Contextualização histórica da modernidade artística

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DEFINIÇÃO
A modernidade artística e a ruptura com a tradição. Novas práticas arquitetônicas, artísticas e
culturais no entresséculos XIX-XX. Os efeitos da Grande Guerra nas artes visuais e a
participação dos artistas nas trincheiras. O sistema da arte na modernidade.
PROPÓSITO
Compreender as transformações e os lugares da Arte na modernidade sob os efeitos da
Revolução Industrial, da Primeira Guerra Mundial e de regimes totalitários como o nazismo,
fascismo e comunismo.
OBJETIVOS
MÓDULO 1
Identificar a produção artística na modernidade entre fins do século XVIII – com a Revolução
Industrial – e as primeiras décadas do século XX
MÓDULO 2
Identificar os efeitos da Primeira Guerra Mundial na produção plástico-visual
MÓDULO 3
Reconhecer os impactos do nazismo, fascismo e comunismo na Arte
INTRODUÇÃO
 
Fonte: Wikimedia
 Figura 1. O Três de Maio de 1808, por Francisco Goya
Em um período relativamente extenso, como foi o marcado pela Revolução Industrial, mais
especificamente entre 1760 e 1840, compreender a produção artística em toda sua extensão de
práticas, técnicas e repertórios é, sem dúvida, uma tarefa desafiadora. Isso se deve em virtude da
grandiosidade cronológica – marcada ainda por inúmeros outros eventos importantes e fatos
isolados –, mas também pelas dimensões geográficas e peculiaridades – tendo em vista seu
início na Inglaterra e, posteriormente, extensivo a toda Europa ocidental e aos Estados Unidos.
Não há dúvida de que inúmeros foram os impactos da Revolução Industrial na Arte e no campo
cultural, como veremos a partir de agora. A transição do processo artesanal para a produção em
larga escala pelos novos maquinários, o crescimento urbano com o êxodo rural, a produção de
novos bens de consumo e o forte crescimento econômico em países capitalistas impactaram o
campo cultural-artístico por diferentes formas, cujas consequências (benéficas) técnicas e
plástico-visuais são vistas até os dias atuais.
MÓDULO 1
 Identificar a produção artística na modernidade entre fins do século XVIII – com a
Revolução Industrial – e as primeiras décadas do século XX
IMPACTOS DA REVOLUÇÃO INDUSTRIAL NA
ARTE
Embora não seja possível indicar com exatidão a data de seu surgimento (via de regra, admite-se
o período em torno de 1760 como datação histórica para a irrupção da Revolução Industrial), a
chamada Revolução Industrial eclodiu inicialmente na Inglaterra, durante o século XVIII, quando a
convergência de condições políticas favoráveis, de recursos naturais disponíveis e de fatores
sociais específicos impulsionaram o desenvolvimento das atividades comerciais do país. Nesse
momento, surgiram as primeiras máquinas movidas por energia artificial, substituindo o trabalho
do homem.
As aldeias inglesas se transformaram em cidades populosas com as primeiras chaminés das
fábricas; surgiram as primeiras estradas amplas, os trilhos de ferro para rápidas locomotivas,
bem como os navios a vapor carregados de matérias-primas e mercadorias.
As transformações desencadeadas a partir de então modificaram de forma brusca a vida das
sociedades humanas, dando forma e vigor à sociedade industrial que conhecemos. Elas marcam
a etapa decisiva de transição de um esquema pré-capitalista para um estado em que as
características fundamentais do capitalismo se impõem:
O progresso técnico continuado.
Capitais mobilizados para o lucro.
A separação mais clara entre uma burguesia, possuidora dos bens de produção, e o
proletariado, que vende no mercado sua força de trabalho.
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A organização do trabalho produtivo foi drasticamente alterada, ou seja, a produção de
manufaturas familiares e que atendiam a pequenos mercados foi substituída pela fábrica. Com as
novas máquinas a vapor, a produção passou a ser em larga escala, empregando centenas de
trabalhadores.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 2. A estação de Saint-Lazare, por Claude Monet
Da Inglaterra, essas transformações se estenderam, de forma e em ritmo desiguais, para os
países da Europa continental e outras poucas áreas de além-mar, revolucionando, no espaço de
poucas gerações, a natureza da história dos homens e as relações entre eles.
A partir de 1850, teve lugar a chamada Segunda Revolução Industrial, que foi uma aceleração
das transformações em curso, impulsionadas pelo aparecimento de diversas inovações técnicas,
tais como o aperfeiçoamento da indústria química; o surgimento de novas fontes de energia
motriz (eletricidade); os processos de transformação do ferro em aço. No final do século XIX, o
desenvolvimento industrial alcança um estágio jamais imaginado.
Período de grande prosperidade econômica, de fé inabalável na Ciência, na técnica e no
progresso da civilização, tais valores se tornaram de grande aceitação e disseminação no âmbito
da sociedade burguesa. A tecnologia possibilitava a produção em massa de mercadorias e
benfeitorias que geravam conforto aos seus compradores.
Ferro e Carvão (figura 3), obra produzida pelo artista escocês William Bell Scott (1811-1890) –
um dos primeiros artistas a descrever detalhadamente em suas obras os processos da
Revolução Industrial –, é um excelente exemplo para compreender os impactos desse momento
na produção artística, especialmente na pintura.
Nessa obra, vemos toda a ação centrada nos trabalhadores, na estrutura e nos instrumentos
(observe a marcação feita por meio do triângulo em amarelo). A posição dos corpos e os gestos
dos braços demonstram a força produtiva em dois elementos: ferro e carvão, tema da própria
obra, e elementos cruciais nesse novo processo de industrialização.
 
Fonte: Wikipedia
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 3. Ferro e Carvão, por William Bell Scott
Há ainda outros elementos que nos indicam os impactos dessas transformações, como a
presença dos navios a vapor, as pontes – grandes obras de engenharia –, inúmeras pessoas
pelas ruas e, ainda, a presença de uma criança no canto inferior esquerdo no ambiente de
trabalho com dois elementos de destaque: o peão e a marmita. Cena dos novos tempos, dos
novos hábitos e de espaços de convívio, especialmente dos processos de trabalho.
Segundo J. Guinsburg (2013), o romantismo e o realismo, movimentos artísticos importantes
desse período, são fruto de dois grandes acontecimentos na história da humanidade, ou seja, a
Revolução Francesa e suas derivações, e a Revolução Industrial. As duas revoluções provocaram
e geraram novos processos, desencadeando forças que resultaram na formação da sociedade
moderna, moldando em grande parte os seus ideais (sociais). As artes receberam os novos
elementos gerados em tais circunstâncias, incorporando-os em suas várias formas de
expressão, já anteriormente preparados com a revolução intelectual dos séculos XVII e
XVIII.
 
Fonte: Wikipedia
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 4. O Vagão da Terceira Classe, por Honoré Daumier
São essas diversas e emblemáticas “formas de expressão” que veremos nas construções
pictóricas do extenso período que compreende os impactos e efeitos da Revolução Industrial.
O Vagão da Terceira Classe (figura 4), obra do artista francês Honoré Daumier (1808-1879),
realizada entre 1863 e 1865, é um importante exemplo para compreensão da chamada “ruptura”
da tradição na pintura.
Embora os parâmetros técnicos e, por vezes, as inspirações estejam presentes – como o pintor
Daumier que se dedicou aos estudos das obras de mestres como Peter Paul Rubens (1577-
1640) e Ticiano Vecellio (c.1473/1490-1576) –, o que muda na arte com os efeitos da Revolução
Industrial e dos impactos na sociedade à época é o repertório e a forma de apresentação. Toda a
carga narrativa está na visualidade dos corpos, na expressão dos rostos, na atitude do artista
para além das questões de estilo – fator de peso até o século XVIII.
O que vemos (as marcações em amarelo e vermelho sinalizam essa construção visual em
primeiro e segundo planos) é a apresentação de uma cenaque se tornará comum. Vagões de
trem – objeto de deslocamento de massa – com pessoas/trabalhadores cansados; um espaço
pictórico que também sinaliza a divisão de classes, os novos tempos e as novas realidades. A
carga expressiva do cansaço e das condições socioeconômicas está posta nos rostos, nas
vestimentas, na posição dos corpos e até mesmo no pequeno espaço onde se encontra um
número grande de pessoas.
A tomada de consciência do papel da arte e da sua estreita relação com a sociedade será
muito explorada, mas isso não impedirá a continuidade das pinturas de gênero histórico e as
grandes encomendas religiosas. O que teremos a partir de então – que será ainda mais
questionado com as vanguardas artísticas – é a chegada de novos temas e de uma arte com
espaço para cenas e indivíduos não representados ou não representativos: as pessoas que
viajavam na terceira classe, os camponeses, os trabalhadores do campo e da cidade, as
mulheres e as crianças.
No século XX, período em que as vanguardas artísticas estavam em voga na Europa, o Brasil
vivia o modernismo. A pintora paulista Tarsila do Amaral (1886-1973) se dedicou a termas
sociais em suas obras, à semelhança dos propósitos de Daumier, no século anterior. Tarsila
pintou a obra Segunda Classe (figura 5), em 1933, um óleo sobre tela, exposta na mostra Tarsila
Popular, em 2019, no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand.
 
Fonte: Enciclopédia Itaú Cultural
 
Fonte: Enciclopédia Itaú Cultural
 Figura 5. Segunda Classe, por Tarsila do Amaral
A comparação entre as obras de Honoré Daumier (figura 4) e de Tarsila do Amaral (figura 5)
evidencia a importância da temática, pois, para além das diferenças nas escolhas pictóricas de
cada artista e da distância cronológica que separa as obras – a primeira datada de 1863, e a
segunda, de 1933 –, o que está em questão é o repertório visual, a importância do tema, que
passa a fazer parte das pinturas dos séculos XIX e XX, estritamente ligadas às novas
perspectivas sociais e econômicas observadas por esses e tantos outros artistas.
 
