerca de la unidad o actividad? 
■ ¿He utilizado todos los recursos a mi disposición para investigar y complementar la información 
que se me ha dado, y de esta manera realizar las actividades? 
■ ¿Cómo puedo relacionar lo aprendido con lo que ya sé? 
■ ¿Haría algún cambio al material y actividades propuestas? 
■ ¿He propuesto y realizado algo adicional o diferente? 
■ ¿Qué valoro de lo que he hecho y aprendido?
PARA REFLEXIONARPARA REFLEXIONAR
4 Goya fue uno de los pintores más fascinantes del siglo XVIII, aparte de sus retratos de la nobleza y burguesía española, dejó una vasta producción gráfi ca 
en la que hizo una severa crítica a los abusos y vicios de la sociedad, en sus famosos grabados conocidos como Caprichos.
Z_H del dibujopyg.indd Sec1:23Z_H del dibujopyg.indd Sec1:23 7/12/07 11:01:56 AM7/12/07 11:01:56 AM
Fig. 49
22
4.1 El Impresionismo
Este estilo se caracterizó por su 
apreciación de la luz y de cómo 
esta afecta a los objetos. Es por 
eso que buena parte de las obras 
impresionistas han sido plasmadas 
en exteriores, sobre todo, paisajes 
y escenas en el campo. El término 
“impresionista” fue impuesto de 
modo peyorativo por el crítico 
Louis Leroy, al ver la obra de Monet6 
Impresión al atardecer (Fig. 49).
Ingreso al mundo moderno yIngreso al mundo moderno y
posmoderno en las Artes Visualesposmoderno en las Artes Visuales
UNIDAD 4:UNIDAD 4: 
1. Compara e interpreta algunas representaciones plásticas del ser humano y su intención de co-
municar y expresarse desde la Edad Moderna hasta algunas de las últimas vanguardias, y reco-
noce la infl uencia del respectivo momento histórico para los cambios en las Artes Visuales.
2. Reconoce algunas formas de expresión plástica en el dibujo, la pintura y el grabado desde la 
Edad Moderna hasta la actualidad, y sus posibilidades de empleo.
3. Investiga, emplea y adapta materiales alternativos y recursos propios de su comunidad para la 
creación y expresión a través del dibujo, la pintura o el grabado.
4. Refl exiona, evalúa y valora su producción plástica y la de sus compañeros a través del dibujo, 
pintura o grabado, como forma de expresión en las Artes Visuales.
LOGROS DE APRENDIZAJELOGROS DE APRENDIZAJE
1. ¿Por qué podría ser tan importante para un pintor la luz? 
2. ¿Quiénes son los impresionistas, querían impresionar a al-
guien? ¿Cómo? 
3. ¿Alguna vez se te ha ocurrido pintar algún sueño? 
4. ¿Sabes qué es el subconsciente? 
5. ¿Puede la publicidad y la propaganda ser arte? ¿Por qué? 
6. ¿Puede expresar o representar algo una mancha de pintura?
A PARTIR DE TU EXPERIENCIAA PARTIR DE TU EXPERIENCIA
En
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Monet pintando en su bote 
(1874). Edouard Manet. 
Óleo sobre lienzo. 
“Cuando salgas a pintar, 
trata de olvidar los 
objetos que tienes ante 
ti, un árbol, una casa, 
un campo o lo que sea. 
Piensa solamente he aquí 
un cuadradito azul, un 
óvalo rosa, una franja 
amarilla, y píntalos tal y 
como los ves, con el color 
y la forma exactos, hasta 
que obtengas tu propia 
e ingenua impresión 
de la escena que tienes 
delante5”. Claude Monet
Impresión al atardecer (1872). 
Monet. Óleo sobre lienzo
5 Ball, 2003: 217
6 Cfr. Aragones, 2006: http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/
impresionismo_monet.html
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
23
Debido a que se pintaba un mismo motivo analizando el cambio de la luz 
con el paso de las horas, se hizo necesaria una pincelada rápida y precisa. 
