81_PDFsam_2História da Arte Moderna

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A exposição de Anita não foi bem recebida por alguns intelectuais da 
época, ainda admiradores dos princípios acadêmicos, que detestaram suas 
pinturas. “[...] Monteiro Lobato [...] detestou tanto o que viu que publicou um 
artigo referindo-se à mostra como ‘paranoia ou mistificação’” (CANTON, 
2002, p. 64). Enquanto algumas pessoas não gostaram da nova estética, outras 
adoraram, como, por exemplo, o poeta Mario de Andrade. 
A recepção negativa da exposição de Anita Malfatti foi o estopim para 
a realização da Semana de Arte Moderna, em fevereiro de 1922, no Teatro 
Municipal de São Paulo. Os artistas buscavam criar um ambiente prolífero 
para a construção de novas maneiras de produzir arte que fosse moderna e 
rompesse com os padrões acadêmicos da arte brasileira. A partir do evento, 
houve a progressiva modernização da arte brasileira, a partir de influências 
da arte das vanguardas europeias. 
A Arte Moderna se estendeu pela primeira metade do século XX e, hoje, 
mesmo sendo movimentos históricos, não podemos esquecer seu teor van-
guardista. Os caminhos encontrados pelos artistas levaram a uma infinidade 
de modos de fazer arte e de pensar a relação da arte com a sociedade. As 
rupturas e os questionamentos realizados por artistas modernos são a base 
para o trabalho de muitos artistas que não consideram o quadro como uma 
janela para observar o mundo e exploram materiais que, antes do Modernismo, 
eram incomuns na arte. 
Fauvismo e Cubismo: características
Os movimentos artísticos conhecidos como Fauvismo e Cubismo pouca coisa 
têm em comum, além da ruptura com a representação convencional da arte 
acadêmica e a busca por uma representação moderna. Enquanto os fauvistas 
exploravam as combinações entre as cores puras com pinceladas exageradas, 
os cubistas tinham interesse principal na forma dos objetos e sua representação 
simplifi cada, a partir de formas geométricas. 
O Fauvismo foi o movimento de vanguarda mais curto, tendo se desen-
volvido entre 1905 e 1907. Sua preocupação principal era o uso da cor para 
explorar a expressão do instinto artístico. O artista procurava criar sua arte com 
a mesma pureza de uma criança que não segue regras, de modo que distorcia 
a representação e usava cores não condizentes com a realidade. 
5Arte Moderna: principais tendências
O nome fauvismo surgiu a partir de uma crítica de Louis Vauxcelles que, 
ao visitar, em 1905, o Salão de Outono, encontrou as obras fauvistas expostas 
ao lado de obras significativas da história da arte. Vauxcelles se referiu às 
pinturas fauvistas com o termo francês fauves (feras), como uma forma de 
rejeitar o exagero no uso de tinta com cores vibrantes e formas distorcidas. 
Sobre os artistas fauvistas, Canton destaca que:
A ideia era pintar sem se preocupar com os temas grandiosos – uma praia, 
uma janela, um barquinho ou uma ponte seria de bom tamanho. Também 
abandonaram a necessidade de fazer contorno nas formas. Desejavam pintar 
diretamente com a cor, que seria utilizada de acordo com a vontade de expres-
são do artista, sem necessariamente seguir a realidade como a vemos. Esses 
artistas assumiram sua atração pelas maças de cor, em suas diversidades de 
tons e intensidades (CANTON, 2002, p. 40.) 
Os principais artistas fauvistas foram Maurice de Vlaminck (1876–1958) e 
André Derain (1880–1954), liderados por Henri Matisse (1869–1954). Todos 
buscavam conferir à cor uma nova possibilidade, ao fugir da representação 
descritiva da realidade. A cor era mais importante do que a representação, 
principalmente a cor vibrante. Inicialmente, os artistas realizavam misturas 
de cores, mas, aos poucos, passam a explorar pinceladas espontâneas, com 
cores puras. 
O grupo fauvista, mesmo tendo durado pouco, apresentou uma nova ma-
neira de lidar com a pintura. “O que esses artistas têm em comum é o desejo 
de dispensar tudo o que é ‘extra’ na representação de uma imagem na tela, 
dando chance para a cor, com seus próprios contrastes, de cobrir superfícies 
e dar forma à representação” (CANTON, 2002, p. 41).
Na obra Ponte sobre o rio (Figura 2), de André Derain, pode-se observar 
como se dava o uso da cor e da deformação pelos fauvistas. As cores não 
criam uma representação naturalista, pois o artista utilizou tons de azuis, 
verdes, laranjas e amarelos para representar uma árvore que aparenta estar 
em chamas. O interesse também não é captar os efeitos luminosos, como 
faziam os impressionistas, pois a pintura faz o uso das cores sem se ater à 
sua combinação ótica. 
Arte Moderna: principais tendências6
Figura 2. Ponte sobre rio (1906), André Derain, óleo sobre 
tela, 82,5 cm/101,5 cm, MoMA, Nova Iorque, Estados Unidos.
Fonte: Fauvismo ([200-?]), documento on-line).
