Livro História da Arte

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HISTÓRIA
DA ARTE
Priscila Farfan Barroso
Catalogação na publicação: Karin Lorien Menoncin CRB-10/2147
B277h Barroso, Priscila Farfan.
 História da Arte / Priscila Farfan Barroso, Hudson de
 Souza Nogueira ; [revisão técnica: Max Elisandro dos Santos 
 Ribeiro]. – Porto Alegre: SAGAH, 2018.
 221 p. ; il. ; 22,5 cm.
 ISBN 978-85-9502-297-3
 1. Arte – História. I. Nogueira, Hudson de Souza.
 II. Título.
CDU 7
Revisão técnica:
Max Elisandro dos Santos Ribeiro
Licenciatura Plena em História
Especialista em Gestão e Tutoria EaD
Mestre em Educação
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Arte Moderna: 
principais tendências
Objetivos de aprendizagem
Ao final deste texto, você deve apresentar os seguintes aprendizados:
 � Compreender as principais ideias da Arte Moderna. 
 � Apontar as tendências da Arte Moderna envolvendo o estilo. 
 � Identificar as tendências da Arte Moderna relacionadas à questão da 
mente e da função.
Introdução
A Arte Moderna surgiu no final do século XIX e início do século XX, 
percorrendo tanto a Europa quanto os países da América, incluindo o 
próprio Brasil. 
Neste texto, você vai conhecer os vários movimentos artísticos da Arte 
Moderna que surgiram em decorrência de acontecimentos na história 
mundial. Também vai identificar as tendências desse estilo de arte.
Arte Moderna e suas ideias
A Arte Moderna surgiu no final do século XIX e início do século XX. Essa 
denominação é dada ao conjunto de expressões artísticas que envolve a ar-
quitetura, a pintura, a escultura e a literatura desta época. Inicialmente, a 
Arte Moderna nasceu na Europa, mas durante a primeira Guerra Mundial 
foi introduzida na América. Isso ocorreu porque muitos artistas, moradores 
de Paris, se mudaram para fugir da guerra. Alguns deles foram para Nova 
York, como Francis-Marie Martinez Picabia (1879-1953), um reconhecido 
desenhista e pintor francês da primeira metade do século XX. Observe uma 
obra de Picabia na Figura 1.
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Figura 1. Idílio, de Francis Picabia.
Fonte: Aegis Education (c2018). 
A modernidade foi um período de transformações caóticas e vertigino-
sas que ficou marcado pela sensação de fragmentação da realidade. Os ar-
tistas modernistas acreditavam que as formas tradicionais de arte estavam 
ultrapassadas, e que deveriam criar uma nova cultura para transformar as 
características sociais e culturais já estabelecidas, substituindo-as por novas 
visões e formas. Com essa nova concepção da modernidade cultural, a ideia 
de destruição criativa passa a ser essencial na modernidade. Assim, os artistas 
seriam os responsáveis por representar e definir a essência da humanidade, 
como explicar Argan (1987, p. 49):
“Arte Moderna” não significa arte contemporânea, ou então arte do nosso 
século ou dos nossos dias. Há um período, ao qual atualmente nos referimos 
como o das “fontes do século XX”, em que se pensou que a arte, para ser 
arte, deveria ser moderna, ou seja, refletir as características e as exigências 
de uma cultura conscientemente preocupada com o próprio progresso, de-
sejosa de afastar-se de todas as tradições, voltada para a superação contínua 
de suas próprias conquistas. A arte deste período é também conhecida como 
“modernista” – programaticamente moderna e, portanto, consciente da ne-
cessidade de desenvolver-se em novas direções, com frequência contraditória 
em relação às anteriores.
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A Arte Moderna sofreu influência de vários acontecimentos que ocorreram 
nesse período, como a Revolução Industrial, as máquinas a vapor, a fotografia, 
o cinema, o avião, o estudo da mente humana, o uso da energia nuclear, a con-
quista do espaço, o uso crescente da computação e dos satélites (que colocam 
a comunicação em tempo real as mais distantes partes do mundo) e outros 
elementos que contribuíram para as mudanças nos movimentos artísticos. 
