Apostila 7º Ano ARTE Vol 1

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PLANO DE ESTUDOS 
TUTORADO 
 
 
ARTE 
Volume 1 
 
7º ANO 
Ensino Fundamental 
 
 
 
 
 
 
Professor: Ronny Soares
Capítulo 1 
A Fotografia e suas Técnicas A 
fotografia 
A palavra fotografia vem do grego phós, photós (que quer 
dizer “luz”) e graphein (que significa “desenhar, “marcar”, 
“registrar”), sendo possível interpretar que fotografar é 
“desenhar na luz” ou “registrar a luz”. Por isso, para fotografar 
é essencial a luz, pois ela cria sombras, efeitos, volumes e 
texturas nas fotos. 
Além da luz, precisamos de duas ferramentas essenciais: a 
máquina fotográfica e suas lentes (embora hoje o celular com 
câmera possa substituir uma máquina fotográfica compacta, 
pois ele tem funções básicas e uma lente própria). 
A fotografia é um Marco na evolução do homem, pois permite 
uma nova forma de registrar a vida humana, com muito mais 
facilidade. Podemos dizer que o mundo mudou desde a sua 
invenção. 
Existem vários tipos de fotografia: as de moda, arquitetônicas, 
as fotos jornalísticas, as documentações científicas, as 
publicitárias e etc. Exemplos de fotografias que podem ser 
considerados documentos históricos: fotos que retratam 
movimentos populares, guerra civil e conflitos, fotos e 
paisagens urbanas que mostra as modificações do Meio no 
decorrer do tempo, entre outras. As fotografias também 
podem ser de expressão de arte daquele que as registrou. 
A fotografia ontem e hoje 
O primeiro registro sobre fotografia é 1826. Foi Joseph – 
Nicéphore Niépce (1765-1833), inventor frânces, inventor 
francês que fez a primeira imagem fotográfica de que temos 
notícias. 
Antigamente, tirar uma foto era muito caro, pois o processo 
de captação da imagem era bem complicado. Além disso, os 
filmes tinham de ser revelados por um processo químico, e 
as fotos precisavam ser impressas em um laboratório, em 
papel especial. 
Nesse processo de revelação, a imagem só fica visível depois 
de revelada em banho químico apropriado. 
 
 
No final do século XX a fotografia tornou-se mais popular, 
com a chegada de máquinas fotográficas mais simples que 
utilizavam filmes que poderiam ser revelados por um custo 
acessível e, depois impressos. 
Já no Século XX, e a tecnologia digital democratizou o acesso 
do público em geral à fotografia. 
Atualmente, com celulares e smartphones as fotografias 
chegam a outras pessoas praticamente em tempo real, pois 
podem ser postadas em redes sociais no momento imediato 
aos que foram tiradas. 
Vamos destacar três elementos da linguagem visual 
importantes para a fotografia: a cor (policromia e 
monocromia), a luz e a textura. 
Policromia: Harmonia conseguida por meio do uso de várias 
cores. 
Monocromia: utilização de apenas uma cor e suas nuances 
numa composição. 
Luz: jogo de claro e escuro (luz e sombra) na imagem. 
Textura: na fotografia está presente nas imagens em duas 
dimensões (altura e largura, sem profundidade); por isso, só 
é possível ter controle sobre uma textura aparente. 
Compreensão 
Com que objetivo o fotógrafo faz fotos? 
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O que é essencial para se fotografar? 
a) sol 
b) alegria 
c) brilho 
d) luz 
e) textura 
 
