Apostila Arte 9 ano arte

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1 
APOSTILA DE OP 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
.Cristiane Spies. 
.Fernanda Kupfer da Silva. 
Letícia Beltrame Alves 
.Letícia Helena Antunes de Souza. 
.Margarida Kopalski. 
Renata Kupfer da Silva. 
Tatiane Gomes da Silva Barragan. 
Vanesa Aparecida Oliveira. 
. II CICLO DE ESTUDO DO ENSINO DE ARTE 
SINOP, MT 2017 
Orientadora. Silvana N C Lopes 
A R T E S 
Arte, linguagem visual. 
9º ANO - E. Fundamental 
ARTE Naiif 
 
2 
A Cor e sua Aplicação na Arte 
 
A cor é o mais importante código 
visual. Ela faz parte do nosso dia a 
dia impregnado de simbologia e 
significados. Na natureza está 
distribuída harmoniosamente 
inspirando o homem na hora de sua 
aplicação nas artes, na moda, até 
influenciando nossas emoções e até 
o nosso humor. Para melhor 
dominar o seu uso enquanto 
pigmento, podemos classificar as 
cores em: primárias, secundárias, 
terciarias e neutras. 
 
Cores Primárias 
 
O amarelo, o azul e o vermelho são 
cores primárias. Ou seja, elas são 
puras, sem mistura. É a partir delas 
que são feitas as outras cores. 
 
Cores secundárias 
 
O verde, o laranja e o roxo são 
cores secundárias. Cada uma delas é 
formada pela mistura de duas 
primárias. 
 
Cores terciárias 
 
As cores terciárias são 
resultantes da mistura de cores 
primárias com secundárias. 
 
Cores neutras 
 
O preto o branco e o cinza, 
em todas as suas tonalidades, claras 
ou escuras formam as cores neutras. 
As demais cores, quando perdem o 
seu colorido pela excessiva mistura 
com o preto, o branco ou o cinza, 
também se tornam cores neutras. As 
mais comuns são o marrom e o bege. 
 
Cores análogas 
 
São as cores que não apresentam 
contraste entre si. Elas são 
constituídas de uma base cromática 
em comum. São vizinhas no disco 
cromático. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
3 
Tríades 
Tríade significa três, e estas também são fáceis de descobrir. Basta escolher uma 
cor da roda de cores e ir para as outras duas cores que se encontram exatamente a um 
terço do caminho em torno da roda. 
 
Vermelho, Amarelo e Azul – A Tríade Primária. 
 
Estas são as cores primárias e geralmente coincidem com item para crianças 
(pense nos jogos para crianças, cartoons e brinquedos). 
 
Verde, Roxo e Laranja – A Tríade Secundária 
 
Estas são as cores secundárias, criadas a partir das cores primárias. As outras 
cores da roda (cores terciárias) são misturas das cores primárias e secundárias. As 
cores terciárias podem também ser combinadas com paletes de Tríades 
 
Pinte o Circulo Cromático 
 
 
 
 
 
4 
 
Desenho inspirados nas obras de Beatriz Milhazes 
1ºPinte o primeiro desenho com cores primárias e o segundo com as cores secundárias. 
2º Pinte o desenho abaixo com cores terciárias. 
3º Pinte a mandala com cores análogas. 
4. Pinte o desenho abaixo com cores complementares. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
5 
Crie seu desenho inspirado nas obras de Beatriz Milhazes 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
6 
Geometria- Circunferência, Círculos e Esferas 
 
rte e matemática - criatividade, beleza, universalidade, simetria, dinamismo, são 
qualidades que frequentemente usamos quando nos referimos quer à Arte quer à 
Matemática. Beleza e rigor são comuns a ambas. A Matemática tem um notável potencial 
de revelação de estruturas e padrões que nos permitem compreender o mundo que nos rodeia. Desenvolve 
a capacidade de sonhar! Permite imaginar mundos diferentes, e dá também a possibilidade de comunicar 
esses sonhos de forma clara e não ambígua. E é justamente esta capacidade de enriquecer o imaginário, de 
forma estruturada, que tem atraído de novo muitos criadores de Arte e tem influenciado até correntes 
artísticas. 
Como a história demonstra, a Matemática evolui muitas vezes por motivações de ordem estética. 
Como dizia Aristóteles"Os filósofos que afirmam que a Matemática não tem nada a ver com a Estética, estão 
seguramente errados. A Beleza é de facto o objecto principal do raciocínio e das demonstrações 
matemáticas", e Hardy afirmava que "O matemático, tal como o pintor ou o poeta, é um criador de padrões. 
Um pintor faz padrões com formas e cores, um poeta com palavras e o matemático com ideias. Todos os 
padrões devem ser belos. As ideias, tal como as cores, as palavras ou os sons, devem ajustar-se de forma 
perfeita e harmoniosa." 
Até à Renascença a oposição entre Arte e Matemática não tinha grande sentido. Basta olhar para o 
gênio universal de Leonardo de Vinci. Hoje a atividade artística reivindica de novo a influência matemática - 
Klee, Kandinsky, Vasarely, Corbusier, Xenakis, e muitos outros deixaram-se fascinar pela Matemática que 
exploraram com novas possibilidades ópticas, novos algoritmos de criação, novas geometrias (não 
euclideanas, fractais, etc.) mais recentemente potenciados pelo uso da computação, síntese sonora, e outras 
potencialidades técnicas. 
Relembrando: 
 
a) Ponto é a unidade de comunicação mais simples e é representado por uma pequena marca sobre um 
determinado espaço ou base. 
b) Linha é o deslocamento do ponto. Se o deslocamento acontece numa mesma direção (linha reta), sem 
direção definida (linha sinuosa), em linha reta, mas, por vezes, mudando de direção (linha quebrada) e sem 
direção definida, depois numa mesma direção, em seguida sem direção definida... (linha mista). 
c) Forma é quando uma linha contínua muda de direção algumas vezes e volta ao ponto inicial. Formas 
geométricas básicas: 
 
 
A 
 
7 
Circunferência, Círculo e Esfera 
 
 
 
 
 
 
A circunferência é uma linha continuamente curvada cujos pontos estão todos na mesma 
distância de um ponto central, chamado centro do círculo. 
O círculo é a forma geométrica mais enigmática de todas e foi considerada a forma perfeita 
pelos nossos antepassados. A forma circular produz um movimento de rotação evidente e possui 
enorme valor simbólico. Psicologicamente 
representa proteção, instabilidade, totalidade, 
movimento contínuo e infinito. 
A projeção tridimensional da 
circunferência é a esfera, o corpo geométrico 
mais perfeito, o que contém um maior 
volume em um menor espaço e é ela que 
define a forma tanto dos átomos como dos 
corpos celestes. 
Beatriz Milhases - "Sinfonia 
Nordestina" 
A circunferência e o círculo são talvez os elementos geométricos mais perfeitos e estáveis, embora 
carregados de uma grande carga dinâmica. A maioria dos desenhos se inicia pelos círculos e depois 
são unidos por linhas, como no exemplo abaixo, 
 
Exemplos! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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8 
Crie seu desenho !!! 
Passo a passo. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
As obras de arte: Pontos, Linhas e Formas 
o touro . Tarsila do Amaral 
Os artistas, ao longo dos séculos se 
expressaram com os mais variados tipos 
de materiais e elementos gráficos. Os 
artistas utilizaram todos os tipos de 
linhas e formas nas suas obras, alguns se 
expressaram mais com as linhas retas 
(Mondrian), outros misturam retas e 
curvas (Tarsila) e outros utilizam mais as 
curvas (Kandinsky), principalmente os 
círculos. 
A seguir, exemplo de obras de arte 
que mostram os tipos de linhas e formas usados pelos artistas 
 
http://1.bp.blogspot.com/-CEYZiouj41I/VE0ghVrvJGI/AAAAAAAAB-Y/_3Y6IrJefs0/s1600/Tarsila-do-Amaral_Paisagem-com-touro.jpg
http://1.bp.blogspot.com/-CEYZiouj41I/VE0ghVrvJGI/AAAAAAAAB-Y/_3Y6IrJefs0/s1600/Tarsila-do-Amaral_Paisagem-com-touro.jpg
 
9 
 
Atividades 
Observe o quadro de Tarsila do Amaral e faça uma releitura usando principalmente círculos, esferas 
e circunferências. 
 