Como resultado, surgiram três correntes artísticas: 
1. Estilo: em que se desejava romper com as regras e propor um novo 
estilo para se expressar, sendo esses movimentos: Fauvismo, Futurismo, 
Cubismo, Escola de Paris, Neoplasticismo, entre outros. 
2. Mente: que buscava o sensível e a emoção na representação artística, 
como os movimentos: Simbolismo, Expressionismo, Suprematismo, 
Dadaísmo, Surrealismo e outros.
3. Função: que tinha uma preocupação com a funcionalidade da arte e 
sua forma, como os movimentos: Arts & Crafts, Art Noveau, Construti-
vismo, Bauhaus, De Stijl, Arte Deco, Estilo internacional, entre outros.
No artigo “Modernismo e contexto político: a recepção da Arte Moderna no Correio 
da Manhã (1924-1937)”, o autor Rafael Cardoso (2015) analisa mais a fundo como a Arte 
Moderna foi recebida no Brasil. Para ler o artigo, acesse o link a seguir.
https://goo.gl/8TxLku
Tendências da Arte Moderna: correntes 
envolvendo estilo
O Fauvismo é um movimento artístico iniciado na França e que apareceu no 
começo do século XX. É conhecido pelo uso de cores fortes e puras a partir 
de obras que fugiam das regras da realidade. O nome desse movimento teve 
origem na expressão francesa criada pelo crítico de arte Louis Vauxcelles 
“les fauves”, que significava “os selvagens”, e se referia ao intenso e puro 
uso das cores pelos artistas em sua obra. Observe a obra de Henri Matisse 
na Figura 2.
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https://goo.gl/8TxLku
Figura 2. A Dança, de Henri Matisse.
Fonte: Ellen Artes (c2018).
O Fauvismo não era considerado um movimento organizado, pois não 
tinha um posicionamento político-social e nem um manifesto, mas, ainda 
assim, podemos delinear suas características a partir do conjunto de obras 
que as representam. São elas: o uso intenso das cores puras (não misturadas), 
com destaque para o vermelho, azul e amarelo; a falta de compromisso com a 
realidade; a liberdade da cor (uso das cores de forma subjetiva); a melancolia, 
a moralização e a tristeza representadas de maneira alegre e suave; as cores 
que transmitem positivas emoções; a arte sem intenções políticas ou críticas; 
e a criação sem manter relação com intelectos ou sentimentos.
Assim, Proença (2003, p. 153) explica sobre os princípios que regem o 
Fauvismo:
Dois princípios que regem esse movimento artístico: a simplificação das formas 
das figuras e o emprego das cores puras. Por isso as figuras fauvinistas são 
apenas sugeridas e não representadas realisticamente pelo pintor. Da mesma 
forma, as cores não são as da realidade. Elas resultam de uma escolha arbitraria 
do artista e são usadas puras, tal como estão no tubo da tinta. O pintor não as 
torna mais suaves nem cria gradação de tons.
Os artistas do Fauvismo apenas reproduziam a subjetividade das emoções 
em suas obras. Dentre as suas referências, temos as obras dos pintores franceses 
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André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Vincent van Gogh 
(1853-1890) e Henri-Émile-Benoît Matisse (1869-1954), e também as máscaras 
africanas, devido às características das cores quentes e fortes, entre outros.
O Futurismo foi um movimento artístico e literário iniciado em 1909. A 
publicação do Manifesto Futurista, do poeta italiano Felippo Marinetti, deu 
início a vanguarda futurista. Umberto Boccioni (1882-1916) foi um pintor e 
escultor italiano do movimento futurista, e é considerado um dos mais célebres 
futuristas italianos (veja um exemplo de suas obras na Figura 3). Em 1901, ele 
se transfere para Roma, juntamente com sua família, e realiza atividades de 
ilustrador e produtor de cartazes. 
Figura 3. Carga dos lanceiros, de Umberto Boccioni. 
Fonte: Wikipédia (2017).