Retome os elementos da linguagem visual importantes para as 
fotografias. Quais deles você acha mais importante? Por quê? 
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O Filme contém imagens em negativo, ou seja, as imagens 
ficam com cores invertidas, sendo posteriormente ampliadas 
em papel especial, como as fotografias que conhecemos. 
Este é o momento para debater e trocar ideias. Reúna-se em 
grupo, conforme orientação do professor, e discutam as 
seguintes questões: 
Qual a importância da fotografia? 
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Qual é a diferença entre fotografia de arte e fotojornalismo? 
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Faça uma pesquisa sobre o fotógrafo Sebastião Salgado. 
Depois, selecione três fotos tiradas por ele, com temática 
social, para apresentar aos seus colegas. 
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O Hiper-realismo 
Hiper-realismo é um gênero de pintura e escultura que tem 
um efeito semelhante ao da fotografia de alta resolução. 
O hiper-realismo é uma evolução do fotorrealismo – termo foi 
usado para designar um movimento artístico que nasceu nos 
Estados Unidos e na Europa em torno de 1968. 
Expandindo-se no início dos anos 70, tendo grande 
popularidade na Inglaterra, Estados Unidos e no Brasil. 
A palavra hiper-realismo ou super-realismo apareceu pela 
primeira vez como título de uma exposição organizada pela 
galerista belga Isy Brachot, em 1973. Na época, assumiu o 
mesmo significado que fotorrealismo. A exposição era 
dominada por foto realistas norte americanos, como Ralph 
Goings, Chuck Close, Don Eddy, Robert Bechtle e Richard 
McLean, mas incluiu artistas europeus como Gnoli, Gerhard 
Richter, Klapheck e Delcol. 
Os princípios essenciais do hiper-realismo, também 
chamado superrealismo, são os mesmos do fotorrealismo, 
sempre usando uma fotografia como modelo para a obra. 
Isso enfatiza a importância que a fotografia vem ganhando no 
campo da arte. 
A diferença em relação ao fotorrealismo está na maior 
minúcia dos detalhes e na alta definição geral da imagem, que 
torna os objetos representados aparentemente mais 
palpáveis e concretos, com uma ilusão de realidade maior do 
que a própria fotografia. Isso se deve à evolução da 
tecnologia, que vem colocando no mercado câmeras 
fotográficas com poder cada vez maior. Alguns acreditam que 
os hiper-realistas também acrescentam maior emotividade às 
obras do que os foto realistas. Tantos pintores como 
escultores hiper-realistas usam recursos mecânicos ou 
ópticos para transferir a imagem fotográfic a para a técnica 
de sua eleição, como moldes, projetores de slides e retículas 
para ampliação. Anomalias nas imagens originais, como 
focos seletivos, fractalização, reflexos e outros podem 
também ser usados como recursos expressivos. 
Veja abaixo, dois exemplos de obras hiper-realistas no 
desenho e na escultura. Observe a perfeição dos traços e a 
proximidade com o real. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Woman and Child, a Sam Jink'ssculpture 
Alguns chamam o Hiper-Realismo de Fotorrealismo, por 
causa de sua estreita ligação com a fotografia. Isso porque, 
como vimos, os artistas fazem pinturas que parecem 
fotografias. 
O Hiper-Realismo do pintor Pedro Campos 
Pedro Campos é um pintor, nascido em 1966, na cidade de 
Madrid (Espanha). Formado na Escola Oficial de 
Conservação e Restauro de Obras de Arte de Madrid, já foi 
ilustrador em diversas renomadas agências antes de decidir 
dedicar-se exclusivamente à pintura hiper-realista. No ano de 
1998, quando tomou a decisão, Campos começou a retratar 
objetos simples do cotidiano com impressionante 
veracidade, suficiente para fazer os admiradores de suas 
obras se perguntarem se não eram fotografias. 
 
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6. Cite nome de foto realistas norte-americanos.________________________________________________ 
___________ _ _ __ _ _ _ __ _ _ _ ___ 
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Compreensão 
1. Quais são as principais características de uma obra 
Hiper-Realista? 
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2. O Hiper-Realismo é uma retomada de qual movimento 
artístico? Quando e onde ele surgiu? 
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________________________________________________ 
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___________ _ _ __ _ _ _ __ _ _ _ ___ 
3. Indique a relevância do Hiper-Realismo para a arte e 
suas importantes contribuições. 
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_____________________________________ _ _ ___ 
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4. Quais são os princípios do Hiper-Realismo? 
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___________ _ _ __ _ _ _ __ _ _ _ ___ 
________________________________________________ 
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5. Quem foi artista Pedro Campos? 
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________________________________________ _ ___ 
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4 
Capítulo 2 
Retrato 
O Homem Vitruviano e as Proporções Humanas 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Com certeza já deve tê-lo visto em livros, revistas, encartes de 
CD, internet, ou outra mídia qualquer. Mas não é uma 
simples ilustração, há algo valioso contido no mesmo. Este 
desenho foi encontrado no bloco de notas de Leonardo da 
Vinci e feito pelo próprio por volta de 1490 baseando-se no 
conceito exposto na obra “Os dez livros da Arquitetura”, 
escrito pelo arquiteto romano Marcus Vitruvius Pollio. Desta 
forma, o homem descrito por Vitruvius apresenta-se como um 
modelo ideal para o ser humano, cujas proporções são 
perfeitas, segundo o ideal clássico de beleza. 
Originalmente, Vitruvius apresentou o cânone tanto de forma 
textual (descrevendo cada proporção e suas relações) quanto 
através de desenhos. Porém, à medida que os documentos 
originais se perdiam e a obra passava a ser copiada durante 
a Idade Média, a descrição gráfica se perdeu. Desta forma, 
com a redescoberta dos textos clássicos durante o 
Renascimento, uma série de artistas, arquitetos e tratadistas 
dispuseram-se a interpretar os textos vitruvianos a fim de 
produzir novas representações gráficas. Dentre elas, a mais 
famosa e (hoje) difundida é a de Leonardo Da Vinci. 
Este desenho descreve uma figura masculina desnuda 
separadamente e simultaneamente em duas posições 
sobrepostas com os braços inscritos num círculo e num 
quadrado. A cabeça é calculada como sendo um décimo da 
altura total. Às vezes, o desenho e o texto são chamados de 
Cânone das Proporções. 
O desenho atualmente faz parte da coleção da Gallerie dell’ 
Accademia (Galeria da Academia) em Veneza, Itália. 
Seguindo este conceito de beleza o arquiteto Marcus 
Vitruvius Pollio descreve o corpo humano da seguinte 
maneira: 
• um palmo é o comprimento de quatro dedos 
• um pé é o comprimento de quatro palmos 
• um côvado é o comprimento de seis palmos 
• um passo são quatro côvados 
• a altura de um homem é quatro côvados 
• o comprimento dos braços abertos de um homem 
(envergadura dos braços) é igual à sua altura 
• a distância entre a linha de cabelo na testa e o fundo do 
queixo é um décimo da altura de um homem 
• a distância entre o topo da cabeça e o fundo do queixo é 
um oitavo da altura de um homem 
• a distância entre o fundo do pescoço e a linha de cabelo 
na testa é um sexto da altura de um homem 
• o comprimento máximo nos ombros é um quarto da altura 
de um homem 
• a distância entre a o meio do peito e o topo da cabeça é 
um quarto da altura de um homem 
• a distância entre o cotovelo e a ponta da mão é um quarto 
da altura de um homem 
• a distância entre o cotovelo e a axila é um oitavo da altura 
de um homem 
• o comprimento da mão é um décimo da altura de um 
homem 
• a distância entre o fundo do queixo e o nariz é um terço do 
comprimento do rosto 
• a distância entre a linha de cabelo na testa e as 
sobrancelhas é um terço do comprimento do rosto 
• o comprimento da orelha é um terço do da face 
• o comprimento do pé é um sexto da altura 
Vitrúvio já havia tentado encaixar as proporções do corpo 
humano dentro da figura de um quadrado e um círculo, mas 
suas tentativas ficaram imperfeitas. Foi apenas com 
Leonardo que o encaixe saiu corretamente perfeito dentro 
dos padrões matemáticos esperados. 
O redescobrimento das proporções matemáticas do corpo 
humano no século XV por Leonardo e os outros é 
considerado uma das grandes realizações que conduzem ao 
Renascimento italiano. 
O desenho também é considerado frequentemente como um 
símbolo da simetria básica do corpo humano e, para 
extensão, para o universo como um todo. É interessante 
observar que a área total do círculo é idêntica ‘a área total do 
quadrado e este desenho pode ser considerado um algoritmo 
matemático para calcular o valor do número irracional ‘phi’ 
(=1,618). Esse desenho é usado até hoje por 
 