Entenda a diferença entre: 
 logo, logotipo, marca e logomarca 
 
m grego, “logos” significa conceito, significado. Já “typos” significa símbolo ou 
figura. Assim, logotipo significa símbolo visível de um conceito. Exemplo: se um 
cliente nos entrega um conceito a ser trabalhado, esse é o logo. A partir desse 
conceito, criamos um símbolo gráfico, que é o tipo. 
Ambas as palavras têm o mesmo significado. Logotipo é uma forma alternativa da palavra 
logo. Um logotipo é composto pelo símbolo e pela tipografia, que juntos formam o logotipo em si. 
Explicando de forma mais simples, logotipo é a representação gráfica do nome fantasia de uma 
empresa em que só são utilizados o símbolo e a tipografia (letras). É um produto gráfico resultante 
do design e também pode ser definido como a imagem da marca. É a forma de representação do 
nome de uma empresa com um tipo de letra característico. Exemplos de logotipos são: Google, 
Sony, Coca-Cola e vários outros. 
E 
 
10 
O logotipo pode ser registrado através do registro de marca no Instituto Nacional de 
Propriedade Industrial – INPI. O nome registro de marca gera uma pequena confusão porque na 
verdade o logotipo é que é registrado e não a marca. 
O logotipo é uma parte da marca, que deve aparecer nas peças gráficas feitas pela empresa. 
Por exemplo, o símbolo de uma empresa não é a marca em si, mas representa o conceito que a 
empresa deseja associar à sua marca. Exemplos: Apple e Nike. 
 
Marca 
A marca é representada graficamente pela logo e pela identidade visual. Compreende o 
símbolo, o logotipo, as emoções e as cores. É o elemento principal da identidade visual da empresa, 
é através dela que a empresa será identificada em qualquer lugar, independente do conceito gráfico 
em que está inserida. De um ponto de vista geral, a marca pode ser conceituada como a conexão 
entre uma empresa, sua missão, valores, visão e consumidores. 
Segundo o autor e professor Philip Kotler, conhecido como o “pai do Marketing moderno”, a 
marca tem até 6 níveis de significados, que são: benefícios, atributos, valores, personalidade, cultura 
e usuário. 
Logomarca 
É uma palavra praticamente inexistente no vocabulário dos profissionais do mercado 
publicitário, mas é usada por clientes que a confundem com a palavra logotipo. Muitos a consideram 
um neologismo, ou seja, uma palavra que foi inventada, abrasileirada, para a representação de uma 
nova forma de logotipo. 
O termo é formado pela união de duas palavras: logo + marca. “Logos” vem do grego e 
significa significado, conceito. Marca origina-se da palavra germânica “marka” e tem o mesmo 
significado do termo “logo.” Sendo assim, logomarca significaria “significado do significado”, o que 
não faz sentido. 
 
 
11 
Questões 
 
1. Em grego o que significa “logos”? 
___________________________________________________________________ 
2. Qual a diferença de logotipo e logomarca? 
___________________________________________________________________
________________________________________________________________ 
3. Segundo Philip Kotler, conhecido como o “pai do Marketing moderno”, a marca tem até 6 níveis 
de significados, quais são: 
___________________________________________________________________
________________________________________________________________ 
4. Complete as lacunas: 
É uma palavra praticamente ______________ no vocabulário dos profissionais do mercado 
__________, mas é usada por clientes que a confundem com a palavra ____________. 
Muitos a consideram um neologismo, ou seja, uma palavra que foi _____________, 
_____________, para a representação de uma nova forma de logotipo. 
 
5. Pesquise os principais logotipos e seus significados. 
 
 
 
6. Crie um logotipo com as suas características próprias. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
12 
COR E COMUNICAÇÃO 
 
esde a antiguidade até os dias de hoje as cores são uma representatividade do 
nosso mundo. O homem busca a cor para se expressar, citando por exemplo 
pinturas corporais de guerreiros antigos e indumentárias de cortes do mundo 
inteiro, mostrando nobreza e status. 
Você sabia que foram os gregos os primeiros a preocupar-se com o estudo 
das cores? Mas também sabemos que os homens pré-históricos já se preocupavam 
em colorir seus desenhos nas cavernas (pinturas rupestres) e, para isso, copiavam 
as cores da natureza. 
Visitando as grandes catedrais, podemos ver os vidrais coloridos e bem trabalhados, tudo 
nas cores que para quem está observando entenda a mensagem que deve ser passada. Muitas vezes 
dependendo da região, podem ter um significado sem uma descrição ou sendo conhecidos 
universalmente como os sinais de trânsito, definidos pelo verde, amarelo e vermelho. Expressões 
como “roxo de raiva” ou “vermelho de vergonha” com certeza já foram ouvidas. Não há como 
negar, o homem é atraído por uma infinidade de tons ecores. 
O mundo que nos cerca é colorido. 
Observe a natureza, a cor está em toda 
parte e de muitas formas: no mar, no céu, 
na terra, no sol, nas florestas, nos 
animais, nos pássaros e nas flores. Que 
linda é a natureza, tão colorida! Se você 
não pode, neste momento, olhar a 
natureza, observe as coisas que o cercam. 
Observe como a roupa das pessoas é 
colorida, os objetos de cozinha, os objetos 
de decoração, os meios de comunicação, 
as fotografias, a nossa escova de dente! 
 
 
Significado das Cores 
É fato que as cores têm uma grande 
influência psicológica sobre o ser 
humano. Existem cores que se 
apresentam como estimulantes, alegres, 
optimistas, outras serenas e tranquilas, 
entre outras. Quando o Homem tomou 
consciência desta realidade, aprendeu a 
usar as cores como estímulos para 
encontrar determinadas respostas e, a cor 
que durante muito tempo só teve finalidades estéticas, passou a ter também 
finalidades e funcionalidades práticas. As cores exercem um papel psicológico 
importante. Elas são usadas para estimular, acalmar e no caso da propaganda, 
vender. Utilizando-se delas para despertar sensações, atrair e influenciar na 
escolha. 
A percepção das cores no nosso psicológico depende de vários fatores: o 
modo de vida, a cultura, o ambiente, a faixa etária, o sexo, etc. Na China, por 
exemplo, a cor do luto é azul. Outras culturas associam branco a morte. Portanto, 
dependendo desses fatores, as cores podem ter interpretações e significados 
diferentes. No entanto, não devemos ficar presos a elas. Bom senso, harmonia e 
adequação são fatores primordiais na escolha das cores. 
A publicidade e propaganda não vende assim por dizer, mas busca criar o 
estímulo para levar o cliente até o produto ou serviço. Quando a agência de publicidade escolhe a 
cor para a campanha ou peça, tenha certeza de uma coisa, foram horas pesquisando a cor. Vejamos 
D 
 
13 
algumas tabelas mostrando o que cada cor tem como significado na propaganda e elas sendo 
aplicadas em marcas conhecidas mundialmente. Cada cor tem seu significado. 
 
O uso das cores na 
publicidade 
 
Certamente, você já deve ter 
notado que a maioria das lanchonetes 
abusa do vermelho e do amarelo, que as 
clínicas médicas preferem o branco e os 
tons de verde, que os “homens de 
negócio” apostam no preto e que as 
mulheres dispostas a seduzir preferem o 
vermelho. É possível citar uma 
infinidade de outros exemplos coloridos, 
mas estes são suficientes para 
demonstrar que as cores despertam 
sensações, manifestam estado de 
espírito e influenciam comportamentos. 
Então não há como negar que, 
psicologicamente, o 
homem é atraído pela 
infinidade de tons e de 
cores. 
Nós reagimos de 
maneira mais emotiva 
do que racional diante 
das cores. As cores 
exercem um papel 
importante no 
psicológico. Elas são 
utilizadas para 
estimular, acalmar, 
afirmar, negar, decidir, 
curar e, no caso de propaganda... 
vender! Por isso a propaganda se utiliza das cores para despertar sensações, atrair e influenciar o 
consumo. Imagine as marcas e os produtos sem cores. 
Ao trabalhar com campanhas ou produtos publicitários, o diretor de arte não deve proceder 
a escolha das cores levando em conta apenas o seu gosto pessoal. Ele precisa primeiramente ter 
conhecimentos sobre o significado e a influência das cores, harmonia, luz, contraste, etc. Por isso 
todo conhecimento sobre cores é fundamental. Princípios e combinações, formação das cores e 
tudo mais vai preparar você para enfrentar o gosto pessoal do atendimento, do dono da agência e 
do cliente. 
Na publicidade, a combinação das cores está diretamente relacionada ao produto a ser 
lançado e ao público que vai consumir o produto. Portanto, ao escolher as cores para um logotipo 
ou anúncio, devemos levar em conta os seguintes fatores: PERFIL DA EMPRESA: SENSAÇÃO 
DESEJADA: Séria, sólida, tradicional, conservadora, moderna, arrojada, jovem Confiança, 
credibilidade, força, fome, alegria, paz, beleza, delicadeza, tranquilidade PÚBLICO ALVO: Jovem, 
adulto, homem, mulher, moderno, conservador, nível sociocultural e econômico. 
As cores criam identidade. A sequência de anúncios a seguir demonstra o quanto as cores são 
capazes criar uma identidade em nossa mente. 
Observe que, só pelas cores, é fácil descobrir. As cores criam identidade. As cores criam 
identidade para as marcas, deixando-as facilmente reconhecíveis e marcadas na mente dos 
consumidores. 
 
