Barroco e Rococo

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CLARETIANO CENTRO UNIVERSITÁRIO 
ARTES VISUAIS 
 
 
 
 
 
ROSANE AZEVEDO MIRANDA DE ALAGÃO E CANDIDO 
 
 
 
 
 
 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
ESTILOS BARROCO E ROCOCÓ 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
RIO DE JANEIRO 
2019 
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O BARROCO EUROPEU 
 
 
Do Século XVI para o Século XVII houve várias transformações nas perspectivas do 
mundo, em que o homem vinha da “Idade Média”, na qual os dogmas da religião 
tinham quase total controle da situação. Com o advento Renascentista e a Reforma 
Protestante, este, movimento religioso que se voltou contra ações e regras da Igreja 
Católica, o qual teve como principal agente da Reforma, o monge alemão Martinho 
Lutero (1483-1546), que, em 1517, publicou 95 teses as quais fundamentalmente 
criticavam a venda de indulgências (quando a Igreja “concedia” o perdão divino a 
qualquer pessoa que pagasse), então, deu-se início a um processo de ruptura que 
abalou seriamente o domínio católico na Europa. 
 
A Igreja Católica, insatisfeita com a perda de seu espaço e poder, decidiu se opor às 
inovações, reagindo com o Movimento que recebeu o nome de Contrarreforma. Assim 
sendo, como estratégia para lidar com o avanço do protestantismo, a Igreja Católica 
passou a patrocinar artistas e artesãos, para produzir ornamentos e imagens para a 
decoração dos templos, usando a arquitetura e a pintura para difundir a religião e 
arrebatar fiéis. 
 
A arte Barroca surge, nesse contexto, na Itália, no século XVII, mas a sua difusão 
abrangeu quase toda a Europa e a América Latina, porém o aparecimento deu-se em 
épocas diferentes em cada país. Permaneceu vivo no mundo das artes até o século 
XVIII. O estilo tem representantes em vários ramos artísticos, como pintura, escultura, 
arquitetura, música e decoração. A origem da palavra barroco é incerta. Alguns 
acreditam que venha do italiano, barocco, palavra usada para se referir a uma ideia 
ou pensamento tortuoso. Outros creem que tenha origem portuguesa: barroco é um 
termo usado para descrever pérolas imperfeitas — alguns consideravam o barroco 
um estilo imperfeito, exagerado, sem regras, em comparação com o estilo clássico, 
que prezava pela moderação e clareza. 
 
As obras de pintura e escultura do Barroco são rebuscadas, detalhistas e expressam 
as emoções da vida e do homem. É uma arte exagerada, com traços contorcidos que 
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demonstram um movimento exagerado, valorizam as cores, as sombras e a luz, e 
representam os contrastes, mostra faces humanas marcadas pelas emoções, 
principalmente, o sofrimento. Há um culto à morte, um pessimismo; espiritualidade e 
drama. Predominam nas esculturas as curvas, os relevos e a utilização da cor 
dourada. 
 
Entre os artistas barrocos importantes estão: Caravaggio (barroco italiano), Diego 
Velásquez (barroco espanhol) e Rembrandt (barroco holandês). 
 
Pode-se citar também Artemísia Gentileschi, uma importante figura feminina do 
barroco italiano. 
 
Artemísia Gentileschi nasceu em Roma em 8 de julho de 1593, filha de Orazio 
Gentileschi, um pintor maneirista da região da Toscana que se estabeleceu em Roma, 
onde conheceu e adotou o caravaggismo, e Prudenza Montone. Órfã de mãe aos 12 
anos, foi criada pelo pai. Iniciou seus estudos de pintura no ateliê do pai. A imagem 
da pintura foi ofuscada, por um longo período, pelo escândalo de um processo aberto 
pelo seu pai, no qual denunciava o pintor Agostino Tassi pela acusação de 
“desvirginamento” sem consentimento. Ela foi humilhada em um julgamento longo e 
doloroso, sendo impelida a retratar-se. Porém, foi comprovada a acusação e o 
denunciado foi condenado, mas nunca cumpriu a pena. 
 
