Resumo Edvard Munch

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Edvard Munch (nascido em 12 de dezembro de 1863, Löten, Noruega - falecido em 
23 de janeiro de 1944, Ekely, perto de Oslo) foi um pintor norueguês egravador cujo 
tratamento intensamente evocativo de temas psicológicos baseou-se em alguns 
dos principais princípios do simbolismo do final do século XIX e influenciou 
grandemente o alemãoExpressionismo no início do século XX. Sua pintura O Grito , 
ou O Grito (1893), pode ser vista como um símbolo da angústia espiritual moderna. 
 
Primeiros anos 
Munch nasceu em uma família de classe média que sofria de problemas de saúde. 
Sua mãe morreu quando ele tinha cinco anos, sua irmã mais velha, quando ele 
tinha 14, ambas de tuberculose; Munch finalmente capturou o último evento em sua 
primeira obra-prima,A criança doente (1885-86). O pai e o irmão de Munch também 
morreram quando ele ainda era jovem, e outra irmã desenvolveu uma doença 
mental . “Doença, loucura e morte”, como ele disse, “foram os anjos negros que 
vigiaram meu berço e me acompanharam durante toda a minha vida”. 
Munch mostrou talento para desenhar desde cedo, mas recebeu pouco treinamento 
formal. Um fator importante no seu desenvolvimento artístico foi aKristiania 
Bohème, um círculo de escritores e artistas em Kristiania , como Oslo era então 
chamada. Os seus membros acreditavam no amor livre e geralmente se opunham à 
estreiteza de espírito burguesa. Um dos pintores mais antigos do círculo,Christian 
Krohg , deu a Munch tanto instrução quanto incentivo. 
Munch logo superou a estética naturalista predominante em Kristiania, em parte 
como resultado de sua assimilação do francêsO impressionismo após uma viagem 
a Paris em 1889 e seu contato a partir de cerca de 1890 com a obra doPintores 
pós-impressionistas Paul Gauguin e Henri de Toulouse-Lautrec . Em algumas das 
suas pinturas deste período, adoptou as pinceladas abertas dos impressionistas, 
mas o uso da linha delimitadora por Gauguin revelou-se mais adequado para ele, 
tal como a ambição dos artistas sintetizadores de ir além da representação da 
natureza externa e dar forma a uma visão interior. Seu amigo, o poeta dinamarquês 
Emanuel Goldstein, apresentou-o à poesia simbolista decadente francesa desse 
período, o que o ajudou a formular uma nova filosofia da arte , imbuída de uma 
concepção panteísta da sexualidade. 
 
Maturidade artística 
O estilo profundamente original de Munch cristalizou-se por volta de 1892. O uso 
fluido e tortuoso da linha em suas novas pinturas era semelhante ao da Art 
Nouveau contemporânea , mas Munch usou a linha não como decoração, mas 
como um veículo para profunda revelação psicológica. A indignada incompreensão 
do seu trabalho por parte dos críticos noruegueses foi ecoada pelos seus 
homólogos em Berlim, quando Munch exibiu lá um grande número de suas pinturas 
em 1892, a convite da União dos Artistas de Berlim. A emoção violenta e as 
imagens não convencionais de suas pinturas, especialmente suas representações 
ousadamente francas da sexualidade, criaram uma amarga controvérsia. Os 
críticos também ficaram ofendidos com sua técnica inovadora, que para muitos 
parecia inacabada. O escândalo, porém, ajudou a tornar seu nome conhecido em 
toda a Alemanha e, a partir daí, sua reputação se espalhou ainda mais. Munch 
viveu principalmente em Berlim em 1892-95 e depois em Paris em 1896-97, e 
continuou a se movimentar bastante até se estabelecer na Noruega em 1910. 
 
Pinturas de amor e morte 
No centro da realização de Munch está sua série de pinturas sobre o amor e a 
morte. Seu núcleo original era formado por seis quadros exibidos em 1893, e a 
série já contava com 22 obras quando foi exibida pela primeira vez sob o títuloFriso 
da Vida na Secessão de Berlim em 1902. Munch reorganizava constantemente 
essas pinturas e, se uma tivesse que ser vendida, ele faria outra versão dela. 
Assim, em muitos casos existem várias versões pintadas e estampas baseadas na 
mesma imagem. Embora o Friso se baseie profundamente na experiência pessoal, 
os seus temas são universais: não se trata de homens ou mulheres em particular, 
mas do homem e da mulher em geral, e da experiência humana das grandes forças 
elementares da natureza. Vista em sequência, emerge uma narrativa implícita do 
despertar, florescimento e murchamento do amor, seguido de desespero e morte. 
 
O despertar do amor é mostrado emThe Voice (1893), onde, numa noite de verão, 
uma garota parada entre as árvores parece ser convocada mais por uma voz 
interior do que por qualquer som de um barco no mar atrás dela. Em termos de 
composição, esta é uma das várias pinturas do Friso em que a horizontal sinuosa 
da costa é contraposta às verticais das árvores, figuras ou ao reflexo em forma de 
pilar do sol ou da lua no mar. O florescimento do amor é mostrado emO Beijo 
(1892), em que um homem e uma mulher estão presos num abraço terno e 
apaixonado, os seus corpos fundindo-se numa única forma ondulante e os seus 
rostos fundindo-se tão completamente um no outro que nenhum deles retém 
quaisquer características individuais. Uma imagem especialmente poderosa da 
rendição , ou transcendência, da individualidade éMadonna (1894 a 1895), que 
mostra uma mulher nua com a cabeça jogada para trás em êxtase, os olhos 
fechados e uma forma vermelha em forma de halo acima do cabelo preto 
esvoaçante. Isto pode ser entendido como o momento da concepção, mas há mais 
do que um indício de morte no belo rosto da mulher. Na arte de Munch, a mulher é 
um “outro” com quem a união é desesperadamente desejada, mas temida porque 
ameaça a destruição do ego criativo. 
 
