Unidade 2 Linguagem Pictorica

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LINGUAGENS PICTÓRICASLINGUAGENS PICTÓRICAS
LUZ E SOMBRA COMOLUZ E SOMBRA COMO
ELEMENTOS DAELEMENTOS DA
PINTURAPINTURA
Autor: Drª . Katia Maria de Souza
Revisor: Luc iara Bruno
INICIAR
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introdução
Introdução
Nesta unidade, iremos tratar dos efeitos que ajudam a construir   uma
pintura, mas antes, será preciso entender como os artistas construíram, ou
melhor desenvolveram estes efeitos ao longo da história.
É importante também compreender que todo o desenvolvimento da pintura
se deve à luta da classe artística por reconhecimento de que detinham um
saber especí�co que era fruto de muito estudo e treinamento.   Este
reconhecimento ajudou no sentido de uma busca por temáticas que lhes
interessavam, fazendo com que avançassem nas pesquisas por novas formas
de representar e consequentemente no domínio de técnicas e materiais que
lhes permitiram criar uma gestualidade singular no campo das artes.
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A pintura foi por muitos séculos vista como um mero ofício para atender a
uma demanda  pré-de�nida pelo cliente.
Somente a partir do Renascimento, lá por volta de 1300 é que os artistas
começaram a imprimir um caráter pessoal à obra de arte e, mesmo que
ainda atendessem às encomendas de clientes e instituições, eles
conseguiram fazer com que seu trabalho fosse reconhecido como arte e ele
como um artista e não um mero artesão.
A contribuição para o reconhecimento da pintura como arte se deve ao
desenvolvimento de técnicas, estudos e materiais. A descoberta de novos
materiais e técnicas �zeram com que os artistas se estabelecessem em
sociedade como pro�ssionais e mostrassem a genialidade de cada um e isso
se deve ao interesse pela observação e estudo.
Segundo Gombrich (2012), já no século XIII, ou seja, por volta de 1250, no
período que chamamos de Gótico, os mestres daquela época iniciaram os
estudos para uma nova forma de representar, que apesar de ainda obedecer
aos cânones da época mostravam o domínio da representação humana.
Luz e Sombra –Luz e Sombra –
História e FunçãoHistória e Função
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No século XIII os artistas abandonaram ocasionalmente seus livros
de modelos a �m de representarem algo que lhes interessava
pessoalmente. É difícil, hoje, imaginar o que isso signi�cou.
Pensamos geralmente o artista como uma pessoa munida de um
livro de esboços, a qual, sempre que se sente inclinada a isso,
prepara-se e faz um desenho baseado no que vê na vida real.
Sabemos, entretanto, que o treinamento e a formação do artista
medieval era muito diferente. Começava por ser aprendiz de um
mestre, a quem ajudava seguindo instruções e preenchendo partes
relativamente secundárias de uma pintura. Aprendia gradualmente
à representar um apóstolo e como desenhar a Santa Virgem.
Aprendia a copiar e reagrupar cenas de velhos livros, e a ajustá-las
a diferentes contextos; �nalmente, adquiria su�ciente desenvoltura
para poder até ilustrar uma cena para a qual não conhecia
nenhum modelo. Mas, em sua carreira, jamais se defrontaria com
a necessidade de apanhar um livro de esboços e desenhar algo a
partir da vida real. Mesmo quando solicitado a representar
determinada pessoa, o rei ou um bispo, ele não havia retratos, tal
como entendemos hoje. Tudo o que os artistas faziam era
desenhar uma �gura convencional e dar-lhe as insígnias do cargo -
coroa e cetro para rei, mitra e báculo para o bispo - e talvez
escrever por baixo o nome da personalidade representada, para
que não houvesse mal-entendido (GOMBRICH, 2012, p.146).