O estilo de Artemísia Gentileschi expõe, de certa maneira, sua postura anticonformista 
diante da sociedade patriarcal e funciona como uma marca da artista, o que se reflete 
em toda a sua produção pictórica. 
 
Foi uma das únicas mulheres a serem mencionadas no ramo da pintura artística do 
barroco, sendo a primeira a possuir uma posição privilegiada. Ela era uma pintora 
notável dentro do Tenebrismo - caracterizado pelo forte contraste de luz e sombra 
através de uma iluminação forçada; e do Naturalismo. 
 
No final do ano de 1613, Artemísia Gentileschi mudou-se de Roma para Florença, 
onde passou a ter visibilidade por meio de sua pintura, e, em 1615 foi convidada a 
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pintar uma tela intitulada “Alegoria da inclinação” encomendada por Michelangelo 
Buonarroti, o Jovem (1568-1642). Em 1616, a artista torna-se a primeira mulher (de 
quem se tem registro) a ingressar na Academia das Artes do Desenho em Florença. 
Suas boas relações com artistas, intelectuais, nobres e colecionadores de obras de 
arte de diferentes regiões da Europa, bem como seu ingresso na Academia, facilitou-
lhe a obtenção de autorização para ter seu próprio ateliê e contratar modelos para 
suas obras. Residiu em cidades importantes da Europa e produziu muita arte, 
inclusive, para colecionadores particulares. 
 
Nas últimas décadas, Artemísia vem recuperando uma posição de grande relevância, 
devido à localização e reconhecimento de importantes obras, atribuídas a outros 
artistas ou de autoria desconhecida, como por exemplo, “Cristo e a samaritana ao 
poço”, exposta ao público na Mostra Artemísia Gentileschi: storia di una passione 
(2011-2012), Palácio Real em Milão. Provavelmente o contexto da última década do 
século XXI no qual a pintora passou a ser mais valorizada esteja relacionado com a 
história sobre as relações de gênero. 
 
Especula-se que a artista tenha morrido na devastadora praga que varreu Nápoles 
em 1656. 
 
Abaixo imagem da tela Susana e os Anciãos, pintada em 1610, quando Artemísia 
estava com apenas 17 anos. 
 
O quadro se baseia no relato da parábola de Susana - uma mulher casada com um 
rico morador da Babilônia, assediada sexualmente por dois juízes que frequentavam 
sua casa. Ao recusar as investidas dos dois, foi falsamente acusada de adultério. 
Susana foi inocentada da acusação, após esses juízes caírem em contradição quando 
interrogados. 
 
A representação da história de Susana e os Anciãos foi retratada por inúmeros artistas 
ao longo da história, sendo que a grande maioria optou por representar uma mulher 
frívola e namoradora. Mas Artemísia optou por uma imagem vulnerável e assustada. 
 
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Susana e os Anciãos (1610). Artemisia Gentileschi. Óleo sobre tela, 170 x 119 cm. Pommersfelden - 
Alemanha, Museu Kunstsammlungen 
 
 
 
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Após pesquisar e ler diversas análises da tela em questão, transcrevo abaixo a análise 
apresentada pela discente Cristine Tedesco, em tese de doutorado: 
 
“A imagem revela as prováveis influências da artista, a exemplo das figuras humanas 
de Michelangelo, tanto nos volumes anatômicos do corpo de Susana, como na própria 
posição das mãos”.(1) 
 
“A propósito das referências da pintora para a realização da composição, a artista filia-
se à tradição clássica ao utilizar colunas e relevos na elaboração do parapeito. Além 
disso, no que se refere aos aspectos técnicos da imagem, a Susana de Artemísia 
carrega elementos de matriz renascentista. Há uma preocupação com as linhas do 
contorno anatômico escultórico da personagem que pode ser vista de forma isolada 
dos demais, evocando o conceito de linear, que caracteriza a arte do Renascimento. 
Assim, “Susana e os velhos” é uma imagem atravessada por técnicas que aludem às 
influências da tradição clássica da jovem artista e sua aproximação com os novos 
métodos de pensar a imagem em voga no seu tempo. Artemísia também fez referência 
ao pictórico ao explorar os jogos de luzes e sombras na composição. A luz originária 
do lado direito atinge a cena, principalmente o corpo de Susana, o qual, por sua vez, 
produz as sombras que chegam ao canto inferior esquerdo, escondendo parcialmente 
a assinatura de Artemísia e a dataçãoinscritas na própria estrutura arquitetônica. 
 