Los impresionistas trabajaban varias visiones del color, empleando un 
trazo largo y cargado de pintura. El descubrimiento de la fotografía 
fue vital, pues trajo consigo el concepto de foto instantánea, capaz de 
captar y registrar un “momento” —efecto utilizado por Degas para sus 
composiciones y dibujos de bailarinas (Fig. 50)—. Así también, a partir de 
la fotografía, se estableció un método para representar la perspectiva, y se 
replanteó la concepción de la pintura y su función representativa7. 
Muchos factores contribuyeron a la aparición de este nuevo estilo y 
técnica, entre ellos el descubrimiento y fabricación de óleos en tubo; 
con los que los artistas no tuvieron necesariamente que elaborar sus 
pigmentos, y por primera vez se vieron motivados a salir a pintar en las 
calles y el campo. Lo cual les mostró una nueva realidad, llena de luz, en 
la que el color era el protagonista. Al mismo tiempo, eliminaron el negro 
de su paleta, pues se dieron cuenta de que las sombras verdaderamente 
no son negras y que el blanco puro no se observa en la realidad. Entre los 
principales impresionistas encontramos a Claude Monet, Manet, Renoir, 
Pissarro y Degas. Este último hizo del dibujo su base expresiva; en sus 
reiteradas obras sobre danza supo capturar el movimiento y la rapidez 
(Fig. 4 y 50) de las bailarinas. 
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Tres bailarinas de ballet, una con 
traje carmín (1899). Edgar Degas. 
Dibujo en pastel.
Fig. 50
Noche estrellada (1889). Vincent 
Van Gogh. Óleo sobre lienzo.
Fig. 51PÁGINAS WEB DE INTERÉSPÁGINAS WEB DE INTERÉS
■ Centro Pompidou (http://www.centrepompidou.fr)
■ Museo de Arte Moderno (http://www.moma.org)
■ Museo D’Orsay (http://www.musee-orsay.fr)
■ Museo Guggenheim (http://www.guggenheim.org)
■ Museo Van Gogh (http://www.vangoghmuseum.nl)
■ Tate Britain (http://www.tate.org.uk/britain/)
■ Tate Modern (http://www.tate.org.uk/modern)
■ The Saatchi Gallery (http://www.saatchi-gallery.co.uk)
Estampas 
japonesas 
(1867). 
Yoshichika 
Kunisada
Fig. 52
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Vincent Van Gogh, considerado uno de los grandes precursores de 
la vida moderna ya que fue más allá del Impresionismo, es también 
uno de los pioneros del movimiento expresionista. En su última 
etapa en Saint- Remý, pintó cuadros con una intensa recreación de 
la atmósfera y la naturaleza (Fig. 51). Sus pinceladas cortas y super-
puestas dan la sensación de que luchan en el lienzo. Por otro lado, 
en las obras de Gustav Klimt (Fig. 53), los estilizados personajesvis-
ten trajes estampados y presentan una ilusión sensual y decorativa. 
Cabe mencionar la infl uencia de Oriente y sus estampas en la con-
cepción espacial y la composición de los impresionistas, que se evi-
dencian al comparar las estampas japonesas con las obras de Klimt 
y Matisse (Fig. 52, 53 y 54).
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El beso (1908). Gustav Klimt.
Óleo sobre lienzo.
Fig. 53
7 Ver fascículo Historia de las artes mediáticas. 
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
■ ■ 
24
GLOSARIOGLOSARIO
4.2 La forma se convierte en expresión
Henri Matisse es el máximo representante del movimiento Fauvista, 
el cual se formó en Francia en 1905, disolviéndose pocos años más 
tarde. Sus pintores recibieron el nombre de “fauves” (fi eras salvajes) 
por causa de su expresión explosiva de color y libertad en el trazo. 
