APOSTILA ENSINO MEDIO

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1 .2– HISTÓRIA DA ARTE: 
 
A ARTE PRIMITIVA 
O homem primitivo incapaz de entender e explicar muitos dos fenômenos da natureza faz uma arte que se 
concentra nas forças e no poder místico dos deuses. 
O que sabemos é que a pintura descoberta em algumas cavernas da pré-história foi criada pelo homem das 
cavernas. Relevos entalhos nas rochas, estátuas modeladas em barro, pedra, madeira ou osso, são as manifestações 
do homem primitivo isto aconteceu na Escultura. Na arquitetura constrói Dolmens e menhires. 
Sua pintura desta época possui atributos de magia. Não tem finalidade estética e sim, utilitária. A pintura pintada nas 
paredes das cavernas tinha a sensação de poder, sobre o que está representado. Seus temas são em geral de caças, 
abstrata, e sua evolução, comum representação para asa cenas do cotidiano. A pintura torna-se então o meio de 
comunicação entre eles. As cores variam entre o vermelho, pretas e amarelas, extraídas da terra e do sangue de 
animais. O aparecimento da música na pré-história dá-se em função do grande poder de atração que a natureza e seus 
ruídos exercem através sobre o homem primitivo. “A satisfação de exercitar seus músculos, o prazer de gritar, de bater 
sobre os objetos sem dissociar o gesto de seu efeito, pode ser a origem simultânea da dança, do canto, da música” 
(André Schaeffner). Sua música é predominante rítmica, pois estimula os movimentos, uma época em que o modo de 
vida das pessoas depende muito da boa saúde do corpo. Pouco a pouco o homem aprende a falar e, em seguida, 
percebe que através da voz pode criar sons que transmitem beleza. Estão descobertos os sons musicais. Mais tarde, 
manejando objetos encontrados na natureza, o homem aprende a produzir seus próprios instrumentos. Toda a música 
dos povos primitivos é cantada, tempo com acompanhamento instrumentos de percussão com tambores e chocalho. 
O canto é composto das palavras consideradas mágicas e tem a finalidade de afastara os maus espíritos que ameaçava 
prejudicar a vida da tribo. 
 
ATIVIDADE 
1- Complete: 
a) A arte do homem primitiva se concentra basicamente.......................e no...................... 
b) Os temas do homem primitivo são.............................. havendo uma evolução para................................., como 
representação, principalmente , de........................................... 
c) As cores mais usadas na pintura dos primitivos são de tonalidades............................., que extraído 
da............................, .............................e do................................... 
d) A sua pintura era composta de..................... e tinha a finalidade de.................................. 
e) A música do homem primitivo era predominantemente................................ e era toda......................tendo como 
acompanhamento..................como....................e....................... 
f) Como aperfeiçoamento dos objetos encontrados na natureza que reproduzem sons com beleza surgem os 
....................................... 
2- Responda: 
a- Cite alguns elementos que compõem a natureza morta? 
b) O que é pintura rupestre? 
c) Por que achamos que a pintura rupestre tinha caráter mágico? 
d) Arte do homem primitivo se concentrava basicamente em que , o que você sabe sobre esse fato? 
3- Coloque 
 (E ) para escultura primitiva; 
(A ) para arquitetura; 
(P ) para pintura; 
(M) para Música. 
( ) Possui atributos de magia. 
( ) Relevos entranhados na rocha. 
( ) Predominantemente rítmica. 
( ) Dolmens. 
( ) Representação de cenas de calçadas. 
( ) Estátuas modeladas em barro, pedra, madeira ou osso. 
( ) Finalidade de afastar os maus espíritos. 
( ) Menhires. 
4- Marque o certo: 
A pintura abstrata reproduz? 
( ) a realidade visível 
( ) idéias ou sentimentos 
( ) valorização dos ideais animais 
( ) todas estão corretas 
1.2- ARTE MODERNA 
 
2-I- RENASCIMENTO: 
Renascimento é o nome que se dá ao período que vai do século XV ao XVI.Fundamentado no conceito de que o homem 
é a medida de todas as coisas, significaram um retorno às formas proporções da antiguidade greco-romana.Este 
movimento artístico começou a se manifestar na Itália, mais precisamente em Florença, cidade que a essa altura já 
tinha se tornado um estado independente e um dos centros comerciais mais importantes do mundo.Em poucos anos, 
o renascimento difundiu-se pelas demais cidades italianas ,caracterizasse pela descoberta do mundo e do homem, 
inspira-se nos modelos greco-romanos, valorizando a beleza física e procurando a perfeição; há maior liberdade 
criativa, gosto pelo luxo , pela comodidade, pelos efeitos teatrais, expressão naturalista e dinamismo das figuras. 
Três períodos principais: Trecento(1300-1400): É o período , anunciado nos finais do século XII. Arte das decorações 
murais e das grandes tapeçarias com motivos de batalhas, caçadas, torneios e amor, com figuras extremamente bem 
desenhadas. Na pintura quem mais se destaca e Giotto. Quatrocento (1400-1500): para se estender pouco a pouco, 
em fins do século XV, quando as artes contam com a proteção dos Mecenas, nobres que acolhem os artistas e 
financiam as obras de artes. Na pintura destacam: a pintura religiosa, a pintura descritiva, o retrato e o desenho – 
esboço do pintor Leonardo da Vince cujas obras mais famosas são “A Última Ceia”- pintura de paredes de um 
refeitório monástico, em Milão , e a “Gioconda”- mias conhecida como “Mona Lisa”; Rafael Sanzio”, que além de 
arquiteto é exímio pintor e retratistas e autor de várias Madonnas. As figuras humanas exprimem energia, poder e 
movimento. Há um misto de convencionalismo e naturalismo, tanto na escultura como na pintura.Cincocentro (1500-
1600):A arte fui como na ciência, aparecendo a perspectiva, o claro-escuro, o estudo da natureza e o aperfeiçoamento 
da anatomia. Aparece o conceito de gênio com dádiva de Deus, como força criadora inata e o artista fez carreira, 
chegando ao cume da glória e da riqueza. Ele cria e impõe sua arte que chega a um ponto máximo de perfeição na 
pintura, na escultura e na arquitetura. 
Grandes nomes do Renascimento se projetaram neste século. Pode-se destacar então a figura de Miguel Ângelo que 
como pintor realiza “o juízo Final” e a “Criação do Homem” no teto da capela Sistina ; como escultora cria “Davi”, “La 
Pietà” e “Moisés” e como arquiteto projeta a Basílica de São Pedro, no Vaticano.nOutros nomes se destacaram na 
pintura; Tintoretto e Ticiano que, pelo dramatismo das figuras e exuberâncias dos movimentos , marcaram o início do 
barroco. 
A Música também apresenta grande desenvolvimento. A polifonia é maior manifestação do período, surgindo os 
grandes corais e havendo o enriquecimento da música instrumental. Quem contribui para o êxito da música polifônica 
é o músico Martinho Lutero que, fundando a Igreja Protestante, introduz aí o coral. 
Com a vida luxuosa e folgazã surgem as músicas profanas, as danças, as canções, a cançoneta, a cançõa de forma 
popular e o madrigal nos meios aristocráticos. 
 
2-II- BARROCO: 
Barroco (palavra cujo significado tanto pode ser pérola irregular quanto mau gosto) é o período da arte que vai de 
1600 a 1780 e se caracteriza pela monumentalidade das dimensões, opulência das formas e excesso de ornamentação. 
É o estilo da grandiloqüência e do exagero. Essas características todas podem ser explicadas pelo fato de o barroco ter 
sido um tipo de expressão de cunho propagandista. 
O absolutismo monárquico e a Igreja da Contra-Reforma utilizaram-no como manifestação de grandeza. Nascido em 
Roma a partir das formas do cinquecento renascentista, logo se diversificou em vários estilos paralelos, à medida que 
cada país europeu o adotava e o adaptava à sua própria idiossincrasia. Nações protestantes como a Inglaterra, por 
exemplo, criaram uma versão mais moderada do estilo, com edifícios de fachadas bem menos carregadas que as 
italianas. Um dos traços fundamentais desse vasto período é que durante seu apogeu as artes plásticasconseguiram 
uma integração total. A arquitetura, monumental, com exuberantes fachadas de mármore e ornatos de gesso, ou as 
obras de Borromini, caracterizadas pela projeção tridimensional de planos côncavos e convexos, serviram de palco 
ideal para as pinturas apoteóticas das abóbadas e as dramáticas esculturas de mármore branco que decoravam os 
interiores. 
INTRODUÇÃO PINTURA BARROCA 
As obras pictóricas barrocas, liberadas da geometria axial dos quadros do renascimento, caracterizaram-se pela 
composição radial, em que os personagens e os objetos pareciam disparar de um ponto central para as diagonais. As 
formas são voluptuosas e exageradas. As figuras adquirem expressividade e, envoltas em tecidos mórbidos, abraçam-
se umas às outras, em atitudes patéticas e dramáticas, às vezes até impossíveis. As diagonais se cruzam 
indefinidamente em planos diferentes, criando a sensação de que os personagens vão escapar do quadro. Os 
contornos se esfumam em rápidas pinceladas. O espaço é criado pelo contraste extremo do claro-escuro. Os temas 
favoritos devem ser procurados na Bíblia ou na mitologia greco-romana. É a época do hedonismo de Rubens, com seus 
quadros alegóricos de mulheres rechonchudas, lutando entre robustos guerreiros nus e expressivos feras.Também é 
a época dos sublimes retratos de Velázquez, do realismo de Murillo, do naturalismo de Caravaggio, da apoteose de 
Tiepolo, da dramaticidade de Rembrandt. Em suma, o barroco produziu grandes mestres que, embora trabalhando de 
acordo com fórmulas diferentes e buscando efeitos diferentes, tinham um ponto em comum: libertar-se da simetria 
e das composições geométricas, em favor da expressividade e do movimento. 