Em “Susana e os velhos”, Artemísia compôs uma imagem atenta à figura feminina, há 
uma evidente preocupação em dar a sensação de agitação ao corpo de Susana, que 
consistia num dos maiores desafios para um artista, ou seja, representar figuras 
humanas em movimento”.(1) 
 
 
 
 
 
 
(1) TEDESCO, Cristine. Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Instituto de 
Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em História, Porto Alegre, RS, 2018. 
 
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O ROCOCÓ 
 
 
“Rococó é o barroco domado e reduzido para uma era mais civilizada e também com 
senso de humor” (autor desconhecido). 
 
O estilo rococó surgiu após o período barroco, durante o Iluminismo, coincidindo com 
o reinado de Luís XV. Surgiu em Paris no início do século XVIII, como reação ao 
gênero formal e pesado, de aspecto conservador e carregado, usado na corte de Luís 
XIV, em Versalhes. A palavra "rococó" deriva de rocaille, que é francês para entulho 
ou pedra. Rocaille refere-se ao trabalho de conchas utilizadas no embelezamento de 
grutas artificiais e fontes, aplicadas tanto à decoração interior quanto aos ornamentos. 
O termo também se aplica a outras áreas da manifestação artística, como a escultura, 
a pintura, os mobiliários e os detalhes arquitetônicos. Muitas das suas características 
influenciaram posteriormente a arte de toda a Europa. 
 
Durante o reinado de Luís XIV, a França havia se tornado a potência europeia 
dominante, e a combinação de grande riqueza e estabilidade pacífica, levou os 
franceses a voltar sua atenção para os assuntos pessoais e o prazer dos prazeres 
mundanos. Após a morte de Luís XIV, a corte francesa mudou-se de Versalhes para 
suas antigas mansões parisienses, redecorando suas casas com designs mais suaves 
e materiais mais modestos do que o estilo barroco do rei. A aristocracia agora queria 
interiores íntimos feitos com adornos de estuque, boiserie (revestimento que consistia 
na técnica de emoldurar as paredes através de painéis de madeira em relevo) e vidro 
espelhado. Esse novo estilo passou a decorar as paredes desses espaços. 
 
Em 1723, quando Luís XV completou a maioridade, este tornou-se um notável 
defensor e patrono da arquitetura e design rococó. Como a França era o centro 
artístico da Europa, os tribunais artísticos de outros países europeus logo seguiram o 
exemplo em seu entusiasmo por enfeites semelhantes. 
 
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Jean Antoine Watteau (francês, 1684-1721) foi considerado “o pai” da pintura rococó, 
que inventou esse novo gênero chamado “fêtes galantes” - cenas de festas de 
namoro. 
 
A pintura era uma parte essencial do movimento rococó, caracterizada por cores 
suaves e curvas graciosas e retrata cenas de amor, natureza, entretenimento alegre, 
frivolidade, erotismo elegante e juventude. 
 
Na arquitetura, o rococó criou edifícios com amplas aberturas para a entrada de luz. 
Quanto às esculturas, estas passaram a possuir um tamanho reduzido e são 
apresentadas individualmente, por meio de figuras isoladas, além de serem feitas a 
partir de materiais maleáveis, como gesso e madeira. 
 