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Segunda Classe, centrada em uma família que desembarca de um trem, foi uma cena real
presenciada por Tarsila, transformada mais tarde em uma pintura cujo peso expressivo de tristeza
e simplicidade está no rosto e na postura dessa família, bem como nas vestes e nos pés
descalços.
Há também a representação de símbolos emblemáticos para o período. Uma delas é o caso da
pintura sobre madeira, um autorretrato da pintora russa Tamara de Lempicka (nascida Maria
Górska) intitulado Autorretrato (Tamara no Bugatti verde – figura 6), um ótimo exemplo para a
compreensão desse impacto no campo pictórico, mais especificamente na construção de outras
narrativas visuais para além do repertório amplamente conhecido dentro da tradição de pintura
até o século XVIII.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 6. Autorretrato (Tamara no Bugatti verde), por Tamara de Lempicka
Sobre essa obra, Santos et al. (2007) descrevem que, no decorrer dos últimos 25 anos, esse
quadro ficou famoso e tem sido muito reproduzido. Não é um retrato no sentido de
representar a aparência de uma mulher específica. É improvável que, a partir dessa imagem
altamente estilizada, alguém fosse capaz de reconhecer a pintora na rua. Trata-se, antes, de um
momento e de um tipo de mulher que surgiu naquela época.
Por meio do sacrifício de toda uma geração de homens, a Primeira Guerra Mundial
provavelmente foi o evento histórico que mais colaborou para o progresso e a emancipação das
mulheres. Na agitada década de 1920, o símbolo máximo da emancipação feminina – para
as mulheres que podiam dar-se a esse luxo – era o automóvel. O relato de Tamara de Lempicka
sobre como ela pegou a bela Rafaela no Bois de Bologne e levou-a a seu ateliê é um exemplo de
como o automóvel podia ser usado como adjutório para independência sexual.
A professora Adriana Nakamuta aprofunda as questões que aqui apresentamos.
ART DÉCO, ART NOUVEAU E AS NOVAS
TECNOLOGIAS
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 7. Cartão Postal da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais
Modernas
Tamara de Lempicka, nascida em Varsóvia em 1898, foi uma importante pintora do estilo
conhecido como Art Déco, que teve impacto nas artes visuais – decorativas e gráficas –, na
arquitetura e no design. O nome dado a esse estilo tem origem na abreviação de artes
decorativas da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas (figura 7)
realizada em 1925, em Paris. Combinado aos movimentos e estilos modernistas já em voga, o
Art Déco foi marcado por exuberância, luxo e requinte associados à expectativa que havia sobre
o progresso social e tecnológico já implantado com a Revolução Industrial. No padrão decorativo
desse estilo, vemos uma predominância de linhas retas ou circulares estilizadas, formas
geométricas e design abstrato; entre os motivos mais explorados estão os animais e as formas
femininas; esse estilo clean e puro Art Déco dirige-se ao moderno e às vanguardas do começo
do século XX.
 
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 Figura 8. Cartaz da Feira Mundial de Chicago
Art Déco (figuras 8 e 9) e Art Nouveau foram dois estilos que se fizeram presentes no
entresséculos XIX-XX, especialmente na arquitetura, frutos da implementação de processos e
produtos decorrentes da Revolução Industrial, tais como ferro, cimento, vidro, entre outros
elementos que alcançaram produção e qualidade em larga escala. No Brasil, bons exemplos são
a Estação Central do Brasil, no Rio de Janeiro, e o conjunto urbano Art Déco, preservado na
cidade de Goiânia, no estado de Goiás.
O advento das novas tecnologias implicou, portanto, mudanças substanciais na esfera da cultura
e das artes, com profundas consequências no fazer artístico. Se, desde seus primórdios, a arte
esteve intimamente relacionada com a técnica, a ponto de os povos antigos não fazerem
distinção entre o artesão e o artista, as imensas inovações tecnológicas rapidamente se fizeram
sentir no âmbito da produção artística.
A influência das descobertas tecnológicas tornou-se mais expressiva na arte de fins do século
XIX e início do século XX, com o advento de novas possibilidades, novos suportes foram postos à
disposição dos artistas, ampliando o mercado e o sistema da arte.
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 Figura 9. Escadas do hotel particular de Jacques Doucet
SISTEMA DA ARTE
No ensaio A obra de arte na era da sua reprodutibilidade técnica, o crítico cultural, filósofo
e sociólogo Walter Benjamin (1892-1940) apresenta uma reflexão sobre os efeitos da
reprodutibilidade técnica na arte.
Podemos citar o exemplo do crescimento da imprensa e da edição, com o surgimento de novas
prensas que, com poucas modificações, permaneciam quase idênticas às dos tempos de
Johannes Gutenberg (prensa de tipos móveis; figura 10). Em 1795, Stanhope criou a prensa de
ferro e, em 1811, König inventou a prensa rotativa que, juntamente com a energia e o vapor,
substituiu a força humana: a tiragem tecnicamente possível, de 150 folhas (retroverso), em 1795,
passou para mil folhas por hora.
 
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 Figura 10. Prensa de tipos móveis de 1811 em exposição em Munique, na Alemanha
No ramo editorial aparecem também mudanças significativas. Em Paris, o número de livrarias
triplica entre 1815 e 1845, crescimento superior ao da própria população da cidade. A impressão
de livros alcança tiragens até então inauditas e, juntamente com a disseminação dos jornais e
periódicos, o mercado de livros e impressos atinge grandes proporções. Surgem também nesse
período os chamados romances folhetins, que deliciam os leitores com suas aventuras e
reviravoltas, publicados de forma parcial e sequenciada.
Em 1839, surge o daguerreótipo, aparelho fotográfico inventado por Louis Daguerre (1787-1851),
físico e pintor francês, que fixava as imagens obtidas na câmara escura numa folha de prata
sobre uma placa de cobre. A descoberta causa uma verdadeirainflexão na produção de imagem.
O daguerreótipo (figura 11) possuía, no entanto, vários inconvenientes. Era pesado – cerca de 50
quilos –, custava caro – entre 300 e 400 francos –, a placa, sensibilizada pelo vapor, tinha de ser
preparada na hora, e o tempo de exposição do objeto fotografado girava em torno de meia hora.
Havia ainda outra limitação: ele não fornecia cópias.
 
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 Figura 11. Câmara de daguerreótipo
Entre 1839 e 1841, uma série de aperfeiçoamentos técnicos é realizada, diminuindo o peso do
aparelho, seu preço, melhorando o aproveitamento ótico das lentes. A descoberta de novas
substâncias aceleradoras torna as placas mais sensíveis à luz, reduzindo o tempo de exposição
(embora sem ainda atingir a instantaneidade):
1840: 13 minutos
1842: 24 segundos
1855: 3 segundos
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Esse progresso incentiva a criação de ateliês, que, desde 1841, começam a proliferar em Paris.
Em 1842, são produzidos na cidade cerca de 1800 retratos que, embora ainda artesanais, já nos
dão a dimensão de um quadro pré-industrial que se anunciava.
O mercado ainda se transformaria radicalmente com o advento da fotografia. A sua invenção, por
Henry Fox Talbot (1800-1877), na Inglaterra, possibilitava a produção de cópias, além de fornecê-
las em papel, não em placas, barateando o procedimento e tornando o transporte mais fácil.
A incorporação de novas tecnologias na produção de imagens contribuiu para essa
transformação no modo de conceber a produção artística. A divisão social do trabalho tornou as
atividades manuais de produção cada vez mais simples e desprovidas de qualquer significado
criativo e, consequentemente, desvalorizadas.
A automação só fez aumentar essa dicotomia entre criar e fazer, e a progressiva transposição do
estético do gesto para a ideia criativa.
Embora tenham sido recebidos com desconfiança e pessimismo pelos artistas plásticos, a
fotografia e, anos depois, o cinema não representaram uma ameaça à pintura, que passou a
conviver e dividir com as novas linguagens o interesse do público. As diversas formas de
manifestação artística da atualidade convivem, influenciam-se e se referem mutuamente.
No final do século XIX, outros inventos propiciaram novas formas de olhar o mundo – o telescópio,
o microscópio – e trouxeram para a arte novos temas e outros pontos de vista. O surgimento de
máquinas e dispositivos que tinham por função principal a gravação, reprodução e transmissão
de sons e imagens, como o telefone, o telégrafo, o gramofone, a máquina fotográfica, o rádio e o
cinema, também influenciaram diretamente a produção artística.
Se a produção foi radicalmente transformada em seus mais consagrados princípios, o que se
dirá da capacidade de reprodução que as novas tecnologias abriram à atividade artística? A
possibilidade de, a partir de uma obra, obter milhares de cópias iguais feria um dos valores
tradicionais da arte desde o Renascimento – a importância atribuída ao original. As novas
tecnologias trouxeram consigo a reprodutibilidade infinita da imagem.
Assim como a pintura, a fotografia também tem marcas fortes ligadas à construção social do
indivíduo e à imagem eternizada, haja vista os retratos de personalidades, eventos históricos
importantes, as cenas do cotidiano, entre outros registros desde a sua descoberta.
A profissionalização do ensino de arte e a constituição disciplinar da História da Arte também
farão parte do campo artístico, ampliando os propósitos centrados nas eras da razão e da
máquina, ou seja, os séculos XVIII e XIX foram um período áureo das academias – filosóficas,
científicas e literárias – com intenso apoio do Estado às instituições de ensino artístico.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 12. Entrada da baía e da cidade do Rio a partir do terraço do Convento de Santo
Antônio, por Nicolas-Antoine Taunay
No Brasil, por exemplo, em 1816, recebemos a Missão Artística Francesa – fruto da revalorização
das instituições artísticas na França – e, em 1826, foi formalizado o ensino de arte por meio da
criação da Academia Imperial de Belas Artes (AIBA), com nomes e artistas de grande relevância
nessa empreitada: Nicolas Antoine Taunay (1755-1830), Debret (1768-1848) e Grandjean de
Montigny (1776-1850).
 
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 Figura 13. Projeto da fachada da Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro
Já no campo da História da Arte, o movimento científico relativo ao campo da estética e das
ciências da arte moderna iniciou-se na Alemanha, em meados do século XVIII, sendo que a
constituição desse campo de conhecimento foi determinada por duas correntes:
Histórica, representada principalmente pelas contribuições do historiador da arte e arqueólogo
alemão Johann Joachim Winckelmann (1717-1768).