O Cubismo se desenvolveu a partir das pesquisas dos artistas Pablo Picasso 
(1881–1973) e Georges Braque (1882–1963), que se interessavam pelas pinturas 
do pós-impressionista Paul Cézanne e sua representação da natureza a partir 
de formas geométricas básicas. Entretanto, os cubistas exploraram não apenas 
a simplificação do desenho, uma vez que queriam explorar a representação 
integral do objeto, ou seja, queriam que a pintura apresentasse o objeto sendo 
visto a partir de diversos ângulos em uma mesma pintura. 
A obra Les Demoiselles d’Avignon, de Pablo Picasso, é considerada a pri-
meira pintura cubista (Figura 3). Nela, pode-se perceber a distorção das figuras 
a partir do uso de formas geométricas, reduzindo a sensação de profundidade 
da tela. O tema da pintura foi um grupo de prostitutas de Barcelona, mas a 
deformação de seus rostos sugere a influência das máscaras africanas sobre 
os trabalhos do artista. A pouca variação de cores e o uso da fragmentação 
nas formas foram técnicas inovadores para a época, colocando Picasso como 
um dos principais artistas das vanguardas europeias (FARTHING, 2011).
7Arte Moderna: principais tendências
Figura 3. Les Demoiselles d’Avignon (1907), Pablo 
Picasso, óleo sobre tela, 2,44 m/2,34 m, Museu de 
Arte Moderna, Nova Iorque.
Fonte: Les Demoiselles d’Avignon (2011, documento 
on-line).
O Cubismo teve como premissa básica a ruptura com a perspectiva da 
arte acadêmica, que representava os efeitos de profundidade por meio do 
emprego de complexas leis da geometria. No Cubismo, há a fragmentação para 
representar os diversos ângulos de visão sobre o objeto, de maneira sobreposta 
e com cores nos tons terrosos. Essa preocupação inicial dos cubistas ficou 
conhecida como Cubismo Analítico (CANTON, 2002).
Em pouco tempo, os cubistas levaram o programa da fragmentação e da 
representação simultânea ao extremo, chegando muito próximo da abstração 
total da figura. Todavia, o cubismo é, por natureza, um movimento figurativo 
que buscava uma nova maneira de representar os objetos, rompendo com a 
perspectiva tradicional. Por isso, houve a limitação temática dos artistas do 
Cubismo Analítico:
Ele só pode ser usado com formas mais ou menos familiares. Quem olha para 
o quadro deve saber qual é o aspecto de um violino, para poder relacionar 
entre si os vários fragmentos no quadro. É por isso que os pintores cubistas 
escolhem usualmente motivos familiares – guitarras, garrafas, fruteiras ou, 
ocasionalmente, uma figura humana – onde podemos facilmente encontrar 
o nosso caminho através dos quadros e entender as relações entre as várias 
partes (GOMBRICH, 1999, p. 456).
Arte Moderna: principais tendências8
Em 1912, o Cubismo tomou novos rumos, pois iniciava-se o Cubismo 
Sintético, que teve duração até a década de 1920. Nesse período, novos artistas 
aderiram ao grupo, dentre eles: Robert Delaunay (1883–1941), Francis Picabia 
(1879–1953), Jean Metzinger (1883–1956) e Marcel Duchamp (1887–1968). Na 
fase sintética, os cubistas fazem novos usos da cor, que deixa de ser esmaecida, 
sendo utilizada de maneira mais decorativa. “Essa visão mais decorativa da 
arte tornou o cubismo sintético mais popular do que as outras obras cubistas 
junto ao público” (FARTHING, 2011, p. 390).
O Cubismo Sintético nãoexagerava na fragmentação, como acontecia no 
Cubismo Analítico. Houve o uso de colagens de jornais, madeira, tecido, e 
tal interesse levou alguns artistas a pintarem quadros que pareciam somente 
colagens, sem uso de cores. De modo que um quadro era “Construído a partir 
de elementos de colagem e da habilidade dos artistas da época de transformar 
os conteúdos de uma lata de lixo em imagens bonitas e revolucionárias” (FAR-
THING, 2011, p. 390). As colagens faziam os materiais utilizados perderem 
seu significado utilitário, ao assumir um valor construtivo na obra. O artista 
utilizava a colagem, assim como utilizava a linha, a cor e as texturas. 
As obras cubistas apresentavam uma nova maneira de lidar com a pintura 
e abriram caminho para outros movimentos artísticos, tais como: o Futurismo, 
que se valerá da fragmentação para a representação da velocidade e das di-
nâmicas de movimento; o Suprematismo e o Construtivismo, que utilizaram 
as relações entre formas abstratas geométricas; o Dadaísmo e o Surrealismo, 
que darão atenção ao uso de colagens (FARTHING, 2011). 
Futurismo: a arte da velocidade
O Futurismo foi fortemente infl uenciado pelas inovações tecnológicas, que 
culminaram em uma nova relação entre as distâncias e o tempo. A invenção 
do automóvel, do avião e da telefonia desencadearam um novo ritmo nas 
transformações sociais. O Futurismo surgiu na Itália e buscava justamente 
valorizar a velocidade e o desenvolvimento tecnológico, em oposição a qual-
quer tipo de tradição. 
O manifesto futurista anunciava uma arte inovadora, que via na guerra e 
na destruição do passado a chance de construir uma nova arte, mais coerente 
com uma sociedade desenvolvida tecnologicamente. As experimentações 
cubistas foram influentes entre tais artistas, que utilizavam a fragmentação das 
formas e das cores para representar as dinâmicas da velocidade. O primeiro 
9Arte Moderna: principais tendências