A pintura do início do século XIV passou a buscar um espaço pictórico que
representasse a ilusão, ainda sem dominar totalmente a perspectiva, os
artistas souberam trabalhar o plano pictórico no sentido da profundidade,
como na pintura de Duccio, Cristo entrando em Jerusalém (1308-11), e assim
criar um espaço em profundidade que, com o acréscimo de elementos
arquitetônicos, �ca evidente. A ilusão de profundidade é ainda reforçada pela
distribuição das �guras a partir do primeiro plano no espaço pictórico,
recurso este comum no ilusionismo helenístico-romano.
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Mas foi com Giotto que a pintura ganhou formas e volumes, sua composição
traz as �guras para próximo do observador, como se �zessem parte ou
compartilhassem o espaço real, ele passou a usar de efeitos pictóricos que
simulavam luz e sombra, reforçando e criando impressão de realidade nas
vestes. Ainda que a luz e a sombra não sejam usadas em sua máxima
potência, com Giotto elas contribuíram bastante para efeitos reais e quase
escultóricos das �guras.
Figura 2.1 - Duccio. “Cristo entrado em Jerusalém”,” 1308-11. Painel. 1,03 x
0,53 m. Museu da Catedral, Siena, Itália
Fonte: Duccio di Buoninsegna /  Wikimedia commons.
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Figura 2.2 - Giotto. Entrada de cristo em Jerusalém,1305-6. Afresco. 200 x 185
cm. Capela de Arena, Pádua, Itália
Fonte: Giotto di Bondone / Wikimedia commons.
Deste modo, a luz e a sombra passaram a ser elementos importantes para a
construção pictórica que �cou ainda mais evidente com o desenvolvimento
da perspectiva geométrica.
Durante todo esse período, que compreende o �m do Gótico e início do
Renascimento, foi um momento de grandes avanços nas técnicas e
percepções do modo de pintar dos painéis, afrescos e até da pintura em tela.
  Vimos uma gama de soluções e uma busca por uma nova forma de
representação na qual o domínio e o controle das massas pictóricas foram
fundamentais.
A luz e a sombra provocam impressões de volume e profundidade o que
contribui para que as imagens se tornem mais realistas e ao longo do século
XV, principalmente com o uso e o domínio da pintura à óleo, técnica
empregada pela primeira vez pelos artistas �amengos, que se destacaram
pela aplicação sistemática de impactos coloridos feitos à base de óleo
quente e resina.
Esse material contribuiu para que os artistas pudessem então aplicar
manchas produzindo os efeitos de luz e sombra tão importantes para
conferir maior naturalismo as suas obras.
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praticar
Vamos Praticar
Comentamos nesta unidade que os artistas passaram por um longo processo de
desenvolvimento e reconhecimento do seu próprio trabalho uma vez que eles
atendiam a uma encomenda e eram vistos como simples artesãos. Essa condição
se deve ao fato de que toda e qualquer produção de arte implica em algum tipo de
resíduo que se espalha tanto pelo ambiente, quanto nas mãos e vestes do artista.
Todo este resíduo deixava o artista com aspecto de um trabalhador simplesmente
braçal, sem considerar que por trás daquela “sujeira” havia uma re�exão, um
pensamento, um espírito criador e é isso que diferencia um artesão de um artista.
Em que momento eles ganharam reconhecimento como artistas?
a) Na Idade Média.
b) No Gótico.
c) No Renascimento.
d) No Barroco.
e) No Impressionismo.
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O naturalismo é uma característica da pintura que se manifestano
Renascimento e busca imprimir na tela uma aparência de �delidade ao
mundo real.