Teórica, feita pelo filósofo e crítico de arte também alemão Gotthold Ephraim Lessing (1729-
1781).
Deve-se ainda ao trabalho do filósofo prussiano Immanuel Kant (1724-1804), que proporcionou a
base da formação do campo da estética, seguidamente pelo aprofundamento feito pelo filósofo
alemão Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831).
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 14. irmãos Lumière
A invenção do cinematógrafo, no final do século XIX, provocou outra revolução, que avançou pelo
século XX. O aparelho permitia registrar imagens em movimento e projetá-las sobre uma tela. As
primeiras realizações dos irmãos Lumière (figura 14) causaram espanto e sucesso imediato.
É provável que eles não soubessem que estavam inventando um meio de expressão importante.
Como qualquer nova arte, que ao começar se inspira em artes e conhecimentos anteriores, os
filmes do início do século XX imitavam os espetáculos teatrais. A câmera ficava de frente para os
acontecimentos, imóvel, e os espectadores ficavam sentados em poltronas, como para assistir a
uma peça. Aos poucos, o cinema se transformou e assumiu uma linguagem particular que, por
sua vez, influenciaria as outras artes.
VERIFICANDO O APRENDIZADO
1. MARQUE A ALTERNATIVA CORRETA A PARTIR DA ANÁLISE DAS
AFIRMATIVAS LISTADAS: 
 
I. ART DÉCO E ART NOUVEAU FORAM DOIS ESTILOS QUE SE FIZERAM
PRESENTES NO ENTRESSÉCULOS XIX-XX, ESPECIALMENTE NA
ARQUITETURA, FRUTOS DA IMPLEMENTAÇÃO DE PROCESSOS E
PRODUTOS DECORRENTES DA REVOLUÇÃO INDUSTRIAL. 
 
II. FERRO E CARVÃO É UMA OBRA PRODUZIDA PELO ARTISTA
ESCOCÊS WILLIAM BELL SCOTT, QUE FOI UM DOS PRIMEIROS
ARTISTAS A DESCREVER DETALHADAMENTE EM SUAS OBRAS OS
PROCESSOS DA REVOLUÇÃO INDUSTRIAL. 
 
III. CONSIDERADO COMO O “MICHELANGELO DA CARICATURA”,
HONORÉ DAUMIER (1808-1879) TRANSMITIU EM SUAS OBRAS O
ROMANTISMO DA REVOLUÇÃO INDUSTRIAL. 
 
IV. A SEGUNDA REVOLUÇÃO INDUSTRIAL FOI UM PERÍODO DE GRANDE
PROSPERIDADE ECONÔMICA, DE FÉ INABALÁVEL NA CIÊNCIA, NA
TÉCNICA E NO PROGRESSO DA CIVILIZAÇÃO. 
 
V. APESAR DA IMPORTÂNCIA DA CLASSE OPERÁRIA PARA A EXPANSÃO
DA PRODUÇÃO INDUSTRIAL DO PERÍODO, POUCAS SÃO AS
PRODUÇÕES ARTÍSTICAS QUE A RETRATAM. 
 
ASSINALE A ALTERNATIVA CORRETA:
A) V-V-F-V-F
B) V-F-F-V-F
C) V-V-V-F-F
D) F-F-V-F-F
2. A INCORPORAÇÃO DE NOVAS TECNOLOGIAS, ASSIM COMO A
DIVISÃO SOCIAL DO TRABALHO, TROUXE PARA O CAMPO DAS ARTES
UM APROFUNDAMENTO DA DICOTOMIA ENTRE CRIAR E FAZER. A
FOTOGRAFIA, O CINEMATÓGRAFO, O TELESCÓPIO, O MICROSCÓPIO,
ENTRE OUTRAS TECNOLOGIAS CONTRIBUÍRAM COM O REPENSAR DA
PRODUÇÃO ARTÍSTICA E IMPULSIONARAM NOVOS MOVIMENTOS DE
VANGUARDA. AO MESMO TEMPO, PODEMOS CONSIDERAR QUE A
REPRODUTIBILIDADE TÉCNICA DA ARTE TROUXE UM DILEMA PARA A
IMPORTÂNCIA ATRIBUÍDA AOS ORIGINAIS. TAL DILEMA OCORRE POR
QUÊ:
A) As novas tecnologias melhoram a qualidade de reprodução, tornando as obras originais
obsoletas.
B) Perde-se a unicidade do objeto artístico original e, por consequência, seu “valor de culto”.
C) Desde a destruição causada pelas guerras mundiais, a arte passou a dar maior ênfase à
produção em escala.
D) Os movimentos de vanguarda passaram a produzir obras efêmeras, irreprodutíveis.
GABARITO
1. Marque a alternativa corretaa partir da análise das afirmativas listadas: 
 
I. Art Déco e Art Nouveau foram dois estilos que se fizeram presentes no entresséculos
XIX-XX, especialmente na arquitetura, frutos da implementação de processos e produtos
decorrentes da Revolução Industrial. 
 
II. Ferro e Carvão é uma obra produzida pelo artista escocês William Bell Scott, que foi um
dos primeiros artistas a descrever detalhadamente em suas obras os processos da
Revolução Industrial. 
 
III. Considerado como o “Michelangelo da caricatura”, Honoré Daumier (1808-1879)
transmitiu em suas obras o romantismo da Revolução Industrial. 
 
IV. A Segunda Revolução Industrial foi um período de grande prosperidade econômica,
de fé inabalável na Ciência, na técnica e no progresso da civilização. 
 
V. Apesar da importância da classe operária para a expansão da produção industrial do
período, poucas são as produções artísticas que a retratam. 
 
Assinale a alternativa correta:
A alternativa "A " está correta.
 
Considerado como o “Michelangelo da caricatura”, Honoré Daumier (1808-1879) transmitiu, em
suas obras, seu olhar crítico às injustiças e desigualdades sociais provocadas pela
industrialização. Muitos artistas da época buscaram representar a classe operária, fosse
exaltando sua força produtiva, fosse representando sua desigualdade perante a elite burguesa.
2. A incorporação de novas tecnologias, assim como a divisão social do trabalho, trouxe
para o campo das artes um aprofundamento da dicotomia entre criar e fazer. A fotografia,
o cinematógrafo, o telescópio, o microscópio, entre outras tecnologias contribuíram com
o repensar da produção artística e impulsionaram novos movimentos de vanguarda. Ao
mesmo tempo, podemos considerar que a reprodutibilidade técnica da arte trouxe um
dilema para a importância atribuída aos originais. Tal dilema ocorre por quê:
A alternativa "B " está correta.
 
Uma concepção importante sobre os debates do papel da arte é que as obras de arte tinham
uma função ritual e, por isso, um “valor de culto”, ligado essencialmente à unicidade. Mas, com a
entrada do processo industrial na produção artística e o advento da reprodutibilidade técnica,
ocorreu a emancipação das obras de arte da sua função ritualística. E, por conseguinte, o “valor
de culto” deu lugar ao “valor de exposição”.
MÓDULO 2
 Identificar os efeitos da Primeira Guerra Mundial na produção plástico-visual
A EUFORIA QUE PRECEDE A DOR: BELLE
ÉPOQUE
A França tornou-se o mundo! A frase faz uma referência ao significado da Belle Époque
francesa. Seus movimentos e suas transformações se disseminaram pelo mundo de forma
intensa. Os fenômenos de troca e comunicações foram absolutamente gigantescos entre o fim do
século XIX e o início do século XX. Os principais fatores foram o telégrafo e a possibilidade de
viagens cada vez mais velozes entre a Europa e o resto do mundo, o que fazia as modas
circularem.
Outro fenômeno eram os eventos mundiais. Os mais famosos eram as feiras de ciência e
tecnologia, nas quais foram lançados produtos muito conhecidos, como o telefone, a luz elétrica e
as tecnologias de aço, que mudaram o mundo e a arte.
A Torre Eiffel, por exemplo, é fruto de um evento mundial – aliás muito contestado, pois destoava
completamente da arquitetura de Paris. Outros eventos ganharam notoriedade, como os Jogos
Olímpicos e as feiras e galerias de arte que se multiplicam no mundo.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 15. Edifício Chrysler em Nova York, obra do arquiteto William Van Alen
A nova arquitetura era a arquitetura imponente das grandes estruturas de aço para erigir os
prédios a ferro fundido como forma de arte nos gradis, parapeitos e nas portas. Sempre que se
vê as grandes estruturas de gradis retorcidos, fortes, com lanças, arcos, maças, trata-se de um
gradil Art Déco; e aqueles repletos de folhas e flores representam gradis e estruturas Art
Nouveau.
Ao andar pelas cidades, tente encontrar e ver se, de alguma forma, essas tradições ainda estão
presentes. Essa herança é fruto de um momento, quando a arquitetura mundial passa a ser
influenciada pelos modelos franceses entre o fim do XIX e início do XX.
Art Déco e Art Nouveau são estilos decorativos, manifestados principalmente em formas
arquitetônicas, mas não só. O primeiro é marcado pela força da nova era, é pesado, robusto e
visa afirmar solidez. O estilo Nouveau – não é exatamente sucessório, mas se consolida depois
– tem a mesma estrutura técnica, mas o reforço do estilo, do detalhamento, de como a arte se
estabelece com esses novos materiais. Ambos são filhos da Revolução Industrial e se
consolidam nos espaços do Estado-nação.
As Revoluções Industriais e o Estado-nação disseminam o capital e o estilo de vida urbano, que
passam a ressaltar a arte como uma iconografia burguesa, simbólica e poderosa. O estilo de
vida burguês se baseia nessas tradições francesas. Cresce de forma intensa a vida em cafés,
bares, cinema, entre outros. Começamos a falar das propagandas em que a arte também
aparece de forma vívida, gerando identidades de marca.
Para uma elite burguesa importante, o mundo vivia seu auge e as tecnologias tornavam o mundo
cada vez melhor. Ainda que bolsões de miséria e pobres operários existissem, eles podiam
almejar atingir e reproduzir aquele estilo. Parecia o certo, parecia o mais perfeito dos mundos. As
grandes nações disputavam, afirmavam-se, viam-se como inatingíveis, mas a roda girou.
 