As principais características do futurismo são: a desvalorização do mora-
lismo e da tradição; a valorização do desenvolvimento tecnológico e industrial; 
a defesa de umaligação entre o mundo moderno e as artes plásticas; o uso da 
propaganda como principal forma de comunicação; a utilização de onomato-
peias (palavras com sonoridade que imitam ruídos, vozes, sons de objetos); as 
poesias com uso de frases fragmentadas para passar a ideia de velocidade; as 
pinturas com uso de cores vivas e contrastantes; a sobreposição de imagens, 
traços e pequenas deformações para passar a ideia de movimento e dinamismo; 
e o uso da multiplicação de detalhes e linhas.
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O Cubismo é considerado o movimento artístico mais influente da Arte 
Moderna. Com suas formas geométricas, muitas vezes, representadas por 
cilindros e cubos, a arte cubista quebrou os padrões estéticos que buscavam 
a perfeição das formas em uma imagem realista da natureza. Essa nova forma 
de expressão pode ser vista por diferentes ângulos ao mesmo tempo.
Segundo Francastel (1970, p. 247):
[...] a primeira ação do Cubismo, por volta de 1907, foi uma especulação sobre 
as dimensões do espaço. Influenciados pelos vocábulos que circulavam à 
sua volta, os cubistas acreditaram estar fazendo obra científica positiva ao 
introduzir em suas telas uma quarta dimensão ou ao suprimirem a terceira.
As principais características do cubismo são: o tratamento geométrico das 
formas da natureza; as representações dos objetos em todos os seus ângulos 
no mesmo plano, constituindo uma figura de três dimensões; a predominância 
de linhas retas, modeladas basicamente por cilindros e cubos, conforme a 
geometrização das formas e volumes; a renúncia da perspectiva; o abandono 
da noção de profundidade; e o rompimento com as linhas de contorno, de modo 
que a natureza passa a ser retratada de forma simples. Observe um exemplo 
de obra cubista na Figura 4.
Figura 4. Les Demoiselles D’avignon, de Pablo Picasso.
Fonte: Toda Matéria (c2011-2018).
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Ainda, podemos dizer que o cubismo pode ser considerado como uma 
arte que privilegia o exercício mental no plano conceitual, como maneira de 
expressão das ideias. Os temas mais retratados são as naturezas mortas urba-
nas e os retratos. Os artistas que se destacam nesse movimento são o pintor 
espanhol Pablo Picasso (1881-1973), o artista Albert Gleizes (1881-1953), o 
pintor francês Georges Braque (1882-1963) e a pintora brasileira Tarsila do 
Amaral (1886-1973). 
Na literatura cubista, as qualidades que se destacam são: a elaboração 
formal do texto, o uso da impressão tipográfica e o destaque para os espaços 
em preto e branco. O francês Guillaume Apollinaire (1880-1918) foi o mais 
importante escritor da literatura cubista. Ele teve uma grande proximidade 
com Picasso, como explicita Veneroso (2006, p. 153):
As colagens de Picasso lembram os caligramas de Apollinaire, artista que, em 
seus experimentos gráficos, teve uma sensibilidade próxima à de Picasso. Ao 
mesmo tempo em que este experimentava o uso de letras e materiais diversos, 
estranho à pintura, Apollinaire fazia experiências com o texto visual. Em 
“L’esprit nouveau et les poètes”, publicado em 1918 no Mercure de France, 
Apollinaire observa que a poesia “deve ser como a página do jornal, da qual 
saltam simultaneamente aos olhos as coisas mais díspares”. Apollinaire co-
nheceu Picasso em 1905 e era um ardente defensor dos cubistas, sobre os 
quais publicou um livro em 1913.
Tendências da Arte Moderna: correntes 
envolvendo mente e função
O Expressionismo foi um movimento artístico e cultural que surgiu no início 
do século XX, provavelmente na Alemanha, por isso também é chamado 
de Expressionismo Alemão. Os círculos artísticos e intelectuais alemães 
se mantiveram nesse movimento por duas décadas. Ele é considerado um 
movimento transversal aos campos artísticos das artes plásticas, literatura, 
música, cinema, dança, teatro e fotografia. 
O pintor norueguês Edvard Munch (1863-1944) é considerado o precursor 
do Expressionismo, e sua obra mais importante é O Grito (1893), que você 
observar na Figura 5.
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Figura 5. O Grito, de Edvard Munch. 
Fonte: Wikimedia Commons (2015).
