Obras de Leonardo da Vinci

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Mona Lisa (c. 1503–19) 
 
Mona Lisa, óleo sobre painel de madeira de Leonardo da Vinci, c. 1503-06; no Louvre, Paris, França. 77 x 53 cm. 
Leonardo da Vinci: Monalisa 
Mona Lisa , óleo sobre painel de madeira de Leonardo da Vinci, c. 1503–19; no Louvre, Paris. 
© Everett-Art/Shutterstock.com 
 
 
A obra de arte mais famosa do mundo, a Mona Lisa atrai milhares de visitantes ao 
Museu do Louvre todos os dias, muitos dos quais são atraídos pelo olhar misterioso 
e pelo sorriso enigmático da modelo. O retrato aparentemente comum de uma jovem 
vestida modestamente com um véu fino, cores sombrias e sem joias também pode 
confundir os espectadores, que podem se perguntar por que tanto alarido. A 
simplicidade da pintura desmente o talento de Leonardo para o realismo. O rosto 
suavemente modelado do sujeito mostra seu manejo habilidoso do sfumato , uma 
técnica artística que usa gradações sutis de luz e sombra, em vez de linhas, para 
modelar a forma. O véu delicadamente pintado, as tranças finamente trabalhadas e 
a cuidadosa representação do tecido dobrado revelam a paciência incansável de 
Leonardo na recriação de suas observações estudadas. Além disso, a expressão 
desconcertante da modelo apenas aumenta o seu realismo. Seu sorriso pode ser 
envolvente ou zombeteiro – os espectadores não conseguem entender porque, como 
um ser humano, ela é uma figura complexa, incorporando características contrárias 
simultaneamente. 
 
Última Ceia (c. 1495–98) 
 
Fresco de "A Última Ceia" c. 1495 por Leoanrdo da Vinci, Santa Maria delle Grazie, Milão, Itália. 
Leonardo da Vinci: Última Ceia 
Última Ceia , pintura mural de Leonardo da Vinci, c. 1495–98, após sua restauração em 1999; em Santa Maria delle Grazie, Milão. 
Grupo de imagens/REX/Shutterstock.com 
 
Uma das pinturas mais famosas do mundo, a Última Ceia foi encomendada por 
Ludovico Sforza , duque de Milão e patrono de Leonardo durante a sua primeira 
estadia naquela cidade, para o mosteiro dominicano de Santa Maria delle Grazie. 
Retratando uma narrativa sequencial, Leonardo ilustra vários momentos intimamente 
conectados nos Evangelhos, incluindo Mateus 26:21–28, em que Jesus declara que 
um dos Apóstolos o trairá e então institui a Eucaristia . Leonardo, que ficou intrigado 
com a maneira como o caráter de um homem pode revelar-se na postura, na 
expressão e nos gestos, descreveu a reação única de cada discípulo à declaração. 
As posturas dos Apóstolos sobem, descem, estendem-se e entrelaçam-se à medida 
que parecem sussurrar, gritar, lamentar e debater em torno de Jesus, que está 
sentado serenamente no centro. Por causa da técnica de pintura experimental de 
Leonardo, na qual ele usava têmpera ou tinta a óleo sobre duas camadas de base 
preparatória, a obra começou a se desintegrar logo após sua conclusão. Os 
espectadores, no entanto, ainda podem reconhecê-lo como um estudo complexo de 
emoções humanas variadas, reveladas numa composição aparentemente simples. 
 
Homem Vitruviano (c. 1490) 
 
O Homem Vitruviano de Leonardo da Vinci. Vitrúvio, arquitetura, proporção, arte. 
Leonardo da Vinci: Homem Vitruviano 
Homem Vitruviano , desenho de Leonardo da Vinci, c. 1490; nas Galerias da Academia de Veneza. 
© Creatas/Getty Images 
 
 
O desenho a bico de pena de Leonardo, o Homem Vitruviano, vem de um dos muitos 
cadernos que ele manteve à mão durante sua maturidade. É acompanhado por 
notas, escritas em escrita espelhada, sobre as proporções humanas ideais que o 
arquitecto romano Vitrúvio expôs num livro de arquitectura do século I a.C. O 
desenho ilustra a teoria de Vitrúvio de que o ser humano ideal poderia caber dentro 
de um círculo e de um quadrado, duas formas inconciliáveis. Leonardo resolveu o 
conceito desenhando uma figura masculina em duas posições sobrepostas – uma 
com os braços estendidos para caber em um quadrado e outra com as pernas e 
braços abertos em círculo. A obra mostra não apenas o esforço de Leonardo para 
compreender textos significativos, mas também seu desejo de expandi-los. Ele não 
foi o primeiro a ilustrar os conceitos de Vitrúvio, mas seu desenho mais tarde se 
tornou o mais icônico, em parte porque sua combinação de matemática, filosofia e 
arte parecia um símbolo adequado da Renascença. O desenho está agora guardado 
na Gallerie dell'Accademia, Veneza , onde normalmente não é exibido, mas é 
mantido em um arquivo climatizado. 
 