Buscaban un valor de expresión propio en el color y las formas, como 
un organismo independiente. No copiaban la naturaleza, sino la re-
presentaban. Para ese fi n, Matisse utilizó la superposición de matices 
y contrastes de colores complementarios. En sus obras (Fig. 54) perci-
bimos un impacto de luz y color que permite que el cuadro brille des-
de adentro, creando una realidad y luminosidad interior, que guarda 
poca relación con la realidad exterior; así, la forma y la expresión se 
convierten en una unidad inseparable. 
■ Action Painting o “pintura en 
acción”. Técnica en la que, sin 
boceto previo, se derrama o 
chorrea pintura sobre una tela 
o lienzo, usualmente estirado 
en el piso.
■ Expresionismo. Arte de la ex-
presión. Tendencia que surgió 
durante el primer tercio del 
siglo XX, sobre todo en Ale-
mania, y que se manifestó en 
contra del naturalismo y del 
impresionismo. Los prede-
cesores fueron Cezanne, Van 
Gogh, Gauguin y Munch.
■ Fascismo. Movimiento político 
autoritario que se diseminó en 
Europa entre 1918-1939, impo-
niéndose durante la Segunda 
Guerra Mundial. Benito Musso-
lini implantó el modelo en Italia 
en 1922, seguido en 1933 por 
Adolfo Hitler, quien le añadió un 
componente racial en Alemania 
y lo llevó hasta sus últimas con-
secuencias, con la persecución 
y matanza de miles de judíos. 
En España, fue implantado por 
Francisco Franco en 1936.
■ Informalismo: Arte no fi gura-
tivo de la segunda mitad del 
siglo XX.
■ Perspectiva. Método de re-
presentación de una fi gura o 
espacio en la cual se percibe 
la sensación de profundidad y 
espacialidad. 
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Negro y violeta (1924).
Kandinsky.
Fig. 55
El siglo XX se caracterizó por el gran número de inventos industriales, así 
como por los nuevos conocimientos en las ciencias humanísticas y natura-
les. La teoría de la relatividad de Albert Einstein, el desarrollo del psicoaná-
lisis de Sigmund Freud, el descubrimiento de los rayos X, o bien la primera 
fi sión nuclear, obligaron al hombre a pensar y ver la vida de una manera 
distinta. Estos nuevos conocimientos y descubrimientos pusieron de ma-
nifi esto que lo que se conocía como realidad podría esconder mucho más 
de lo que los sentidos puedan percibir. La invención del automóvil, el avión, 
el telégrafo, entre otras cosas, hicieron que la vida tomara otro ritmo. La 
percepción del tiempo cambió y, de la misma manera, tuvo que acelerarse. 
En ese contexto surgió el Expresionismo en Alemania, en 1905, paralela-
mente a los Fauves en Francia. 
El trabajo de color durante el Expresionismo estuvo relacionado al estado 
emocional de los autores, quienes rechazaron el exceso de elementos y re-
dujeron la representación a formas simples y enérgicas (Fig. 10). Del mismo 
modo, encontraron la fuerza expresiva en el arte de otras culturas, precisa-
mente en las máscaras y esculturas de África y Oceanía (Fig. 57).
8 Ball, 2003: 385.
“Los colores te conquistan 
cada vez más. Cierto azul 
se introduce en tu alma. 
Cierto rojo afecta a tu 
presión sanguínea. Cierto 
color te tonifi ca. Es la con-
centración de los tonos. Se 
inaugura una nueva era8”. 
Henry Matisse
Cuarto Rojo (1908-1909). Henry Matisse.Fig. 54
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
■ ■ 
25
Vassily Kandinsky (Fig. 55) fue uno de los artistas y teóricos más impor-
tantes del siglo XX. Nacido en Moscú en 1866, fue un convencido de que 
la pintura podía poner el alma en movimiento; de modo que renunció 
totalmente al objeto, aduciendo que cada persona podía interpretar li-
bremente lo que ve. 
Cezanne (1839-1906), considerado el padre de la Modernidad, fue un 
pintor innovador y la inspiración de muchos impresionistas, cubistas 
y expresionistas. Trabajó con pinceladas amplias y de gran colorido. 