 
14 
Complete as frases adequadamente. 
1 O Presidente dos Estados Unidos vive na casa….................................................. 
2 O planeta Terra também é conhecido por planeta…........................................... 
3 Os ingleses bebem muito chá…........................................................................ 
4 Podemos encontrar os números de telefone de serviços nas páginas….................. 
5 As energias renováveis são também conhecidas por energias….............................. 
6 O planeta Marte também é conhecido por planeta…............................................. 
7 Os primeiros filmes realizados eram todos em….................................................. 
Nesta atividade vamos fazer a experiência do disco de Newton. Para isso você vai usar um compasso, 
um transferidor ou até mesmo um disco de CD como utilitário pra fazer o desenho de um círculo. 
Você deverá dividir esse círculo em sete partes iguais e colorir as partes com as cores bem 
semelhantes a do arco-íris. Depois de pronto, corte o círculo e use um lápis no centro do disco para 
ajudar a girá-lo. Você verá que cor vai surgir dessa experiência. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Crie um anuncio para um produto de limpeza, 
 
devemos avaliar os seguintes aspectos: 
 
PERFIL DO PRODUTO .............................................................: 
 
SENSAÇÃO DESEJADA:............................................................... 
 
PÚBLICO ALVO: ........................................................................... 
. 
Em seguida associe as cores de acordo com o grau de atenção que você deseja despertar. 
Harmonize as cores do anúncio com as cores do produto. Não misture muitas cores, não faça um 
carnaval colorido, a menos que saiba trabalhar bem a harmonia. Utilize contrastes. Na dúvida, deixe 
o fundo branco e o título preto. Não falha nunca, mas corre-se o risco de o anúncio não se 
diferenciar. 
 
 
 
15 
DESENHO DO ANUNCIO 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
A ARTE DO GRAFITE 
 
 arte do grafite é uma 
forma de 
manifestação artística 
em espaços públicos. A definição mais 
popular diz que o grafite é um tipo de 
inscrição feita em paredes. Existem 
relatos e vestígios dessa arte deixado 
pelo homem através dos tempos em 
sua passagem, a manifestação mais 
antiga, foram os desenhos feitos nas 
paredes das cavernas. Aquelas pinturas rupestres são os primeiros exemplos de grafite que 
encontramos na história da arte. Elas representam animais, caçadores e símbolos muito dos quais, 
ainda hoje, são enigmas para os arqueólogos, mas que de fato são significantes aos seres daquele 
contexto, como uma forma de expressão ou talvez transcrição do momento histórico. 
Seu aparecimento na Idade Contemporânea se deu na década de 1970, em Nova Iorque, nos 
Estados Unidos. Alguns jovens começaram a deixar suas marcas nas paredes da cidade e, algum 
tempo depois, essas marcas evoluíram com técnicas e desenhos. 
A 
 
16 
O grafite está ligado diretamente a 
vários movimentos, em especial ao Hip 
Hop. Para esse movimento, o grafite é 
a forma de expressar toda a opressão 
que a humanidade vive, 
principalmente os menos favorecidos, 
ou seja, o grafite reflete a realidade das 
ruas. 
O grafite foi introduzido no Brasil no 
final da década de 1970, em São Paulo. Os brasileiros não se 
contentaram com o grafite norte-americano, então começaram a incrementar a arte com um toque 
brasileiro. O estilo do grafite brasileiro é reconhecido entreos melhores de todo o mundo. 
Muitas polêmicas giram em torno desse movimento artístico, pois de um lado o grafite é 
desempenhado com qualidade artística, e do outro não passa de poluição visual e vandalismo. A 
pichação ou vandalismo é caracterizado pelo ato de escrever em muros, edifícios, monumentos e 
vias públicas. Hoje, para expressar essa arte, os grafiteiros usam látex, tintas em spray. Não pintam 
cervos e bisões, mas sim ideias, signos que compõe o visual urbano, talvez o contexto atual, 
decorrente de uma evolução. 
Principais termos e gírias utilizadas nessa arte: 
 Grafiteiro/writter: o artista que pinta. 
 Bite: imitar o estilo de outro grafiteiro. 
 Crew: é um conjunto de grafiteiros que se reúne para pintar ao mesmo tempo. 
 Tag: é a assinatura de grafiteiro. 
 Toy: é o grafiteiro iniciante. 
 Spot: lugar onde é praticada a arte do grafitismo. 
 
Descrição 
Normalmente distingue-se o grafite, de elaboração mais complexa, da simples pichação, 
quase sempre considerada como contravenção. No entanto, muitos grafiteiros respeitáveis, como os 
brasileiros, “Os gêmeos”, autores de importantes trabalhos em várias paredes do mundo, aí incluída 
a grande fachada da Tate Modern de Londres, admitem ter um passado de pichadores. Na língua 
inglesa, contudo, usa-se o termo graffiti para ambas as expressões. 
Desde o início os artistas eram chamados de Writerse (escritores), costumavam escrever os 
seus próprios nomes ou chamar a atenção para problemas do governo ou questões sociais da 
realidade-em-que-viviam. Tais desenhos eram feitos, na maioria em trens porque o verdadeiro 
interesse do grafiteiro era passar aquela mensagem para o maior número de pessoas. Outro modo de 
passar a sua mensagem era os muros das cidades. Ocorreu um avanço no mundo do grafite, 
grafiteiros criaram os chamados “Tags” que são na verdade como uma marca registada, ou seja, as 
http://pt.wikipedia.org/wiki/Picha%C3%A7%C3%A3o
http://pt.wikipedia.org/wiki/Osgemeos
http://pt.wikipedia.org/wiki/Tate_Modern
http://pt.wikipedia.org/wiki/Londres
http://pt.wikipedia.org/wiki/L%C3%ADngua_inglesa
http://pt.wikipedia.org/wiki/L%C3%ADngua_inglesa
 
17 
suas assinaturas. Alguns até criam figuras, personagens, usados nos seus grafites, as chamadas 
“bonecos”. Para finalizar, o grafite surgiu nos EUA e hoje está nas maiores cidades do mundo. 
 
ARTE x VANDALISMO 
Qual é o limite?? 
A legislação brasileira que trata da 
aplicação de sanções penais e 
administrativas em decorrência de 
atividades lesivas ao meio ambiente 
(artigo 65 da Lei nº 9.605/ 1998), pune 
aquele que “pichar, grafitar ou, por outro 
meio, conspurcar edificação ou 
monumento urbano”. A pena é de três 
meses a um ano e aumenta de seis meses 
a um ano se o ato for praticado contra 
monumento ou lugares tombado em 
virtude de seu valor artístico, 
arqueológico ou histórico. 
Daí que o legislador, sem muita dificuldade e em boa hora, interpretou a vontade popular e 
retirou a grafitagem do limbo, introduzindo-a no rol de condutas lícitas, decretando, em 
consequência, sua descriminalização pela Lei nº 12.408, de maio de 2011. De forma expressa, 
determina o permissivo legal: 
 “Não constitui crime a prática de grafite realizada com o objetivo de valorizar o patrimônio 
público ou privado mediante manifestação artística, desde que consentida pelo proprietário e, 
quando couber, pelo locatário ou arrendatário do bem privado e, no caso de bem público, com a 
autorização do órgão competente e a observância das posturas municipais e das normas editadas 
pelos órgãos governamentais responsáveis pela preservação e conservação do patrimônio histórico 
e artístico nacional”. 
Atividades 
1) Explique com suas palavras o que é Arte do Grafite. 
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
__________________________________________________________________ 
2) Qual a diferença entre grafite e pichação? 
____________________________________________________________________
_________________________________________________________________ 
 
3) Quais as principais termos e gírias utilizadas nessa arte? Explique cada uma delas. 
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
__________________________________________________________________ 
4) Existe diferença entre Vandalismo e Pichação? Qual é a sua punição? 
____________________________________________________________________
__________________________________________________________________ 
 
http://www.jusbrasil.com.br/topicos/11331651/artigo-65-da-lei-n-9605-de-12-de-fevereiro-de-1998
http://www.jusbrasil.com.br/legislacao/1036358/lei-de-crimes-ambientais-lei-9605-98
http://www.jusbrasil.com.br/legislacao/1027856/lei-12408-11
 
18 
5) No processo social de reconhecimento de valores culturais, considera-se que 
 
(A) grafite é o mesmo que pichação e suja a cidade, sendo diferente da obra dos artistas. 
(B) a população das grandes metrópoles depara-se com muitos problemas sociais, como os grafites e 
as pichações. 
(C) atualmente, a arte não pode ser usada para inclusão social, ao contrário do grafite. 
(D) os grafiteiros podem conseguir projeção internacional, demonstrando que a arte do grafite não 
tem fronteiras culturais. 
(E) lugares abandonados e sem manutenção tornam-se ainda mais desagradáveis com a aplicação 
do grafite. 
 