Auto-retrato (c. 1490/1515–16) 
 
Autorretrato de Leonardo da Vinci em giz vermelho por volta de 1512-1515 na Biblioteca Real de Torino. 
Leonardo da Vinci: autorretrato 
Autorretrato, desenho de Leonardo da Vinci, c. 1490/1515–16; na Biblioteca Real, Torino, Itália. 
Photos.com/Jupiterimages 
 
 
Há muito considerado um autorretrato, o desenho em giz vermelho de um velho com 
longos cabelos ondulados e barba foi reproduzido a tal ponto que define como a 
maioria das pessoas pensa sobre a aparência de Leonardo. No entanto, alguns 
estudiosos argumentam que a figura, com suas feições escarpadas, testa franzida e 
olhos baixos, parece muito mais velha do que a idade que Leonardo alcançou; 
Leonardo morreu aos 67 anos. Propõem que o desenho seja um de seus desenhos 
grotescos, esboços que ele habitualmente fazia em seus cadernos de pessoas com 
feições excêntricas. Quem quer que o retrato represente, é um afastamento dos 
temas muitas vezes cativantes de Leonardo, mas ele conseguiu imbuir a figura com 
a nobreza e a sabedoria de uma idade madura. 
 
A Virgem das Rochas (c. 1483-1486) 
 
A Virgem das Rochas, pintura a óleo de Leonardo da Vinci, mostrando o uso do sfumato, 1483; no Louvre, Paris. 
Leonardo da Vinci: A Virgem das Rochas 
A Virgem das Rochas , óleo sobre painel de Leonardo da Vinci, 1483–86; no Louvre, Paris. 
Giraudon/Art Resource, Nova York 
 
Com base em evidências estilísticas, muitos estudiosos consideram a pintura A 
Virgem das Rochas no Louvre a primeira de duas pinturas que Leonardo fez de uma 
lenda apócrifa em que a Sagrada Família encontra São João Batista enquanto fugia 
do Massacre de Herodes para o Egito. dos Inocentes. Leonardo esteve envolvido em 
anos de litígio com a Confraria da Imaculada Conceição, que encomendou a obra, e 
a disputa acabou levando Leonardo a pintar outra versão do tema por volta de 1508, 
que agora está na Galeria Nacional de Londres. 
 
A primeira pintura mostra as formas pelas quais Leonardo inaugurou a Alta 
Renascença . As primeiras pinturas desse período frequentemente representavam 
figuras em arranjos lineares, separadas umas das outras e de forma rígida. Em A 
Virgem das Rochas , no entanto, as figuras da Virgem Maria , do Menino Jesus, do 
menino João e de um arcanjo estão dispostas em uma composição piramidal, e não 
apenas ocupam um espaço de forma convincente, mas também interagem entre si 
por meio de gestos e gestos. olhares. Uma jovem Maria está sentada no chão em 
uma misteriosa paisagem rochosa, e não em um trono como tantas pinturas do início 
da Renascença a retratavam. Seu corpo tem movimento - parece balançar enquanto 
ela inclina a cabeça protetoramente em direção ao bebê João, que se ajoelha em 
oração à esquerda, e ela parece que o empurra até o Menino Jesus à direita. Jesus, 
por sua vez, abençoa João como um arcanjo, visto de costas em uma pose complexa, 
aponta para João e olha inescrutavelmente para fora, para o observador. Leonardo 
também excluiu notavelmente os significantes sagrados tradicionais – auréolas para 
Maria e Cristo e um bastão para João – para que a Sagrada Família parecesse menos 
divina e mais humana. 
 