Fonte: Acervo Granado
 Figura 16. Cartaz de propaganda da água de colônia Granado
A arte ganhou contornos burgueses. Vale o quanto o “mercado” diz que vale. Pela primeira vez,
são compradas e vendidas por fortunas, fazem parte dos interesses dos países. A arqueologia
mundial multiplica e se concentra, e os grandiosos museus europeus se afirmam como uma força
singular (Louvre, British Museum, Prado, Orsay, entre muitos outros). A arte é o espaço de
encontro, debatida em ciclos intelectuais, tão ícone da burguesia quanto ter efetivamente capital,
ou andar com as roupas da moda de Paris.
A NAÇÃO E A GUERRA
A eclosão da Primeira Guerra Mundial, em 28 de julho de 1914, e suas consequências vindouras
marcam não apenas os principais acontecimentos geopolíticos que abalaram a Europa até
meados do século XX, como também são fundamentais para a compreensão do impacto desse
cenário na produção artística que já estava evidenciada com as novas tendências
proporcionadas pela arte moderna. Não seria exagero afirmar que a experiência da guerra,
especialmente das trincheiras, integrou-se profundamente na linguagem e no imaginário dos
artistas europeus que dela participaram ou que cresceram à sua sombra, como veremos adiante.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 17. Representação do assassinato do arquiduque Francisco Fernando da Áustria-
Hungria, por Gavrilo Princip
As razões da irrupção do conflito resultam de um conjunto articulado de fatores ligados,
sobretudo, a rivalidades econômicas e comerciais, questões nacionalistas e interesses
geopolíticos envolvendo parte das principais potências europeias.
Seu estopim foi o assassinato do arquiduque do Império Austro-Húngaro, Francisco Ferdinando,
e sua esposa, Sofia, em Sarajevo, na Bósnia, em junho de 1914 (figuras 17, 18 e 19).
Nas imagens apresentadas a seguir, vemos uma fotografia pouco antes do atentado e o carro,
conservado no Museu de História Militar, em Viena, Áustria, com a marca desse acontecimento
fatal. Ambas aqui contribuem para a nossa compreensão sobre os fatos e eventos marcantes da
história política e social por meio de imagens e objetos. Não por acaso, muitos museus guardam
em suas coleções inúmeros “objetos de crime”, de luxo, de apreciação, entre tantas outras
justificativas para sua conservação e exposição. O que importa é a possibilidade de criar
narrativas, de diversas perspectivas, por meio de objetos e imagens: objetivo central da História
da Arte.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 18. Ferdinando e Sofia saindo da Camara Municipalde Saravejo, pouco antes do
atentado que os levou à morte e Figura 19. Carro usado por Ferdinando e Sofia no dia do
atentado – o círculo indica a marca do projétil que matou Sofia
A partir daí ocorreu uma escalada de acontecimentos que levam à formação de blocos militares
(os Aliados e as Potências Centrais) e o conflito armado nas linhas de trincheira da região
fronteiriça que dividia a França e a Alemanha e em outras partes do mundo. Nos combates, foi
usado o que havia de mais avançado em termos de poderio bélico: canhões, metralhadoras,
lança-chamas, substâncias tóxicas, tanques de guerra e aviões. O desenvolvimento da indústria
bélica foi impulsionado no decorrer da Primeira Guerra Mundial, como a produção de carros de
combate, mais conhecido como “tanque de guerra” (figura 20).
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 20. Tanque Mark I, 1916, usado durante a Primeira Guerra Mundial
A ARTE EM TEMPOS DE GUERRA
Ao contrário da expectativa inicial, que previa um confronto rápido entre as potências envolvidas –
alguns juravam que até o Natal de 1914 a paz seria selada –, a Primeira Guerra Mundial se
prolongou por quatro anos, deixando um saldo de milhões de mortos e prejuízos bilionários.
Nenhuma guerra, até então, havia provocado tamanha destruição e ceifado tantas vidas em tão
curto espaço de tempo.
A promessa de um confronto rápido e capaz de proporcionar um novo tempo levou muitos jovens
artistas a se alistarem voluntariamente para fazer parte dos exércitos. Houve ainda aqueles que
foram contratados pelos militares para registrar os combates e as vitórias.
Dos jovens entusiastas, voluntariamente dedicados à Primeira Guerra Mundial, em 1915,
destaca-se Umberto Boccioni (1882-1916), um dos mais célebres artistas futuristas italianos. Na
obra Cargo dos Lanceiros (figura 21), de 1915, o artista retrata toda a ação do combate
promovendo essa “sensação” com o uso de linhas diagonais (uma espécie de lança) e dos
soldados com essas formas sólidas em cinza e preto, em forma de cilindro, elipse, círculos. Essa
estratégia pictórica é fruto do movimento futurista (também abstracionista) que promove, por
meio da construção de narrativas da identificação do homem com a máquina, a velocidade, o
dinamismo, a ruptura tão almejada com o passado no século XX.
 
Fonte: Enciclopédia Itaú Cultural
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Fonte: Enciclopédia Itaú Cultural
 Figura 21. Carga dos Lanceiros, de Umberto Boccioni
MANIFESTO FUTURISTA
O Manifesto Futurista foi publicado em 1909, no jornal Le Figaro, na França, e foi escrito
pelo poeta Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944).
Apesar do empenho de Boccioni – na arte e na guerra –, a vida lhe reservou um fim trágico. Em
1916, durante exercícios militares, seu cavalo se assustou com um caminhão, provocando a
queda do artista e sua morte devido a uma fratura no crânio.
Formas Únicas de Continuidade no Espaço (figura 22), escultura de 1913, é uma das principais
obras do artista. Nela, vemos a dissolução da forma figurativa que tradicionalmente era
perceptível na prática de escultura; contudo, apesar dos aspectos abstratos, podemos observar a
estrutura que nos remete a um corpo em movimento, três dimensões postas nessa obra,
juntamente com uma quarta, que se traduz na força “invisível” que ela nos proporciona ou sugere.
A peça original, em gesso, encontra-se no Brasil, no Museu de Arte Contemporânea da
Universidade de São Paulo (MAC-USP). Há também fundições em bronze, posteriores à peça
original, que se encontram em vários museus internacionais e também no MAC-USP.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 22. Formas Únicas de Continuidade no Espaço, de Umberto Boccioni
Entre civis e militares, um número expressivo de escritores também tomou parte do conflito. Se
não foram convocados, alistaram-se voluntariamente, entusiasmados com a pregação
nacionalista que antecedeu o conflito ou movidos pelo fervor juvenil com as glórias militares.
Alguns sobreviveram às trincheiras, como o compositor e pianista francês Joseph-Maurice Ravel
(1875-1937), o violonista austríaco Fritz Kreisler (1875-1962) e o pianista Paul Wittgenstein
(1887-1961) – que voltou para casa com o braço direito amputado.
Outros não tiveram a mesma sorte, como Boccioni, e morreram no campo de batalha. Dentre
eles, os pintores alemães de orientação expressionista August Macke (1887-1914) e Franz Marc
(1880-1916) e os poetas Edward Thomas (1878-1917) e Isaac Rosenberg (1890-1918). Também
passaram pelo campo de batalha o pintor francês Georges Braque (1882-1963) e o crítico e
escritor Guillaume Apollinaire (1880-1918). Ambos foram gravemente feridos, mas resistiram:
Braque ficou temporariamente cego, recuperando a visão e retomando a profissão anos depois;
Apollinaire acabou morrendo logo depois, vitimado pela gripe espanhola que se alastrou pela
Europa a partir de janeiro de 1918.
Em pouco tempo, artistas e escritores se deram conta dos horrores provocados pela guerra e do
absurdo em que estavam engajados. Ainda nas trincheiras, confrontados pela carnificina que se
espalhava ao redor, alguns escritores se insurgiram contra o absurdo que ocorria. Isso também
começou a ser visto nas pinturas, um retrato real do que acontecia, censurado posteriormente em
muitas exposições.
 Figura 23. Gás, de John Singer
John Singer Sargent (1856-1925), artista italiano filho de emigrantes americanos, pintou, em
1919, a obra Gás (figura 23) – uma encomenda –, com referência às consequências provocadas
pelo gás mostarda durante a Primeira Guerra Mundial, especialmente com a perda de visão de
muitos soldados. Em uma disposição de cortejo, como um cortejo fúnebre (marcações em azul),
os soldados estão deitados, enfileirados e amontoados (marcação em vermelho), à espera de
um socorro médico. Os olhos vendados sinalizam as consequências do gás. Observe também
que a tela é predominantemente pintada com tonalidades de amarelo-mostarda (sob os efeitos
do gás) e verde-militar (para identificar os soldados). No céu, aviões minúsculos apontam que as
operações militares continuam, apesar de todo dano que elas vêm causando. Aí estão as dores
das tropas, as consequências da guerra, as armas químicas e tecnológicas. Em um cortejo
fúnebre, Singer utilizou sua bagagem de aquarelista e excelente pintor para camadas pictóricas
de dor, luta, tristeza e melancolia.
Passados a euforia dos primeiros meses com a Guerra e o inalcançável sonho depositado na
expectativa de um novo tempo, o que mais veremos será uma pintura da realidade, dos fatos
ocorridos. Mesmo com a bagagem dos “ismos” – futurismo, cubismo, expressionismo –, cada
artista trará para o espaço pictórico toda a dor causada pela Guerra.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 24. The Menin Road, de Paul Nask
As obras The Menin Road e Spring in the Trenches – A Estrada Menin e Soldados na
Trincheira – são dois importantes exemplares de Paul Nash, pintor militar oficial do governo
britânico. No primeiro caso (figura 24), há um cenário de destruição, de “terra arrasada” pintado.
Os troncos das árvores destruídas são como cruzes em um cemitério, a fumaça e as luzes
sinalizam os bombardeios.
Na segunda obra (figura 25), vemos os soldados nas trincheiras – espaço reservado para o
ataque e a defesa – em observação e descanso, ao mesmo tempo em que as expressões
marcam o cansaço imposto. Ao redor, o mesmo princípio que vemos na imagem anterior, uma
natureza destruída, a terra revirada, poucos galhos com folhas e um cenário de campo de batalha.
Paul Nash, pintor britânico surrealista, ficou conhecido pelos seus emblemáticos quadros de
paisagens, em especial na guerra. O mesmo ocorreu durante a Segunda Guerra Mundial, quando
o artista se dedicou à pintura com inúmeras cenas de aviões.
 