 
2-III –ROROCÓ: 
O rococó é um estilo que se desenvolve principalmente no sul da Alemanha, Áustria e França, entre 1730 e 1780. O 
nome vem do francês rocaille (concha), um dos elementos decorativos mais característicos desse estilo. Para muitos 
teóricos, o rococó nada mais é do que a coroação do barroco. Porém, embora à primeira vista suas formas lembrem 
maneirismos ainda mais intrincados do que os do período anterior, sua filosofia é bem diferente. Existe uma alegria 
na decoração carregada, na teatralidade, na refinada artificialidade dos detalhes, mas sem a dramaticidade pesada 
nem a religiosidade do barroco. Tenta-se, pelo exagero, se comemorar a alegria de viver, um espírito que se reflete 
inclusive nas obras sacras, em que o amor de Deus pelo homem assume agora a forma de uma infinidade de anjinhos 
rechonchudos. Tudo é mais leve, como a despreocupada vida nas grandes cortes de Paris ou Viena. O estilo colorido 
e galante predomina principalmente na decoração do interior de igrejas, palácios e teatros, mas também produz obras 
inquietantes na pintura e na escultura. Por outro lado, o refinado desenho de móveis, baixelas, cristais, e tudo o mais 
que se relacionasse com o conforto doméstico, que nessa época começa a ser um tanto comum para a burguesia e 
nobreza, deram lugar ao conceito moderno do que hoje em dia conhecemos como desenho industrial. 
A pintura rococó aproveita os recursos do barroco, liberando-os de sua pesada dramaticidade por meio da leveza do 
traço e da suavidade da cor. O homem do rococó é um cortesão, amante da boa vida e da natureza. Vive na pompa 
do palácio, passa o dia em seus jardins e se faz retratar tanto luxuosamente trajado nos salões de espelhos e mármores 
quanto em meio a primorosas paisagens bucólicas, vestido de pastorzinho. As cores preferidas são às claras. 
Desaparecem os intensos vermelhos e turquesa do barroco, e a tela se enche.. 
 
2-IV - NEOCLASSICISMO : 
O neoclassicismo é um movimento artístico que, ao renunciar às formas do barroco, e viveu o princípio estético da 
antiguidade clássica. Começou por volta de 1770, na França e Inglaterra, e estendeu-se para o resto dos países 
europeus, chegando ao apogeu em 1830. Entre as mudanças filosóficas, ocorridas com o iluminismo, e as sociais, com 
a revolução francesa, a arte deveria tornar-se eco dos novos ideais da época: subjetivismo, liberalismo, ateísmo e 
democracia. No entanto, eram tantas as mudanças que elas ainda não haviam sido suficientemente assimiladas pelos 
homens da época a ponto de gerar um novo estilo artístico que representasse esses valores. 
1-1 PINTURA NEOCLÁSSICA: o formalismo na composição e, refletindo o racionalismo dominante, há e exatidão nos 
contornos. O pintor David que introduziu a pintura. 
1-2-ARQUITETURA NEOCLÁSSICA: imitação dos modelos clássicos. 
1-3-ESCULTURA NEOCLÁSSICA: o italiano Canova. 
O tema principal da pintura neoclássica foi a antiguidade greco-romana.As figuras pareciam fazer parte de uma 
encenação teatral e eram desenhadas numa posição fixa, como que interrompidas no meio de uma solene 
representação. Na pureza das linhas e na simplificação da composição, buscava-se uma beleza deliberadamente 
estatuária. Os contornos eram claros e bem delineados, as cores, puras e realistas, e a iluminação, límpida. As figuras 
eram rígidas, sem vida, e os rostos, completamente sem expressão, simulavam máscaras das antigas tragédias gregas. 
As túnicas e capas caíam em dobras pesadas e angulosas, cobrindo as formas do corpo. Um enquadramento 
arquitetônico fechava a composição atrás e nos lados. A função narrativa era interpretada como uma gélida 
encenação. O fato histórico se subordinava à teatralização, à captação de um momento já morto. Pouco depois surgiria 
o romantismo, carregado de paixão e liberdade. Alguns artistas neoclássicos trilharam caminhos próximos à temática 
romântica, como Ingres, ou finalmente aderiram ao novo movimento, como fez Gericault. Em certos momentos, 
quando compartilham o gosto pelos temas exóticos e patrióticos, se não fosse a linha limpa de uma contra o traço 
carregado de tensão da outra, seria difícil estabelecer um limite claro entre os discursos das duas correntes artísticas. 
 
2-V-ROMANTISMO: 
O romantismo foi um movimento artístico ocorrido na Europa por volta de 1800, na literatura e filosofia, para depois 
alcançar as artes plásticas. Diante do racionalismo anterior à revolução, ele propunha a elevação dos sentimentos 
acima do pensamento. Curiosamente, não se pode falar de uma estética tipicamente romântica, visto que nenhum 
dos artistas se afastou completamente do academicismo, mas sim de uma homogeneidade conceitual pela temática 
das obras. A iconografia romântica caracterizou-se por sua estreita relação com a literatura e a poesia, especialmente 
com as lendas heróicas medievais e dramas amorosos,assim como com as histórias recolhidas em países exóticos, 
metaforizando temas políticos ou filosóficos da época e ressaltando o espírito nacional. Não se pode esquecer que o 
romantismo revalorizou conceitos de pátria e república. Papéis especiais desempenharam a morte heróica na guerra 
e o suicídio por amor. 
2-1-PINTURA ROMANTISMO: liberdade de composição se revela na exuberância de cor , nos contrates de luz e sombra, 
nas pinceladas livres, irregulares , mas que não chegam ao exagero 
2-2-ESCULTURAROMANTISMO: o dinamismo e o domínio da massa e alto relevo. 
2-3-ARQUITETURA ROMANTISMO: valoriza-se o gótico. 
 
2-VI-REALISMO: 
Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias, sobretudo na pintura francesa, uma nova tendência estética chamada 
Realismo, que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. O homem europeu, que tinha 
aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza, convenceu-se de que 
precisava ser realista, inclusive em suas criações artísticas, deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da 
realidade. 
São características gerais: 
o cientificismo 
a valorização do objeto 
o sóbrio e o minucioso 
a expressão da realidade e dos aspectos descritivos 
- ARQUITETURA 
Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas, criadas pela 
industrialização. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Elas precisam defábricas, estações, ferroviárias, 
armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, hospitais e moradias, tanto para os operários quanto para a nova burguesia. Em 
1889, Gustavo Eiffel levanta, em Paris, a Torre Eiffel, hoje logotipo da "Cidade Luz". 
- ESCULTURA 
Auguste Rodin - não se preocupou com a idealização da realidade. Ao contrário, procurou recriar os seres tais como 
eles são. Além disso, os escultores preferiam os temas contemporâneos, assumindo muitas vezes uma intenção 
política em suas obras. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. Obras 
destacadas: Balzac, Os Burgueses de Calais, O Beijo e O Pensador. 
- PINTURA 
Características da pintura; 
Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um fenômeno da natureza. 
Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza, pois a beleza está na realidade tal qual ela é. 
Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade 
Temas da pintura: 
Politização 
Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência 
da burguesia. 
Principais pintores: 
Courbet - foi considerado o criador do realismo social na pintura, pois procurou retratar em suas telas temas da vida 
cotidiana, principalmente das classes populares. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens 
mais pobres da sociedade no século XIX. Courbet dizia: "Sou democrata, republicano, socialista, realista, amigo da 
verdade e verdadeiro" 
Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. 
Jean-François Millet, sensível observador da vida campestre, criou uma obra realista na qual o principal elemento é a 
ligação atávica (características de ascendentes remotos) do homem com a terra. Foi educado num meio de profunda 
religiosidade e respeito pela natureza. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. Seus numerosos desenhos de 
paisagens influenciaram, mais tarde, Pissarro e Van Gogh. É o caso, por exemplo, "Angelus". 
2.3- ARTE CONTEMPORÂNEA 
O desenvolvimento industrial, o avanço da ciência e invenções que revolucionam a vida contemporânea, como o 
telefone, o trem de ferro, a luz elétrica, marcaram novos rumos para arte. Distancia-se o público da arte e esta penetra 
no mundo da ciência, como aplicação de conhecimento na obras criadas. 
A velocidade é o motivo do artista moderno. Do movimento perceptivo ele alcança o movimento real e mecânico, na 
obra de arte. 
Do figurativo passa-se ao abstrato, iniciado no impressionismo e terminado na rate abstrato. 
Principais movimentos das artes : 
3.1 –IMPRESSIONISMO: 
Estilo que inicia as pesquisas modernas aliadas aos valore plásticos da arte, o Impressionismo reflete, na criação 
artística, a transformação a as mudanças que ocorrem no mundo físico. O Impressionismo era rápida interpretação da 
realidade e uma verdadeira revolução no âmbito da percepção visual, os constantes movimentos que a luz solar produz 
na natureza e a registrar os instantâneos, os movimentos fugazes, as variações da luz que produzem a variabilidade 
da cor na natureza. Para tanto o artista deixa o ateliê e pinta ao ar livre, embora procure dar “impressão” de uma 
realidade. 
Entres os pintores, destacamos: Claude Monet, Pierr-Auguste, Renoir, Edgar Degas. 
Suas características são as seguintes: 
Diluição de contornos pelo efeito da luz sobre o objeto ou paisagem; 
Não há cor local e imutável: as mudanças da luz mudam as cores de um determinado objeto e as características de cor 
são determinadas pela incidência de luz projetada; 
Pintura de efeitos luminosos da natureza; 
Transformação das figuras em massa colorida (o que realmente interessa são as modificações que a luz produzir nelas); 
Menos profundidade no espaço e leve cor transparente. 
Na Música , em 1900, questiona-se a possibilidade de criar de novo no sistema tonal, já tão explorado. Alexandre 
Scriabim, compositor russo, idealiza uma música que “cheire”, provoque “visões”, sugira cores. 
Na França, Claude Debussy consegue compor uma música que, em vez de explicar, “Sugere”.Para tanto, desenvolve 
uma técnica que explora o encadeamento de acordes. 
3.2 – CUBISMO: 
O cubismo, uma das primeiras correntes artísticas das chamadas vanguardas históricas do século XX, manifesta-se na 
França entre os anos 1908 e 1910. Os pintores e escultores deste movimento afirmavam que na natureza é possível 
reduzir todas as coisas a formas geométricas perfeitas, mediante as quais elas podem ser representadas. Essa síntese 
da realidade é fruto de uma busca dos elementos mais fundamentais e primários das artes plásticas, de suas próprias 
raízes. De fato, uma das características principais do cubismo é a revalorização das formas geométricas – triângulos, 
retângulos e cubos, além, é claro, da proposição da pintura e da escultura como formas de expressão. Quanto ao nome 
dado a esse novo movimento, ele não partiu dos próprios artistas, mas dos críticos de arte da época, totalmente 
desconcertados diante desse novo caminho de expressão artística. 