Como explica Proença (2003, p. 152):
Nela a figura humana não apresenta suas linhas reais mas contorce-se sob 
o efeito de suas emoções. As linhas sinuosas do céu e da água, e a linha 
diagonal da ponte, conduzem o olhar do observador para a boca da figura 
que se abre num grito perturbador. Essa atitude inédita para as personagens 
da pintura e a ênfase para as linhas fortes evidenciam a emoção que o artista 
procurar expressar.
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Essa obra é considerada, uma das mais importantes do movimento ex-
pressionista, e representa uma figura andrógina em um momento de profunda 
angústia e desespero existencial. O plano de fundo é a doca de Oslo, na No-
ruega, ao pôr do sol.
Sobre as características do Expressionismo, evidenciamos: a busca da 
expressão das emoções e dos sentimentos do autor da obra; a distorção e o 
exagero dos temas em seu processo de purificação; a reflexão sobre a angústia 
existencialista do indivíduo que habita a sociedade industrializada; a defor-
mação do mundo real, para representar a natureza e o ser humano; o desprezo 
pela perspectiva e pela luz; a defesa do da liberdade individual por meio da 
subjetividade e do irracionalismo; o uso de cores (fortes e puras) usadas de 
forma emotiva; e as linhas com formas retorcidas e agressivas. Seus temas 
são miséria, solidão e loucura, pois reflete o espírito da época, sendo muitas 
vezes considerados depravados e subversivos.
O Dadaísmo ou simplesmente “Dadá”, foi um movimento artístico eu-
ropeu do século XX, cujo lema era: “a destruição também é criação”. Seu 
fundador, Tristan Tzara (1896-1963), considerou o movimento propulsor das 
ideias surrealistas, com caráter ilógico e antirracionalista. Micheli (1991, p. 
41) explica mais sobre esse movimento:
Com o dadaísmo, uma nova realidade toma posse de seus direitos. A vida 
aparece uma simultânea confusão de barulhos, de cores, de ritmos espirituais 
que são imediatamente retratados na arte dadaísta pelos gritos e pelas febres 
sensacionais da sua audaz psique quotidiana e em toda a sua brutal realidade. 
Eis a encruzilhada bem definida que distingue o dadaísmo de todas as outras 
tendências da arte [...].
A Fonte, um urinol de porcelana branco, como você pode ver na Figura 
6, é considerada a obra que melhor representa o dadaísmo na França. Criada 
em 1917, é uma das mais notórias obras do artista francês Marcel Duchamp 
(1887-1968).
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Figura 6. A Fonte, de Marcel Duchamp.
Fonte: Artsy (c2018).
De modo geral, as principais características do dadaísmo são: o rompimento 
com os modelos tradicionais e clássicos; o espírito de liderança e de protesto; 
a espontaneidade, a improvisação e a irreverência artística; a busca do caos e 
da desordem; o teor ilógico e irracional; o caráter irônico, radical, destrutivo, 
agressivo e pessimista; a aversão a guerra e aos valores burgueses; a rejeição 
ao nacionalismo e ao materialismo; e a crítica ao consumidor e ao capitalismo.
O Surrealismo foi outro movimento artístico europeu que surgiu em Paris 
no início do século XX. Na Europa, o período entre a primeira e a segunda 
guerra (1918-1939), ficou conhecido como “os anos loucos”. A incerteza de 
se viver em paz, levou as pessoas ao desejo de “viver apenas o presente”. 
Foi nesse período de incertezas, desequilíbrio, insatisfação e contradições 
que surgiram diversos movimentos artísticos, chamados de “vanguardas 
europeias”, como uma nova maneira de ver a realidade. Assim, a Ades (1991, 
p. 92) explica que:
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A imagem surrealistanasce da justaposição fortuita de duas realidades di-
ferentes, e é da centelha gerada por esse encontro que depende a beleza da 
imagem; quanto mais diferentes forem os dois termos da imagem, mais bri-
lhante será a centelha.
Suas características são: a valorização da fantasia, da loucura e da utiliza-
ção da reação automática; o uso em potencial o subconsciente como fonte de 
imagens fantásticas de sonhos como o maior objetivo para o artista; as artes 
plásticas e a literatura vistas como meio de expressar a fusão da realidade 
com os sonhos, em uma realidade absoluta, uma “surrealidade; e o artista 
se deixar levar pelo impulso, fazendo tudo o que lhe vier à mente, sem a 
preocupação da lógica.