 
5 
ilustradores para aprender a proporção humana, como se 
fosse um guia universal de ilustração. 
Leonardo Da Vinci 
Leonardo Da Vinci (1452-1519) foi um artista, escultor 
arquiteto e engenheiro renascentista nascido em uma 
pequena aldeia próxima a Florença, na Itália. Desde criança, 
se interessou pelo desenho e pintura. Já na adolescência, foi 
aprendiz de escultor, e ourives. 
Em sua vida adulta passou a integra a Corporação dos 
Pintores de Florença. Da Vinci estudou Matemática, Física, 
Astronomia, Engenharia e Artes e Ciências; sem dúvida seu 
maior legado foi a representação da figura humana derivada 
de seus profundos estudos de anatomia, desvendando as 
operações e ligações entre as partes do corpo humano e 
outros elementos na natureza. 
Três de suas obras estão entre as mais conhecidas do mundo 
da arte: Mona Lisa, A última ceia, e O homem vitruviano. 
Entre 1503 e 1507, Da Vinci pintou a Mona Lisa, desde então 
muitas teorias sobre seu significado foram criadas. Alguns 
estudiosos acreditam que haveria mensagens ocultas sob as 
camadas de pintura. Contudo, a hipótese mais aceita pelos 
historiadores da Arte é a de que a modelo do quadro foi a 
esposa de Francesco del Giocondo, um rico comerciante de 
seda de Florença. Um dos pontos mais importantes dessa 
obra consiste na utilização de uma técnica original: o 
sfumato. 
Renascimento 
O Renascimento Cultural, que ocorreu na Europa entre os 
séculos XV e XVI, teve seu surgimento e desenvolvimento 
ligados a uma série de transformações sociais, políticas e 
econômicas, iniciadas no final da Idade Média. 
Contexto Histórico Renascimento 
Político e econômico 
Nos campos político e econômico, podemos citar a 
desintegração do sistema feudal, que teve início no século XII 
e se completou no século XV. 
O enfraquecimento dos senhores feudais favoreceu o 
fortalecimento do poder dos reis e o surgimento das 
Monarquias Nacionais, no século XV. 
Neste sentido, os reis deram liberdade econômica e 
comercial à nova e emergente burguesia. Este fato favoreceu 
o surgimentodos burgos e o crescimento das cidades em 
várias regiões da Europa. 
A união entre os reis e a burguesia favoreceu também a 
busca por matérias-primas, novas rotas comerciais e metais 
preciosos. 
Neste contexto, ocorreram as Grandes Navegações e 
Descobrimentos Marítimos dos séculos XVI e XVII e a 
colonização e exploração da América, da África e regiões da 
Ásia. 
Contexto Social 
A desintegração dos feudos favoreceu o êxodo rural em várias 
regiões da Europa. Muitos servos deixaram e campo e 
partiram para as cidades. Nos séculos XIV e XV, ocorreu um 
grande desenvolvimento urbano da Europa. Este período 
ficou conhecido como Renascimento Urbano. As cidades 
renascentistas eram dinâmicas e com grande 
desenvolvimento cultural e social. Burgueses (nova classe 
social), nobres, artistas, artesãos e trabalhadores de diversas 
áreas povoavam essas cidades. 
No período do Renascimento, houve também a diminuição do 
poder da Igreja Católica, que teve sua influência, na 
sociedade europeia, muito reduzida. Esse processo se 
concretizou no movimento de contestação, que 
desencadeou, no século XVI, nas Reformas Religiosas. 
Contexto Cultural e Científico 
Uma das principais características do Período Renascentista, 
no âmbito cultural, foi a valorização e intenção de resgatar os 
valores artísticos da Antiguidade Clássica (Grécia e Roma 
antigas). 
Na passagem do Teocentrismo Medieval para o 
antropocentrismo renascentista, a religião deixando a 
exclusividade para dar espaço para a valorização do homem 
(Humanismo). O desenvolvimento científico foi uma das 
marcas desse período. Nesse contexto ocorreu o 
Renascimento Científico. 
O que é Simetria? 
Os objetos, os animais, os vegetais, os minerais e as pessoas 
que estão à nossa volta podem ser classificados quanto à 
forma em: simétrico e assimétrico. 
Segundo alguns pesquisadores, a simetria é considerada um 
dos fatores que geram grande beleza. Em uma das pesquisas 
feitas por eles, várias fotos de pessoas diferentes foram 
apresentadas a um grupo de participantes selecionados para 
a experiência. 
Eles deveriam atribuir uma nota de 0 a 10 a cada rosto, 
conforme o grau de beleza. Posteriormente, as fotos foram 
agrupadas pela pontuação e submetidas à medição de sua 
simetria. 
Essa medição demonstrou que, quanto maior o valor 
atribuído ao rosto maior também será o grau de simetria. 
Com esse resultado, concluíram que a simetria é um dos 
elementos responsáveis pelo padrão de beleza. 
 