6) O grafite surgiu no Brasil nos anos 1970 e hoje é reconhecido mundialmente. Quais artistas 
brasileiros possuem obras espalhadas pelo mundo? Comente. 
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
__________________________________________________________________ 
 
Copie os alfabetos e pinte ! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
19 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Atividade de criação: escreva seu nome em estilo Grafite 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
20 
PINTE!!! Cores complementares 
DI CAVALCANTI 
Samba –1925 
 pintor Emiliano Di Cavalcanti nasceu em 6 de setembro de 1897. 
Naquela época, o panorama das artes plásticas no Brasil era 
bastante desolador: a pouca informação, conjugada ao 
tradicionalismo conservador das elites vigentes deixavam o 
cenário da pintura a depender ainda de ecos das já ultrapassadas 
correntes artísticas europeias. 
 
Nesse contexto, tornaram-se muito importantes as 
exposições de Lasar Segall, em 1913, e de Anita Malfatti, em 
1917, esta duramente criticada. Esses dois episódios fazem parte 
da história de um movimento em direção às correntes 
modernistas europeias, que iria culminar na Semana de Arte 
Moderna de 1922. Di Cavalcanti já era um artista de talento bastante reconhecido nessa época, e sua 
atuação em 1922 foi essencial: o artista foi um dos idealizadores da Semana de Arte Moderna e uma 
referência importantíssima para todo o grupo modernista e, desde então, para a história das artes plásticas 
no Brasil. 
 
Di Cavalcanti era um intelectual muito bem informado sobre as vanguardas modernistas do seu 
tempo, interessado não só por artes plásticas, mas por outras áreas também. Por isso mesmo, em 1921, o 
artista fora convidado a ilustrar o livro “Balada do Cárcere de Reading”, de Oscar Wilde, um dos mais 
significativos escritores contemporâneos. Em 1923, Di Cavalcanti realiza viagem a Paris, frequentando o 
ambiente intelectual e boêmio da época e convivendo com Picasso e Braque, entre outros, numa relação de 
admiração mútua. Sua experiência do contato com o cubismo, expressionismo e outras correntes artísticas 
inovadoras, conjugadas à consciênciada sua posição de artista brasileiro, concorreram para aumentar a sua 
convicção no propósito de ousar e destruir velhas barreiras, colocando a arte brasileira em compasso com o 
que acontecia no mundo. Di Cavalcanti sabia estar no caminho certo esteticamente e a viagem a Paris só 
reforçou as suas certezas. Entretanto, o ambiente do pintor não era o dos boulevares de Paris: Di Cavalcanti 
estava impregnado dos trópicos, de uma atmosfera sensual e quente. 
 
À sua ousadia estética e perícia técnica, marcada pela definição dos volumes, pela riqueza das cores, 
pela luminosidade, vem somar-se a exploração de temas ligados ao seu cotidiano, que ele percebia com 
O 
 
21 
vitalidade e entusiasmo. A profunda inclinação aos prazeres da carne e a vida notívaga influenciaram 
sobremaneira sua obra: o Brasil das telas de Di Cavalcanti é carregado de lirismo, revelando símbolos de uma 
brasilidade personificada em mulatas que observam a vida passar, moças sensuais, foliões e pescadores. A 
sensualidade é imanente à obra do pintor e os prostíbulos são uma de suas marcas temáticas, assim como o 
carnaval e a festa, como se o cotidiano fosse um permanente deleitar-se. A originalidade de uma cultura 
constituída por um caldo de referências indígenas, europeias e africanas, de forma contraditória e única, 
transparece em suas telas através de uma luminosidade ímpar. 
 
Marcada pela evolução constante em direção a uma técnica cada vez mais acurada, a obra de Di 
Cavalcanti pode ser situada numa tradição interpretativa do Brasil. Hoje, o pintor é um dos mais populares 
artistas brasileiros, alcançando enorme prestígio também no exterior: suas obras são disputadíssimas nos 
leilões internacionais, imprescindíveis a todas as coleções latino-americanas. A pintura de Di Cavalcanti 
representa toda uma imagem do país no mundo afora, ressaltando a sua exuberância natural e humana: é 
indiscutivelmente figura chave da arte brasileira. Todo o seu entendimento tem passagem obrigatória por Di 
Cavalcante. 
 
Cinco moças de Guaratinguetá - 1930 - influência cubista 
 
DESENHE AS 3 MOÇAS QUE ESTA FALTANDO E PINTE! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
22 
QUESTÃO 01 – A presença da mulher mulata caracterizou a obra de um famoso artista brasileiro 
que foi: 
a- ( ) Di Cavalcante. 
b- ( ) Tarsila do Amaral. 
c- ( ) Anita Malfatti. 
d- ( ) Pablo Picasso. 
 
QUESTÃO 02 – Foi um grande nome do Cubismo brasileiro: 
a- ( ) Di Cavalcanti. 
b- b- ( ) Tarsila do Amaral. 
c- ( ) Pablo Picasso. 
d- ( ) Vicente do Rego Monteiro. 
 
QUESTÃO 03 – Dentre os temas retratados na obra do artista Di Cavalcanti, é INCORRETO citar: 
a) As praias. b) As favelas. c) As festas populares. 
d) Os trabalhadores e as questões sociais. e) A religiosidade. 
 
QUESTÃO 04 - Na década de 20, anos pioneiros do modernismo, artistas como Brecheret, Di 
Cavalcanti e Tarsila do Amaral expressaram em suas obras a visão de mundo daquele período. 
Observe as reproduções a seguir, Respectivamente, de Brecheret, Di Cavalcanti e Tarsila do Amaral, 
e assinale a alternativa que corresponde aos conteúdos expressos pelos artistas. 
 
(a) Potência e força; malícia e sensualidade; brasilidade e imaginário popular. 
(b) Brasilidade e imaginário popular; religiosidade e espiritualidade; malícia e sensualidade. 
(c) Malícia e sensualidade; suavidade e lirismo; dramaticidade e ansiedade. 
(d) Brejeirice e volúpia; devoção e espiritualidade; potência e força. 
(e) Religiosidade e espiritualidade; dramaticidade e ansiedade; malícia e sensualidade. 
 
 
23 
Samba 1928 Di Cavalcante Pinte ! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Pinte! A obra de Di Cavalcante. 
Predominando as cores quentes 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
24 
ESTILIZAÇÃO 
esde que o ser humano manchou com 
lama a parede da caverna pela primeira 
vez, surgiu a vontade de reproduzir a 
realidade da maneira mais autentica possível. 
Com o tempo, essa ideia foi crescendo na mente dos 
artistas que partiram em sua busca. E foi nessa que o 
público leigo, os admiradores de arte e até mesmo alguns 
artistas começaram a definir que a qualidade de uma obra é medida pelo seu “grau” de realismo. 
Quanto mais parecido com uma pessoa de verdade, quanto mais “certinha” a perspectiva, quanto 
mais fios de cabelos e pelos desenhados um por um, melhor. 
Num mundo sem a fotografia, todo esse furor em cima do naturalismo – nome dado às obras 
“mais realistas possíveis” – é até compreensivo, mas havia quem buscasse por outras coisas... 
Quase em paralelo a todo esse processo, havia artistas que buscavam mais do que realismo: 
buscavam expressão e simbologia. Para isso eles se desprenderam da realidade e buscaram por 
novas formas de representação. Eis que surgiam os primeiros conceitos de estilização. Havia 
também aí a aplicação e a interpretação de cada artista sobre o desenho, formando o estilo 
individual. Isso ampliou as possibilidades, trouxe novos 
conceitos e novas percepções. 
O que é estilizar? 
Quando usamos o termo “estilizar” a forma, 
estamos nos referindo a fazer uma síntese da forma e a 
depurar esta forma, procurando deixar o extremo do 
resultado final, de modo que as particularidades sejam 
eliminadas e a essência fique representada de tal 
maneira que o observador não perca a mensagem 
final e que a estética fique preservada. Os 
arabescos e os excessos são eliminados e as linhas 
principais permanecem deixando a ideia 
fundamental. 
Mas, assim como tudo o que existe, temos que 
criar regras que confiram unidade e uma certa 
lógica a este universo. Um artista brasileiro que se 
destaca no cenário mundial com sua arte pop é 
Romero Britto. A grande característica de suas 
obras é o emprego de desenhos com formas 
D 
http://pt.wikipedia.org/wiki/Romero_Britto
 
25 
estilizadas geometrizadas e cores bem vibrantes. Nasceu no Recife, em 1963. Começou pintando 
em jornais o em qualquer folha que encontrava.. 
 