Importante entender que o termo “naturalismo” aqui será tratado como uma
forma de pintar e não como um movimento ou “estilo” artístico. Essa forma
naturalista já vinha se manifestando no �nal do Gótico, especialmente nas
esculturas que ornam as catedrais góticas, sobre a �gura reproduzida a
seguir, Gombrich comenta:
O nosso artista mostra-se orgulhoso, de fato, da sua habilidade em
dominar essa técnica. O modo como os pés e as mãos da Virgem e
a mão do Cristo transparecem sob o tecido mostra-nos que esses
escultores góticos já não estavam apenas interessados no que
tinham que representar, mas também nos problemas de como
representá-lo. Uma vez mais, tal como no tempo do grande
despertar na Grécia, começaram a observar a natureza, não tanto
para copiá-la quanto, sobretudo, para aprender com ela como
Naturalismo daNaturalismo da
ArteArte
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fazer uma �gura adquirir um aspecto convincente (GOMBRICH,
2012, p. 144).
Figura 2.3 - A morte da Virgem. “Circa 1230”, “Pórtico do transepto sul da
catedral de Estrasburgo”
Fonte: Gombrich (2013, p.144).
Sendo assim, este olhar para a natureza ou sobre o que é natural foi um
caminho buscado pelos artistas desde o século XIII, e mesmo que no
Renascimento ainda houvesse uma grande idealização da forma, o
“naturalismo” é uma forma de representação que foi sendo retomada ao
longo da história, sempre que se desejou um representação que primasse
pela �delidade ao mundo real.
A Perspectiva e o Espaço
A introdução da perspectiva geométrica ajudou a criar a ilusão de espaço
real, assim como o perfeito emprego da luz e sombra ajudaram a criar
texturas, brilho e volume. A incidência da luz numa pintura provoca um
naturalismo tão verdadeiro que, muitas vezes, temos a intenção de passar a
mão nos tecidos para sentir a sua textura.
As pinturas de Jan Van Eyck, artista �amengo do século XV, nos levam a
acreditar que os tecidos são reais. Uma  das pinturas na qual ele une a ilusão
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perspectiva do espaço com o uso de luz e sombra para criar as texturas e
volumes é o quadro O Casal Arnol�ni , pintado em 1434.
Nesta pintura de retrato, Van Eyck apresenta um comerciante abastado com
sua esposa em uma postura quase fotográ�ca, que foi capturada naquele
instante. Os detalhes, luzes e texturas são tão impactantes que até os dias de
hoje ele chama a atenção pelo apuro e cuidado com o naturalismo.
Essa forma aparece na construção perfeita do espaço em perspectiva e das
�guras ricamente vestidas, muito provavelmente para contrair matrimônio.
Os símbolos que representam esse momento foram cuidadosamente
inseridos, como o cão aos pés do casal, representa a �delidade conjugal. O
artista escreveu “Jan Van Eyck esteve presente” acima do espelho o que
passou a ser entendido como testemunho da união o próprio espelho, que
re�ete o casal de costas e onde podemos perceber uma mancha que seria o
próprio pintor de frente ao casal e por �m uma única vela acessa no
candelabro sinaliza a presença divina. Todos estes recursos além de
demonstrar a genialidade de Jan Van Eyck, só foram possíveis devido ao
pleno domínio do uso da luz e sombra.
Figura 2.4 - Jan van Eyck. O casal Arnol�ni, 1434. “Óleo sobre madeira. 81,8 x
59,7 cm”. National Gallery. Londres, Inglaterra
Fonte: Jan Van Eyck / Wikimedia commons.
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O Naturalismo na Natureza-Morta e
Paisagem
Este naturalismo, presente nas obras do início da renascença, fez com que
nos anos seguintes a pintura de paisagem e de natureza-morta viessem a se
expandir. A natureza morta era vista como um tipo inferior de pintura,
porém, ela foi o tipo de   composição na arte que muitos artistas buscaram
experimentar o lugar em que poderiam estudar os efeitos das manchas, a
inserção da luz e os brilhos da luz.