Marcado pelo intelectualismo e irrealismo o movimento cubista tem em Cézanne o precursor, que sintetiza o 
movimento por esta frase: “tratar a natureza pelo cilindro, esfera, o cone”. Aplicando, procurando situar sua forma no 
espaços sem os processos da perspectiva. 
3.3 EXPRESSIONISMO: 
O expressionismo foi a primeira vanguarda artística do século XX que utilizou a deformação da realidade para dar 
forma à visão subjetiva do artista. Seus quadros foram os primeiros nos quais o objeto representado se distancia 
totalmente do modelo original. O termo expressionismo (com o sentido de retorcer, em alemão) foi cunhado pelo 
galerista Georg Levin em 1912. Com esse nome eram designados os grupos das vanguardas européias, como o Die 
Brücke (A Ponte), composto pelos pintores Emil Nolde, Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff e Max Pechstein. e o Der 
Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul), entre cujos representantes estava Vassili Kandinski, Franz Marc e August Macke e os 
artistas Oskar Kokoschka e Egon Schiele, na Áustria, e Georges Rouault, na França, para citar alguns.Sua visão, 
totalmente pessoal e às vezes agressiva da realidade, se formou mediante uma intensa deformação e abstração das 
formas e uma acentuação de linhas e contornos. Suas descobertas estilísticas seriam decisivas para os movimentos 
plásticos, tanto abstratos quanto figurativos, que surgiriam mais adiante no século XX. Uma das descobertas mais 
inovadoras foi a aplicação das teorias musicais à composição plástica. 
 
3. Em 1905, em Paris, no Salão de Outono, alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras), 
em virtude da intensidade com que usavam as cores puras, sem misturá-las ou matizá-las. Quem lhes deu este nome 
foi o crítico Louis Vauxcelles, pois estavam expostos uns conjuntos de pinturas modernas ao lado de uma estatueta 
renascentista. Usando cores puras , violentas , a pintura preconiza a liberdade na interpretação da natureza artística 
um mundo de cores novas e originais.os pintores recebem influências da pintura negra. A composição e dinâmica e 
abstrata tem como seu criador Gauguim. 
3.5 -FUTURISMO: 
O futurismo foi um movimento artístico que ocorreu na Itália de 1909 a 1916. e grande repercussão social, seus 
princípios foram o ponto de partida para a modernização da cultura italiana. Em 20 de fevereiro de 1909, o jornal 
parisiense Le Figaro publicou o primeiro manifesto futurista, assinado pelo poeta italiano Filippo Tomaso Marinetti. 
Suas bases eram totalmente revolucionárias, e ele foi o primeiro grito exigindo uma arte contemporânea. O poeta 
propunha a destruição de um mundo representado pelo governo, academias de arte e Vaticano, para fazer a sociedade 
italiana despertar para a nascente modernidade. Seu programa político abordava o divórcio, a distribuição de riquezas 
e a igualdade entre homem e mulher. Além disso, defendia a guerra como o único meio de mudar um mundo 
antiquado e decadente e o militarismo,como revalorização do sentido de pátria.Para conseguir pôr essas idéias em 
prática, não foi difícil para Marinetti contar com o apoio incondicional dos pintores mais jovens da Itália, do início do 
século: Balla, Boccioni, Carrà, Russolo e Severini. Eles também, cheios de entusiasmo revolucionário, redigiram seus 
próprios manifestos, nos quais assentavam as bases do que viria a ser a arte futurista: a máquina como única expressão 
do dinamismo e a velocidade como o novo sinal dos tempos.Também se unia a esta nova corrente o arquiteto Sant'Elia, 
que teorizava sobre umas arquiteturas caducas e transitórias, que não sobrevivesse ao homem. 
3.6 DADAISMO: 
O dadaísmo surgiu no ano de 1916, por iniciativa de um grupo de artistas que, descrentes de uma sociedade que 
consideravam responsável pelos estragos da Primeira Guerra Mundial, decidiram romper deliberadamente com todos 
os valores e princípios estabelecidos por ela anteriormente, inclusive os artísticos. A própria palavra dadá não tem 
outro significado senão a própria falta de significado, sendo um exemplo da essência desse movimento iconoclasta. 
O principal foco de difusão desta nova corrente artística foi o Café Voltaire, fundado na cidade de Zurique pelo poeta 
Hugo Ball e ao qual se uniram os artistas Hans Arp e Marcel Janco e o poeta romeno Tristan Tzara. Suas atuações 
provocativas e a publicação de inúmeros manifestos fizeram que o dadaísmo logo ficasse conhecido em toda a Europa, 
obtendo a adesão de artistas como Marcel Duchamp, ou Francis Picabia.Não se deve estranhar o fato de artistas 
plásticos e poetas trabalharem juntos — o dadaísmo propunha a atuação interdisciplinar como única maneira possível 
de renovar a linguagem criativa. 
3.7-ABSTRACIONISMO: 
Entende-se por arte abstrata toda manifestação das artes plásticas, seja na pintura ou na escultura, na qual se desistiu 
da representação natural ou ilustrativa da realidade, para dar vazão a composições independentes dela. É preciso 
esclarecer que não é possível se falar de uma arte abstrata própria e unificada. Na verdade, houve dentro dela várias 
correntes, que às vezes estavam muito próximas quanto à sua filosofia, outras vezes muito afastadas, mas todas se 
mantinham sempre dentro do limite não-figurativo.O pintor russo Kandinski foi o primeiro artista propriamente 
abstrato. Suas teorias sobre a abstração das formas como expressão do espírito humano determinaram uma mudança 
substancial na pintura e escultura do século XX. Juntamente com ele, Piet Mondrian, da corrente neoplástica, propôs 
a redução às formas geométricas puras de tudo aquilo que fosse representável. Essa foi uma proposta dos cubistas 
que o pintor levou a extremos totalmente não-figurativos, com a conseqüente racionalização da pintura.O fato de os 
artistas mais representativos da arte moderna européia terem-se mudado para os Estados Unidos, durante a Segunda 
Guerra Mundial, foi muito significativo para a difusão da arte abstrata. Muitos deles, convidados pelas universidades, 
deixaram entusiasmados os jovens artistas americanos, e lá fundou-se a American Abstracts Artistas, precursora da 
vanguarda expressionista abstrata. Donos de galerias e colecionadores apoiaram o desenvolvimento dessas novas 
tendências e gerou-se um mercado artístico dinâmico. 
3.8-SURREALISMO: 
O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente. Suas 
origens devem ser buscadas no dadaísmo e na pintura metafísica de Giorgio De Chirico. Este movimento, a exemplo 
de seus predecessores, pregou a transgressão dos valores morais e sociais, a nulidade das academias e a 
dessacralização do artista, com uma ressalva: ao niilismo fundamentalista do dadaísmo opôs uma atitude esperançosa 
e comprometida com seu tempo.A publicação do Manifesto do Surrealismo, assinado por André Breton em outubro 
de 1924, marcou historicamente o nascimento do movimento. Nele se propunha a restauração dos sentimentos 
humanos e do instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. Para isso era preciso que o homem 
tivesse uma visão totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto do espírito no qual a realidade 
interna e externa é percebida totalmente isentas de contradições. A livre associação e a análise dos sonhos, ambos os 
métodos da psicanálise freudiana, transformaram-se nos procedimentos básicos do surrealismo, embora aplicados a 
seu modo. 
3.9-OP-ART: 
Arte baseada nos estudos sobre a percepção. Exprime movimento de cores e formas pelos efeitos óticos que eles 
produzem. Seu criador é Victor Vassarely, 1965. 
Vindo do optical art( arte da ótica) a Op-Art é uma oposição à Pop-Arte, e uma das correntes mais intelectualizadas da 
arte contemporânea. 
3.10-POP-ART: 
A arte pop surgiu nas cidades de Londres e Nova York como a expressão de um grupo de artistas que procuravam 
valorizar a cultura popular. Para isso, serviram-se tanto dos recursos da publicidade quanto dos demais meios de 
comunicação de massa. Histórias em quadrinhos, cartazes publicitários, elementos de consumo diário e a nova 
iconografia, representada por astros do cinema, da televisão e do rock, passaram a integrar a temática central dessa 
nova corrente, não sem uma certa ironia crítica.As atividades desses grupos começaram em Londres, por volta de 
1961, sob a forma de conferências, nas quais tanto artistas quanto críticos de cinema, escritores e sociólogos discutiam 
o efeito dos novos produtos da cultura popular originados pelos meios de comunicação de massa, especialmente a 
televisão e o cinema. 
1.3- ARTE E TECNOLOGIA: IMAGENS EM MOVIMENTO 
3-1- FOTOGRAFIA 
Como as fotos são feitas; a palavra “ fotografias” vem do grego significa “desenhos de luz”.Chama-se assim porque as 
imagens conseguidas utilizado-se luz e alguns materiais especiais como: papel fotográfico, é um tipo de papel que 
quando em contato com a luz, escurece ou muda de cor.Para ver as zonas do papel que ficaram escurecidas, é preciso 
revelá-lo.Todas as câmeras têm lentes,é um vidro redondo, mais grosso no centro .como a lupa, serve para concentrar 
ou separar os raios de luz.Além disso o mecanismo que seve para medir a quantidade de luz através do orifício da 
câmera ou para enfocar é a maneira que os objetos ou pessoas que se quer fotografar sejam vistos com nitidez. 
Como se consegue o negativo;é uma imagem na qual está invertida em relação ao modelo é escuro aparece claro e 
eu é claro aparece escuro. 
Os principais elementos da maquina fotográfica: 
Objetiva: depende da quantidade dos cristais que compõem a objetiva. 
Foco: girando o anel, a imagem pode ficar nítida ou não. 
Diafragma: a quantidade de luz que entrará na lente, na hora do disparo. 
Obturador (tempo de exposição): é o click da máquina. 
Fotômetro: é um sensor instalado no interior da máquina. 
Processo da revelação: dos filmes preto e branco é diferentes dos coloridos. Do filmes preto e branco é o seguinte: 
num quarto escuro, colocamos o filme numa espiral, e essa dentro de um tanque de revelação, então começam as 
etapas químicas. 
1ª Revelação: os sais de prata que receberam luz são transformados em prata enegrecida, formando uma imagem 
negativa. O tempo de banho varia conforme o revelador 
2ª Interruptor: a revelação é interrompida por um banho ácido. 
3ª Fixação: os sais de prata que não recebem luz são retirados e a imagem é estabilizada. Somente aqui o tanque pode 
ser aberto. 
4ª Lavagem: banho co água corrente para eliminação dos resíduos químicos. 