 
ATIVIDADES 
2- Utilizando suavemente o lápis, faça a estilização de cada objeto representado. Olhe a forma 
geométrica de cada objeto. A estilização deve ser simples, sem tirar a característica do objeto. 
Exemplos: 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
26 
3- Recorte dois exemplos de formas naturalistas e cole no lugar indicado. Em 
seguida, desenhe a forma estilizada das figuras recortadas. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
FORMAS NATURALISTAS 
 FORMAS ESTILIZADAS 
 
27 
4- Pinte a releitura de Romero Brito utilizando cores primárias e secundárias. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Claude Monet 
Monet: um dos maiores representantes do impressionismo 
onet nasceu na França, no ano de 1840. Tornou-se um grande pintor e um dos 
mais importantes representantes do impressionismo. Foi uma de suas pinturas, 
“Impressão: Nascer do Sol”, que deu nome ao movimento artístico 
impressionista. 
O começo de sua carreira artística foi marcado por dificuldades financeiras. Porém, na década 
de 1870, começou a obter sucesso. Suas obras de arte seguiam, como temática principal, as 
paisagens da natureza. Trabalhava de forma harmônica as cores e luzes, criando imagens belas e 
fortes. Neste contexto artístico, podemos citar a série de pinturas que realizou sobre a catedral de 
Rouen (1892-1894), onde o artista retratou a construção em diversos momentos do dia, com 
variações de luminosidade. 
Vale a pena destacar também as obras de arte com temas aquáticos como, por exemplo, os 
murais que realizou no Museu I‟orangerie. 
M 
 
28 
Antes de completar 15 anos de idade, Monet 
já era conhecido em Le Havre - a cidade para onde 
sua família mudara, vinda de Paris -, pois os retratos 
de personalidades importantes que ele fazia 
começavama ficar famosos. 
Ainda jovem, Monet descobriu as gravuras do 
artista japonês. Essas duas formas de arte, tão 
díspares, o atraem para a luz e a cor, fazendo com 
que abandone a preocupação com os contornos. 
Boudin, pintor de marinhas, mostra-lhe o 
encanto das águas, dos céus e das flores, que Monet 
conservará até o fim da vida. Seus primeiros quadros 
importantes, anos mais tarde, retratariam figuras ao ar livre ("Almoço na relva", de sua esposa, 
Camille, será uma das poucas telas de Monet em que a figura humana predominará. 
Em 1857, vai a Paris e frequenta a Academie Suisse, onde conhece Pissarro, amizade que 
manterá por toda a vida. Um breve período de interrupção na sua carreira, quando prestou serviço 
militar na Argélia, serviu para despertar-lhe um breve período de interrupção na sua carreira, 
quando prestou serviço militar na Argélia, serviu para despertar-lhe maior interesse pela luz e pela 
cor do norte da África. 
De volta a Paris, frequentou o ateliê de Charles Gleyre, onde entrou em contato com Renoir, 
Sisley e Bazille. Em 1871, a guerra franco-alemã levou-o a mudar-se para Londres, onde frequentou 
os museus e descobriu a obra de Turner. 
Cor e luz 
Em 1874, seus trabalhos e os de outros pintores antiacadêmicos foram rejeitados pelo Salão 
Oficial dos Artistas Franceses. Como resposta, eles realizaram uma exposição, num estúdio do 
Boulevard des Capucines, à qual deram o título de Sociedade Anônima dos Artistas Pintores, 
Escultores, Gravadores, etc., também chamada de Salão dos Recusados. Monet expõe, então, seu 
quadro "Impressão: o sol nascente". Um jornalista, zombando do grupo, chamou-lhes de 
"impressionistas". Assim nascia o movimento chamado Impressionismo, que revolucionou a pintura 
moderna. O grupo separou-se cerca de dez anos depois. Claude Monet já se achava instalado, desde 
1883, em Giverny, onde continuaria a pintar até o fim da vida. 
Monet preocupou-se, cada vez mais, em só pintar objetos nos espaços abertos, sejam flores, 
sejam catedrais, mas não em função de suas formas: estas se originam da luz, que o artista procura 
captar. Cor e luz devem criar a forma e devem criar a forma e o espaço; este último é abandonado 
como fator estrutural. Monet fragmenta sua pincelada, clareando e avivando sua paleta. Em sua luta 
por captar a luz, reproduz a mesma cena inúmeras vezes, em horas diferentes do dia, cada uma sob 
uma nova luminosidade. 
 
29 
De 1900 a 1926 trabalha na série "Nymphéas", em 19 painéis, oferecidos ao governo francês e 
colocados na Oranmgerie, no Jardin des Tuilleries, Paris. É um hino à natureza em todo o seu 
esplendor 
Monet morreu em 1926, na França, deixando um legado artístico reconhecido até os dias 
atuais. Alguns críticos de arte consideram Monet um dos mais importantes pintores de todos os 
tempos. 
Camille Monet em um Banco de Jardim (1873) 
 
E Dê continuidade ao desenho 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
30 
Questão 01) A obra de Claude Monet tem como característica a supremacia: 
A. Do desenho sobre a cor 
B. Das sombras sobre a luz 
C. Da verticalidade sobre a horizontalidade 
D. Da cor sobre o desenho 
 
QUESTÃO 02 Ao contrário da maioria dos demais estilos artísticos, o Impressionismo tem ano e 
local de criação bem definidos, isso ocorre, pois: 
 
a) a obra que inaugura o movimento é o quadro Impressão ao Nascer do Sol de Renoir, de 1872; 
b) a obra “A bailarina” de Edgar Degas inaugurou o movimento; 
c) a obra Impressão Sol nascente de Paul Gauguin inaugura o movimento; 
d) a obra O lago dos nenúfares de Claude Monet de 1872, inaugurou o movimento; 
e) N.D.A 
 
QUESTÃO 03 Foi um movimento artístico que surgiu na pintura européia do século XIX, o nome do 
movimento é derivado da obra Impressão, nascer do sol (1872). 
 
O texto faz uma clara referência ao: 
a) Expressionismo, que tem como seu principal expoente Vicent van Gogh; 
b) Naturalismo, que tem como seu principal expoente Degas; 
c) Impressionismo que tem como seu principal expoente Edgar Degas; 
d) Impressionismo, inaugurado com Claude Monet; 
e) Impressionismo, inaugurado com Édouard Manet; 
 
QUESTÃO 04 - Em busca de maior naturalismo em suas obras e fundamentando-se em novo 
conceito estético, Monet, Degas, Renoir e outros artistas passaram a explorar novas formas de 
composição artística, que resultaram no estilo denominado Impressionismo. Observadores atentos 
da natureza, esses artistas passaram a: 
 
a) retratar, em suas obras, as cores que idealizavam de acordo com o reflexo da luz solar nos objetos. 
b) usar mais a cor preta, fazendo contornos nítidos, que melhor definiam as imagens e as cores do 
objeto representado. 
c) retratar paisagens em diferentes horas do dia, recriando, em suas telas, as imagens por eles 
idealizadas. 
d) usar pinceladas rápidas de cores puras e dissociadas diretamente na tela, sem misturá-las antes 
na paleta. 
e) usar as sombras em tons de cinza e preto e com efeitos esfumaçados, tal como eram realizadas no 
Renascimento. 
 