O interesse pelas composições de natureza-morta ou de paisagem
demonstram a vontade do artista numa época em que eles estavam
começando a manifestar o seu próprio desejo de pintar temas de seu
interesse. Segundo Gombrich:
A natureza re�etida na arte reproduz sempre o próprio espírito do
artista, suas predileções, seus prazeres e, portanto, seu estado de
ânimo. É esse fato, sobretudo, que torna o mais “especializado”
ramo da pintura holandesa tão interessante: o ramo conhecido por
natureza-morta. Usualmente, essas naturezas-mortas exibem belos
vasos cheios de vinho e frutas apetitosas, ou outras iguarias
convidativamente dispostas em requintadas porcelanas. Tais
quadros se harmonizavam bem com uma sala de jantar e não
faltavam, por certo, os compradores. Contudo, são mais do que
meros lembretes dos prazeres à mesa. Os artistas podiam escolher
livremente, nessas naturezas-mortas, quaisquer objetos que lhes
aprouvessem pintar e dispô-los sobre uma mesa segundo a sua
fantasia. Assim, tornaram-se um estupendo campo de
experimentos para certos problemas especiais dos pintores
(GOMBRICH, 2012, p.  339).
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Nesta pintura, o artista demonstrou todo o seu virtuosismo ao tratar o fundo
sombreado composto por  manchas dispostas em torno de centro iluminado
em contraste com o tecido alvo e fortemente iluminado que acolhe os
elementos da composição.
O mesmo podemos perceber nas pinturas de paisagem, especialmente dos
artistas holandeses, que se apropriaram desse tipo de representação para
trabalhar temas que vão dos estudos que exploram a emoção em
composições que unem ruínas medievais e um atmosfera tensa a
composições que, ao contrário dos temas melancólicos, trabalham os
estudos de luz, como os impressionistas.
Figura 2.5 - “Willem Heda”,“Natureza morta com taça dourada.” 1640,  “Óleo
sobre painel. 88 x 113 cm.” Museu Rijk, Amsterdam
Fonte: Willem Heda / Wikimedia commons.
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Figura 2.6 - “Jacob van Ruisdael, O cemitério”, 1655, “ óleo sobre tela, 142,2 x
189,2 cm”,  Instituto de Artes de Detroit
Fonte: Jacob van Ruisdael / Wikimedia commons.
Observe os efeitos das manchas que criam as nuvens e as ruínas
arquitetônicas reforçando o tom melancólico do quadro. As manchas são
portanto efeitos fundamentais para a composição artística.
praticar
Vamos Praticar
Leia o trecho a seguir.
“O Naturalismo é a representação do mundo com o mínimo de abstração ou de
distorção estilística. É caracterizado por efeitos convincentes e pela evocação de
sentimentos e humores. Voltou a surgir como tendência dominante e fulcral nas
artes ocidentais durante a renascença”.
LITTLE, Stephen. Ismos - entender a arte. Lisboa: Lisma, 2006. p. 36.
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A partir do que foi estudado neste tópico, especialmente em relação à “Natureza
Morta”, crie uma composição com objetos, frutas, legumes, doces, o que tiver
disponível. Procure posicionar a composição em uma mesa ou cadeira, qualquer
apoio de forma que �que perpendicular a uma entrada de luz, preferencialmente
uma janela por onde entre luz natural. Fotografe a sua composição e depois
trans�ra a imagem para um software tipo powerpoint. Em seguida, assinale os
efeitos que a luz natural provocou na composição e depois salve como imagem,
extensão jpg.
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O emprego das manchas na pintura é uma solução de grande criatividade e
que permite ao artista expressar desde emoções até demonstrar a sua
presteza e domínio de uma determinada técnica. A força da expressão
pictórica é dada pelos contrastes entre luz e sombra numa gestualidade que
identi�ca o trabalho de cada artista.
Essa expressão pode ser conferida em trabalhos dos artistas do período
Barroco, momento da História da Arte em que as emoções eram re�etidas na
pintura.
Tomemos Caravaggio como exemplo, pintor italiano que viveu entre 1571 e
1610, ele é considerado um dos primeiros pintores que leva o naturalismo ao
extremo, pois não camu�a ou esconde o feio, para ele as coisas devem ser
apresentadas como são. Sua pintura é caracterizada pela utilização original
Manchas -Manchas -
Gestualidade eGestualidade e
Tonalidade, Teoria eTonalidade, Teoria e
PráticaPrática
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da luz, com ele a luz não é um simples re�exo da luz solar, Caravaggio cria a
luz e a emprega para captar e conduzir o olhar do observador.