 
 
6 
Simetria é o arranjo ou a composição de um todo dividido em 
duas ou mais partes, que apresentam correspondência na 
forma e no tamanho, a partir do eixo. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
O Eixo de Simetria é uma linha (imaginária) que divide as 
formas em metades iguais. 
Na Simetria Real ou Bilateral as duas metades são 
exatamente iguais. 
Na Simetria Radial todas as retas passam por um centro ou 
se irradiam do cento para for, por exemplo: as rodas de 
bicicleta e a estrela-do-mar. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
A simetria não dá, só por si, beleza a um objeto – o design 
simétrico pode ser monótono ou previsível. No entanto, 
conjuntamente com a cor, texturas, proporções, entre outros 
fatores, a simetria tem um papel importante no apelo estético 
de um objeto. 
Por outro lado, em determinadas situações, a assimetria 
deliberada é também utilizada com o objetivo de criar 
surpresa e emoção. 
Compreensão 
1. Qual a importância da Mona Lisa para a história da arte? 
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2. O que você entende por proporção? 
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3. O que é simetria? 
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______________________________ __ _ _ _ ___ 
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4. Quais os tipos de simetria? 
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Renascença ou Renascimento são termos que identificam 
um período da história europeia, principalmente na Itália, 
marcado por transformações culturais em muitas áreas. Cite 
algumas delas. 
Sabemos que Leonardo Da Vinci foi um estudioso de diversas 
áreas do conhecimento. Após informar- se sobre sua 
biografia, cite algumas dessas áreas e em qual ele se 
destacou nos deixando um grande legado. 
Autorretrato 
Ao longo dos séculos, os artistas buscaram diferentes 
maneiras de retratar a realidade que os cerca. Um dos 
gêneros e pintura criados nesse esforço foi o autorretrato, em 
que o pintor retrata a si mesmo. 
É interessante notar como, nos dias de hoje, as chamadas 
selfies, tiradas pelos aparelhos celulares, são uma nova 
versão dos autorretratos. 
 