 
 
31 
 
Edvard Munch 
Edvard Munch foi um pintor norueguês, nascido em Oslo no ano de 1863. Suas obras 
inspiraram uma corrente artística moderna, sendo considerado o precursor do expressionismo 
alemão. 
Teve uma vida familiar muito conturbada, pois sua mãe e uma irmã morreram quando ele 
ainda era jovem. Outra irmã tinha problemas mentais (bipolaridade). Seu pai tinha uma vida 
marcada pelo fanatismo religioso. Para complicar, Munch ficou muito doente durante a infância. Já 
adulto, começou a apresentar um quadro psicológico conturbado e conflituoso, alguns estudiosos 
afirmam que o pintor, provavelmente, possuía transtorno bipolar. 
 
Abordava temas relacionados aos sentimentos e tragédias humanas (angústia, morte, 
depressão, saudade). Além disso, retratava pinturas de imagens desfiguradas, passando uma 
sensação de angústia e desespero, pela forte expressividade no rosto das personagens retratadas. 
 
Em 1892, Munch já fazia parte da vanguarda intelectual de Berlim, quando preparou uma 
exposição para a União dos Artistas. Continuando no mesmo tema, pintou a obra que o nabilizou, 
“O Grito” (1893), feita em quatro versões, a obra é um retrato perfeito de uma figura desesperada 
onde seu grito parece silencioso, um átimo de horror sufocado, mudo. 
 
Entre 1908 e 1909, Munch esteve numa clínica psiquiátrica em Compenhague, na Dinamarca. 
Ele mesmo tomou o trem e se apresentou na clínica, ciente de que precisava de ajuda. Achava que 
diabos o perseguiam. Ouvia vozes, tinha alucinações e insônia, bebia demais e sofria paralisações 
súbitas. 
 
Depois de oito meses internado, recebeu alta, cortou o cigarro e o excesso de bebida passando 
a pintar quadros mais leves, mais extrovertidos. O primeiro tema que explorou repetidamente foi o 
sol – o astro, a luz e o amarelo. Chegou a pintar naturezas mortas, inspirado na produção agrícola da 
própria fazenda nos arredores de Oslo. Em seus últimos anos de vida, pintou uma série de 
autorretratos. 
 
Edvard Munch faleceu em Oslo, Noruega, no dia 23 de janeiro de 1944, época em que a Noruega e 
seu corpo foi velado em uma pomposa cerimônia nazista 
. 
Principais Características 
 
As obras de Munch revelam um espírito trágico, repleto de doença e morte. Esses temas 
foram recorrentes na infância do artista, haja vista que perdeu sua mãe e irmãs na juventude. Além 
disso, ficou muito enfermo e fraco. Por este motivo, solidão, melancolia, angústia, desespero, 
depressão e saudade são assuntos frequentes nas representações de Munch. É comum, portanto, nos 
depararmos com pinturas e gravuras de rostos sem feições ou desfigurados, com expressões 
distorcidas e quase espectrais. 
 
 
 
32 
EDVARD MUNCH: 
UM GRITO INFINDÁVEL 
 
O grito (1893) 
 Em 1893 pinta “O Grito”. É uma obra efetuada em óleo, 
têmpera e pastel em cartão de pequenas dimensões:91 x 73.5 cm. 
Há uma série de fatores que influenciaram Munch para a realização 
deste quadro. 
Desde um período em que esteve doente em Nice, em 1892. 
Edvard escreveu em seu diário o momento que por certo o inspirou a pintar a sua obra: “Estava a 
passear cá fora com dois amigos, e o Sol começava a pôr-se - de repente o céu ficou vermelho, cor de 
sangue - Parei, sentia-me exausto e apoiei-me a uma cerca – havia sangue e língua de fogo por cima 
do fio de azul-escuro e da cidade – os meus amigos continuaram a andar e eu ali fiquei, de pé, a 
tremer de medo – e senti um grito infindável a atravessar a Natureza”. 
Obra mais famosa do pintor norueguês e um dos marcos maiores do Expressionismo, em “O 
Grito”, o desespero e a angústia tomam enormes proporções. Detalhe curioso dessa obra é que ela 
retrata um personagem andrógeno, em uma situação de desespero e angústia existencial. 
O quadro “O Grito” tornou-se uma das obras de arte mais reconhecidas em todo o mundo só 
suplantada pela “Mona Lisa" de Leonardo Da Vinci. Mas o que tornará esta obra de arte tão famosa 
e apelativa? Será a misteriosa figura central do seu quadro? Será a dor intensa que este personifica? 
Serão as cores tortuosas que nos tocam a alma? Será uma identificação que inconscientemente 
fazemos quando somos confrontados com a sua angústia? 
. “A arte também é a expressão da vida aprisionada num quadro”. Essa frase se enquadra 
perfeitamente para falarmos na obra O Grito, de Edvard Munch. Inspirados nas releituras abaixo, 
reflita sobre os fatos de nossas vidas e tente relacioná-la com a pintura de Munch. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
33 
 
Pinte a tela abaixo com as cores quentes. 
 
 
 
 
 
 
34 
 
 
A partir das reflexões sobre o quadro O 
Grito, crie uma releitura cujo objetivo é 
relacionar fatos desesperadores de nossa 
realidade (políticos, sociais, ambientais e 
outros) como referência para sua criação 
artística. Utilize a técnica de colagem 
para fazer a composição de sua releitura. 
Use as imagens abaixo como fonte de 
inspiração. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
35 
 
 
HISTÓRIA DA MÚSICA 
BRASILEIRA 
 
A música do Brasil se formou a partir da 
mistura de elementos europeus, africanos e 
indígenas, trazidos por colonizadores portugueses, 
escravos e pelos nativos que habitavam o chamado 
Novo Mundo. 
Outras influências foram se somando ao longo 
da história, estabelecendo uma enorme variedade de 
estilos musicais. Na época do descobrimento do 
Brasil, os portugueses se espantaram com a maneira de vestir dos nativos e a maneira como eles 
faziam músicas: 
 
Cantando, dançando, tocando instrumentos (chocalhos, flautas, tambores). 
O maracá era um instrumento muito apreciado pelos índios tupis da costa do Brasil, e os 
índios costumavam dançar em círculos cantando e batendo os pés. Um dos cantos dos tupis era 
dedicado a uma ave amarela, uma espécie de arara, que eles chamavam “Canide ioune” (ave amarela 
na língua tupi). 
A música brasileira mistura elementos de várias culturas, principalmente as chamadas 
culturas formadoras, que eram a dos colonizadores portugueses (europeia), a dos nativos (indígena) 
e a dos escravos (africana). É difícil dizer com certeza, quais foram os elementos de origem, mas 
sabemos que alguns instrumentos musicais, por exemplo, são tradicionais de certas culturas. 
 Os primeiros professores de música no Brasil foram os padres Jesuítas, responsáveis pela 
catequese dos indígenas, a partir de 1549. No sul do Brasil, os Jesuítas construíram as Missões, que 
era um projeto que além de levar cultura aos índios guaranis, também os ensinavam a religião 
católica, agricultura, e música vocal e instrumental, criando após dez anos, orquestras inteiras só de 
guaranis. 
Um filme que retrata muito bem a catequese feita na America do Sul pelos padres Jesuítas é o 
Filme “THE MISSION” (gravado em 1986), do Diretor Roland Joffé, com o ator Robert de Niro no 
papel principal. 
O mais famoso padre jesuíta das Missões foi o padre José de Anchieta (1534-1597), criador de 
muitas peças de teatro didáticas, que tinham a função de ensinar a religião de uma forma criativa e 
espetacular aos índios. 
Os padrões de interpretação e estilo, obviamente eram todos da cultura europeia, e o objetivo 
era acima de tudo catequético, com escassa ou nula contribuição criativa original da parte dos 
índios. 
Com o passar dos anos, os índios remanescentes dos massacres e epidemias aos quais 
sofreram durante todo esse período, foram se retirando para regiões mais remotas do Brasil, fugindo 
do contato com o homem branco, e sua participação na vida musical nacional foi decrescendo, até 
quase desaparecer por completo. 
Os indígenas não deixaram seus traços na construção da música brasileira, apenas em alguns 
gêneros folclóricos, mas de forma bem passiva, perante a imposição da cultura colonizadora. Até o 
19 Portugal foi a maior das influências na construção da música brasileira, erudita e popular, porque 
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36 
introduziu a música instrumental, harmônica, a literatura musical e boa parte das formas musicais 
cultivadas no país ao longo dos séculos, ainda que diversos elementos fossem de origem europeia e 
não portuguesa. 
Ao longo do tempo o intercâmbio cultural com outros países além da metrópole portuguesa, 
trouxeram vários elementos musicais típicos de outros países, que se tornariam importantes, como 
as óperas italiana e francesa, e as danças típicas de outros países, como a zarzuela, o bolero e a 
habanera de origem espanhola, as valsas e polcas alemãs, e o jazz norte americano tiveram também 
sua participação e transformação dentro da construção da música brasileira. 
Até o início do século 18 a maior parte da música erudita era praticada apenas na Bahia e 
Pernambuco (estados localizados no norte do Brasil), mas no final do século 18, essa grande fusão 
de diversos elementos melódicos e ritmos africanos começaram a dar a música popular, uma 
sonoridade tipicamente brasileira, que se espalhou por todo o país e formou os primeiros nomes da 
música brasileira. 
 