5ª Secagem: local livre de poeira, o filme é pendurado para secar. 
A ampliação PB: num quarto escuro com luz vermelha, o negativo é colocado no ampliador, que projeta a imagem 
sobre o papel fotográfico. 
O processo colorido: para a revelação de filmes e papéis coloridos, os laboratórios comerciais possuem equipamentos 
adequados, rápidos e automatizados. 
Fotografia digital: máquina fotográfica que usa disquete dispensa o uso de filmes e revelação. É uma câmara 
com scaner. O computador, amigoda imagem. 
Questionário e prática 
1-Quais as providências você precisa em relação a máquina fotográfica para fazer a foto? 
2-Onde surgiu e por quem a fotografia? 3- porque o fotografo é um artista? 
4-Qual o processo da fotografia? 
5-Qual o processo da máquina? 
6-Trabalho prático de colagem com as fotografias: 
a)Esta fotografia passa uma mensagem .Qual? 
b)Quais elementos principais da foto? 
c)Q que você vê em primeiro plano? 
d)E no segundo plano? 
e)Se invertamos a posição o significado seria o mesmo? Por quê? 
3-2-CINEMA 
SEMINÁRIO: 
A critério do professor, que tem que pensar no tempo de preparação e de apresentação do seminário, levando em 
conta, sempre, o ritmo do agrupamento. 
Ao final da atividade, espera-se que os alunos estejam aptos a: analisar um determinado momento histórico de um 
passado distante; compreender o que a arte do Cinema a sua importância; saber informar-se para explicar fatos do 
passado; transmitir com eficácia informações pesquisadas; dominar o registro formal e os recursos técnicos; saber 
elaborar um esquema orientador da fala a seguir: 
Quando começou e por quem? 
Cite os grandes cineastas brasileiros e seus filmes? 
Princípio básico do cinema brasileiro? 
Você já assistiu a algum filme nacional? Qual 
Quais os filmes brasileiros premiados internacionalmente? 
3-3- TELEVISÃO 
Apresentação do trabalho; o aluno devera montar uma dramatização do que ocorre na televisão como um 
telejornalismo, uma cena da novela etc.. 
Questionamento: 
Quando começou e por quem fez a televisão brasileira? 
Quais são os equipamentos ou etapas para que o sinal chega em sua casa? 
Quais os principais elementos de programação? 
Quais os principais personagens que nunca aparecem em uma dada programação? 
O que é a imagem que você vê na tela de sua televisão? 
Pesquise : visite um estação retransmissora. Veja como ela é constituída. 
Recursos: 
Cartolina para confeccionar cartaz, lápis preto, lápis de cor, borracha, caneta hidrocor, apagador, papel, mimeógrafo, 
giz, lousa, apagador e giz. Caso a escola tenha retroprojetor, providenciar folhas de transparência. Xerox, videocassete, 
fita de vídeo ou assistir um filme no cinema e comentar o enredo. 
II.2- A ARTE NA SOCIEDADE DE CONSUMO: 
A vida agitada dos dias de hoje obriga o homem a olhar tudo com muita pressa. O tempo se torna escasso e as 
mensagens devem ser transmitidas com Maximo rapidez e de modo que sejam facilmente interpretadas. torna-se 
necessitaria uma linguagem altamente simbólica que sintetize e simplifique as informações recebidas diariamente. 
Assim os símbolos passam a ser criado tendo em vista a comunicação, através de umas informações concentradas, 
rápidas, simples e de reconhecimento imediato. 
Este tipo de linguagem simbólica, já usada desde as primeiras sociedades e representada atualmente pelo desenho é 
considerado para convencer o receptor a obrigá-lo a agir. Assim, abusa-se dos adjetivos elogios, dos comparativos, 
superlativos e de neologismos que oferecem grande interesse pelo mistério do desconhecido. É essencialmente 
apelativa e emotiva: amor estima, medo, timidez são sentimentos explorados no contexto de muitos cartazes de 
propaganda. Criam-se slogans, frases simples que cercam o produto de uma “auréola mágica”. Os slogans são usados 
na propaganda para convencer o público a comprar os produtos oferecidos. 
Os logotipos são altamente utilizados na comunicação visual. Estes símbolos são mais comoventes adotados no 
comércio e na indústria. Logotipo é marca que identifica o produto, caracteriza uma empresa ou casa comercial!.É 
constituído de um grupo de letras, palavras, formas ou siglas compostas harmoniosamente, podendo ser coloridos ou 
não. São utilizados nas propagandas (cartazes, outdoors,placas)etc... 
As marcas devem reunir qualidades básicas para conseguir boa comunicação verbal: 
Despertar a atenção : a primeira imagem é a que desperta interesse no observador, atraindo os olhares dos que as 
contemplam; 
Ser simples: deve-se eliminar linhas ou formas supérfluas, apresentando apenas o essencial; 
Ser de fácil memorização: a imagem deve ficar gravada com facilidade na mente do observador para que , em outras 
ocasiões, mesmo sem a legenda , ele se lembra da mensagem por ela transmitida; 
Ser de fácil reprodução: podendo ser ampliada ou reduzida sem sua legibilidade ou beleza. O desenho deve manter-
se claro e atraente, tanto em grandes como em pequenas dimensões. 
A elaboração de um logotipo apresenta três fases: 
Rough ou esboço inicial- onde se faz o registro das idéias iniciais em forma de desenho. Não precisa ser claramente 
definido. 
Lay- Out- é o aperfeiçoamento do desenho para que ele se torne apresentável. Nesta etapa é dada uma visão geral 
das formas e das cores que o trabalho vai ter. 
Arte Final- é o Lay-aut repetido e passado a limpo com todos os detalhes, pronto para ser impresso tipográfico; é 
original feito pelo desenhista (designer) onde as cores geralmente são indicadas por código. 
ATIVIDADE 
1- Complete: 
............................................é a marca que identifica o produto. 
O......................................é um grupo de letras ...........................,.........................ou siglas , 
compostas.........................................................podendo ser coloridas ou não. 
Os ................................... são fases criadas para a publicidade. Cercam o produto de uma............................................... 
para convencer...............................a adquiri-lo. 
A................................... da propaganda é ...........................,.................................Os sentimentos são.....................no 
contexto de muitos cartazes. 
Para despertar a atenção , a mensagem de propaganda deve ser....................de fácil memorização , 
de................................. e por fim ..............................á primeira imagem. 
2. Responda: 
a) o que você sabe sobre logotipo? 
o que você sabe sobre propaganda? 
O que é slogans? 
3- Numere: 
1-Rough ( ) apenas o essencial deve ser considerado. 
2-Lay-out ( ) mensagem visual sintetizada. 
3- Arte final ( ) é o lay-out passado a limpo. 
4 -FAUVISMO: 
4- Logotipo ( ) frases que servem para vender um produto. 
5- Slogan ( ) é onde se faz o registro da idéia inicial. 
6- Simplicidade ( ) visão geral de formas e cores. 
4- Parte prática , fazer uma propaganda de um produto ( em três folha de papel , recorte do produto, tesoura, cola 
canetas coloridas ,régua e lápis) 
II.1- CULTURA 
CULTURA EUDITA: centralizada no sistema educacional; passa obrigatoriamente pela escola . Num pai semiletrado 
como nosso , o conhecimento exige o domínio de conceitos e de linguagem que excluem todos aquele que se tornou 
comum ironizar, chamando de “economês”, “sociologês”, “linguistiquês”, etc.. , como se fosse língua estranha. A 
cultura erudita pressupõe uma grande bagagem de conhecimento . Esta intimamente ligada ´a classe dominante, ou 
seja , a que detém poder político e ou econômico muna sociedade. Ela que determina a seleção de conhecimento que 
chega ao público da escola. Está ligada também a instituição que muitas vezes negam a diversidade cultural ou que se 
põem no papel de defensores da “verdadeira cultura”. 
CULTURA PUPULAR: Basicamente iletrada, vivida e criada pelo homem rústico; há visões que alteram o significado 
dessa cultura . Uma delas encara a cultura popular com atraso primitivo que dispara com a educação e com a influência 
do meio de comunicação. Outra defende os valore culturais do povo como sendo entocáveis, já que seriam as 
verdadeiras expressões da alma nacionais. 
Ambas as visões pecam pro encarecem esse “povo” de forma distorcida, uma vez que separam o cotidiano das 
camadas populares do seu fazer cultural; o homem rústico, do campo, o suburbano, o urbano marginalizado todos 
aqueles cuja expressão cultural não usa, necessariamente, a escrita seu cultural une corpo e alma , o físico e o 
simbólico; expressam um modo de viver. Daí podem considerarcultura popular as danças, o candomblé, a escola de 
samba, os modos de plantar à bebida, o modo de rir ou chorara, os modos de cumprimentar , as simpatias enfim , 
tanto objetos como expressões físicas ou espirituais de um povo. 
CULTURA CRIADORA: individualizada por artistas e intelectuais; é que se coloca no limite das culturas erudita,popular 
e a de massa: a cultura criadora, produzida por artistas e intelectuais que muitas vezes quebram padrões consagrados 
.Talvez posamos chama-los de cultura de vanguarda : a que está á frente do seu tempo.ex : quadro impressionista 
CULTURA DE MASSA: ligada à indústria de consumo; a evolução tecnológica dos meios de comunicação faz com que 
se universalizem esse banalizem cada vez mais alguns bens culturais: novela, TV, etc... Voltados para o consumo, esses 
bens fabricados em serie reforçam valores já estabelecidos; têm apelo imediato ás emoções, oferece um mundo 
simplificado maniqueísta; o bem e o mal; o certo e o errado. ((Márcia Kupstas e Maria Tereza, 
III.3- ARTE VISUAIS E PRESERVAÇÃO DO PATRIMÔNIO HISTÓRICO: 
ARTE BRASILEIRA 
3- 1– PRÉ-HISTÓRIA E INDÍGENA: 
Quando os portugueses, descobridores e colonizadores, chegaram ao Brasil, encontraram os indígenas ainda na Idade 
da Pedra. Sua arte expressa na cerâmica, tecelagem, arte plumária, decoração de ramas e adornos pessoas, reflete 
bem essa situação. 
Na arquitetura o material usado é 
Na pintura seve como elemento decorativo para enfeitar armas, utensílios, cerâmicas e até o próprio corpo,. Usam 
motivos abstratos, Zoomóficos e antropomórficos. As pinturas geométricas, típicas dos marajoaras, tornam-se símbolo 
da pintura indígena brasileira, hoje muito encontrada no Marajó e em Santarém. 