Esse movimento teve sua origem em reação ao racionalismo e ao ma-
terialismo da sociedade ocidental. A arte surrealista influenciou além das 
artes plásticas, outras manifestações artísticas, como a literatura, o teatro e o 
cinema. A obra intitulada A Persistência da Memória, apresentada na Figura 7, 
é uma pintura de 1931 do pintor catalão Salvador Dalí (1904-1989). A pintura 
pertence a coleção do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque desde 1934, 
e é amplamente reconhecida e referenciada na cultura popular por conta do 
impacto visual de seus objetos, que parecem se derreter no ambiente externo.
Figura 7. A Persistência da Memória, de Salvador Dali.
Fonte: Amorosi (c2018).
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O Simbolismo foi um movimento que se desenvolveu nas artes plásticas, 
no teatro e na literatura. Surgiu na França, no século XIX, em oposição ao 
Realismo e ao Naturalismo. Poetas, pintores, escritores e dramaturgos foram 
influenciados pelo misticismo, refletindo nas suas produções. Esse movimento, 
apelidado de “decadentismo”, devido à decadência dos valores estéticos, foi 
individualista e místico. 
As principais características do Simbolismo são: a ênfase em temas místi-
cos, subjetivos e imaginários; o caráter individualista; a desconsideração das 
questões sociais; a aproximação da poesia e da música, com a estética marcada 
pela musicalidade; e as obras de arte serem feitas com intuição, desprezando 
a lógica e a razão.
Em 1886, um manifesto trouxe o nome que iria marcar essa corrente, com 
ideais românticos, envolvendo a literatura, os palcos teatrais e as artes plásticas. 
A poesia “As Flores do Mal”, do poeta francês Charles Baudelaire (1821-1867), 
é que deu origem ao Simbolismo, mas na época a obra foi censurada, só vindo 
à tona na integra, após a morte do poeta.
As Flores do Mal
Dá um tempo, ó minha dor, controla tua agressividade.
Tu querias a noite; aí está; ela vem descendo;
Uma atmosfera sombria já envolve quase toda a cidade,
Uns encontram a paz; outros seguem padecendo.
Enquanto dos mortais a multidão vil,
Sob o chicote do prazer, esse impiedoso carrasco,
Vai colhendo remorsos na festa servil,
Minha dor, me dá a mão, vamos por aqui, sem asco,
Ver, longe deles, debruçaram-se os anos defuntos,
Sobre os balcões do céu, usando velhos conjuntos;
Emergir a saudade, do fundo das águas, sorridente;
O sol moribundo adormecer atrás da arcada mansa,
E, como uma longa mortalha arrastando-se no Oriente,
Ouve, minha cara, ouve a doce noite que avança.
(BAUDELAIRE, 1985, tradução de Ivan Junqueira).
O Construtivismo foi um movimento artístico do início do século XX que 
se deu na capital da Rússia, Moscou, tendo forte influência na arquitetura e na 
arte ocidental. Esse movimento foi até 1920 e influenciou outro movimento 
artístico, o da Bauhaus, que foi uma escola de design, artes plásticas e arquitetura 
de vanguarda na Alemanha. Nesse período, os artistas tinham a preocupação de 
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mostrar uma nova configuração da arte, influenciada pela Revolução Industrial. 
Assim, pretendiam romper com o passado tradicional e sugerir outras formas 
de apresentação com os avanços tecnológicos modernos, como as máquinas, 
a engenharia elétrica e eletrônica, a evolução fabril, entre outros. 
Os artistas usaram o relevo, os objetos industriais, a fotografia, a tipografia, 
a moda e a tridimensionalidade para expressar os ideais do movimento. O 
Construtivismo representou um importante movimento revolucionário da 
frente russa. As principais características desse movimento foram: o rompi-
mento com a arte clássica, acadêmica e tradicional; o uso da arte geométrica, 
tridimensional e abstrata; a proposta da antiarte e experimentações artísticas; 
o uso de colagens, suportes, objetos pré-fabricados e de uso comum como 
madeira, plástico, ferro, vidro, arame e outros a influência do Marxismo, 
Futurismo e racionalismo científico; temas com fundo político e sociais; e o 
desejo de ser um movimento contrário ao Naturalismo e ao Expressionismo. 