 
MÚSICA BRASILEIRA- JOVEM GUARDA 
 Jovem Guarda foi um movimento surgido na segunda metade da década de 60, que mesclava 
música, comportamento e moda. Surgiu com um programa televisivo brasileiro exibido pela Rede 
Record, a partir de 1965. Os integrantes do movimento foram influenciados pelo Rock and 
Roll da década de 50 e 60. Com isso, faziam uma variação nacional do rock, batizada no país de "Iê-
Iê-Iê", com letras românticas e descontraídas. 
 
A expressão Jovem Guarda começou a ser 
usada com a estreia do programa de 
auditório que tinha esse nome, na TV Record, 
em 1965. Foi comandado por Roberto 
Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa que 
apresentavam ao público os principais artistas 
ligados ao movimento. O programa tornou-
se popular e impulsionou o lançamento de 
roupas e acessórios. O movimento foi 
identificado como do público jovem, porém, 
agradou pessoas de todas as idades. 
 
Entre os artistas do movimento destacaram-
se Celly Campelo, Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Wanderléa, Vanusa, Eduardo 
Araújo,Silvinha, Martinha, Arthurzinho, Ronnie Cord, Ronnie Von, Paulo Sérgio, Wanderley 
Cardoso,Bobby di Carlo, Jerry Adriani, Rosemary, Leno e Lilian, Demétrius, Os 
Vips, Waldirene, Diana (cantora), Sérgio Reis, Sérgio Murilo, Trio Esperança, Ed Wilson, Evaldo 
Braga e as bandas, Os Incríveis, Renato e Seus Blue Caps, Golden Boys e The Fevers. Entre os 
principais sucessos estão "Quero Que Vá Tudo Pro Inferno"; "Festa de Arromba"; "Pare o 
Casamento"; "Garota do Roberto"; "Biquíni de Bolinha Amarelinha"; "Meu Bem"; "EuDaria a 
Minha Vida"; "O Bom"; "Roda Gigante"; "Rua Augusta"; "Namoradinha de um Amigo Meu"; 
"Ternura"; "O Caderninho"; "Tijolinho"; "Feche os Olhos"; "A Festa do Bolinha"; "O Bom Rapaz" e 
"Menina Linda". A partir dos anos de 1990, regravações da Jovem Guarda feitas por outros grupos 
fizeram sucesso entre os adolescentes. 
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http://pt.wikipedia.org/wiki/Movimento
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http://pt.wikipedia.org/wiki/Eduardo_Ara%C3%BAjo
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http://pt.wikipedia.org/wiki/Martinha
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http://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Bobby_di_Carlo&action=edit&redlink=1
http://pt.wikipedia.org/wiki/Jerry_Adriani
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http://pt.wikipedia.org/wiki/Os_Vips
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http://pt.wikipedia.org/wiki/Evaldo_Braga
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http://pt.wikipedia.org/wiki/Renato_e_Seus_Blue_Caps
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http://pt.wikipedia.org/wiki/The_Fevers
http://pt.wikipedia.org/wiki/1990
 
37 
 
ROCK 
 
 1951 um ritmo musical 
pouco convencional surge e 
chama a atenção por ser 
diferente de tudo que existia até então e passa a 
cativar rapidamente aquela geração e as que vieram 
a seguir, até os dias atuais… É o rock ou rock in 
roll que veio para ficar! Seus primeiros toques 
aparecem em um programa de rádio, no estado de 
Ohaio, Estados Unidos. 
Seu ritmo tinha como base duas guitarras elétricas, um contrabaixo e uma bateria, mas claro 
que outros instrumentos e variações poderiam ser adicionados. Muito mais que um gênero musical, 
o rock criou também uma referência de comportamento para milhares de pessoas, principalmente 
jovens, que passaram a viver um estilo mais despojado e moderno de se vestir, agir e falar. 
Década de 60 
Tal período foi o mais popular e prolífero do Rock. A combinação do movimento antiguerra 
e o crescimento do uso de drogas registrado na época originou o pensamento da década. Bandas 
famosíssimas como Beatles, Rolling Stones, The Doors e Pink Floyd surgiram. Foi neste 
período que surgiu o famoso lema: “Sexo, drogas e Rock’n’Roll.” 
Década de 70 
Nesta fase, a “agressividade” do Rock dos anos 60 havia se esfriado um pouco, 
proporcionando o retorno de um estilo mais direto e primitivo. Foi na década de 70 que surgiu 
o punk rock, o conceito do “faça você mesmo” tomou conta do mundo inteiro através das 
bandas The Ramones, Iggy Pop & The Stooges e Sex Pistols. 
Além destes, outros lendários grupos musicais surgiram neste 
período: Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep 
Purple, KISS e Aerosmith, por exemplo. 
 
Década de 80 
Foi marcada pelo peso, atitude e a comercialização. Na 
questão do peso, surgiu o Heavy Metal, representado por bandas 
como Iron Maiden e Judas Priest. Além disso, nos anos 80 
surgiu o Alternative Rock, gênero musical criado pelas 
bandas undergrounds que não tinham apoio das grandes 
gravadoras e que passaram a lançar seus discos de forma 
independente. 
 
 
Década de 90 
 
Sem dúvida, foi a época do hard rock, liderado pela banda Guns N'Roses(para se ter uma 
ideia, o estoque dos discos da banda não duravam nem 24 horas nas lojas). Também 
foi na década de 90 que surgiu o “grunge”, estilo que tem como características musicais o menor 
cuidado na polidez do som (grunge tem um significado próximo a "sujo" na língua inglesa) e a 
Em 
 
38 
criação de letras relacionadas com a depressão e a angústia. Algumas importantes bandas desta 
fase: U2, Pearl Jam, Nirvana, Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers, Dream 
Theater, Coldplay, Blink-182 e Green Day. 
 
Cenário atual 
No início do século atual, o Rock começou a perder grande parte de seu espaço para o Pop. 
Contudo, uma nova vertente do estilo, a qual relaciona o rock com a diversidade da música surgiu. 
Assim, se tornou um elemento crucial para os rockeiros do século XXI a aceitação 
da heterogeneidade e a exaltação de toda a história do rock. 
 
 
 
HISTÓRIA DO SAMBA NO BRASIL 
 
 samba foi introduzido no Brasil no período colonial pelos escravos africanos sendo, 
portanto um estilo que provém da fusão entre as culturas africana e brasileira. 
Inicialmente, as festas de danças dos negros escravos na Bahia eram chamadas de 
"samba". A manifestação durante muito tempo foi considerada um estilo de música e dança 
criminalizado e visto com preconceito, devido 
às suas origens negras. 
Em 1917 foi gravado no Brasil o primeiro 
samba com o título: "Pelo Telefone", com letra 
de Mauro de Almeida e Donga, cantado por 
Bahiano. Há controvérsias sobre a origem da 
palavra "samba", mas provavelmente advém do 
termo africano "semba" que significa 
"umbigada". 
O samba está presente em todas as 
regiões brasileiras, modificando-se conforme o 
local, sendo que os mais conhecidos são: 
 Samba da Bahia 
 Samba Carioca (Rio de Janeiro) 
 Samba Paulista (São Paulo) 
Assim, dependendo do Estado modificam-se os ritmos, as letras, o estilo de dançar e até mesmo os 
instrumentos que acompanham a melodia. Com o passar do tempo, o samba foi conquistando o 
público em geral e adquirindo um lugar de destaque entre os principais elementos da identidade 
cultural brasileira. 
Principais Tipos de Samba 
 Samba de roda: o samba de roda está associado à capoeira e ao culto dos orixás. Essa variante 
de samba surgiu no Estado da Bahia no século XIX, caracterizado por palmas e cantos, no qual os 
dançarinos bailam dentro de uma roda. 
O 
https://www.todamateria.com.br/samba-de-roda/
https://www.todamateria.com.br/capoeira/
https://www.todamateria.com.br/orixas-do-brasil/
 
39 
 Samba-enredo: associado ao tema das escolas de samba, o samba-enredo é caracterizado por 
apresentar canções com temáticas de caráter histórico, social ou cultural. Essa variante de samba, 
surgiu no Rio de Janeiro na década de 30 com o desfile das escolas de samba. 
 Samba-canção: chamado também de "samba de meio de ano", o samba canção surge na década 
de 20 no Rio de Janeiro e se populariza no Brasil nas décadas de 1950 e 1960. Esse estilo é 
caracterizado por músicas românticas e ritmos mais lentos. Samba-exaltação: o marco inicial desse estilo de samba é a música "Aquarela do Brasil" de 
Ary Barroso (1903-1964), lançada no ano de 1939. Caracterizado por letras que apresentam 
temas patrióticos e ufanistas. 
 Samba de gafieira: Esse estilo de samba é derivado do maxixe e surgiu na década de 40. O 
samba de gafieira é uma dança de salão cujo homem conduz a mulher acompanhados por uma 
orquestra com ritmo acelerado. 
 Pagode: Essa variante do samba surgiu no Rio de Janeiro na década de 70, a partir da tradição 
das rodas de samba. Caracterizado por um ritmo repetitivo com instrumentos de percussão 
acompanhados de sons eletrônicos. 
 