A cerâmica é também , nesta época , a manifestação máxima da escultura primitiva. As influências dos primitivos 
indígenas são sufocadas pela cultura dos colonizadores. O mesmo acontece, um pouco mais tarde, com os africanos . 
Na condição de escravos não podem expandir e desenvolver livremente a sua cultura.Hoje , na arte popular, as 
influências indígenas e africanas podem ser percebidas com muita expressividade. Entretanto, na arte erudita, sofrem 
transformação européia. 
3- 2- BARROCO NO BRASIL: 
A arquitetura reflete o barroco português. O arquiteto Francisco Dias , jesuíta, é o iniciados da arquitetura religiosa no 
Brasil. Suas idéias fixam de forma definitiva as características do estilo, próprias da nossa arquitetura jesuítas.Partindo 
do modelo inicial da Igreja de Jesus em Roma e inspirando-se nas modificações de São Roque, em Lisboa, as Igrejas do 
Brasil tem sempre estes elementos como variação: um retângulo, um frontão triangular (herança grega) encimado por 
uma cruz, janelas no coro e uma porta na entrada. 
Os principais monumentos da arte colonial do Norte e Nordeste encontram-se no Pará (Belém e Vigia). Em Belém 
destacam-se as igrejas de Santo Alexandre, das Mercês e Catedral ; no Maranhão (São Luís e Alcântara), onde , além 
das igrejas destacam-se os sobrados azulejados; no Piauí(Oeiras) e no Ceará( Fortaleza), embora nestes dois últimos 
Estados as manifestações sejam menos ricas em obras de arte.É enorme a influência da arte portuguesa no litoral. Os 
artistas são, em geral , portugueses e só no final do barroco surgem os primeiros artistas brasileiros. Há inúmeras 
manifestações barrocas em Pernambuco (Olinda e Recife), Paraíba (João Pessoa), Espírito Santo (Vitória) e Bahia 
(principalmente em Salvador, onde a Abadia de São Sebastião, Construída em 1581, é a mais antiga de toda a América 
, e o convento de São Bento o que mais próxima da Igreja de Jesus em Roma). 
No litoral Centro –sul as mais importantes obras do século XVII e estão localizadas no Rio de Janeiro e São Paulo.Minas 
Gerais é o mais importante centro Barroco brasileiro , pela originalidade de suas obras, as ordens religiosas não terão 
a influência que tiveram em outras regiões.O movimento das Estradas e Bandeiras e extração do ouro fazem nascer 
uma sociedade forte. O apogeu do ouro vai de 1710 à 1760. neste período surgem. 
As principais construções dando Ouro Preto, Mariana , São João Del Rei,Sabará, Diamantina e outras centros , o 
aspecto urbano que conserva até hoje.Os artistas Manuel Francisco Lisboa, pai de aleijadinho; Francisco Pombal, os 
irmãos Arouca e Xavier de Brito.Antonio Francisco Lisboa, o Aleijadinho , é o maior pintor, escultor, e 
arquiteto.,inovando o espaço, a talha, a escultura, revolucionando o barroco, Atinge o rococó. As obras de Aleijadinho 
estão principalmente em ouro preto, e congonhas, com seus trabalhos em escultura “Os Profetas”, feitas em pedras 
sabão, a igreja de São Francisco de Assis em Ouro Preto, notáveis revelo e composição. 
ATIVIDADE 
1-Responda: 
a) São expressões da arte indígena brasileira ? 
b) São elementos utilizados na arquitetura indígena? 
c) Quais os elementos decorativos? 
d) Como se processa a influência indígena e negra na arte brasileira? 
e) Os principais monumentos da arte colonial do Pará? 
f) O importante centro Barroco Brasileiro ? 
g) Os movimentos responsáveis pelo surgimento de uma sociedade econômica e socialmente forte? 
h) Quando a pintura Barroca vem a florescer e encontrar o ápice de sua ascensão? 
i) quem maior artista do período colonial brasileiro? 
j) Onde se encontra as principais obras de aleijadinho e suas obras? 
REFLETINDO SOBRE A PINTURA DE ALEIJADINHO: 
Observando atentamente o quadro e o painel, que detalhe você não havia percebido na primeira vez que os viu? 
Que mensagem cada pintor quis transmitir com a pintada? 
3- Que sentimento cada pintor transmite com a sua pintura? 
4- Mesmo sem saber a data em que o painel e o quadro foram pintados , que detalhes levem o observador a perceber 
que se trata de épocas diferentes? 
5-Analise cada detalhe que compõe a cena retratada pelo pintor , levando em consideração os seguintes elementos: 
Cores. 
Formas. 
Jogo de luz e sombra e lateral. 
Planos central e lateral. 
Expressividade das personagens -rostos e gestos. 
Combinação de conjuntos (entre os elementos construtivos). 
2-Levando em consideração os elementos observados, analise as duas pinturas. Estabeleça semelhanças e diferenças 
entre elas. 
II.-ARTE VISUAIS 
ARTES VISUAIS: 2.1-Elementos da sintaxe da linguagem visual: 
Formas Tradicionais: pintura, escultura, desenho, gravura, arquitetura, artefato e desenho industrial; 
Tecnológico: fotografia, artes gráficas,cinema,televisão,vídeo,computador,performance, 
os quadrinhos,teatro,dança,publicidade,computação gráfica . 
obs: cada modalidade se apresenta de maneira diferente no âmbito visual mas se compõem expressões e 
representações da vida em formas estáticas ou em movimento bi e tridimensionais.Educar para que na utilização da 
visualidade necessidade de educação visual para saber/caber e distinguir sentimentos emoções sensações,idéias e 
qualidades para o aluno desenvolver a sensibilidade e festividade e seus conceito e desenvolvimento crítico 
De que forma trabalhar Artes Visuais:informações,conteúdo,experiências relacionadas com diversos materiais as 
técnica e as formas visuais diversas e em diversos momentos da história incensive contemporâneo desenvolvimentos 
criação,percepção,imaginação,sensibilidade,conhecimento e produção industrial de grupo. 
Elementos que compõem a artes visuais: ponto linha, plano, cor, movimento e ritmo. Além desses elementos 
consideram-se técnicas procedimentos, informações históricas. 
Para conhecer as artes visuais: não basta apenas significado da produção; regras ou conceitos; relações de figura-
fundo; ambigüidades visuais; ilusões de ótica; movimentos aparentes; abstrações; unimétrio; interpretação de artistas 
e de espectadores nas diversas culturas e épocas. 
Objetivo de exercitar e analizar: o modo de ver olhar e observar está contido/nas artes visuais de despertando o 
domínio da visualidade e da comunicação visual na vida cotidiana. 
Produzir e analizar em artes visuais:não poderá está isolado do contexto social. 
Elementos de visualidadee suas relações compositivas:superfície;espaço,volume, 
Linha,textura,cores,luz.:articulações expressivas,movimento(mais ou parentes),direções, 
Ritmos, assimetria,contrastes,tensões,proporção. 
As artes visuais e a comunicação na vida contemporânea. 
Fotografia: foi desenvolvida a partir do ínicio do séc. XIX .A fotografia não é a própria realidade, é um sistema de fazer, 
representar de expressão médico pela fotografia que faz a transposição do espaço e tempo focalizando para a 
bidimensionalidade,resultado em imagens fixas quando a realidade é móvel. 
Cinema: arte de imagens em movimento imagens estreito vinculados com a fotografia 
Obs:atividade imaginativa em uma atividade criadora resulta de reformulação de experiência viva da e combinadas 
com o mundo real. 
Imaginação: novas imagens, idéias e conceito que vinculam a fantasia á realidade, produção imaginativa, tem relação 
com a realidade, constituída de novas elaborações afetivas e sociais 
-A SEMANA DE ARTE MODERNA 
SEMINÁRIO: 
Quando aconteceu? .Possível resumo de texto para o aluno : 
"Semana de Arte Moderna é a denominação de um movimento artístico e literário que lançou os fundamentos do 
Modernismo no Brasil. Naquela época se fazia necessária uma revisão do conceito de arte; uma mudança de postura 
em relação à arte acadêmica presente na sociedade brasileira da época, influenciada pela Europa; era necessário 
romper com o que vinha de fora, ou seja, os artistas intelectuais exigiam uma valorização da cultura nacional. Realizou-
se em São Paulo, nos palcos do Teatro Municipal. Apesar da denominação, a Semana limitou-se há três dias: 13, 15 e 
17 de fevereiro de 1922. Segundo os especialistas, foram três dias de festivais, ou como muitos dizem, foram três 
escandalosas sessões (para uma cidade provinciana como era a cidade de São Paulo na época) de música, poesia, 
dança, artes plásticas, literatura." 
Quem participou ? Quais eram os objetivos: romper com a arte acadêmica de influência européia; buscar uma 
identidade nacional para a arte brasileira, tanto na música, como na literatura, nas artes plásticas, “Com a colaboração 
direta de pintores - Anita Malfatti, Di Cavalcanti Vicente do Rego Monteiro...; escultores - Victor Brecheret, Wilhelm 
Haerberg e Hildegardo Leão Veloso; Arquitetura - Antonio Garcia Moya e Georg Przyrenbel; música - Villa-Lobos, 
Alfredi Corazza ...; escritores - Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti Del Picchia... a Semana tinha como 
objetivo apresentar o melhor da produção antiacadêmica brasileira, rompendo com o academicismo europeu que 
tanto influenciava a produção artística no Brasil, sendo a primeira tentativa oficial de propor um modelo de arte 
nacional. Os patrocinadores do movimento eram pessoas pertencentes à elite cafeeira de São Paulo, unidos a outros 
do Rio de Janeiro (Di Cavalcanti, Anita Malfatti, Clarice Lispector, Oswald de Andrade, Mário de Andrade)”, Menotti 
Del Picchia, (entre outros)." 
O que diziam os apresentadores em seus discursos Reação do público?."O público que compareceu ao Teatro 
Municipal, nos três dias, vaiou e aplaudiu os modernistas. No saguão do teatro havia uma exposição de pinturas, 
esculturas e projetos de arquitetura dos vanguardistas. Em seu discurso, na primeira noite, o escritor Graça Aranha, 
remetendo-se à exposição disse: "Para muitos de vós, a curiosa e sugestiva exposição que gloriosamente inauguramos 
hoje é uma aglomeração de horrores (...) Outros horrores vos esperam". A platéia pouco entendia o que estava 
acontecendo. A literatura, tema da segunda noite, também deixou a platéia atônita. Oswald de Andrade, após ler 
trechos de seu romance inédito, Os Condenados, disse: "Carlos Gomes é horrível!”, a platéia se exaltou, vaiou e xingou 
o escritor”. 