Pode-se citar o pintor Jean Honoré Fragonard (francês, 1732–1806), o qual nasceu 
em Grasse, Alpes-Maritimesna, França, filho de um luveiro. Quando enviado a Paris 
por seu pai, demonstrou seu talento e interesse pela arte. François Boucher 
percebendo seus dotes enviou-o ao ateliê de Jean-Baptiste-Siméon Chardin. 
Fragonard estudou durante seis meses, retornando mais preparado para Boucher, foi 
incumbido por este a executar réplicas de suas pinturas. Viajou pela Itália pesquisando 
as obras dos grandes mestres. Em 1761 fixou sua residência em Paris. Sua 
consagração veio com a apresentação no Salão de Paris (1765) com o enorme quadro 
de tema trágico, O Sumo Sacerdote Coreso Sacrificando-se para Salvar Calirroé, que 
foi adquirido pelo rei Luís XV, ingressando na Academia Real. Ele pintou mitologia, 
galanteria, paisagem e retratos e desenhou vorazmente, muitas vezes assinando suas 
obras "Frago". A partir de 1973, após pintar uma série de desenhos de vistas e 
paisagens, passou a dedicar-se à reprodução de cenas domésticas e sentimentais. 
Admirando seu trabalho, o pintor neoclássico JacquesLouis David tentou ajudar, 
então, tornou-o curador do futuro Museu do Louvre. Incapaz de acompanhar a 
evolução política e cultural da sociedade francesa pósrevolucionária, o pintor arruinou-
se, viveu os seus últimos anos de vida em situação de miséria. Fragonard morreu em 
22 de agosto de 1806, em Paris. 
 
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A seguir imagem da tela La Lettre d'Amour. A análise abaixo foi reescrita com base 
em dissertação de uma escola de arte francesa, disponível no site 
https://www.etudier.com/dissertations/La-Lettre-d-Amour-Jean-Honore-Fragonard. 
 
A pintura é rica em efeitos de luz. As cores frias contrastam com as cores quentes sob 
luz forte em direção ao centro da tela. Essa luz vem da janela redonda à esquerda, 
iluminando o rosto, a nuca e a mão da jovem, que provavelmente seria a filha de 
François Boucher; seu vestido e chapéu, superfície da escrivaninha e banqueta, flores 
e cachorro. Fragonard molda a composição em tons mais escuros de marrom, 
desenhando e modelando com a ponta do pincel e com pinceladas de espessura 
variável. O brilho é acentuado pela abundância de cor dourada. Também possui 
efeitos interessantes de simetria: as flores rosa e branca se harmonizam com as cores 
do rosto, a renda que adorna o punho do vestido lembra a orelha encaracolada do 
cachorro, as dobras do vestido, embaixo da mesa, se fundem com as da cortina. 
 
Esta pintura exemplifica a manipulação sensível de efeitos de luz e de cor de 
Fragonard, e sua extraordinária facilidade técnica. O vestido azul elegante, a touca de 
renda e o penteado da jovem deveriam estar no auge da moda, no momento que esta 
pintura foi feita. O cão pode ser uma representação de fidelidade, como em muitas 
pinturas daquela época. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Jean-Honoré Fragonard - The Love Letter (A Carta de Amor), data incerta 1770 – óleo sobre tela - 
83,2 X 67 cm - Metropolitan Museum of Art, New York 
 
 
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Fontes Bibliográficas: 
 
 
Arte It, The Map Of Art in Italy, site. Disponível em http://www.arte.it/artista/artemisia-
lomi-detto-artemisia-gentileschi-59. 
 
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Disponível em https://conhecimentocientifico.r7.com /barroco-o-que-e. 
 
FERNANDES, Cláudio. Papel da Companhia de Jesus na Contrarreforma; Brasil 
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jesus-na-contrarreforma.htm. Acesso em 28 de outubro de 2019. 
 
IMBROISI, Margaret. História da Arte, Prazer em Conhecer, Artemísia Gentileschi, 
02/04/2016. Disponível em https://www.historiadasartes.com/prazer-em-conhecer/ 
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Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em 
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Rococó: suas características e artistas, site. Disponível em https://arteref.com/ 
movimentos/rococo. 
 
Sua Pesquisa, site. Jean-Honoré Fragonard. Disponível em https://www.suapesquisa. 
com/artistas_obras/jean_honore_fragonard. 
 
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TEDESCO, Cristine. Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Rio Grande do Sul, 
Instituto de Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em História, 
Porto Alegre, RS, 2018. 
 
The MetropolitanMuseum of Art, site. Disponível em https://www.metmuseum.org/art/ 
collection/search/436322.