Figura 2.7 - Caravaggio. “A vocação de São Mateus”,  1596-98, “Óleo sobre
tela, 322 x 340 cm”, Capela Contarelli - Roma
Fonte: Caravaggio /  Wikimedia commons.
Nesta obra, a luz que ilumina a cena não vem da janela, é na verdade um
feixe de luz que vem da direita e conduz o nosso olhar até a �gura de São
Mateus e faz com que retornamos o olhar até alcançar a mão do Cristo que
aponta para Mateus nos prendendo neste jogo de vai e vem de luz e sombra.
Uma outra obra em que o naturalismo de Caravaggio é pulsante, com
destaque para o seu gesto criativo, é Tomé O Incrédulo , sobre esta obra
Gombrich fala:
O “naturalismo” de Caravaggio, ou seja, a sua intenção de copiar
�elmente a natureza, quer a considerasse feia ou bela, talvez fosse
mais devoto do que a ênfase de Carracci sobre a beleza.
Caravaggio deve ter lido repetidamente a Bíblia e meditado sobre
suas palavras. Foi um dos grandes artistas, como Giotto e Dürer
antes dele, que quis ver os eventos sagrados com os próprios
olhos, como se estivessem acontecendo na casa do vizinho. E fez
todo possível para que as �guras dos textos antigos parecessem
muito reais e tangíveis. Até a sua maneira de tratar a luz e a
sombra reforçava essa �nalidade. A luz não faz o corpo parecer
gracioso e macio; é áspera e quase ofuscante no contraste com as
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sombras profundas. Faz toda a estranha cena destacar-se com a
honestidade intransigente que poucos de seus contemporâneos
souberam apreciar, mas que iria ter um efeito decisivo sobre
artistas subsequentes (GOMBRICH, 2012, p. 307).
A gestualidade se manifesta na tela; essa é uma característica do próprio
artista, ao longo da história, observamos isso em trabalhos de artistas como
Velásquez, Rubens e nos chamados impressionistas, pós-impressionistas e
expressionistas. Nestes dois últimos, a força gestual agora não se faz apenas
pelos contrastes de luz e sombra, mas também pelos efeitos dos emplastos
de tinta, pela força da pincelada, na qual muitas vezes podemos perceber a
mão do artista no exato momento em que aplicou a tinta.
Figura 2.8 - “Van Gogh”, “Noite estrelada”, 1889, “Óleo sobre tela, 73 x 92 cm”,
MOMA, Nova York
Fonte: Van Gogh / Wikimedia commons.
As pinturas de Van Gogh mostram a sua força gestual, ele aplicava a tinta
direto do tudo na tela, formando camadas grossas que são claramente
visíveis. Pintava muito rapidamente chegando a concluir um quadro em um
único dia. Seu contato com as obras dos artistas parisienses do �nal do
século XIX fez com ele buscasse um caminho próprio, segundo Jason:
Paris tinha aberto seus olhos para a beleza sensual do mundo
visível e ensinara-lhe a linguagem pictórica da mancha de cor, mas
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pintar continuou sendo um receptáculo de suas emoções pessoais.
[...] O dinamismo que existe em cada pincelada transforma cada
uma delas não apenas em um sedimento de cor, mas em um
incisivo movimento grá�co (JANSON, 2009, p. 345-346).
Toda essa expressividade se dá também pelo emprego da tinta à óleo, que
permite uma variedade signi�cativa de resultados, que vão desde a gama de
cores a espessura da tinta. Na tinta à óleo, as cores se diluem criando uma
transparência em que os esmaltes podem ser aplicados de forma a aumentar
a profundidade de uma imagem conferindo a ela ricos detalhes.