Fonte: Wikipedia
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 25. Soldados na trincheira, de Paul Nash
Em 1929, surgia um retrato poderoso do cotidiano da guerra de grande sucesso editorial: o
romance Nada de novo no front, do escritor alemão Erich Maria Remarque (1898-1970)– que
participou de combates e se feriu várias vezes. A partir do relato de um soldado raso alemão,
Paul Bäumer, o livro questionou até que ponto a pátria poderia dispor de seus cidadãos a fim de
colocar em prática decisões elaboradas por lideranças políticas no conforto de seus gabinetes.
 
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 Figura 26. Capa da edição de 1929 do livro Nada de novo no front
As descrições dos mais intensos sofrimentos, como a fome, o frio, o medo e a morte formam um
panorama do que realmente foi o primeiro maior conflito do século XX, diferentemente da visão
oficial. O embrutecimento do ser, a impossibilidade de perspectiva quanto ao futuro e a noção da
falta de sentido dos conflitos são o mote desse romance.
Enquanto o mundo assistia, estupefato, a escalada de um conflito que multiplicava mortes e
prejuízos, um grupo de jovens escritores, capitaneados pelo romeno Tristan Tzara (1896-1963),
fundava em 1916, na Suíça, o Dadaísmo, um dos mais radicais movimentos de vanguarda, por
sua ênfase na destruição das formas e dos valores tradicionais.
Em Zurique, no Cabaret Voltaire, criado em 1916 por Hugo Ball (1886-1927), reunia-se um grupo
de cinco refugiados – o próprio Ball e Richard Huelsembeck (1892-1974), alemães; Hans Arp
(1886-1966), alsaciano; Marcel Janco (1895-1984) e Tristan Tzara, romenos – aos quais,
posteriormente, se uniriam o francês Francis Picabia (1879-1953) e o chileno Vicente Huidobro
(1893-1948).
Naquele pequeno teatro de variedades promoviam happenings inovadores, sempre para um
público reduzido. Diziam-se discípulos de Rimbaud, liam poemas de Apollinaire e Max Jacob,
recitavam os expressionistas e discutiam os futuristas.
 
Wikipedia
 Figura 27. A fonte, de Marcel Duchamp, 1917
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 28. Édipo Rei, de Max Ernst, 1922
As palavras de ordem do Dadaísmo eram a antiarte, a destruição, o ser contrário, o repúdio ao
bom senso e o caráter de improviso atribuído à arte dadaísta, sempre lúdica e reaproveitando
materiais que, deslocados de seu contexto original, mudam de função e efeito.
É fruto desse movimento a utilização de objetos do cotidiano para inserção no contexto artístico,
como a obra A fonte, de 1917, do francês Marcel Duchamp (figura 27) e a irreverência artística,
como na obra do alemão Max Ernst, Édipo Rei, de 1922. Duchamp foi o criador do termo ready-
made, cujo objetivo era inserir um objeto do cotidiano (comum) de um circuito ou sistema da arte,
elevando-o à categoria de arte.
MODERNIDADE DA ARTE
A ascensão dos regimes totalitários na Alemanha e Rússia provocou uma mudança radical na
direção das tendências artísticas correntes na Europa, que pode ser entendida a partir da
compreensão do surgimento do nazismo, do fascismo, do comunismo e dos impactos desses
regimes no campo cultural.
Vamos resolver uma confusão histórica. A modernidade em História e Arte não se referem ao
mesmo momento. Na História, moderno é exatamente aquilo que vem ao fim da Idade Média, o
sentido é ser o novo, aquilo que rompe. Na Arte, a modernidade ocorre na transição entre as
velhas técnicas e os novos objetos, no fim do século XIX e nos primeiros anos do século XX.
Então, se, em História, a modernidade rompeu com o medievo, na Arte, a modernidade é fruto da
consolidação da arte burguesa, comercial, “pública”, que rompe com as tradições de arte dos
séculos anteriores.
A arte do capital, arte burguesa, passa a ter outros vieses, outros compromissos e outras visões.
A arte passa a ser vista como uma manifestação da diversidade, que corrobora e renega, e os
artistas discutem a estilística a partir de diversos pontos de vista.
A arte moderna é formada pela modificação e pelas dinâmicas do contexto entre o fim do século
XIX e o início do século XX, mas é consolidada após os impactos das guerras e dos grandes
conflitos. Então, se foi temperada pelas mudanças que relatamos nos dois primeiros módulos,
assume efetivamente sua nova face a partir dos impactos poderosos gerados pelas Guerras
Mundiais.
No próximo módulo, você conhecerá a arte modificada, transformada, a fundamentação da arte
moderna temperada diante da propaganda, do cinema, das novas manifestações artísticas e
sociais que passam a fazer parte do mundo.
VERIFICANDO O APRENDIZADO
1. A BELLE ÉPOQUE (“BELA ÉPOCA”, EM FRANCÊS) FOI O PERÍODO DE
CULTURA COSMOPOLITA QUE ABRANGEU O FINAL DO SÉCULO XIX E
INÍCIO DO SÉCULO XX E CARACTERIZOU-SE, SOBRETUDO, PELO
OTIMISMO GERADO PELA MODERNIZAÇÃO TECNOLÓGICA DERIVADA
DA SEGUNDA REVOLUÇÃO INDUSTRIAL (1850-1945). ASSINALE, DENTRE
AS ALTERNATIVAS ABAIXO, AQUELA QUE CORRESPONDE AO ESTILO
ARTÍSTICO MUITO APRECIADO DURANTE ESSE PERÍODO:
A) Romantismo
B) Expressionismo
C) Gótico
D) Art nouveau
2. A ATMOSFERA DE DECADÊNCIA E DESTRUIÇÃO VIVIDA E DEIXADA
PELOS CONFLITOS DA PRIMEIRA GUERRA MUNDIAL (1914-1918)
INSPIROU A CRIAÇÃO DA ARTE COMO NEGAÇÃO, COMO UM
ENGAJAMENTO QUE, DE ALGUMA FORMA, DESPREZAVA O IDEAL DE
ARTE ANTERIOR, BURGUESA, UM MOVIMENTO ARTÍSTICO DE REAÇÃO
NEGATIVA AOS HORRORES E À INSENSATEZ DA GUERRA. ASSINALE A
ALTERNATIVA QUE CORRESPONDE AO MOVIMENTO ARTÍSTICO
MENCIONADO:
A) Cubismo
B) Dadaísmo
C) Impressionismo
D) Expressionismo
GABARITO
1. A Belle Époque (“Bela Época”, em francês) foi o período de cultura cosmopolita que
abrangeu o final do século XIX e início do século XX e caracterizou-se, sobretudo, pelo
otimismo gerado pela modernização tecnológica derivada da Segunda Revolução
Industrial (1850-1945). Assinale, dentre as alternativas abaixo, aquela que corresponde ao
estilo artístico muito apreciado durante esse período:
A alternativa "D " está correta.
 
O Art nouveau é um estilo decorativo da época e sua relação com a Segunda Revolução
Industrial se dá, sobretudo, pelo uso de novos materiais, tais como o ferro e o vidro. Caracteriza-
se formalmente pelo uso de formas orgânicas (flores, folhagens, animais), linhas curvas e
assimetria.
2. A atmosfera de decadência e destruição vivida e deixada pelos conflitos da Primeira
Guerra Mundial (1914-1918) inspirou a criação da arte como negação, como um
engajamento que, de alguma forma, desprezava o ideal de arte anterior, burguesa, um
movimento artístico de reação negativa aos horrores e à insensatez da guerra. Assinale a
alternativa que corresponde ao movimento artístico mencionado:
A alternativa "B " está correta.
 