Repercussão e contribuições desse movimento para a arte brasileira. "Para os estudiosos no assunto, os artistas, sem 
possuírem, naquele momento, um ideário estético propriamente dito, buscou, cada um a sua maneira, lançar as bases 
para uma forma de expressão tipicamente brasileira, que seguiria na elaboração de um espírito crítico diante da 
realidade nacional, refletindo, nas décadas seguintes, na produção cultural do Brasil. Quase um século depois, o que 
objetivamente pode-se dizer do evento é que se tratou de um verdadeiro marco divisório da cultura brasileira, já que 
os primeiros produtores artísticos, em cumprimento a uma política colonialista, até então copiavam e adotavam o 
academicismo europeu e o que os modernistas queriam era, de fato, romper com essa postura e mostrar uma 
identidade nacional." 
Sobre o movimento e artistas : um grupo de artistas chefiados por Oswald de Andrade, recém- chegado da Europa 
lança a semente de um movimento criticando atraso do Brasil em relação aos movimentos internacionais, o 
academicismo e o arcaísmo da arte brasileira. 
De 1923 a 1928 o Futurismo, o Cubismo, o Expressionismo e o Surrealismo são aos estilos que mais salientam nas 
obras de artes, explorando as formas e cores nacionais. Tarsila do Amaral tem um participação efetiva no movimento 
modernista deste período; seu tema é o Brasil primitivo , com suas lendas e suas estórias. 
De 1 930 a 1950 a arte moderna está em todo Brasil, voltada para a temática social. Cândido Portinari é a principal 
figura do período. Suas obras destacam a seca nordestina com suas figuras esquálidas, retratando a miséria. 
No final de 30 o grupo modernistas começa a se separar por divergências políticas, resultando dos conflitos ideológicos 
da época. 
Na década de 60 o Brasil Integra-se à vanguarda internacional. O artista , dentro de uma linguagem universal, elaborara 
algo novo, baseado no seu ambiente , recebendo críticas e sendo homenageado fora do país. Surgem novas tendências 
como Neo- Realismo, a Pop-arte, A arte Fantástica, o Neo- concretismo, e outras vanguarda. 
ATIVIDADE DE SEMINÁRIO: 
1-O que foi arte moderna? 
2-Quando começou e por quem? 
3-São representantes da semana da Arte moderna : 
Na Música; 
Na Literatura; 
Na Pintura; 
Na Escultura; 
Na Arquitetura; 
Na Gravura; 
4-Quais os estilos do período de 23 a 60? 
5- Repercussão e contribuições desse movimento para a arte brasileira? 
6- Qual a base crítica do movimento modernista? E como o público reagiu? 
7- Numere: 
Pintora cujo tema predileto é o Brasil primitivo ( ) Oscar Niemeyer 
Representante da gravura na arte brasileira ( ) Ismael Néri 
Principal figura do período de 30 à 50 ( ) Tarsila de Amaral 
Lançador da semente modernista no Brasil ( ) Oswald de Andrade 
Representante da escultura brasileira ( ) Lúcio Abramo 
( ) Mário de Andrade. 
( ) Grassman 
( ) Brecheret 
( ) Cândido Portinari 
( ) Goeldi 
( ) Lúcio Costa 
III-HISTORIA DO TEATRO 
No Brasil 
Aos indígenas os jesuítas - que até 1759 foram os únicos responsáveis por qualquer ensino instituído no país e cujas 
marcas ainda estão presentes no meio escolar atual - destinavam um ensino catequético, no intuito de evangelizá-los. 
Este ensino dividido em dois modelos persistiu rígido até a década de trinta deste século, quando começou a ser 
modificado. Porém, hoje em dia ainda percebe-se uma grande diferença na qualidade de ensino oferecida aos ricos e 
aos pobres.Pode-se dizer que foram os jesuítas quem primeiro trouxe o teatro para o Brasil,No período colonial 
destaca-se Jose de Anchieta, nesta época também e importante à figura de Antonio Jose, o Judeu , autor de muitas 
peças teatrais. 
Em 1810 D.João VI manda construir o Real Teatro de São João (hoje teatro João Caetano) onde se apresentam 
companhias portuguesas.Durante o reinado de D.Pedro I surgem o primeiro grande autor:João Caetano dos Santos, 
que ganha fama como inspirado intérprete das tragédias de Shakespeare e Martins Pena, autor de diversas comédias 
de costumes ( “O Juiz de paz na roça”, “O Judas em sábado de Aleluia”, “O Noviço”) que faz um retrato da sociedade 
da época. 
Durante o Naturalismo é intensa a influência francesa e, por imitação ao que se fazia por lá, surgem , no Brasil , novos 
gênero, como a revista, a operetae o café-concreto que, por aproveitarem a música, atraem bastante o público 
interessado apenas em distração e divertimento fácil. 
O Teatro Operário é um bom exemplo do uso do teatro de diversas maneiras, inclusive para o incremento da educação, 
entendida aqui como esforço para a formação ética, emocional e sensitiva das pessoas.O estudo do Teatro Operário 
na cidade de São Paulo mostra um outro modo de organização coletiva com vistas à formação do homem para a 
participação numa sociedade fundamentada na ideologia libertária. Nesta formação o teatro cumpriu papel 
importante durante mais de três décadas, desde o final do século XIX até a década de trinta, quando a ação e a 
repressão do governo - que agia energicamente contra o sindicato operário e seus principais militantes desde as 
grandes greves do final das "Escolinhas de Arte" e as "Escolas Parque" que existiram no Brasil estão sendo estudadas 
para que venham completar este relato sobre algumas experiências fora da instituição tradicional de ensino. 
Anos 40 Fugindo da guerra, atores e diretores europeus refugiam-se no Brasil. Um deles, o polonês Zbigniew 
Ziembinski, dirige a peça Vestida de Noiva, de Nelson Rodrigues, que estréia em 1943 no Rio de Janeiro e revoluciona 
oteatro nacional. A iluminação ganha movimento. O cenário é dividido em planos distintos com três tempos da 
narrativa: a realidade, a memória e a alucinação da personagem principal, Alaíde. Outro fato marcante da década: em 
1948, o industrial italiano Franco Zampari cria em São Paulo o Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), que lança novos 
atores como Paulo Autran, Cacilda Becker e Sérgio Cardoso e dá prioridade a textos de autores estrangeiros. O TBC se 
fragmenta em diversos grupos no final dos anos 50, com a morte de Zampari. 
Algumas Obras Importante São Então Encenadas Pelo Novo Grupo, Como :” Eles não usam black-tie”(de Gianfrancesco 
Guanieri), “Chapetuba Futebol Clube”( de Osvaldo Vianna Filho), “Revolução na “América do Sul” ( de Augusto Boal). 
Anos 60 no RJ ,O Teatro de Arena traz para o palco os problemas do povo em peças nacionais, escritas por revelações 
como Augusto Boal, Gianfrancesco Guarnieri e Oduvaldo Vianna Filho. O Arena faz diversas peças musicais sobre 
temas históricos, a exemplo de Arena conta Zumbi e Arena conta Tiradentes. Novamente, mudam as regras: um 
mesmo ator representa várias papéis, alterando a inflexão de voz, a postura e o figurino. De modo semelhante, o 
Grupo Oficina, dirigido por José Celso Martinez Correa, põe em cena peças sociais de autores como Brecht e monta O 
Rei da Vela, escrita em 1934 por Oswald de Andrade, mas proibida por Getúlio Vargas na época. A ditadura não deixa 
por menos: Roda Vida, uma das montagens do Oficina em 1968, é taxada de subversiva, o teatro é invadido e os atores 
são espancados pela polícia.Nelson Rodrigues que rompe os limites da consciência e mergulha no subconsciente, alem 
de abordar aspectos sócias.Suas peças mais importantes são:”Vestido de Noiva”, “Álbum de Família”, “Senhora dos 
afogados”,”A Falecida”,” Boca de ouro”,” Beijo no Asfalto”,” Toda Nudez Será Castigada”. 
No ciclo do café, destaca-se Jorge Andrade cuja as peças são: “Marta, A Árvore eo Relógio” . Mais tarde escreve 
“Milagre na Cela”, Ariano Suassuma traz o teatro de tradiça do auto com elementos folclore nordestino . Destaca-se 
de duas peças “Auto da Compadecida” e “A Pena e a Lei”.Plínio Marcos autor que, pela sua originalidade e pela 
violência de sua temática e linguagem , suas obras foram “Dois Perdidos numa Suja” e “Navalha na Carne”. Além 
desses autores , é claro que existem ainda muitos que pouco a pouco vão se firmando no quando geral do teatro 
brasileiro como ,por exemplo, Chico Buarque de Holanda, que nos deu “Calabar”, “Roda-Viva” e “ “João Neves”, autor 
de “o Ultimo Carro’ 
Anos 80 Desde o final da década anterior, avança o trabalho de grupos inovadores e irreverentes, como Asdrúbal 
Trouxe o Trombone, do Rio de Janeiro, cuja montagem de Trate-me Leão, sobre a falta de perspectiva dos jovens nas 
praias cariocas, revela a atriz Regina Casé. O diretor Antunes Filho, consagrado em 1978 com a montagem de 
“Macunaíma”, de Mário de Andrade, dirige peças como Romeu e Julieta, de Shakespeare, e adapta para o teatro “A 
Hora e a Vez de Augusto Matraca”, de João Guimarães Rosa. Ele cria o Centro de Pesquisas Teatrais, até hoje um dos 
mais importantes grupos de formação de atores e estudos da linguagem teatral. “Na formação de profissionais para o 
teatro tem também um papel importante o grupo Tablado, do Rio, dirigido por Maria Clara Machado, que se faz 
respeitada também como autora de peças infantis como “Pluft,” o “Fantasminha” e” Aprendiz de Feiticeiro”. 
NATUREZA DA LINGUAGEM TEATRAL 
O teatro nasceu, mais ou menos no século VI antes de Cristo, na velha Grécia, de um homem chamado Téspis, usando 
uma grossa túnica e máscara sobre o rosto. Nascendo assim, o teatro de tragédia, depois passou a Comédiaque foram 
os gêneros básicos do teatro Grego. 