Simplifi có cuidadosamente los objetos representados hasta llegar a las 
formas básicas fundamentales (círculo, cubo y cilindro), con las cuales 
sentó las bases del cubismo. Renovó la pintura y preparó el “cuadro 
autónomo”, lo que de alguna manera fue también aprovechado por 
Matisse. (Krauße, 2005: 385)
4.3 Los Cubistas (1907-1925) 
Desarrollaron un método de estructuración siste-
mática, mediante el que descomponían los ob-
jetos y los volvían a elaborar según sus formas 
básicas: cubo, cilindro, cono y esfera. Durante su 
primera fase, los bodegones fueron el tema usual, 
los que disponían a partir de jarrones, botellas, vasos, 
instrumentos musicales y libros. Emplearon al mismo 
tiempo diferentes perspectivas de un solo objeto, con el 
fi n de reproducirlos de una forma “más completa”. La representación de 
varias perspectivas provocaba una sensación de fragmentos que, a su vez, 
daban la impresión de volumen y profundidad. (Observa la semejanza de 
las máscaras africanas con la representación cubista en las fi guras 57 y 58).
Para acentuar las relaciones internas y el ritmo de las formas sobre la super-
fi cie, los cubistas, con frecuencia, desistieron del uso de muchos matices de 
color. Una de las primeras obras cubistas la realizó Pablo Picasso (Fig.58), 
artista muy signifi cativo para el arte moderno del siglo XX. 
A partir de 1910, se dieron diversos experimentos pictóricos en los cuales 
no solo se recurrían a pinceles y colores, sino también a papeles pegados, 
emergiendo así el collage. Pos-
teriormente, el cubismo impulsó 
otras tendencias artísticas del 
mundo moderno, como el foto-
montaje y el ensamblaje. (Obser-
va el collage del cubista George 
Braque y el fotomontaje del da-
daísta Raoul Hausmann en las 
fi guras 59 y 60).Violín y pipa (1913). Braque. 
Técnica mixta (dibujo y collage) 
Fig. 59
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Monte Sainte Victoire (1900).
Cezanne. Óleo sobre lienzo.
Fig. 56
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Las señoritas de Avignon (1907). 
Picasso. Óleo sobre lienzo. 
Fig. 58
GLOSARIOGLOSARIO
■ Tachismo. Movimiento artísti-
co que fl oreció en las décadas 
de 1940 y 1950, perteneciente 
al expresionismo abstracto en 
Francia. El color se pintaba so-
bre el lienzo sin una concepción 
previa y de forma intuitiva.
■ Transvanguardia. Movimien-
to artístico italiano que sur-
gió alrededor de la década de 
1980. Promovió propuestas 
individualistas, algunos artis-
tas tomaron como referentes 
otras obras de arte.
■ Vanguardia / vanguardismo. 
Se denomina así a grupos de 
artistas o movimientos ade-
lantados a su época, y que 
asumen una actitud de reno-
vación y exploración.
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SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
26
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4.4 Dadaísmo
Este movimiento artístico del “sinsentido” se opuso a los valores cultu-
rales y artísticos vigentes, como una manifestación frente a la guerra. 
Los dadaístas protestaroncontra la ignorancia y la vanidad del hombre 
presentando trabajos que llevaban a lo absurdo todos los valores del 
momento, los que para ellos no tenían ninguna correspondencia con 
lo que entendían por arte. Con esta actitud provocadora, Marcel Du-
champ (uno de los artistas más importantes e infl uyentes del siglo XX) 
exhibió en 1917 en una galería de arte en Nueva York, un urinario de 
porcelana blanca fi rmado con el seudónimo “R. Mutt”. Este desafío pro-
ponía romper con las barreras del arte y ampliar sus horizontes.
4.5 Surrealismo
Tatlin en casa (1920). 
Raoul Hausmann. Fotomontaje. 