O dadaísmo foi um movimento artístico formado em Zurique, durante a Primeira Guerra Mundial.
As produções artísticas desse movimento buscavam desafiar a racionalidade, a lógica, no intuito
de romper com os valores tradicionais que levaram a sociedade europeia a dar início e prolongar
a guerra mundial. Propunha a “antiarte” – através da espontaneidade, do humor, e também da
irracionalidade na produção – para provocar, chocar e indignar a sociedade da época em relação
à sua própria condição de habilitadora da destruição em massa.
MÓDULO 3
 Reconhecer os impactos do nazismo, fascismo e comunismo na Arte
Assista agora a uma performance sobre o tema arte em tempos de guerra.
O SURGIMENTO DO NAZISMO, FASCISMO E
COMUNISMO 
E SEUSIMPACTOS NA ARTE
O regime nazista esteve em vigor na Alemanha entre 1933, ano da ascensão de Adolf Hitler ao
poder, e 1945, ano da derrota da Alemanha na Segunda Guerra Mundial e da consequente
queda do governo após a morte de Hitler (1889-1945). Em 1918, a Alemanha havia saído
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derrotada da Primeira Guerra Mundial, e os vencedores impuseram ao país, como condição de
negociação da paz, a implantação de um governo democrático.
SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
Conflito entre nações europeias que envolveu muitas de suas colônias e ex-colônias, além
de participação indireta de muitos países; por isso, foi considerada uma guerra mundial. Os
derrotados desse conflito têm como “punição”, após o Tratado de Versalhes, pagar
pesadas dívidas como forma de ressarcir o prejuízo dos vencedores, o que gera para
Alemanha uma enorme dívida e um forte ressentimento quanto ao resultado daguerra.
Nesse contexto, vale a pena observar os efeitos da Grande Guerra na Arte. Junto a esse
sentimento de derrota nota-se, no campo da Arte, uma produção ligada aos sentimentos de
religiosidade, como é o caso da Capela Memorial Sandham (figura 29), que fica na Inglaterra e
foi pintada em 1920 pelo artista britânico Stanley Spencer (1891-1959).
A encomenda foi feita por Mary e Louis Behrend para abrigar um memorial ao irmão dela, o
tenente Henry Willoughby Sandham, que morreu na Primeira Guerra Mundial. As pinturas feitas a
partir da própria experiência de Spencer na guerra tinham o objetivo de homenagear os mortos
esquecidos que não foram lembrados em nenhum memorial oficial. Destaca-se ainda que
a capela é dominada pela cena da Ressurreição atrás do altar, na qual soldados mortos
carregam as cruzes de madeira brancas que marcam seus túmulos para Cristo (figura 30).
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 29. A ressurreição dos soldados, por Stanley Spencer
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 30. Detalhe da obra A ressurreição dos Soldados, presente na Capela Memorial
Sandham
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 31. Juízo Final, por Giotto di Bondone, que adorna a Capela Arena, em Pádua, na
Itália
Vale ainda destacar que tivemos ao longo da História da Arte importantes exemplares de pintura
em espaços como esse, ou seja, capelas encomendadas a grandes artistas. Um exemplo crucial
é a Capela Arena (Capella degli Scrovegni), que conta com afrescos executados por Giotto com
tema da vida da Virgem, celebrando o seu papel na salvação da humanidade. Dentre os temas
que estão na Capela Arena, temos o Juízo Final – muito representado na pintura histórica e
religiosa – e a Ressurreição (figuras 31 e 32).
Voltando aos aspectos políticos desse período, podemos afirmar que a República foi então
proclamada e a rendição assinada em 11 de novembro de 1918. O acordo de paz, contudo, não
se restringia apenas ao tipo de regime que deveria vigorar na Alemanha. Pelos termos do
Tratado de Versalhes, além da Alemanha ser responsabilizada do ponto de vista moral e
financeiro, no plano territorial ela perdia suas colônias (Togo, Camarões e sudoeste africano) e
cerca de um oitavo de seu território, que compreendia a disputada região da Alsácia-Lorena,
conquistada em 1871.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 32. Imagem da Ressurreição na Capela Arena, em Pádua, na Itália
Houve ainda a concessão para exploração de minas de carvão – fonte básica de energia – para
a França por um período de quinze anos. Outras cláusulas estabeleciam o seguinte:
A desmilitarização da margem esquerda do Reno e de uma parte a leste desse rio.
A abolição do serviço militar obrigatório.
A limitação do Exército e da Marinha.
A redução de armamentos e a possibilidade de julgamento que levaria à extradição
dos considerados responsáveis pelo conflito, desde o imperador Guilherme II até os
oficiais mais modestos.
 Atenção! Para visualização completa da tabela utilize a rolagem horizontal
O montante da indenização foi decidido posteriormente. A Alemanha propusera 50 bilhões de
marcos-ouro, e os aliados exigiram 132 bilhões. A França, especialmente, exigiu o pagamento de
pesadas indenizações e isso trouxe enormes dificuldades financeiras para os alemães, que
responsabilizaram o governo pela situação.
Entre 1918 e 1933, a Alemanha tornou-se uma República. A revolução que determinou a queda
do Kaiser (imperador, em alemão), em novembro de 1918, levou ao poder uma coalização de
socialistas, centristas e democratas. Em 1919, os líderes desses partidos redigiram a
Constituição de Weimar (figura 33), de caráter progressista e democrático, contra a qual se
insurgiu a extrema direita nacionalista, favorável a um governo autoritário.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 33. A Constituição de Weimar em forma de livreto
Durante sua existência, a chamada República de Weimar assistiu a uma intensa efervescência
artística. São inúmeras as contribuições nos campos da literatura, pintura, teatro, arquitetura,
música e cinema. Apesar da grave crise econômica, social e política, pode-se afirmar que,
durante a República de Weimar, a sociedade alemã foi palco de intensa criatividade cultural e
artística, totalmente reprimida com a ascensão do nazismo.
Entre os movimentos de vanguarda surgidos durante a República de Weimar, destaca-se o
Expressionismo, que propunha novas maneiras de perceber e expressar a realidade, destacando
a preponderância do eu sobre a realidade. Nesse contexto, pintores como Paul Klee (1879-1940)
(figura 34), Wassily Kandinsky (1866-1944) (figura 35) e Oskar Kokoschka (1886-1980)
difundiram novas formas de percepção e expressão da realidade.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 34. Fuga, de Kandinsky, 1914
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 35. Senecio, de Paul Klee, 1922
As obras de Paul Klee e Kandisnky – Senecio e Fuga –, ambas das primeiras décadas do
século XX, produzidas antes e depois da Primeira Guerra Mundial, são bons exemplos para
compreensão das novas perspectivas pictóricas impostas pelos artistas à época.
O naturalismo, romantismo e realismo dão lugar às experimentações com materiais diversos,
temas cômicos, personagens dos sonhos ou imaginários. Essas e tantas outras experiências
serão a marca da arte moderna, expressões que serão consideradas impróprias no período que
estamos estudando, como veremos mais adiante.
Outro exemplo de cunho institucional é a Bauhaus (figura 36), escola de arquitetura fundada na
Alemanha, em 1919, por Walter Gropius (1883-1969), que teve entre seus professores Paul Klee,
Wassily Kandinsky, Mies van der Rohe (1886-1969). Na década de 1920, tornou-se o centro da
produção do moderno desenho industrial, adaptando a forma dos objetos às novas técnicas de
produção. Foi fechada pelos nazistas em 1933, quando seus professores começaram a se
espalhar pelo mundo, divulgando os preceitos ali elaborados.
As correntes artísticas de esquerda surgidas na Alemanha nesse período seguiram outra direção,
tendo como meta o engajamento político. Procuravam representar a cultura proletária por meio do
cinema, do teatro, da música.
Faziam propaganda da revolução socialista tentando atrair as massas. Esses movimentos
denunciavam a opressão cotidiana, o terror, o militarismo, a exaltação da guerra. O teatro e a
poesia de Bertold Brecht (1898-1956) expressam isso de maneira nítida.
 