Depois, o teatro tornou-se Ópera, gênero teatral que associa música à arte dramática e continuou modificando, 
crescendo, tomando novas formas e conquistando o seu espaço. Ele é versátil, graça a sua imaginação fértil dos 
teatrais. 
O TEATRO ATRAVÉS DOS TEMPOS: começaram na Grécia , no séc.V a.c, a valorização,o tempo, a música ,a dança e a 
literatura.Plantão,considera o jogo fundamental adequando ao seu nível de desenvolvimento,Aristóteles,deu grande 
destaque ao jogo, pois acreditava que educar era preparar para a vida,Harácio,considera o teatro uma forma não só 
de entretenimento mas também da educação.Na Idade Média,consideram severamente o teatro, fundamentando-se 
em três fatores:o mimo romano satirava a igreja;os costumes pagaões elementos dramáticos;o pensamento 
neoplatônico,conflito entre mundo e o espírito.Carlos Magno,fundou escolas de teatro,Encenações dos mistérios e 
das moralidades: gêneros dramáticos e religiosos conhecidos em fins da Idade Média.Renascença,encenas peças 
latinas, começou a florescer, cultivava-se arte de falar,através de diálogos.Rebelais criou 316 através jogos"exercitar 
a mente e o corpo".Na metade do secVII, era apenas tolerado nas escolas.Montaigne 'jogos de criança. Rousseau 
estimulação do jogos, seus prazeres ,seus encantadores instintos. 
O Jogo:pode ser musical, plástico ou dramático.As vezes,ele é espontâneo,as vezes orientado.Jogar,para a criança,é 
brincar livremente.E desse tipo que se originam os jogos educativos.Estes aspectos da personalidade são naturais, na 
medida em que todos possuímos momentos de timidez, agressividade etc. Porem quando um deles torna-se tão forte 
que inibe o desenvolvimento da personalidade ,ai ele é considerado um problema. 
Expressões teatrais: 
Objetivo: tem como objetivo enriquecer a sensibilidade do aluno, desenvolvendo a inteligência,a capacidade criadora 
e a liberdade de imaginação. 
Sinceridade : sentir o que está fazendo e não mostrar de uma maneira uma ação ou sentimentos que precisa 
compreender a situação dramática. 
Domínio:o aluno tem que controlar e dominar a sua vontade e sua capacidade de entra no jogo dramático tem que 
saber que no fundo ele está só representando uma situação.O controle é fundamental, sem perturbar a fonte de 
inspiração. 
Imaginação:usar a imaginação para superar uma determinada circunstância que, geralmente ,nos vencem através 
dela,podemos ter mais discremimento nem relação aos outros ,compreender padrões de relacionamento e ver a 
ligação entre pessoas e coisas. 
Espontaneidade: através da espontaneidade o aluno, poderá ter maior resultado na improvisação do jogo dramático. 
Sentimentos e emoção: elas podem ser exercitadas para não correr o risco de perder a capacidade de exprimir 
sensitivamente. 
Corpo:é o instrumento onde se possa causar imagem, através da ação, onde torna real e irreal: 
Capacidade de imaginação: necessidade que o corpo precisa para se liberta[ação lúdica= jogo,diversão, interação 
brincar,diversão, espontaneidade,imaginação/devaneio]Improvisação: espontaneidade. 
Jogo:consegue fazer a conversão do texto, ao mesmo tempo que potencializa o gosto.[palco-ação,platéia-leitura do 
corpo em cena ,técnica -de palco,crença -fé cênica a acreditar]. 
Ator:deve aprender a dominar com impulsos (regras)do teatro. 
Emoção:deve ser contextualizada(deixar,fluir,para fixar espontâneo). 
Palco:é o espaço de ação. 
Concentração:é manter a ação em cana e está concentrado em cena. 
Ação:se passa através de gesto feito, quando ele não é bem elaborado há confusão de imagem,isso é onde construismo 
a imaginação e o irreal, ela deve está centralizada no ritmo. 
EQUIPE ARTÍSTICA 
O DIRETOR: ele planeja o espetáculo. Ele ensaia os atores, orienta as cenas e motiva a encenação. Ele deve conseguir 
a harmonia do espetáculo. 
ATOR: é a pessoa que representa. 
CENARISTA OU CENÓGRAFO: é o encarregado pela concepção dos cenários. 
FIGURINISTA: é o responsável pelo vestuário dos atores. 
MAQUIADOR: é o encarregado pela caracterização dos atores. 
EQUIPE TÉCNICA 
CONTRA REGRA: é de fiscalizar todos os elementos que compõem o espetáculo. 
ILUMINADOR: é encarregado dos efeitos de luz e deve estar atento ao roteiro marcado no texto. 
MAQUINISTA: é o encarregado pela armação dos cenários pelas mudanças de cenas, pela abertura e fechamento das 
cortinas. 
EQUIPE AUXILIAR 
CAMAREIRA: é responsável pela conservação do vestuário. 
ZELADOR: é o encarregado pela limpeza e conservação dos elementos que compõem o cenário, e transporte do 
mesmo. 
FASES DE MONTAGEM DE UMA PEÇA 
A primeira fase de uma montagem teatral é a interpretação oral, que deve ser lida várias vezes, para que os atores 
percebam o sentido de cada cena e a intenção do autor. 
A segunda fase da atuação de cena. Há preocupação com interpretação oral e pela expressão corporal, procurando 
aperfeiçoar os gestos e a movimentação dos autores no palco. Esta fase é conhecida como marcação de peça. 
A terceira fase é o ensaio geral. Neste ensaio, os cenários, os figurinos, a sonoplastia e a iluminação deverão estar 
como se fosse o dia da estréia. 
FASE PARA UMA BOA REPRESENTAÇÃO 
O CORPO: é o elemento número um no trabalho do autor. Dele parte de tudo: do biológico ou psicológico, do concreto 
ao abstrato, do ritmo ao equilíbrio. 
O JOGO DA EMOÇÃO: é necessária a naturalidade. 
AÇÃO INTERIOR: é o que se define o onde? Que e o quem? 
PONTO DE CONCENTRAÇÃO: (foco) é o foco ou seja a chave que garante a interpretação constante do ator ou atriz. 
ATIVIDADE 
) Complete: 
A primeira fase de uma montagem teatral é a _______________________________. 
O ator_______________________ e o Diretor ____________________________. 
O teatro passou da ______________________ para ______________________ que foram os gêneros básicos do 
_______________________. 
Um autor teatral que se destaca durante o período Colonial é ____________________ 
O teatro no Brasil tem início com os_____________________________ 
As características do teatro dos jesuítas são, sobretudo,__________________________ 
O_________________ é mandado construir pó D. João VI. 
O primeiro grande autor brasileiro é_________________ 
Durante o Naturalismo, por influencias francesa, surgem novos gêneros teatrais, como a 
_______________,________________,e o café – concreto. 
Em 1984 funda-se o ________________ , importante grupo teatral. 
__________________é uma peça de Nelson Rodrigues que marca a renovação do nosso teatro. 
No Rio de Janeiro surge um grupo teatral, o___________________, como preocupação de criar-se um estilo brasileiro 
de teatro. 
Além de José Renato é___________,um dos responsáveis pela criação do teatro de Arena . 
2-Numere relacionando autor teatral à sua obra: 
1- Martins Pena ( ) “Toda Nudez Será Castigada”. 
2- Gonçalves Dias ( ) “ Eles Não Usam Black-tie”. 
3- Oduvaldo Vianna Filho ( ) “Revolução na América do sul”. 
4- Gianfrancesco Guarnieri ( ) “O Rei da Vela”. 
5- Augusto Boal ( ) “Beijo no Asfalto”. 
6- Oswaldo de Andrade ( ) “Chapetuba Futebol Clube”. 
7- Nelson Rodrigues ( ) “Juiz de Paz na Roça”. 
8- Jorge Andrade ( ) “Navalha da Carne”. 
9- Ariano Suassuma ( ) “Leonor de Mendonça”. 
10-Plínio Marcos ( ) “Vestido de Noiva”. 
11-Chico Buarque ( ) “Judas em Sábado de Aleluia”. 
12-João das Neves ( ) “Calabar”. 
( ) “O auto da Compadecida”. 
( ) “Marta, a Árvore e o Relógio”. 
( ) “Dois Perdidos numa Noite Suja”. 
( ) “O Último Carro. 
( ) “Roda Viva”. 
3-Responda: 
1) Cite os gêneros teatrais? 
2) Quem representa a peça? 
3) Quais os elementos da estética para uma boa representação? 
4) A que se destina a marcação de uma peça teatral? 
5) A montagem de uma peça teatral é trabalho de qual equipe? 
6) O teatro teve a sua origem em que século e por quem? 
I V- HISTÓRIA DA MÚSICA: 
3.1-Elementos da linguagem: A música é feita de sons, tradicionalmente descritos segundo quatro parâmetros: 
SOM,RÍTIMO,MELODIA ,HARMONIAE FORMA. 
3.1.1-SOM E TEMPO: 
#Elementos essenciais da música são som e tempo. 
SOM: grave-médio-agudo. 
TEMPO: a duração longa ou outra(ritmo). 
RÍTMO: combinação simétrica de tempo. 
SOM: possui três qualidades: altura, intensidade e timbre. 
ALTURA:freqüência definida de um som.É o que diferencia um som de um ruído.Não confundir com 
volume(intensidade).mais grave quando menor as vibrações;agudo quando maior as vibrações da onda sonora.podem 
ser voz humana-130v-2088v;ouvido-16v-30.000v.INTENSIDADE - a força relativa de um som em relação a ao agente 
sonoro mais alto serão som.(maior ou menor a distância).TIMBRE - qualidade dos sons.Diferencia a mesma altura 
tocada em dois instrumentos diferentes.depende da forma de energia as varias freqüências de vibração do som. 
3.1.2-RITMO:combinação sistemática de tempo: está presente no mundo inorgânico e também na vida .O RITMO 
VITAL, é marcado por tensões de relaxamento(ritmo fisiológico). É uma seqüência de sons em intervalos regulares.Não 
devemos confundir Ritmo com Estilo. Mas ,podemos dividir o Ritmo em Tempos, só pra citar os mais usados são 2, 3, 
4, 6 e 8.- distribuição inteligível dos sons (e silêncio) no tempo. 