Em outras obras que formam o Friso , Munch explorou o tema do sofrimento 
causado pelo amor, como visto em títulos como Melancolia (c. 1892–93), Ciúme 
(1894–95) e Cinzas (1894). Se o isolamento e a solidão, sempre presentes na sua 
obra, são especialmente enfatizados nestas imagens, são igualmente evidentes 
emMorte no quarto do doente (1893 a 1895), uma de suas muitas pinturas sobre a 
morte. Aqui o foco não está na criança moribunda, que nem sequer é visível, mas 
nos vivos, cada um envolto na sua própria experiência de luto e incapaz de 
comunicar ou oferecer qualquer consolo um ao outro. O poder da imagem é 
aumentado pelo espaço claustrofobicamente fechado e pela perspectiva abrupta do 
chão. 
 
Edvard Munch: O Grito 
O mesmo tipo de perspectiva dramática é usado em O Grito , que é a obra mais 
famosa de Munch. Inspirado por uma experiência alucinatória em que Munch sentiu 
e ouviu um “grito por toda a natureza”, o filme retrata uma criatura em pânico, ao 
mesmo tempo semelhante a um cadáver e lembrando um espermatozoide ou feto, 
cujos contornos ecoam nas linhas rodopiantes do céu vermelho-sangue. . Nesta 
pintura, a ansiedade é elevada a um nível cósmico, em última análise, relacionada 
com as ruminações sobre a morte e o vazio de significado que seriam centrais para 
o Existencialismo . (As duas primeiras versões de O Grito datam de 1893; Munch 
criou outra versão em 1895 e completou uma quarta provavelmente em 1910.) Sua 
arte também tinha afinidades evidentes com a poesia e o drama de sua época, e 
comparações interessantes podem ser feitas com o trabalho dos dramaturgos 
Henrik Ibsen e August Strindberg , cujos retratos ele pintou. 
A enorme produção de arte gráfica de Munch - consistindo em águas-fortes, pontas 
secas, litografias exilogravuras - começou em 1894. A principal atração da gravura 
para ele era que ela lhe permitia comunicar sua mensagem a um número muito 
maior de pessoas, mas também lhe proporcionava oportunidades emocionantes de 
experimentação. Sua falta de treinamento formal em qualquer meio gráfico foi sem 
dúvida um fator que o empurrou para técnicas extremamente inovadoras. Como 
muitos de seus contemporâneos , ele foi influenciado pela tradição japonesa no uso 
da xilogravura , mas simplificou radicalmente o processo, por exemplo, imprimindo 
a partir de umúnico bloco de madeira serrado em uma série de pequenas peças. O 
uso da fibra real da madeira por Munch para fins expressivos provou ser um 
experimento especialmente bem-sucedido e influenciou muito os artistas 
posteriores. Ele também frequentemente combinava diferentes mídias ou 
sobrepunha uma mídia sobre a outra. As gravuras de Munch se assemelham muito 
às suas pinturas, tanto no estilo quanto no tema. 
 
Últimos anos de Edvard Munch 
Munch sofreu um colapso nervoso em 1908-09, e depois sua arte tornou-se mais 
positiva e extrovertida, sem recuperar a intensidade anterior. Entre as poucas 
exceções está seu assombroso Auto-retrato: The Night Wanderer (c. 1930), um de 
uma longa série de autorretratos que ele pintou ao longo de sua vida. Uma 
encomenda especialmente importante, que marcou a aceitação tardia da sua 
importância na Noruega , foi para os Murais da Universidade de Oslo (1909–16), 
cuja peça central era uma vasta pintura do sol, ladeada por imagens alegóricas. 
Tanto as paisagens quanto os homens trabalhando forneceram temas para as 
pinturas posteriores de Munch. No entanto, foi principalmente através do seu 
trabalho da década de 1890, no qual deu forma a forças psíquicas misteriosas e 
perigosas, que ele deu uma contribuição tão crucial à arte moderna. Em 1937 seu 
trabalho foi incluído na exposição nazista de “ arte degenerada ”. Após sua morte, 
Munch legou sua propriedade e todas as pinturas, gravuras e desenhos em sua 
posse à cidade de Oslo , que ergueu o Museu Munch em 1963. Muitas de suas 
melhores obras estão na Galeria Nacional de Oslo. 
 
Legado 
Munch foi um líder na revolta contra oditames naturalistas da pintura acadêmica do 
século XIX e também foi além do naturalismo ainda inerente ao Impressionismo . 
Sua concentração nos aspectos emocionais essenciais às vezes levava a 
simplificações radicais da forma e a um uso expressivo, em vez de descritivo, da 
cor. Todas estas tendências foram adoptadas por vários artistas mais jovens, 
nomeadamente os principais defensores daExpressionismo Alemão . Talvez a sua 
influência formal mais direta na arte posterior possa ser vista na área da xilogravura 
. O seu legado mais profundo para a arte moderna, no entanto, reside 
particularmente no seu sentido do propósito da arte de abordar aspectos universais 
da experiência humana. Munch foi herdeiro do misticismo e da ansiedade 
tradicionais da pintura do norte da Europa, que recriou numa arte altamente pessoal 
do arquetípico e do simbólico. O seu trabalho continua a abordar a situação 
tipicamente moderna do indivíduo que enfrenta a incerteza de um mundo 
contemporâneo em rápida mudança.