Fonte: ArchDaily
 Figura 36. Bauhaus Dessau
A produção cinematográfica ocorrida durante os catorze anos da República de Weimar foi
inestimável para a consolidação e expansão da sétima arte. Entre os alemães, o cinema tornou-
se o divertimento de massas por excelência. Nesse período, surgiram grandes obras-primas do
cinema mundial, assim como diretores e atores de enorme destaque – dentre outros, Fritz Lang
(1890-1976), F.W. Murnau (1888-1931), Georg Wilhelm Pabst (1885-1967), Marlene Dietrich
(1901-1992), Peter Lorre (1904-1964). Influenciados pela estética expressionista, os filmes
mudos alemães exploravam, em tramas cheias de ação e reviravoltas, o lado sombrio da
natureza humana, o interior dos seres, seus sonhos, fantasias, angústias, o subconsciente, o
aspecto sensitivo-subjetivo, considerados mais importantes que a realidade objetiva.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 37. Pôster do filme O Gabinete do Dr. Caligari
Marco do cinema expressionista alemão, O Gabinete do Dr. Caligari, lançado em 1919 e dirigido
por Robert Wiene, impressiona por sua estética inovadora, seus cenários retorcidos, a
iluminação promove um jogo de sombras constante, e um enredo que gira em torno da história de
um médico que manipula um sonâmbulo e o induz a um crime.
De igual maneira, o filme Nosferatu, dirigido em 1922 por F.W. Murnau, adapta para as telas de
cinema uma versão livremente inspirada na obra Drácula (1897), de Bram Stocker, com cenários
sombrios, iluminação oblíqua e personagens sinistros, atrelados ao desejo e à sensualidade, que
ainda provocam nos espectadores a sensação de temor e suspense.Adaptações de lendas e de obras literárias nacionais de grande valor também ganharam
destaque nesse período. Em 1926, Murnau filma a tragédia Fausto, encenada em 1829 e de
autoria de Johann Wolfgang von Goethe, um dos pilares da literatura alemã. Fritz Lang, por sua
parte, adapta para as telas Os Nibelungos (1924), o mais famoso poema épico da literatura
alemã, escrito em 1200.
A partir de 1933, com a ascensão do nazismo ao poder, toda essa efervescência chegaria ao
fim. O Partido Nacional-Socialista, surgido na Baviera, contava entre seus membros com Adolf
Hitler, que rapidamente se transformou no principal líder da nova agremiação. O programa
partidário era baseado nos seguintes pontos:
Fortalecimento do Estado
Engrandecimento da Alemanha
Intensificação do antissemitismo
Nacionalização dos trustes
 Atenção! Para visualização completa da tabela utilize a rolagem horizontal
Em abril de 1920, Hitler decidiu alterar o nome do partido (que vinha crescendo desde que ele
assumira sua liderança) para Partido Nacional-Socialista dos Trabalhadores Alemães (NSDAP).
A denominação socialista foi dada para atrair operários e fazer frente aos grupos socialistas e
comunistas; seus membros, na verdade, combatiam a bandeira da esquerda. Em meados de
1921, a agremiação já contava com 3.300 membros; no final de 1922, estava com 20 mil.
Ao longo da década de 1920, impulsionado pela crise econômica e pelo clima de humilhação e
injustiça provocados pelas sanções oriundas do Tratado de Versalhes, o pequeno partido cresce
à medida que a crise se aprofunda, o que favorece os nazistas, canalizando o desespero e o
descontentamento do povo alemão. A votação no partido evolui com o descontentamento até que,
em 1933, os nazistas se tornam o partido mais forte do parlamento. Devido ao intenso apoio
popular aos nazistas, Hitler foi convidado pelo presidente Paul von Hindenburg a ocupar o cargo
de chanceler. A ascensão dos nazistas ao poder, em janeiro de 1933, foi por eles chamada de a
“revolução legal”.
A ARTE NA CULTURA NAZISTA
As artes desempenhavam um papel de destaque no projeto cultural nazista. Considerando a
estética anterior expressão fruto de uma sociedade decadente – a arte moderna –, os nazistas
planejaram destruí-la, substituindo-a por uma que representasse a “nova idade de ouro da cultura
alemã”. A partir de 1933, com a ascensão de Hitler ao poder, ele empenhou-se em redirecionar a
produção artística de acordo com os ideais, o estilo de vida e a renovação ideológica em curso.
Incentivadas e controladas pelo regime, as produções artísticas deveriam expressar a “alma
ariana” e desempenhar função pedagógica na formação do novo homem alemão.
Na Alemanha, os artistas que aderiram ao regime tinham uma concepção passadista de arte e se
esmeravam em copiar modelos gregos. Acreditavam que o belo deveria encarnar o espírito da
comunidade racial e das tradições populares. Os estilos acadêmicos, neoclássico e romântico
eram os mais bem aceitos porque se inspiravam em temas caros ao regime: batalhas, heróis,
cenas ou figuras mitológicas e lendárias que serviam como modelos de bravura.
Ajude-nos a vencer!, cartaz de autoria de Fritz Erler (figura 38), as esculturas de Arno Breker, o
busto de Albert Speer – Ministro do armamento do Reich – (figuras 39 e 40) e as pinturas de
Ludwig Dettmann (figuras 41) são exemplos da participação e produção dos artistas nazistas,
dentro dos propósitos que citamos.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 38. Ajude-nos a vencer!, pôster de Fritz Erler
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 39. Arno Breker, escultor nazista
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 40. Arno Breker, escultor nazista e Albert Speer, Ministro do Armamento do Reich
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 41. Nenúfares, pelo pintor nazista Ludwig Dettmann
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 42. Joseph Goebbels, Ministro da Propaganda da Alemanha em visita à exposição
“Arte Degenerada”, em 1938
Em 1937, por toda a Alemanha foram realizadas exposições de arte (figuras 42 e 43). Em 19 de
julho desse ano, inaugurava-se em Munique a exposição oficial de “arte degenerada”, como eram
chamadas as obras não vinculadas ao regime (e atribuídas a comunistas, marginais, negros e
judeus), um dia depois da inauguração da primeira grande exposição de arte alemã, valorizada
pelos nazistas. O público deveria fazer o contraponto entre as duas.
Os catálogos explicativos agrupavam as obras a partir dos seguintes temas: arte racista, arte
judaica, invasão do bolchevismo na arte, mulher alemã enlouquecida, ultraje aos heróis, loucura
erigida em método, natureza vista por espíritos enfermos. Ao lado das telas dos artistas de
vanguarda, eram expostos desenhos de doentes mentais internos em hospitais psiquiátricos.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 43. Exposição de arte nazista em Salzburg, em 1938
Os artistas nacionalistas participaram da grande exposição de arte alemã, organizada
paralelamente à exposição da arte degenerada para gerar contraste. As exposições de arte,
sólida tradição alemã, eram realizadas anualmente. Durante o nazismo aconteceram oito, e o
Estado tornou-se promotor desses eventos: no papel de mecenas, Hitler comprou grande número
de obras para decorar edifícios e locais públicos.
Os critérios de seleção das obras para essas exposições eram: ser popular, retratar o heroísmo e
enaltecer os ideais nórdicos de beleza e pureza da raça. Os temas privilegiados contemplavam
imagens de trabalhador, soldado, agricultor, da família e do líder. Em 1937, foi criada, em
Munique, a Casa de Arte Alemã, um templo nos moldes greco-latinos, especialmente para expor
a “verdadeira arte alemã”. Ela serviu de modelo para a criação de outras.
Na Alemanha, os artistas que aderiram ao regime tinham uma concepção passadista de arte e se
esmeravam em copiar modelos gregos. Acreditavam que o belo deveria encarnar o espírito da
comunidade racial e das tradições populares. Todos os esforços foram feitos para a
popularização e massificação da arte. Foram produzidos cerca de 2 mil filmes, milhares de
romances, centenas de poemas, exposições de pintura, monumentos, estátuas, esculturas,
afrescos.
Em vez de considerar, de acordo com certos representantes das vanguardas, que o papel da arte
é levantar questões, os nazistas acreditavam que ela deveria afastar a angústia existencial. Por
isso, em vez de supor que o artista deveria usar a forma para expor uma ideia, concebia-se a arte
como expressão da beleza e harmonia porque seu objetivo era decorar, enfeitar, elevar o espírito
e incentivar os valores da raça ariana.
Os músicos judeus foram proibidos de se apresentar, e os contemporâneos não eram
apreciados. Arnold Schönberg (1874-1951), o principal representante de uma nova corrente, foi
expulso do país. Os nazistas preferiam as obras clássicas. Beethoven (1770-1827) era
respeitado pela composição de uma obra forte e vigorosa. Alguns grandes compositores
chegaram a apoiar o regime, como Richard Strauss (1864-1949), que se tornou presidente da
Câmara de Música.
Richard Wagner (1813-1883) foi festejado no 3º Reich e considerado precursor e iniciador de
novos tempos. Hitler o tomava como modelo e se identificava com ele, não só pelas composições
musicais nas quais glorificava o passado mitológico e heroico da Alemanha, mas também por
suas ideias nacionalistas e antissemitas.
O compositor se valia de mitos nórdicos e germânicos em suas obras. Os dramas líricos
wagnerianos apresentavam sua concepção de vida marcada pelo pessimismo. Mas o artista
superou sua descrença na humanidade apelando para a imaginação heroica regeneradora do
universo. A luta do Bem contra o Mal está representada em suas criações artísticas.
O mundo glorioso criado por Wagner, no século XIX, foi povoado por arianos e semitas. Para o
músico, os judeus mantinham sob sua dominação uma sociedade degenerada, principalmente
em relação à Arte. Propunha que o mais urgente era a emancipação da opressão judaica. O
judaísmo para ele representavaa má consciência da civilização moderna.
O cinema foi o setor que recebeu mais atenção e investimentos do regime nazista. Desde o início
de sua carreira política, Adolf Hitler considerava o cinema, por suas próprias características, o
instrumento ideal para influenciar as massas: o apelo emocional subjetivo, a possibilidade de
ilustrar a ideologia do regime, a contínua e uniforme repetição de uma mensagem. Como
exemplo do enorme interesse de Hitler e Goebbels pelo cinema, cabe destacar que a Câmara de
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Cinema foi fundada no dia 14 de julho de 1933, antes de todos os outros departamentos da
Câmara de Cultura do Reich, ficando sob o controle direto do Ministério da Propaganda. Mesmo
antes de chegar ao poder, o movimento nazista valeu-se do cinema como arma de propaganda
política. Isso se deve, principalmente, à enorme possibilidade que o cinema sonoro abriu para a
reprodução em massa dos discursos dos líderes e da divulgação das mensagens político-
ideológicas dos partidos.
ARIANOS E SEMITAS
Termos utilizados naquele período para fazer referência a indivíduos oriundos de raças
diferentes: “arianos” designava um pseudopovo originado na Renânia, e “semitas”, os
descendentes de Sem, os que vêm do Oriente, como outro povo, inferior ao primeiro.
Durante os doze anos de regime nazista, estima-se que tenham sido produzidos cerca de 1350
longas-metragens, que buscaram, de várias formas, enaltecer o nazismo, estimulando a grande
maioria da sociedade alemã a participar da experiência nazista, além de colocar a Alemanha em
segundo lugar na produção cinematográfica mundial, depois de Hollywood.
 
Fonte: IMDb
 Figura 44. Pôster do filme O Triunfo da Vontade
O regime buscou produzir seu autorretrato no grandioso documentário O Triunfo da Vontade
(1935), dirigido pela ex-bailarina e cineasta Leni Riefenstahl, sobre o VI Congresso do Partido
Nazista em Nuremberg, realizado em 1934. Encomendado diretamente por Hitler, esse
documentário épico e mistificador fez uso de uma profusão de recursos para garantir os efeitos
da imagem cinematográfica e talvez conquistar o posto da propaganda mais impressionante de
todos os tempos.
O filme demonstra com perfeição o domínio da técnica, desde os engenhosos ângulos visuais e
uma composição de cena grandiosa, até o ritmo determinado de sua montagem, tudo
convergindo para impor uma falsa estética à propaganda política partidária.
A concepção de política como espetáculo foi novamente trabalhada por Riefenstahl em Olímpia
(1938), um longo documentário dividido em duas partes – Festival das Nações e Festival da
Beleza – sobre os Jogos Olímpicos realizados em Berlim. Mais que um simples documentário da
Olimpíada de 1936, trata-se de um hino de exaltação à Alemanha nazista, mediante a glorificação
da força física, da saúde e da beleza racial, miticamente retratadas.
 
Fonte: IMDb
 Figura 45. Pôster do filme Olímpia – Festival das Nações
 
Fonte: IMDb
 Figura 46. Pôster do filme Olímpia – Festival da Beleza
 
Fonte: IMDb
 Figura 47. Pôster do filme O judeu eterno
No começo da década de 1940, eram produzidos tanto filmes que exaltavam a superioridade da
raça ariana como filmes que enfatizavam a inferioridade de outras etnias. Os primeiros seres
mostrados como inferiores pelo cinema nazista foram certamente os judeus.
Todas as representações cinematográficas de judeus colocavam o espectador diante de
personagens feios, maldosos, demoníacos e animalescos. Filmes antissemitas como Os
Rothschilds (1940), Judeu Süss (1940) e o documentário O judeu eterno (1940) tinham como
objetivo incitar o ódio e o desprezo aos membros dessa etnia, ressaltando assim a necessidade
de deportá-los e exterminá-los.
Para a arquitetura também foi reservado um lugar especial. Hitler, arquiteto e pintor frustrado,
considerava-a a mãe das artes pelo seu poder de interferência na vida das pessoas. As obras
produzidas no período se caracterizavam pela monumentalidade. Acreditava-se que as grandes
construções suscitariam adesão por despertarem orgulho e entusiasmo nacionalista. Inspiravam-
se nas ruínas das civilizações greco-romanas e eram decoradas com esculturas que
representavam atletas, soldados, figuras mitológicas. Buscavam expressar a harmonia do corpo,
as virtudes másculas e a virilidade. Tanto essa arte quanto a arquitetura eram
superdimensionadas, seus elementos criados fora da escala humana faziam parte dos projetos
de Hitler.
REVOLUÇÃO RUSSA E A ARTE
A Revolução Russa, de 1917, que aboliu o regime czarista e estabeleceu no poder o socialismo,
abriu caminho para uma extraordinária atmosfera de inquietude e renovação nos campos social,
político e cultural. Nas artes visuais, na literatura e no cinema, jovens artistas manifestam uma
tendência acentuada em direção a novos procedimentos estéticos e ao descontentamento em
relação à linguagem convencional e passadista. Essa renovação foi acompanhada, ao mesmo
tempo, pela exigência de um retorno às origens, às fontes primeiras da cultura russa e da
negação de valores considerados ultrapassados.
Antes mesmo da Revolução Russa, também conhecida como Revolução de Outubro, os artistas
visuais na Rússia czarista já estavam completamente imersos nos paradigmas estéticos
modernos. O simbolismo e o decadentismo produziram em solo russo, no campo da poética e do
pensamento filosófico, proposições e experiências estéticas de impacto decisivo na cultura
russa, desempenhando um papel determinante para o surgimento de tendências e correntes
estéticas que conformariam, poucos anos depois, um amplo movimento que se convencionou
chamar de Vanguardas Russas.
Sob o impulso do grupo Mir iskusstva (O mundo da arte), que passa a veicular, no início do século
XX, por meio de uma revista de mesmo nome, dirigida por Serguéi Diáguilev (1872- 1929), são
divulgadas as novas tendências artísticas europeias, como o impressionismo, o cubismo francês
e ainda o expressionismo alemão. O ímpeto da Revolução projetou um florescimento artístico
espantoso entre 1918 e 1923 e ainda depois. Os anos da Nova Política Econômica (NEP), entre
1922 e 1928, também favoreceram a liberdade das artes, a experimentação e a excentricidade.
 