3.1.3-MELODIA: É uma seqüência de sons em intervalos irregulares.A Melodia caminha por entre o Ritmo. A Melodia 
normalmente é a parte mais destacada da Música, é a parte que fica a cargo do Cantor, ou de um instrumento como 
Sax ou de um solo de Guitarra e etc. Sempre que ouvir um Solo - notas tocadas individualmente - você estará ouvindo 
uma Melodia.3.1.4-HARMONIA: É a junção de partes como um todo.A junção do Ritmo, com a Melodia, e a de outros 
elementos formam a harmonia. É por meio da harmonia que podemos ter estilos musicais distintos. Embora o Ritmo 
não varie muito, os elementos melódicos e complementares são fundamentais para se criar Estilos distintos e 
harmoniosos.numa canção . 
3.1.4-FORMA:(estática ou dinâmica), é o perfil do som(sustentação).Forma: vocal- por uma ou mais 
vozes;instrumental- por uma ou mais instrumentos;mista- vozes e instrumentos. A forma envolve a duração do som: 
A duração ( longa- apito; curta ou breve –borda de mesa).Som formado( intermediário –martelo ou metafone). 
Prolongamento do som :sustentação contínua =não há interrupção no som (flauta);descontínuas=breve e 
próximas(raspar uma tela de arame de arame),podem ser de três diferentes texturas: Regular= com a friccionar 
descontinuo do arco sobre a corda.;Irregular= vibração do pratos; Nítida= baqueta nas lâminas do xilofone. 
3-2 -Noções de estilos artísticos e estéticos musicais: 
3.2.1-ANDAMENTO: É a variação na velocidade da Harmonia, ou do resultado final das junções dos elementos Ritmo, 
Melodia e Complementares. é o tempo musical rápido e lento dos sons,graduando sempre a precisão dos tempos dos 
compassos como:lento=andantino andante e largo;moderado=moderato;rápido=allegro,vivace e preto. 
3.2.2-Compassos:é o signo que expressa medida do ponto de vista da duração,representado por 2 número(divide em 
simples ou composto: 2\4 binário simples.3\4ternário,4\4quaternário, notas musicais estão dispostas na Pauta ou 
Pentagrama. Atente como no inicio da Pautaou Pentagrama existe um símbolo, é a Clave de Sol e a de Fá,os elementos 
fundamentais para a criação de uma Música, podem ser transcritos de uma forma que pode haver uma comunicação 
correta entre Compositor ou Autor da Música e Intérprete. Notas são Sete notas musicais. São elas, Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, 
Lá e Si.Pauta ou Pentagrama: (ma melodia inclui sons ,pois isso escrevemos em partitura)r linhas suplementares 
adicionadas.Também serão encontradas divisões na 
Pauta. 
3.2.3-O Estilo é uma variação temática do Ritmo. O que determina um Estilo não é tanto o Ritmo, mas a Harmonia que 
ainda iremos abordar. Pode-mos definir como alguns Estilos principais o Rock, O Samba, a Valsa, o Jazz e etc.tendo 
assim uma maneira própria de escrever uma composição: Bach, Chopim e gouzaginha; época=clássico,barroco e 
moderno. 
Conjuntos Musicais:-Conjuntos de Câmara: pequenos grupos musicais (duo, trios, quartetos e assim por diante ) até 
as orquestras de câmara que podem chegar a 30 ou 40 músicos.Tudo o que se conhece como música "antiga"(anterior 
ao século 18) poderia ser enquadrado como música de câmara; na linguagem cotidiana, porém, o nome fica mais 
restrito à música dos períodos clássicos, romântico e moderno.-Orquestra: grandes conjuntos de instrumentos, 
abrangendo cordas, madeiras, metais e percussão.O número de instrumentistas numa orquestra varia de 
aproximadamente 70 até 120 músicos ou mais.A orquestra tem sua origem nos conjuntos instrumentais que 
acompanhavam espetáculos de ópera e balé no século 17.Pouco a pouco, esses conjuntos foram ganhando mais 
instrumentos.A evolução das formas composicionais no século 18 leva ao desenvolvimento e consolidação da 
orquestra moderna, que é um conjunto especialmente apto para a execução de sinfonias e concertos. 
Gêneros Musicais: Cantata - Originariamente uma peça cantada, na qual uma pessoa recitava um drama em verso 
acompanhada por um único instrumento.No século 18, as cantatas passaram a ser escritas para coros com diversos 
solistas.Concerto - qualquer performance pública de musica.- peça musical, de grande escala, que opõe um ou mais 
instrumentos solistas à orquestra.A idéia moderna do concerto deriva, em boa parcela, das árias e cenas operística, 
com papel dramático e musical do cantor assumido pelo instrumento solista.Oratório - gênero musical dramático, de 
tema religiosos, com coro e orquestra.Prelúdio - No barroco, era a peça instrumental que antecedia uma "fuga"; 
depois, tornou-se uma peça de estilo livre.Fuga- forma complexa de composição polifônica com base em um tema, 
que é apresentado sob várias formas.Rapsódia - composição musical sobre temas de melodias folclóricas.Réquiem - 
música sacra destinada às missas pelas almas dos mortos.Sinfonia - a palavra vem do grego e significa "reunião de 
vozes".A sinfonia clássica é um gênero público, por oposição à música de câmara , privada.Sonata - a sua forma é mais 
propriamente uma forma de pensar a composição do que um molde específico onde a maneira como as possibilidades 
narrativas e dramáticas da tonalidade são desencadeadas.Suíte - na Renascença, uma sequência de danças executadas 
por conjuntos musicais, todos no mesmo tom.Progressivamente se tornaram menos dançáveis.Tocata - designação 
antiga de composição musical, em forma livre, para instrumentos de teclado. 
4-1- MEDIEVAL E RENASCENTISTA:Período extenso e marcado pela diversidade.No século 7, surge a monodia( uma 
única linha melódica) do canto gregoriano - monodia que, sob uma forma profana, também será usada pelos 
trovadores.No século 12, com a Escola de Notre Dame(Paris) aparecem formas polifônicas(entrelaçamento de mais 
de uma melodia) nas quais Pérotin foi mestre.O aperfeiçoamento dos instrumentos, as exigências litúrgicas e o 
surgimento de um "mercado " formado pela nobreza feudal e pela burguesia mercantil das cidades determinaram a 
expansão da polifonia, com importantes contribuições de Machaut, Du Fay e Palestrina. 
4.2- BARROCO:Nenhuma escola musical possui analogias tão nítidas com as artes plásticas como o barroco: há o culto 
do ornamento, do arabesco - notas que " enfeitam"a melodia. De Monteverdi a Johann Sebastian Bach, a música 
descobre a profusão dos sons simultâneos como meio de alcançar o belo.Como pano de fundo dos instrumentos que 
se revezam na narração melódica, surge o baixo contínuo (em geral o cravo). A linguagem tonal se firma como 
sustentáculo da polifonia.Emergem novos gêneros musicais: oratório, cantata, concertos, sonata para teclado. 
4.3- ROCOCÓ:Na transição entre o barroco e o classicismo, entre 1740 e 1770, a música rococó ou galante é 
representada sobretudo pelas obras de Carl Philip Emanuel Bach.Favorecida pelo ambiente da corte de Luís XV, seu 
ideal é a expressão artística da graça, frivolidade e elegância. O resultado, cuja artificialidade foi criticada 
posteriormente, captava as atitudes hedonistas e discretamente sentimentais da época. 
4.4- CLÁSSICO:O classicismo surge em meados do século 18.Haydn passa a usar formas mais econômicas de 
expressão.Carl Philip Emanuel Bach (filho de Johann Sebastian) depura a sinfonia do maneirismo.Gluck impõe o 
primado da música orquestral sobre as improvisações vocais da ópera napolitana.Essas inovações serviram de base ao 
mais genial compositor do período, Mozart.Coube a ele levar a nova linguagem ao extremo.A exemplo de Bach com o 
barroco, Mozart foi ao mesmo tempo, para o classicismo, o mais representativo e o grande coveiro: para não repetí-
lo, era preciso inventar outra coisa.Beethoven foi um dos que entenderam o recado. 
4.5-ROMÂNTICO:O romantismo criou uma profusão de novas formas de expressão: o moderno sinfonismo que 
começa com Beethoven, o lied (canção) que se consolida com Schubert.A música torna-se uma mercadoria. No lugar 
dos pequenos conjuntos a serviço de igrejas ou aristocratas, surgem as orquestras e as companhias de ópera 
financiadas com a venda de ingressos ao público.O piano, instrumento doméstico, cresce com Chopin, Schumann e 
Liszt. No teatro, a música vai do melodrama de Bellini e da comédia de Rossini à grandiloquência de Verdi e à ópera 
filosófica de Wagner.O estilo romântico permanece até hoje como a principal referência da idéia de música erudita 
para o público em geral. 
 4.6-PÓS-ROMÂNTICO:Não houve um pós-romantismo como há hoje um pós-modernismo.A designação engloba uma 
reação estética que procurou dar uma eloquência menos subjetivista à música, colocá-la num patamar superior de 
racionalidade, por meio de achados harmônicos mais ousados e de formas mais despojadas.Em lugar de Bruckner, a 
orquestra sinfônica fala a linguagem de Debussy e Ravel.A música perde em pretensão, mas ganha em simplicidade. 
4.7- MODERNO:Há pelo menos três correntes que nascem com o século.De um lado, a Escola de Viena, que decreta o 
fim da linguagem tonal (o atonalismo de Shoenberg) e reivindica uma organização revolucionária dos sons.De outro, 
Bartok, Chostakovitch e Stravinski praticam uma amplificação das fronteiras do tonalismo e combinações 
instrumentais menos ortodoxas.Há, por fim, um neoclassicismo em que Prokofiev e Stravinski prenunciam modos de 
apropriação que se tornariam típicos na pós-modernidade. 
4.8-CONTEMPORÂNEO:Olivier Messiaen tornou-se em 1942 professor de harmonia do Conservatório de Paris.Ainda 
nos anos 40 teria como alunos Boulez,Stockhausen e Berio.O atonalismo, concluíram tinha se esgotado.Era preciso 
dar novos passos na lógica de organização dos sons.Surgiu uma vanguarda que forneceu à música um caráter 
permanentemente experimental.Chancelou a música eletroacústica e expandiu os limites da expressão. 
PARA O SEU CONHECIMENTO: A música é feita de sons, tradicionalmente descritos segundo quatro parâmetros: 
ALTURA - freqüência definida de um som.É o que diferencia um som de um ruído.Não confundir com 
volume(intensidade).RITMO - distribuição inteligível dos sons (e silêncio) no tempo.INTENSIDADE - a força relativa de 
um som em relação a outros.TIMBRE - qualidade dos sons.Diferencia a mesma