O domínio dos materiais pelo artista aliado a sua técnica foi a grande
contribuição que os mestres do renascimento legaram às gerações futuras e
que também foram exploradas pelos artistas do �nal do século XIX, como o
caso do pastel seco nos desenhos de Degas que iremos tratar no tópico
seguinte.
saibamais
Saiba mais
A força gestual muitas vezes é percebida na
própria obra de arte, de tal forma que
praticamente nos sentimos no exato
momento em que o artista produziu aquela
peça. Essa força gestual �ca perceptível nas
pinceladas de artistas como Vincent Van
Gogh. Visite o endereço abaixo. Ali podemos
observar os emplastros impressos nas telas
e até o craquelê provocado pelo excesso de
tinta.
ACESSAR
https://artsandculture.google.com/asset/the-starry-night/bgEuwDxel93-Pg?hl=pt-BR
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praticar
Vamos Praticar
Gestualidade é um termo muito empregado do campo das artes, e neste caso não
apenas as artes visuais, mas também nas artes cênicas ou qualquer outro tipo de
expressão que indique uma ação no sentido de manifestar uma emoção e/ou uma
assinatura pessoal. A gestualidade é algo explorado por alguns artistas,
constituindo inclusive uma característica própria e que pode se manifestar de
diferentes formas na obra de arte.
Assinale a alternativa que apresenta a principal característica gestual na obra de
Van Gogh após sua passagem por Paris.
a) O uso de claro e escuro.
b) O uso de luz e sombra.
c) O uso de pintura extremamente naturalista.
d) O uso de tinta a óleo aplicada em emplastos.
e) O uso de um plano pictórico geométrico.
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O pastel, originalmente, é um material feito de pó de pigmentos naturais
misturados a água e substâncias aglutinantes tais como a cola ou a goma
arábica. O suporte ideal para o pastel é um tipo de papel grosso que garanta
uma boa conservação, uma vez que em um papel com uma gramatura maior
o pó do giz penetra com mais facilidade. No entanto, por ser um material
constituído basicamente de um pó pigmentado, é necessário aplicar algum
�xador evitando que o desenho se apague.
Os pastéis devem ser aplicados sobre o suporte com uma leve pressão da
mão e o seu sombreamento pode ser feito com a ponta dos dedos ou com
uma ferramenta chamada esfuminho. As cores podem ser sobrepostas ou
aplicadas uma ao lado da outra e depois são espalhadas com pequenos
golpes com os dedos ou com o esfuminho. Ainda é possível usar um diluente
para espalhar o pó, mas os efeitos do pastel seco funcionam melhor com os
esfuminhos.
No domínio do pastel, Edgar Degas é um nome importante. As bailarinas que
observava e pintava em séries, são exemplares do uso do pastel seco e dos
O Pastel Seco -O Pastel Seco -
Técnicas e EfeitosTécnicas e Efeitos
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efeitos que as manchas de cor podem fazer para criar o espaço pictórico.
Ele absorveutodos os ensinamentos dos mestres do passado e criou a sua
própria linguagem, tanto pela temático, como pelo uso perfeito do material,
criando os volumes necessários para as suas obras.
Para Degas, importava o jogo de luz e sombra sobre os corpos das bailarinas
em seus movimentos de dança e esta foi a sua pesquisa estética. O pastel
funcionava muito bem para uma construção pictórica que pretendia captar
um momento rápido, um movimento de dança, um jogo de corpo.
A cor é a grande motivação para se optar pelo uso do pastel, com ele é
possível criar sutilezas pictóricas em que a luz acentua os efeitos cromáticos
sobre o suporte criando uma perfeita composição.
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Podemos observar na �gura abaixo como Edgar Degas empregou o pastel
criando manchas que nos dão a impressão de profundidade. Ele alterna as
cores claras e escuras acentuando a ilusão e trabalha a �gura em primeiro
plano com traços precisos e manchas de fundo que enfatizam o movimento
da bailarina. Percebemos aqui como o talento e o domínio da técnica pelo
artista faz uma obra de arte.
ref lita
Re�ita
“O Pastel, uma técnica intermediária
entre desenho e pintura, é um
material totalmente artesanal.