Veja um exemplo de obra construtivista na Figura 8.
Figura 8. Neuer, de El Lissitzy. 
Fonte: The Museum of Modern Art (1923).
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O movimento Art Nouveau surgiu na Europa, entre 1890 e 1910, e in-
fluênciou a arquitetura e as artes gráficas. É uma arte decorativa, voltada 
para o desenho e a arquitetura, que influenciou as artes plásticas. Os novos 
materiais produzidos pelas indústrias, como o ferro, o vidro, o alumínio, o aço 
e o cimento, foram a principal contribuição para o nascimento da arquitetura 
moderna, com novas formas. Como explica Barilli (1991, p. 9):
Aplicamos o termo art nouveau a um estilo de arquitetura e das artes 
figurativas e aplicadas que floresceu na última década do século XIX e 
nos primórdios do século XX. Precedido de uma longa fase preparató-
ria, o fenômeno influenciou muitos ramos da arte até a eclosão da I Guerra 
Mundial e foi simultâneo em toda a Europa Ocidental, sendo exemplo da 
fermentação e do intercâmbio ininterrupto de idéias e de experimentos no 
seio de nossa cultura.
Na escultura, o traço marcante são as formas abstratas, a integração entre 
espaço, movimento, luz e até mesmo som. Foi no século XIX que apareceram 
as primeiras construções metálicas, com formas totalmente novas. Um desses 
exemplos é a construção da Torre Eiffel (apresentada na Figura 9), idealizada 
por Gustav Eiffel, que hoje é reconhecida como símbolo de Paris.
Figura 9. Torre Eiffel, de Gustav Eiffel. 
Fonte: Dmitry Brizhatyuk / Shutterstock.com
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No link a seguir, você pode assistir a um documentário sobre a Semana de Arte Moderna 
de 1922 (MENDONA, 2017) e conhecer o impacto das tendências da Arte Moderna no Brasil.
https://goo.gl/sLT7m6
1. Quais as principais ideias 
da Arte Moderna?
a) Trazer os dogmas 
clássicos e tradicionais nas 
expressões artísticas.
b) Ênfase no realismo, na simetria, 
harmonia e perfeição.
c) Trazer novas formas de perceber 
a sociedade pela arte.
d) Ênfase em trabalhos sem 
sentido e sem motivo.
e) Trazer ainda mais as concepções 
religiosas e mitológicas 
do mundo moderno.
2. Qual destes movimentos de Arte 
Moderna se preocupavam com 
questões sociais e políticas?
a) Fauvismo.
b) Simbolismo.
c) Dadaísmo.
d) Art nouveau.
e) Construtivismo.
3. Por meio de quais características 
o Expressionismo demonstrou 
a subjetividade?
a) Apresentando figuras 
abstratas e ilógicas.
b) Buscando a expressão da 
emoção e do sentimento 
por meio da deformação 
do mundo real.
c) Apresentando cores 
claras e destacando a 
luminosidade da cena.
d) Buscando a expressão a 
partir das linhas retas e 
planos perpendiculares.
e) Apresentando a emoção 
por meio da racionalidade 
e da lógica matemática.
4. Sobre o Dadaísmo, é 
correto afirmar que:
a) propunha como arte 
elementos do cotidiano.
b) não foi considerado 
um movimento.
c) propunha como arte a retomada 
do valores greco-romanos.
d) não produzia artisticamente 
algo relevante.
e) propunha como arte temas 
envolvendo flores e frutas.
5. Dos movimentosexistentes 
na Arte Moderna, a qual 
Pablo Picasso se vinculou?
a) Neoclassicismo.
b) Cubismo.
c) Dadaísmo.
d) Surrealismo.
e) Construtivismo.
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https://goo.gl/sLT7m6
ADES, D. Dadá e surrealismo. In: STANGOS, N. Conceitos da arte moderna. Rio de Janeiro: 
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Arte Moderna: principais tendências156
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