Fig. 60
Esta corriente artística incluyó la 
representación del lenguaje de 
los sueños. Los surrealistas em-
plearon el principio dadaísta de 
lo ilógico, irracional y casual de su 
pintura, para penetrar en el cam-
po del inconciente, al que conce-
dieron vital importancia. Igual que 
el Expresionismo, el Surrealismo tampoco se limitó a la pintura, sino que 
encontró formas de expresión literarias de la realidad. Los pintores más 
destacados fueron los españoles Salvador Dalí (Fig. 61) y Joan Miró, junto 
al alemán Max Ernst.
La persistencia de la memoria 
(1939). Dalí. Óleo sobre lienzo.
Fig. 61
Cu
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SABÍAS QUE...SABÍAS QUE...
En el Perú, el surrealismo tuvo un espacio importante recién en la 
década de 1970, destacando los artistas: Tilsa Tsuchiya, Venancio 
Shinki, Alberto Quintanilla, Gerardo Chávez, Carlos Revilla y Ra-
fael Hastings. Por ejemplo, la producción artística de Tilsa (Fig. 66) 
invita a experimentar una atmósfera sensual, llena de encantamien-
to y poblada de mitos, que fue un tema fundamental de su obra.
Tristan e Isolda (1974).
Tilsa Tsuchiya. Óleo sobre lienzo.
Fig. 62
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: 2
50
4.6 Del Expresionismo Abstracto al Pop Art
Después de la Segunda Guerra Mundial, las personas esperaban un nuevo 
comienzo. Los confl ictos acontecidos entre 1936 y 1945 dejaron en ruinas 
a Europa, y la población esperaba vivir en paz. Nadie deseaba recordar los 
desastres de la guerra, sobre todo en Alemania, donde el pasado reciente 
pesaba sobre la conciencia del país. El fascismo, la guerra y el holocausto 
habían sacudido profundamente todos los valores éticos y morales exis-
tentes. Del mismo modo, el lanzamiento de la primera bomba atómica so-
bre la ciudad de Hiroshima en el verano de 1945, por parte de las tropas 
estadounidenses, había demostrado brutalmente el efecto devastador de 
la tecnología moderna. 
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Número 8 (1949). Jackson 
Pollock. Pintura al óleo y 
aluminio sobre lienzo (detalle).
Fig. 63
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FASCÍCULO 1: HISTORIA DEL DIBUJO, LA PINTURA Y EL GRABADO
27
El miedo a la enorme fuerza de destrucción de la bomba caracterizó la 
década siguiente. En consecuencia, durante la posguerra se rechazó en 
Occidente cualquier tipo de pintura fi gurativa, más por motivos ideológi-
cos que por motivos estéticos. En ese contexto surgieron el Expresionis-
mo Abstracto, el Tachismo, el Informalismo y el Action Painting (pintura en 
acción). A pesar de que el arte posterior a 1945 no representó un cambio 
radical –ya que sus infl uencias se hallaban en el arte de la primera mitad 
del siglo XX–, sí puede afi rmarse que tras la guerra comenzó una nue-
va era artística, redefi niéndose el concepto de arte. Como no era posible 
cambiar el mundo con el pincel, la pintura de caballete perdió su signifi -
cado; resultaba imposible seguir pintando fl ores, fi guras y personas des-
pués de lo que había pasado.
Al contrario de los vanguardistas posteriores a la Primera Guerra Mundial, 
los artistas del siglo XX no desearon desarrollar, con el arte abstracto, valo-
res nuevos para el mundo ni utopías. Dieron vueltas alrededor de sí mis-
mos, buscando otras formas de expresión individuales. De ello resultó un 
desconcertante número de estilos y movimientos, cuya característica más 
importante fue que sus obras no representaban nada reconocible a prime-
ra vista. Había llegado el momento de meterse en el cuadro. 
Jackson Pollock, junto a Robert Motherwell y Willem de Kooning (Fig. 
