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Música é a arte preocupada em combinar sons vocais ou instrumentais para a beleza da forma ou 
expressão emocional, geralmente de acordo com padrões culturais de ritmo , melodia e, na maioria das 
músicas ocidentais, harmonia . Tanto a simples canção folclórica quanto a complexa composição 
eletrônica pertencem à mesma atividade, a música. Ambos são projetados humanamente; ambos são 
conceituais e auditivos, e esses fatores estiveram presentes na música de todos os estilos e em todos os 
períodos da história, em todo o mundo. 
 
A música é uma arte que, de uma forma ou de outra, permeia todas as sociedades humanas. A música 
moderna é ouvida numa desconcertante profusão de estilos, muitos deles contemporâneos, outros 
gerados em épocas passadas. A música é uma arte multiforme; presta-se facilmente a alianças com 
palavras, como na canção , e com movimentos físicos, como na dança . Ao longo da história, a música 
tem sido um complemento importante do ritual e do drama e tem sido creditada com a capacidade de 
refletir e influenciar as emoções humanas . A cultura popular tem explorado consistentemente estas 
possibilidades, hoje de forma mais visível através da rádio , do cinema , da televisão , do teatro musical e 
da Internet . As implicações do uso da música em psicoterapia , geriatria e publicidade testemunham a fé 
no seu poder de afetar o comportamento humano . Publicações e gravações internacionalizaram 
efetivamente a música nas suas manifestações mais significativas, bem como nas mais triviais . Além de 
tudo isto, o ensino da música nas escolas primárias e secundárias alcançou agora uma aceitação 
virtualmente mundial. 
 
Mas a prevalência da música não é novidade e a sua importância humana tem sido frequentemente 
reconhecida. O que parece curioso é que, apesar da universalidade da arte, ninguém até recentemente 
defendeu a sua necessidade. O antigo filósofo grego Demócrito negou explicitamente qualquer 
necessidade fundamental da música: “Pois não foi a necessidade que a separou, mas ela surgiu do 
supérfluo existente”. A visão de que a música e as outras artes são meras graças ainda é generalizada, 
embora o crescimento da compreensão psicológica do jogo e de outras atividades simbólicas tenha 
começado a enfraquecer esta crença tenaz . 
 
Concepções históricas 
A música está em toda parte para ser ouvida. Mas o que é música? Os comentadores têm falado da 
“relação da música com os sentidos e o intelecto humanos”, afirmando assim um mundo de discurso 
humano como o cenário necessário para a arte. A definição da música em si levará mais tempo. Como 
Aristóteles disse: “Não é fácil determinar a natureza da música ou por que alguém deveria ter 
conhecimento dela”. 
No início do século XX, era considerado comum que um tom musical se caracterizasse pela regularidade 
de suas vibrações; essa uniformidade deu-lhe um tom fixo e distinguiu seus sons do “ruído”. Embora essa 
visão possa ter sido apoiada pela música tradicional, na segunda metade do século XX foi reconhecida 
como um parâmetro inaceitável. Na verdade, o próprio "ruído" e o silêncio tornaram-se elementos na 
composição , e sons aleatórios foram utilizados (sem conhecimento prévio do que seriam) por 
compositores, como o norte-americano John Cage , e outros em obras com características aleatórias 
(acasos) ou improvisadas . . Além disso, o tom é apenas um componente da música, sendo os outros o 
ritmo , o timbre (cor do tom) e a textura . A maquinaria electrónica permitiu a alguns compositores criar 
obras em que o papel tradicional do intérprete foi abolido e gravar, diretamente em fita ou num ficheiro 
digital, sons que anteriormente estavam além da capacidade humana de produzir, se não de imaginar. 
 
Teorias do significado musical desde o século XIX 
Antes do século XIX, os próprios músicos raramente eram teóricos, se o teórico for definido como alguém 
que explica o significado. A teoria musical, quando era algo diferente da exposição de um estilo 
predominante ou emergente, era provavelmente um manual técnico que orientava a performance vocal ou 
instrumental, um conjunto de orientações para atender às exigências atuais na igreja ou na prática teatral , 
ou uma missiva defendendo reformas. . Mestres prolíficos , como Johann Sebastian Bach , não 
produziram tratados eruditos, mas monumentos de arte. 
O século XIX viu o surgimento de críticos-compositores ( Carl Maria von Weber , Robert Schumann , 
Hector Berlioz , Franz Liszt ), artistas versáteis com tendências literárias que não estavam, com certeza, 
propondo teorias ou sistemas de pensamento abrangentes .Richard Wagner , um teórico ativo, 
pressagiava uma nova espécie, o compositor-autor. Mas ele fez pouco para promover a teoria musical. Ele 
propôs uma unidade de música e drama ( Gesamtkunstwerk ) – um reflexo das preocupações 
programáticas dos compositores do século XIX – mas a sua multiplicidade de elementos musicais e 
extramusicais apenas aumentou a confusão do pensamento musical. O caráter distintamente musical do 
gênio de Wagner, claramente discernível em O Anel do Nibelungo ( Der Ring des Nibelungen ), um 
conjunto de quatro óperas, não é de forma alguma explicado por seus credos discursivos . Igor Stravinsky 
, Arnold Schoenberg e outros compositores-autores do século XX tiveram um pouco mais de sucesso na 
elucidação de suas técnicas e objetivos. 
 