Os tons frios, mas delicados, do pastel
combinam bem com o gracioso e
elegante estilo rococó e foram usados
especialmente em retratos.” Foi este
mesmo material o preferido por
Edgar Degas no �nal do século XIX
para pintar as suas bailarinas. Por
que será?
Fonte: Fuga (2006, p. 39).
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O interessante na produção destes artistas, especialmente os do �nal do
século XIX, é como eles lançam mão das manchas para criar os efeitos
desejados. Este tipo de arte não foi feito para olhar de perto, é a distância
que faz com os nossos olhos percebam a sutileza e a criatividade destes
artistas.
praticar
Vamos Praticar
O pastel seco é uma das ferramentas empregadas pelos artistas para criar suas
representações, especialmente quando necessitam ter um material que seja fácil
de transportar. O Pastel na maioria das vezes pode ser acondicionado em
pequenas caixas o que permite seu transporte, isso ajuda neste processo de
representação para artistas que buscam trabalhar ou representar um momento ou
Figura 2.9 - Edgar Degas, “Ballet - l'étoile”,1878, “Pastel seco sobre papel, 58 x
42 cm”, Museu D’Orsay, Paris
Fonte: Edgar Degas / Wikimedia commons.
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um instante como costumava fazer Edgar Degas e assim trabalhar os efeitos que
desejavam. O uso do pastel seco por artistas como Edgar Degas se deve ao fato de
que o pastel permite alguns efeitos.
Assinale a alternativa que indica o efeito usado por Edgar Degas.
a) Explorar a mancha de cor
b) Explorar a linha.
c) Explorar a temática.
d) Explorar o suporte.
e) Explorar o diluente.
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indicações
Material
Complementar
F I LME
No Portal da Eternidade
Ano : 2019
Comentário : O �lme No Portal da Eternidade é a
produção mais recente sobre a vida de Vincent Van
Gogh, mostra a sua trajetória e principalmente a
genialidade e a angústia contida no artista. Como
vimos nos exemplos dados na unidade, Vincent Van
Gogh foi um artista que explorou os materiais usados
na pintura para expressar suas emoções, sendo estas
mesmas emoções a principal ferramenta empregada
pelo artista.
Para conhecer mais sobre o �lme, acesse o trailer a
seguir.
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TRAILER
L I VRO
Manual de Técnicas de Pintura
Editora : Martins Fontes
Hazel Harrison e Elizabeth Tate
ISBN : 9788578277376
Comentário : Como o próprio título já informa, o livro
é um manual que apresenta de forma bem ilustrativa
as principais técnicas de pintura de tinta à óleo,
passando pelo pastel e aquarela. É uma boa fonte de
informação para quem deseja desenvolver, ou se
dedicar a uma das técnicas apresentadas no livro.
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conclusão
Conclusão
Nesta unidade, estudamos como os artistas ao longo da história
desenvolveram suas próprias habilidades para produzir uma arte com
características pessoais.
O domínio dos artistas sobre os materiais aliado a sua técnica foi a grande
contribuição que os mestres do renascimento legaram às gerações futuras.
Essas, por sua vez, buscaram novas formas de representar, para marcar a
sua própria  identidade.
Do estudo da perspectiva ao emprego do gesto que marca a tela, a
construção de uma identidade pictórica foi fundamental.
referências
Referências
Bibliográ�cas
FUGA, A. Artist ’s techniques and materials . Los Angeles: Getty
Publications, 2006.
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GOMBRICH, E. H. A história da arte . Tradução de Cristiana de Assis Serra.
Rio de Janeiro: LTC, 2013.
JANSON. H. W. Iniciação à história da arte . São Paulo: Martins Fontes,
2009.
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