 
 
 
 
 
 
 
7 
Vicent Van Gogh, o gênero do autorretrato 
O pintor holandês Vicent Van Gogh (1853- 1890) pintou mais 
de 30 autorretratos. Ele utilizava essas obras como um 
método de estudo e desenvolvimento para as suas 
habilidades de pintor, aprimorando a sua técnica e 
experimentando as possibilidades de uso da cor. 
Conheça alguns desses autorretratos de Van Gogh, que 
estão espalhados pelo mundo em galerias, museus e 
coleções particulares. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Outro artista plástico conhecido pelos autorretratos foi o 
também o holandês Rembrandt (1606-1669). Alguns críticos 
consideram-no o pintor mais importante de todos os tempos. 
Ficou famoso como pintor de retratos e, por mais vinte anos, 
ensinou o ofício a quase todos os importantes pintores 
holandeses de sua época. 
Sua maior e melhor produção foi marcada por seus retratos e 
autorretratos, produzindo uma centena deles como forma, 
inclusive de estudar anatomia nas artes. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Impressionismo e Impressionistas 
Surgido na França em 1874, o impressionismo foi um 
movimento artístico que passou a explorar, de forma 
conjunta, a intensidade das cores e a sensibilidade do artista. 
A denominação “impressionismo” foi dada após a declaração 
pejorativa do crítico de arte francês Louis Leroy ao ver a tela 
“Impressiondu Soleil Levant”, de Monet, um dos principais 
artistas do movimento. 
Os impressionistas buscavam retratar em suas obras os 
efeitos da luz do sol sobre a natureza, por isso, quase sempre 
pintavam ao ar livre. A ênfase, portanto, era dada na 
capacidade da luz solar em modificar todas as cores de um 
ambiente, assim, a retratação de uma imagem mais de uma 
vez, porém em horários e luminosidades diferentes, era algo 
normal. 
O Impressionismo explora os contrastes e a claridade das 
cores, resplandecendo a ideia de felicidade e harmonia. Para 
os impressionistas, os objetos deveriam ser retratados como 
se estivessem totalmente iluminados pelo sol, valorizando as 
cores da natureza. 
Os principais artistas impressionistas foram Monet, Manet, 
Renoir, CamilePissaro, Alfred Sisley, Vincent Van Gogh, 
Degas, Cézanne, Caillebotte, Mary Cassatt, Boudin, Morisot, 
etc. No Brasil, o representante máximo do impressionismo foi 
Eliseu Visconti, o qual teve contato com a obra dos 
impressionistas e soube transformar as características do 
movimento conforme a cor e a atmosfera luminosa do nosso 
país. 
 
 
 
 
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Compreensão 
1. Qual a finalidade das obras de autoretratos de Vicent Van 
Gogh? 
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2. Quais as principais caracteristicas do impressionismo? 
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Capítulo 3 
 
O Surgimento do Teatro 
 
A cerâmica grega, bem como suas pinturas, é uma das mais 
importantes manifestações artísticas da Grécia Antiga 
preservada até os dias de hoje. 
Além dessa modalidade artística, restam pouquíssimos 
exemplares de murais e painéis de madeira desse período. 
Vasos e utensílios tinham como função primeira o 
armazenamento de água e alimento. 
A arte na cerâmica grega é considerada um importante 
legado arqueológico, pois as pinturas presentes nesses 
objetos representavam cenas – religiosas, cotidianas, de 
batalhas e de jogos-, que, posteriormente, tornaram possível 
conhecer e entender hábitos e costumes dessa civilização. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Em diversos vasos gregos são encontradas diversas 
representações de Dionísio, o deus dos ciclos vitais, do vinho 
e da fertilidade e das festas. 
Esse deus era homenageado em festas anuais que 
aconteciam durante a primavera, época em que fazia a festa 
da colheita da uva. 
Essas festas duravam dias seguidos e apresentavam 
diversas manifestações religiosas e artísticas, entre ela 
cantos, danças, sacrifícios, rituais sagrados, procissões e 
recitais. 
Existem várias teorias sobre a origem do teatro, porém 
nenhuma delas podem ser comprovadas. Muitos 
historiadores acreditam que o teatro ocidental que 
conhecemos hoje tenha surgido na Grécia Antiga, a partir das 
festas dionisíacas. 
Os cortejos, chamados comos, que faziam parte dessas 
celebrações dionisíacas, espalhavam alegria por onde 
passavam. Seus membros, denominado coro, recitavam, 
dançavam e cantavam, interagindo de forma engraçada e 
com a multidão. 
O coro era composto por cerca de 50 homens, chamados 
coreutas, que representavam histórias relacionadas a 
Dionísio. Para isso, vestiam-se de Sátiro, figura mitológica da 
natureza, com corpo metade homem e metade bode. 
Com o decorrer do tempo, o público passou a responder 
verbalmente aos gracejos do coro, e a acredita que foi com 
esse desafio verbal que surgiu a comédia e, posteriormente, 
a tragédia. 
Os atores costumavam usar máscaras para atuar e elas 
possuíam funções extintas: aumentar a proporção do rosto 
dos atores, acentuar traços de expressão para que o público 
conseguisse visualizar de longe e auxiliar na interpretação do 
personagem. 
Além disso, abertura para boca na máscara era preparada 
para aumentar a ressonância da voz para que todos 
pudessem ouvir as falas. 
As máscaras foram utilizadas para que os autores pudessem 
mudar rapidamente características físicas ou atuar em papeis 
femininos, uma vez que apenas os homens participavam das 
peças. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
As máscaras têm suas origens nos disfarces usados nas 
festas de dionisíacas, quando os rostos eram pintados com 
borras de vinho e adornadas com barbas vegetais (folhas de 
parreira e cachos de uva). Foram catalogados 25 tipos de 
máscaras trágicas e cerca de 40 do gênero cômico. 
O branco predominava nas máscaras femininas o negro nas 
masculinas. 
Máscaras de coro 
Somente os coros utilizavam máscaras distintas, que eram 
feitas de materiais leves, como linho, couro, cortiça ou 
madeira esculpida. Essas máscaras cênicas eram feitas em 
um molde de mármore ou outra pedra esculpida e utilizavam 
cabelo humano ou pelo animal. 
Até hoje as máscaras são símbolos do teatro. 
Existem muitas hipóteses sobre a origem e o significado da 
palavra teatro. 
Segundo a Enciclopédia Britânica, o termo teatro deriva da 
palavra grega theatron, que significa lugar para ver. 
O diretor de teatro, ator e professor de artes cênicas Robson 
Corrêa de Camargo sustenta que a palavra “teatro” deriva de 
theaomai, que significa lugar onde se vai para ver. 
 