Fonte: Wikipedia
 Figura 48. Membros de Mir iskusstva, de Boris Kustodiev (1916-1920).
No campo das artes plásticas, as correntes russas da pintura de vanguarda, opondo-se a seus
predecessores realista-positivistas (os assim chamados artistas “ambulantes”, em russo,
peredvíjniki) e contrárias também aos simbolistas, considerados apocalípticos e místicos, vão
encontrar em sua pesquisa formal uma inspiração criativa em perfeita sintonia com os aspectos
da nova civilização urbana. A derrocada do velho mundo, com o final da Primeira Guerra Mundial,
reclama ao artista outras soluções e uma nova visão do real.
As vanguardas russas abrigavam diferentes correntes, que iam desde o nadismo ou niilismo até
o futurismo, o expressionismo e o cubismo. Uma de suas mais importantes manifestações se deu
com o surgimento do movimento cubo-futurista, que articulava as propostas do futurismo italiano
às do cubismo francês. Dentre seus princípios estéticos fundamentais, destacam-se a pesquisa
formal.
Exemplo recente da apresentação da produção artística desse período foi a exposição realizada
pelo Museu Reina Sofia, em Madri, no ano de 2018. Sob o título de Dadá Russo, a mostra foi
dedicada à apresentação de obras desde seus primeiros artistas e experimentos até os diálogos
e as influências possíveis na arte da contemporaneidade, como nas obras da artista americana
Dorothea Tanning. Dentre os bons resultados de pesquisa para a mostra, vemos a apresentação
das obras Escondidas, como as pinturas de Ivan Kudriashov, de 1919, Retrato de mulher e
Composição não objetiva (figuras 49 e 50).
 
Fonte: The Charnel-House.org
 Figura 49. Composição não objetiva e Figura 50. Retrato de mulher, ambas de Ivan
Kudriashov, de 1919
Em paralelo à pintura, as artes gráficastambém assumem uma posição de destaque após a
Revolução de 1917. Os cartazes ornavam a cidade, celebrando festividades políticas, como o
aniversário de Revolução de Outubro, e propagando o ideário da nova realidade advinda da
instauração do socialismo. O esmero da produção gráfica, repleta de inventividade estética no
uso de cores e formas geométricas, transformava os panfletos políticos em peças artísticas de
grande valor.
No cinema, surgem diretores e obras-primas que marcariam a história do cinema mundial. Dentre
os grandes cineastas soviéticos, destacam-se os nomes de Dziga Vertov (1896-1954), Vsevolod
Pudovkin (1893-1953) e Serguei Eisenstein (1898-1948). Todos eles desenvolveram ideias
importantes sobre a montagem.
Desenhista de talento e grande conhecedor de pintura, Eisenstein dava grande atenção à
composição das imagens. Em O Encouraçado Potemkin (1905), ele narra a história de um
levante de marinheiros no ano de 1905. Por meio de montagens que criavam efeitos emocionais
e de sentido, ele descreve as causas que provocaram a rebelião, assim como os antagonismos
de classe entre os marujos e seus oficiais. A sequência do fuzilamento na escadaria de Odessa
tornou-se um clássico do cinema, alternando planos e tomadas da multidão sucumbindo aos tiros
das autoridades e da reação das pessoas diante da injusta ação repressiva.
No final da década de 1920, com a ascensão de Josef Stalin (1878-1953) ao poder e o
endurecimento do regime, as vanguardas foram combatidas e finalmente sufocadas pela
perseguição política. Ocorre um gradativo esvaziamento dos ideais revolucionários em todos os
setores da vida russa. O rico período de experimentalismo nas artes se dissolve junto com as
utopias das vanguardas, que passaram a ser criticadas, então, como correntes de orientação
estética burguesa. O realismo socialista, representado de maneira emblemática nas pinturas de
Alexander Gerasimov e Isaak Brodsky, nas quais Stalin se torna o centro ao redor do qual gira a
vida política na União Soviética, encerra a produtividade inventiva das duas primeiras décadas do
século passado naquele país.
VERIFICANDO O APRENDIZADO
1. A ASCENSÃO DOS REGIMES TOTALITÁRIOS NA ALEMANHA E RÚSSIA
PROVOCOU UMA MUDANÇA RADICAL NA DIREÇÃO DAS TENDÊNCIAS
ARTÍSTICAS CORRENTES NA EUROPA DO INÍCIO DO SÉCULO XX. COM
ESSAS MUDANÇAS POLÍTICAS, A EFERVESCÊNCIA E A
EXPERIMENTAÇÃO ARTÍSTICA DESSES PAÍSES FORAM SUPRIMIDAS:
A) Pela produção em torno da temática religiosa de tradição judaico-cristã.
B) Pela produção artística industrial de fácil reprodução.
C) Pelo nacionalismo e pela revalorização da arte gótica.
D) Pela política cultural de Estado.
2. A BAUHAUS, ESCOLA DE ARQUITETURA FUNDADA NA ALEMANHA, EM
1919, POR WALTER GROPIUS, TORNOU-SE O CENTRO DA PRODUÇÃO
DO MODERNO DESENHO INDUSTRIAL, ADAPTANDO A FORMA DOS
OBJETOS ÀS NOVAS TÉCNICAS DE PRODUÇÃO. FOI FECHADA PELOS
NAZISTAS EM 1933, QUANDO SEUS PROFESSORES COMEÇARAM A SE
ESPALHAR PELO MUNDO, DIVULGANDO OS PRECEITOS ALI
ELABORADOS. SOBRE A BAUHAUS, NÃO PODEMOS AFIRMAR QUE:
A) Buscava a funcionalidade em detrimento da estética.
B) Foi influenciada pelo construtivismo russo.
C) Buscava a junção da arte e do artesanato.
D) Precursora do modernismo.
GABARITO
1. A ascensão dos regimes totalitários na Alemanha e Rússia provocou uma mudança
radical na direção das tendências artísticas correntes na Europa do início do século XX.
Com essas mudanças políticas, a efervescência e a experimentação artística desses
países foram suprimidas:
A alternativa "D " está correta.
 
A ascensão dos regimes totalitários manifestou-se na Alemanha e Rússia através das políticas
culturais de Estado, que buscavam, a partir da centralização e da prescrição das linguagens
artísticas, contribuir com a propaganda desses regimes. Na Alemanha, essa política caracterizou-
se pela revalorização dos estilos acadêmico, neoclássico e romântico. Na Rússia, o realismo
socialista foi o estilo artístico adotado pela propaganda totalitária e traduziu-se na produção de
obras em torno da política stalinista.
2. A Bauhaus, escola de arquitetura fundada na Alemanha, em 1919, por Walter Gropius,
tornou-se o centro da produção do moderno desenho industrial, adaptando a forma dos
objetos às novas técnicas de produção. Foi fechada pelos nazistas em 1933, quando
seus professores começaram a se espalhar pelo mundo, divulgando os preceitos ali
elaborados. Sobre a Bauhaus, não podemos afirmar que:
A alternativa "A " está correta.
 
A Bauhaus é considerada precursora do modernismo. Foi influenciada pelo construtivismo russo
e buscava a junção da arte e do artesanato para a produção de designs industriais que fossem
funcionais e, ao mesmo tempo, esteticamente chamativos.
CONCLUSÃO
CONSIDERAÇÕES FINAIS
Como vimos, a Revolução Industrial foi um ponto importante e de impulso para inúmeras
transformações vistas no campo artístico-cultural. Ela, sem dúvida, foi a grande responsável pela
arte da vanguarda; já havia uma tomada de consciência da sociedade e o desenvolvimento
tecnológico a favor da construção de narrativas visuais estritamente ligadas a essa nova
realidade.
Sob os efeitos e impactos da Primeira Guerra Mundial, diversos artistas – ainda jovens –
empenharam-se nas batalhas, mas, pouco tempo depois, viram-se em situações de tristeza, dor
e profunda clareza da cruel situação que se impunha com as batalhas. A arte desse período será
um triste retrato da realidade da guerra.
Com o sentimento de derrota e desejo de reconstrução de uma nação forte, vimos a ascensão de
regimes totalitários na Alemanha, como o nazista, e, tristemente, a perseguição a todos os
mecanismos de liberdade de expressão, como o caso das artes visuais. Por isso, a arte moderna
e seus artistas foram perseguidos e considerados produtores de uma arte degenerada.
AVALIAÇÃO DO TEMA:
REFERÊNCIAS
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EXPLORE+
O Livro da Arte, publicado pela editora Martins Fontes, em 1999, é uma importante fonte de
informação sobre a biografia de pintores e ilustração das obras.
A obra de Alberto Manguel, publicada pela editora Companhia das Letras, em 2001, sob o
título Lendo Imagens. Uma história de amor e ódio, é uma boa referência para
compreensão de pinturas a partir das abordagens: ausência, enigma, testemunho,
compreensão, pesadelo,