Cabeça de mulher (1500–10) 
 
La scapigliata ou A cabeça de uma mulher, Leonardo da Vinci. Criado em 1500-1505, pintura a óleo 
Leonardo da Vinci: Cabeça de Mulher 
Cabeça de Mulher (também chamada La Scapigliata ), óleo, terra e pigmentos de chumbo branco em madeira de choupo, de Leonardo da Vinci, 
1500–10; na Galeria Nacional, Parma, Itália. 
© Alfredo Dagli Orti/REX/Shutterstock.comCabeça de Mulher , um pequeno desenho a pincel com pigmento, retrata uma jovem 
com a cabeça inclinada e os olhos baixos. Sua postura lembra a Virgem Maria em A 
Virgem das Rochas de Leonardo , sugerindo que o desenho pode ter servido de 
modelo. O apelido do desenho , La scapigliata , significa “desgrenhado” e se refere 
aos fios rebeldes de cabelo da jovem. As gavinhas e ombros livremente delineados 
contrastam com o rosto altamente acabado, onde Leonardo modelou suavemente os 
traços delicados da mulher, desde as pálpebras pesadas até os lábios delicados. Ele 
revela os meios fluidos de trabalho de Leonardo, utilizando tanto desenhos 
expressivos para criar formas quanto camadas controladas para fornecer detalhes. 
 
Dama com Arminho (c. 1489–91) 
 
"Dama com Arminho", Leonardo da Vinci, óleo sobre tela, c 1940. Exibido por conservadores de arte no Castelo Real de Varsóvia. 
Leonardo da Vinci: Dama com Arminho 
Dama com Arminho , óleo sobre painel de Leonardo da Vinci, c. 1489–91; no Museu Nacional, Cracóvia, Polônia. 
© ALIK KEPLICZ/AP/REX/Shutterstock.com 
 
 
Muitos historiadores da arte identificam a jovem mulher em Dama com Arminho como 
Cecilia Gallerani, amante do patrono de Leonardo, Ludovico Sforza, duque de Milão. 
O arminho era frequentemente usado como emblema do duque. A mulher vira a 
cabeça para a direita, seus olhos brilhantes aparentemente direcionados para algo 
fora do enquadramento. Embora a pintura tenha sido fortemente pintada, 
principalmente o fundo escuro, ela ainda assim revela o conhecimento de anatomia 
de Leonardo e sua capacidade de representar o caráter na postura e na expressão. 
Ele captura a juventude e a natureza genial da menina em suas feições inocentes, 
olhar atento e abraço terno do arminho, que fica sentado com a cabeça inclinada 
majestosamente e alerta. Sua mão esbelta revela a complicada estrutura óssea sob 
a pele, assim como a cabeça do arminho sugere o crânio sob o pêlo finamente 
desenhado. 
 
 
 
 
 
Salvator Mundi (c. 1500) 
 
Salvator Mundi, de Leonardo da Vinci, em exposição na Christies' Kings Street, antes de ser leiloada pela Christie's New York 
Leonardo da Vinci: Salvator Mundi 
Salvator Mundi , óleo sobre painel de nogueira que se acredita ter sido pintado por Leonardo da Vinci, c. 1500. 
© Geoff Pugh—REX/Shutterstock.com 
 
O retrato frontal de Salvator Mundi (c. 1500; “Salvador do Mundo”) ganhou as 
manchetes em 2017, quando foi vendido por um valor recorde de US$ 450,3 milhões 
em leilão. O alto preço foi ainda mais surpreendente quando se considera que 
Salvator Mundi estava em más condições, tinha uma história questionável e sua 
atribuição era objeto de debate entre estudiosos e críticos. Muitos especialistas 
comentaram sobre a pouca habilidade usada para representar o rosto de Jesus; a 
postura rígida, tão diferente das posturas retorcidas características do mestre 
renascentista; e a representação pouco convincente do globo de vidro, que, se fosse 
sólido, teria refletido uma visão distorcida de seu portador, um truque óptico que 
Leonardo teria conhecido. A Christie's, a casa de leilões que administrou a venda, 
rejeitou as críticas, observando que qualquer falta de artesanato foi resultado de 
pesadas restaurações nos séculos anteriores e apontou para a modelagem suave da 
mão direita de Jesus e a delicadeza de seus cachos justos, ambas características 
que se assemelhava à técnica de Leonardo. A casa de leilões também afirmou que 
os conservadores confirmaram que a pintura era feita dos mesmos materiais que 
Leonardo teria usado, nomeadamente o ultramarino , um caro pigmento azul de alta 
qualidade, muitas vezes reservado exclusivamente para virtuosos. O debate sobre a 
atribuição continuou muito depois da venda, mas o interesse na obra e a grande 
quantia paga em leilão atestaram a celebridade duradoura de Leonardo e a sua 
poderosa posição no cânone da história da arte cinco séculos após a sua morte. 
 