9 
Arte Egípcia 
No Egito, as artes em geral estavam a serviço de 
religiosidade. 
Os egípcios acreditavam em vida após a morte e, por isso, 
construíam grandiosos templos para que os mortos vivessem 
eternamente em condições semelhantes às que tiveram em 
vida. 
A arquitetura egípcia era muito evoluída, e resistem ao tempo, 
até os dias atuais as grandes pirâmides do Egito, por 
exemplo. 
Arte Grega 
 
 
 
 
exageradas. 
 
 
Para os gregos, o homem era o centro do universo. 
Diferentemente dos egípcios, acreditavam que a inteligência 
humana era superior a fé. 
A arte grega foi marcada pelas esculturas, 
predominantemente em mármore, e pela influência egípcia, 
que buscava a perfeição. 
 
 
Esfinge de Gizé com a pirâmide de Quéfre ao fundo. Cairo, Egito. Na arquitetura, os templos dos deuses eram construídos com 
o objetivo de ficar protegidos de eventuais ações climáticas, 
com a chuva e o sol. Destaca-se como a principal 
característica a simetria. 
A pintura foi muito utilizada como elemento de decoração e 
estava presente na arquitetura. Da mesma forma, a pintura 
era também muito utilizada na decoração de jarros, vasos e 
ânforas, que serviam para armazenar óleo, água e vinho, por 
exemplo. 
Arte Romana 
Uma das áreas mais importantes na arte romana desse 
período foi a arquitetura, com a construção de templos, 
anfiteatros e aquedutos. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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A pintura egípcia era padronizada e anônima, além de seguir 
obrigatoriamente critérios religiosos e a lei da frontalidade isto 
é, as pessoas eram representadas com tronco de frente, e os 
pés, a cabeça e as pernas de perfil. 
A civilização grega teve seu apogeu no século V a.C. O teatro 
que, nessa mesma época, era essencialmente sagrado, 
passou também a ter cunho artístico. 
Ao retratar o corpo humano, os artistas buscavam atingir o 
ideal de beleza que era baseado na simetria entre as formas 
e na harmonia dos traços. Nesse período, já haviam 
abandonado a técnica da frontalidade. 
Nas pinturas presentes na arquitetura, ocorre pela primeira 
vez a mistura entre a realidade e a imaginação. A maioria 
dessas obras está em Pompeia, cidade que foi soterrada 
A Grécia foi um importante centro cultural da Antiguidade, um 
período longo da história que durou de c. 4000 a.C. a 476 d. 
C. 
Nas esculturas, os egípcios representavam seus reis com 
aparência ideal e não real, utilizando proporções 
pela erupção do vulcão Vesúvio, restando poucos 
exemplares. 
A escultura romana distingue-se da escultura grega na 
representação da realidade, retratando feições fiéis, sem se 
preocupar com o ideal de beleza. 
Produção de texto, cenário e criação de personagens 
O Arlequim é um personagem característico da commedia 
dell’ arte, gênero teatral que teve origem na Itália no início do 
século XVI, mantendo a cultura do teatro popular na 
Antiguidade. 
Surgiu em oposição ao teatro erudito, tendo como inspiração 
os artistas ambulantes, mágicos e improvisadores. Opunha- 
se à forma culta de fazer teatro, trabalhando com poucos 
recursos. A imitação era sua matéria-prima. 
Os artistas guiavam-se pela inspiração do momento, pela 
improvisação da comédia. 
Alguns pesquisadores acreditam que a commedia dell’ arte 
tenha surgido a partir dos cortejos carnavalescos que faziam 
sátira social, imitavam figurinos dos bufões, pessoas que 
tinham a função de fazer rir, e contavam com a participação 
de pessoas mascaradas. 
Porém também é aceita a teoria que a inquisição- tribunal 
instituído pelaIgreja Católica com o objetivo de banir os que 
fossem contrários a sua doutrina expulsou muitos artistas de 
suas cerimônias religiosas; sendo assim, as ruas foram 
tomadas por intérpretes desempregados, que buscavam um 
novo meio para exercer sua profissão artística. 
As trupes itinerantes de artistas percorriam por toda a Europa, 
apresentando-se em vilas e cidades pelas ruas e praças em 
suas carroças com palco improvisados. O sucesso desse 
gênero alcançou a França, onde os grupos incorporaram 
personagens locais aos seus repertórios. 
As performances seguiam um conjunto de situações que 
tratavam de temas como o amor, corrupção, ciúmes, velhice, 
entre outros, apresentando os defeitos e as qualidades do ser 
humano. 
Os diálogos e as ações mesclavam a sátira e acontecimentos 
locais da região ou do país as piadas previamente 
conhecidas. Os atores seguiam um roteiro simplificado e 
podiam improvisar interagindo com o público. 
Na commedia dell’ arte, os personagens são identificados 