O conceito de dinamismo 
As ideias da música como um tipo de simbolismo devem muito a dois filósofos alemães,Arthur 
Schopenhauer (1788-1860) eFriedrich Nietzsche (1844-1900), que trouxe para a teoria da música um novo 
conceito, articulado por cada um de maneiras diferentes e em termos divergentes, mas fiel ao mesmo 
princípio – o dinamismo. Ambos viam na música uma arte que não é “espacializada” (portanto, não 
“objetiva”) da mesma forma que outras artes o são pelas próprias condições de sua manifestação . A 
música está mais próxima do dinamismo interno do processo; há menos impedimentos técnicos (e 
nenhum impedimento concreto) à apreensão imediata , pois toda uma dimensão do mundo empírico foi 
contornada. 
Filósofo alemão Arthur Schopenhauer, 1855. 
Schopenhauer considerava as ideias platônicas como uma vontade objetivante, mas a música é 
"De modo algum como as outras artes, a cópia das Idéias, mas a cópia da própria vontade . É por 
isso que o efeito da música é muito mais poderoso e penetrante do que o das outras artes, pois 
falam apenas de sombras, mas fala da coisa em si." 
 
Em contraste com Kant, ele confere uma eficácia especial à música: 
 
"O efeito da música é mais forte, mais rápido, mais necessário e infalível. Os homens praticaram 
música em todas as épocas sem serem capazes de explicar isso; satisfeitos em compreendê-lo 
diretamente, eles renunciam a qualquer reivindicação de uma concepção abstrata dessa própria 
compreensão direta." 
 
Schopenhauer reconheceu uma ligação entre o sentimento humano e a música, que “restaura-nos todas 
as emoções da nossa natureza mais íntima, mas inteiramente sem realidade e muito distantes da sua dor”. 
A música, que ele apresenta como análoga à vida emocional, é uma cópia ou símbolo da vontade. 
 
Nietzsche propôs uma dicotomia Apolíneo - Dionísio , a primeira representando forma e racionalidade e a 
última embriaguez e êxtase. Para Nietzsche, a música era a arte dionisíaca por excelência. Em O 
Nascimento da Tragédia a partir do Espírito da Música , Nietzsche antecipou a descoberta do século XX 
de que a criação de símbolos (seja em sonhos , mitos ou arte ) é uma atividade humana necessária e, até 
certo ponto, até automática. A rica sugestividade e presciência dos seus insights abraçaram o conceito do 
análogo simbólico – a função artística de ordenar e aumentar os ingredientes do mundo real – e as 
polaridades da experiência simbolizadas no próprio conflito Apolíneo-Dionisíaco, que Stravinsky também 
explorou. Nietzsche deu pouca atenção aos aspectos matemáticosda música e, como Schopenhauer, 
depreciou a música abertamente programática que abunda em imitações óbvias de sons naturais. 
Discernindo o poder da música para criar mitos , ele via a mera pintura tonal como a antítese de seu 
caráter essencial. 
 
Os esforços dos teóricos para explicar o apelo universal da música e para explicar os seus efeitos têm 
sido, desde o século XIX, vários, contraditórios e altamente controversos. Ao identificar os principais 
pontos de vista que surgiram, deve ser enfatizado que não existem categorias completamente isoladas e 
que geralmente há uma sobreposição considerável; um único porta-voz, o psicólogo inglês do século XIX 
Edmund Gurney (1847-88), por exemplo, pode incorporar elementos formalistas , simbolistas , 
expressionistas e psicológicos, em proporções variadas, para explicar o fenômeno da música. Embora 
algumas divergências sejam mais aparentes do que reais devido aos problemas inerentes de terminologia 
e definição, pontos de vista diametralmente opostos também são sustentados e defendidos tenazmente.