Ginevra de' Benci (c. 1474/78) 
 
Ginevra de' Benci – óleo sobre painel de Leonardo da Vinci, 1474-78; na Galeria Nacional de Arte, Washington, DC 
Leonardo da Vinci: Genebra de Benci 
Ginevra de' Benci , óleo sobre painel de Leonardo da Vinci, c. 1474/78; na Galeria Nacional de Arte, Washington, DC 
Cortesia da National Gallery of Art, Washington, DC (Fundo Ailsa Mellon Bruce; número de acesso 1967.6.1.a) 
 
Instalado na Galeria Nacional de Arte de Washington, DC, o retrato de Ginevra de' 
Benci é a única pintura de Leonardo exposta publicamente no Hemisfério Ocidental. 
É um dos primeiros trabalhos de Leonardo, concluído quando ele tinha 20 e poucos 
anos, e mostra alguns dos métodos não convencionais que ele usaria ao longo de 
sua carreira. Inspirado pelos seus contemporâneos do Norte, Leonardo rompeu com 
a tradição ao retratar a jovem solene numa pose de três quartos, em vez do perfil 
habitual, e assim pode ter sido o primeiro artista italiano a pintar tal composição. Ele 
continuou a usar a visão de três quartos em todos os seus retratos, incluindo a Mona 
Lisa , e rapidamente se tornou o padrão para retratos, tão onipresente que os 
espectadores hoje a consideram um dado adquirido. Leonardo também pode ter 
usado os dedos quando a tinta ainda estava pegajosa para modelar o rosto de 
Ginevra, como sugerem as impressões digitais encontradas na superfície da tinta. 
 
No verso da pintura, uma coroa de louros e palmeiras circunda um ramo de zimbro ( 
ginepro em italiano - um trocadilho com o nome da modelo), e um pergaminho com 
a frase em latim “a beleza adorna a virtude” entrelaça cada uma das floras. A 
aparência truncada do verso sugere que a pintura pode ter sido cortada na parte 
inferior, possivelmente devido a danos causados por água ou fogo. Alguns estudiosos 
especulam que o retrato no anverso teria incluído as mãos de Ginevra e propõem 
que um estudo de armas e mãos em ponta de prata, guardado no Castelo de 
Windsor, pode ter servido como desenho preliminar. 
 
A Virgem e o Menino com Santa Ana (c. 1503–19) 
 
Design linear O padrão linear entrelaçado do painel de pintura de Leonardo da Vinci Virgem e o Menino com Santa Ana, c. 1501-12. No Louvre, 
Paris. 1,68 1,3 metros. 
Leonardo da Vinci: A Virgem e o Menino com Santa Ana 
A Virgem e o Menino com Santa Ana , óleo sobre painel de madeira de Leonardo da Vinci, c. 1503–19; no Louvre, Paris. 
Fotografia, cortesia de Giraudon — Art Resource, Nova York 
Alguns estudiosos acreditam que A Virgem e o Menino com Santa Ana foi a última 
pintura de Leonardo, e nesta obra ele usou muitas das convenções que havia 
estabelecido ao longo de sua carreira para retratar três gerações da Sagrada Família 
- Santa Ana , sua filha, a Virgem Maria e o Menino Jesus. Ana, no ápice da 
composição piramidal, observa Maria, sentada em seu colo, enquanto a Virgem 
impede ternamente o Menino Jesus de montar em um cordeiro. Contrastando com o 
sábio bebê Leonardo retratado em A Virgem das Rochas , a figura de Cristo em A 
Virgem e o Menino com Santa Ana parece inocente, demonstrando um 
comportamento juvenil lúdico e mostrando uma expressão de confiança ao retribuir 
o olhar de sua mãe. As interações entre as figuras parecem íntimas e revelam a 
capacidade de Leonardo de representar relações humanas convincentes. 
 
A pintura também mostra o interesse de Leonardo em representar de forma confiável 
o espaço tridimensional em uma superfície bidimensional. Como em muitas das 
pinturas de Leonardo, as figuras ficam em meio a uma paisagem fantástica. Usando 
a perspectiva aérea , técnica sobre a qual escreveu em seu Tratado de Pintura , 
Leonardo criou a ilusão de distância pintando as formações rochosas ao fundo para 
que parecessem azul-acinzentadas e menos detalhadas que a paisagem do primeiro 
plano. Ele usou essa técnica em muitas das paisagens de seus trabalhos anteriores, 
incluindo a Mona Lisa e A Virgem das Rochas .