pelas máscaras e por seus figurinos distintos. 
As máscaras têm função de disfarçar o ator e caracterizar um 
personagem. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Compreensão 
5. Faça um breve relato de como se deu o surgimento do teatro. 
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6. Como surgiu a comédia e, posteriormente, a tragédia? 
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Qual das artes apresentadas estava em geral relacionada a 
religiosidade? 
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Quais as principais características da arte Romana? 
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Capítulo 4 
Elementos da Linguagem Visual 
Os elementos visuais constituem a substância 
básica daquilo que vemos. A estrutura da obra visual 
é a força que determina quais elementos visuais 
estão presentes, e com qual ênfase essa presença 
ocorre. 
Quando observamos uma composição visual, vemos 
uma forma geral, nossa compreensão se baseia em 
um todo. Mas esse todo geralmente é formado por 
partes, que podem também ser observadas 
separadamente. Ao reconhecer essas partes, 
podemos determinar em que sentidos elas nos 
afetam. 
A escolha dos elementos que serão enfatizados e a 
manipulação desses elementos, tendo em vista o 
efeito pretendido, estão nas mãos do artista. 
Para analisar e compreender a estrutura total de 
uma linguagem visual é conveniente concentrar-se 
nos elementos visuais individuais, para um 
conhecimento mais aprofundado de suas 
qualidades específicas. 
Ponto 
O ponto é uma unidade de comunicação visual 
fundamental. Quando alinhados, os pontos sugerem 
a ideia de linhas retas ou curvas. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Pontilhismo 
Surgida na segunda metade do século XIX, a técnica do 
Pontilhismo foi utilizada por pintores franceses neo- 
impressionistas. 
A técnica, também conhecida como Pintura de Pontos, 
consiste na justaposição de pontos de cor criando o efeito 
desejado pelo pintor nos olhos do observador. 
Os artistas George Seraut e Paul Signac impulsionaram o 
Pontilhismo como técnica e o Divisionismo como teoria 
baseando-se em estudos científicos do químico Michel 
Chevreul cuja obra De laloidu contraste simultané des 
couleurs (Da lei do contraste simultâneo das cores), publicada 
em 1839, demonstra que cada cor ao lado de outra, sem 
serem mescladas, têm sua aparência original modificada. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Linha 
A linha é a junção de vários pontos. São as linhas que 
definem as formas essenciais de uma figura. Além de 
movimentar-se em várias direções, as linhas também podem 
criar texturas padrões. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Forma 
 
As três formas básicas em artes visuais são o círculo, o 
triângulo equilátero e o quadrado. 
 
 
 
 
 
 
Todas essas formas básicas são figuras planas e, pelas 
combinações e variações delas, podemos representar as 
formas físicas, como sugere Paul Klee na obra Ponte 
vermelha. Nessa tela, o artista apresenta elementos de uma 
cidade, como casas, ponte, poste e até o sol, por meio de 
retângulos, quadrados, triângulos e círculos. 
 
 
 
 
 
 
Cor 
A cor é de enorme relevância para a comunicação visual pois 
está recheada de informação, o que permite uma 
impressionante experiência visual. “No meio ambiente 
compartilhamos os significados associativos da cor das 
árvores, da relva, do céu, da terra e de um número infinito de 
coisas nas quais vemos as cores como estímulos comuns a 
todos.” 
Cada uma das cores possui significados associativos e 
simbólicos, permitindo a existência de um vasto leque de 
significados para o “alfabetismo visual”. 
A cor tem três dimensões que podem ser definidas e 
medidas. Matizou croma, é a cor em si, e existe em número 
superior a cem. Existem três matizes primários ou 
elementares: amarelo, vermelho e azul. Cada um representa 
qualidades fundamentais. 
O amarelo é a cor que se considera mais próxima da luz e do 
calor; o vermelho é a mais ativa e emocional; o azul é passivo 
e suave. 
O amarelo e o vermelho tendem a expandir-se; o azul, a 
contrair-se. Quando estas cores são associadas através de 
misturas é possível a obtenção de novos significados. 
O vermelho, um matiz provocador, é abrandado ao misturar- 
se com o azul, e intensificado ao misturar-se com o amarelo. 
As mesmas mudanças de efeito são obtidas com o amarelo, 
que se suaviza ao se misturar com o azul. 
As cores são tradicionalmente classificadas da seguinte 
forma: 
Cores Primárias – são as cores puras, ou seja, o amarelo, 
vermelho e azul. 
 