65), es uno de los artistas más signifi cativos del expresionismo abstracto 
en Estados Unidos. Pollock (Fig.63) hizo caer pintura, a cierta altura, desde 
grandes pinceles y latas agujereadas sobre lienzos extendidos en el sue-
lo; mediante esta acción hizo que el acto de “pintar” desapareciera. A esta 
técnica se le llamó Action Painting, en la cual “pintar” en sí constituye una 
ceremonia; es decir, que el momento de pintar es lo más importante. 
A diferencia de los pintores abstractos, los artistas del Pop Art (Arte 
popular) pretendían un mayor acercamiento a la realidad, la que re-
cuperaron con fuerza y de la forma más directa que pueda imaginar-
se. El Pop Art se desarrolló, al mismo tiempo, en Inglaterra y Estados 
Unidos, a fi nales de la década de 1950, elevando simples objetos de la 
vida cotidiana a la categoría de obras de arte. Los artistas trabajaron 
en base a imágenes provenientes de la cultura popular, de la prensa 
sensacionalista, la publicidad, el cine y el diseño. 
Esta corriente artística, que se presentaba como algo fresco, tuvo entre 
sus más importantes exponentes a Wesselmann (Fig. 64), Hamilton, 
Hockney, Warhol (Fig. 8, 11, 47 y 66) y Roy Lichtenstein (Fig. 6 y 67). Este 
último traspasó dibujos de cómics sobre el lienzo con ayuda de un pro-
yector de diapositivas, para luego convertir la imagen proyectada en un 
cuadro elaborado de forma tradicional con pinceles y pinturas.
El Pop Art no sólo empleaba productos industriales, además las obras 
eran tratadas como si fueran un producto industrial y se fabricaban 
en serie. Uno de los talleres más distinguidos fue el de Andy Warhol, 
conocido también como The Factory (La Fábrica). La serigrafía se convirtió 
 Sopa Campbell (1968).
Andy Warhol. Serigrafía sobre lienzo. 
Marilyn Monroe (1954)
Willem de Kooning. 
Fig. 65
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Gran desnudo americano Nº 98 
(1967). Wesselmann.
Fig. 64
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Fig. 66
Z_H del dibujopyg.indd Sec1:29Z_H del dibujopyg.indd Sec1:29 7/12/07 11:02:22 AM7/12/07 11:02:22 AM
SERIE 1: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
9 Olga Engelmann (http://www.olgaengelmann.blogspot.com)
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Blam (1962). Roy Lichtenstein. 
Óleo sobre lienzo.
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e en el medio más utilizado, pues representaba un procedimiento de 
reproducción sin problemas y es, a la vez, muy variable. Múltiples 
imágenes y objetos elaborados en grandes cantidades se convirtieron 
en la obra de arte de una cultura de masas. También destacó Robert 
Rauschenberg (Fig. 68), considerado por muchos el padre del Pop Art, 
en cuyas obras incluía tanto la pintura como la impresión en serigrafía y 
litografía y, en algunos trabajos, incluía objetos. Su técnica fue conocida 
como Combine Painting (Pintura Combinada). 
Sarita en la Selva (2004).
Christian Bendayán. Serigrafía.
SABÍAS QUE...SABÍAS QUE...
Actualmente, en el 
Perú varios artistas jó-
venes trabajan en base 
a una propuesta popu-
lar urbana, utilizando 
para expresarse situa-
ciones resaltantes de 
nuestra sociedad y de 
su entorno inmediato. 
Por ejemplo, la pintu-
ra de Christian Ben-
dayán (Fig. 69), artista 
autodidacta, incluye 
objetos y personajes locales de la Selva, además de los co-
lores y la gráfi ca de los carteles que vemos colgados en las 
calles. Bendayán mezcla no solo lo urbano con lo popular, 
sino también combina en un mismo lienzo la pintura, con 
la que resalta los volúmenes y la pintura plana con colores 
estridentes. 
Del mismo modo, sobresale la obra de Olga Engelmann 
(Fig. 70), quien en sus propuestas demuestra un especial in-
terés por “rescatar” la identidad nacional. Esta artista visual 
usa la serigrafía para imprimir y estampar elementos o 
ropa, que usualmente forman parte