 
 
 
 
 
 
Cores Secundárias – união de duas cores primárias, por 
exemplo, verde (azul e amarelo), laranja (amarelo e 
vermelho) e roxo ou violeta (vermelho e azul). 
 
 
 
 
 
 
 
 
Cores Terciárias – união de uma cor primária e uma 
secundária, por exemplo, vermelho-arroxeado (vermelho e 
roxo) e vermelho-alaranjado (vermelho e laranja); amarelo- 
esverdeado (amarelo e verde) e amarelo-alaranjado (amarelo 
e laranja); azul-arroxeado (azul e roxo) e azul- esverdeado 
(azul e verde). 
 
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Cores Neutras, Quentes e Frias 
 
Há outras classificações para as cores, segundo às 
tonalidades e a transmissão de sensações, denominada de 
“temperatura das cores”, a saber: 
Cores Neutras – possuem pouca reflexão da luz, por 
exemplo, os tons de cinza e de marrom. 
Cores Quentes – são as cores que transmitem uma 
sensação de calor, por exemplo, vermelho, laranja e amarelo. 
Cores Frias – englobam as cores que transmitem sensação 
de frio, por exemplo, azul, verde e violeta. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
As Paisagens Impressionistas e Expressionistas 
A Paisagem 
 
 
 
 
 
 
 
 
A pintura de paisagem é um termo utilizado para a arte que 
representa cenas da natureza,como montanhas, vales, rios 
e florestas. 
É utilizado especialmente para representar a arte onde o tema 
principal é uma visão ampla, com seus elementos dispostos 
em uma composição coerente. 
Quase sempre se inclui a vista do céu, o tempo usualmente 
é um elemento da composição. Tradicionalmente, a arte de 
paisagens retrata a superfície da Terra, mas pode haver 
outros tipos de paisagens, que são inspirados por sonhos. 
Na pintura ocidental, a paisagem foi adquirindo pouco a 
pouco cada vez mais relevância, como fundo de quadros de 
outro gênero (como a pintura de história ou o retrato) até 
constituir-se como gênero autônomo da Holanda do século 
XVII. Dentro da hierarquia dos gêneros, a paisagem ocupava 
um lugar muito baixo, superior somente a Natureza-
morta. 
A Arte das Impressões 
O Impressionismo foi um movimento artístico que teve origem 
na França por meio de um grupo de jovens pintores 
determinados a romper com algumas regras realistas, 
estabelecida nas artes visuais até então. 
Renoir, Claude Monet, Edouard Manet e Edgar Degas foram 
alguns dos pintores desse movimento, que vigorou entre os 
anos 1860 e 1880. No Brasil, Eliseu Visconti foi seu maior 
representante. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Os impressionistas buscavam retratar a impressão da 
realidade por meio das sensações iniciais que ela provocava 
nesses artistas que imediatamente as registravam. 
Seus representantes escolheram as paisagens ao ar livre, o 
mar, as ruas, os cafés parisienses, que proporcionavam a 
luminosidade natural, como cenários da proposta 
impressionista. 
Características: 
 Uso de cores fortes e puras, não misturadas, pinceladas 
lado a lado provocando o efeito de mistura de cores pelos 
olhos de observador. 
 Grande evolução das artes depois do Renascimento. 
 Figuras sem contorno nítido. 
 O sentimento em detrimento da imagem real. 
O Expressionismo teve origem na Alemanha após a 
exposição de uma série de Quadros no salão dos 
Independentes de Paris, em 1901. Vigorou como tendência 
artística de 1905 a 1930. 
Surgiu em reação ao impressionismo, propondo uma arte que 
valorizavam a expressão pessoal dos sentimentos que surgiu 
diante da realidade, e não é impressão visual que se tinha 
dessa realidade. 
Assim, as formas e as cores empregadas nos retratavam a 
realidade, mas, sim, o estado emocional dos Artistas 
provocado por ela. 
 
 
14 
 
Van Gogh, Gauguin, Edward Munch e Diego Rivera são 
alguns de seus representantes. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
O Grito, Edward Munch 
No Brasil, Candido Portinari foi um dos artistas que utilizaram 
elementos expressionistas, principalmente na famosa série 
Os Retirantes. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Os Retirantes, Cândido Portinari 
 
Características: 
 Uso de cores fortes, normalmente de uma mesma 
paleta. 
 Valorização dos sentimentos e das reações humanas 
diante da realidade. 
 Figuras distorcidas. 
 
 
 
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Como se consiste o pontilhismo? 
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Qual a direfença entre cores quentes, neutras e frias? 
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Descreva quais são as cores primárias, secundárias e terciárias: 
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Onde se deu origem ao imprecionismo? 
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