Pintura de Rugendas que revela as origens do samba no país, o qual era praticado pelos negros 
africanos 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
HISTÓRIA DA MÚSICA SERTANEJA 
 
O subgênero musical “sertanejo” é totalmente brasileiro. Na 
verdade, o sertanejo é uma variação ou uma “urbanização”, se é que 
podemos assim dizer, da música caipira, onde são utilizados 
instrumentos artesanais e típicos do Brasil-colônia, como a viola, o 
acordeão e a gaita, algo voltado para o público extremamente rural 
do Brasil. 
O sertanejo se caracteriza pela melodia simples e melancólica 
 
40 
das músicas, bem semelhante à música caipira, talvez um pouco mais dançante e sem dúvida, mais 
urbana. Enquanto a música caipira tinha uma temática baseada na vida do campo, os sertanejos 
mudaram essa temática para agradar o grande público das cidades, adotando temas como amor e 
traição. Ocorreu o cuidado particular em se evitar o termo “caipira”, visto com preconceito por 
grande parte da população. 
Foi em 1929 que surgiu a música sertaneja como se conhece hoje. Ela nasceu a partir de 
gravações feitas pelo jornalista e escritor Cornélio Pires de "causos" e fragmentos de cantos 
tradicionais rurais do interior paulista, norte e oeste paranaense, sul e triângulo mineiros, sudeste 
goiano e matogrossense. Na época destas gravações pioneiras, o gênero era conhecido como música 
caipira, cujas letras evocavam o modo de vida do homem do interior (muitas vezes em oposição à 
vida do homem da cidade), assim como a beleza bucólica e romântica da paisagem interiorana 
(atualmente, este tipo de composição é classificado como "música sertaneja de raiz", com as letras 
enfatizadas no cotidiano e na maneira de cantar). 
A partir de 1980, houve no Brasil uma grande exploração comercial da música sertaneja, 
começando com Chitãozinho & Xororó e Leandro & Leonardo, passando posteriormente para uma 
grande quantidade de duplas, tendo seu auge entre os anos de 1988 e 1990. Atenta, a indústria 
fonográfica lançou na década de 2000 um movimento similar, chamado sertanejo universitário. 
 
 MÚSICA BRASILEIRA 
1- Entrega da letra para leitura. 
2- Audição – tocada- CD. 
3- Discussão oral sobre a música. 
4- Interpretação da música com desenho representativo. 
5- Elaboração de paródia. 
 
 
Fio de Cabelo 
Chitãozinho & Xororó 
 
Quando a gente ama 
Qualquer coisa serve para 
relembrar 
Um vestido velho da mulher 
amada 
Tem muito valor 
Aquele restinho do perfume dela 
que ficou no frasco 
Sobre a penteadeira 
Mostrando que o quarto 
Já foi o cenário de um grande 
amor 
E hoje o que encontrei me deixou 
mais triste 
Um pedacinho dela que existe 
Um fio de cabelo no meu paletó 
Lembrei de tudo entre nós 
Do amor vivido 
Aquele fio de cabelo comprido 
Já esteve grudado em nosso suor 
Quando a gente ama 
E não vive junto da mulher amada 
Uma coisa à toa 
É um bom motivo pra gente 
chorar 
Apagam-se as luzes ao chegar a 
hora 
De ir para a cama 
A gente começa a esperar por 
quem ama 
Na impressão que ela venha se 
deitar 
E hoje o que encontrei me deixou 
mais triste 
Um pedacinho dela que existe 
Um fio de cabelo no meu paletó 
Lembrei de tudo entre nós 
Do amor vivido 
Aquele fio de cabelo comprido 
Já esteve grudado em nosso suor 
 
 
41 
 
À Sua Maneira 
Capital Inicial 
Ela dormiu no calor dos meus 
braços 
E eu acordei sem saber se era um 
sonho 
Algum tempo atrás pensei em te 
dizer 
que eu nunca cai nas suas 
armadilhas de amor Naquele 
amor 
A sua maneira 
Perdendo o meu tempo a noite 
inteira 
Não mandarei cinzas de rosas 
Nem penso em contar os nossos 
segredos 
Naquele amor 
A sua maneira 
Perdendo o meu tempo a noite 
inteira 
Ela dormiu no calor dos meus 
braços 
E eu acordei sem saber se era um 
sonho 
Algum tempo atrás pensei em te 
dizer 
que eu nunca cai nas suas 
armadilhas de amor 
Naquele amor 
A sua maneira 
Perdendo o meu tempo a noite 
inteira 
Naquele amor 
A sua maneira 
Perdendo o meu tempo a noite 
inteira 
 
Eu Sou Terrível - Roberto 
Carlos 
Músicas Jovem Guarda 
 
Eu sou terrível, e é bom parar 
De desse jeito, me provocar 
Você não sabe, de ondu venho 
O que eu sou, e o que tenho 
Eu sou terrivel 
Vou lhe dizer, e ponho mesmo, 
pra derreter 
Estou com a razão no que digo 
Não tenho medo nem do perigo 
Minha caranga é maquina quente 
Eu sou terrível 
E é bom parar, porque agora, vou 
decolar 
Não é preciso, nem avião 
Eu vôo mesmo, aqui no chão 
Eu sou terrível 
Vou lhe contar, não vai ser mole, 
me acompanhar 
Garota que anda do meu lado 
Vai ver que eu ando mesmo 
apressado 
Minha caranga é maquina quente, 
eu sou terrível 
Eu sou terrível 
Eu sou terrível, e é bom parar 
De desse jeito, me provocar 
Você não sabe, de onde eu venho 
O que eu sou, e o que tenho 
Eu sou terrível, vou lhe dizer 
E ponho mesmo, pra derreter 
Estou com a razão no que digo 
Não tenho medo nem do perigo 
Minha caranga é máquina quente 
Eu sou terrível..
 
42 
ARTE GÓTICA 
Catedral de Chartre s – França sec. XI 
O termo Gótico foi utilizado pelos italianos 
renascentistas, que consideravam a Idade Média como a idade 
das trevas, época de bárbaros, e como para eles os godos eram 
o povo bárbaro mais conhecido, utilizaram a expressão gótica 
para designar o que até então chamava-se “Arte Francesa “ 
Catedral da Sé – São Paulo 
O auge do desenvolvimento artístico da Idade Média, 
rivalizando com as maravilhas da Grécia e da Roma da 
antiguidade, foi a catedral gótica. De fato, essas “Bíblias de 
Pedra” superaram até mesmo a arquitetura em termos de 
ousadia tecnológica. Entre 1200 e 1500, os construtores 
medievais ergueram essas estruturas elaboradíssimas, com23 
metros interiores atingindo uma altura sem precedentes no 
mundo da arquitetura (até 
47 metros) 
.São Paulo Catedral de chartres França. Sec. X II 
 
Arquitetura: Sobre as características da arquitetura 
gótica encontra-se que: as paredes eram a base espiritual da 
Igreja, os pilares representavam os santos, e os arcos ogivais e os 
nervos eram o caminho para Deus A arquitetura gótica medieval, 
entre os séculos XII e XVI, caracterizada pela forma ogival das 
abóbadas e dos arcos, bem como o revivalismo gótico que 
alastrou pela Europa no século XIX e nos primeiros anos do 
século XX, parece querer desmaterializar a pedra das catedrais e 
dos palácios, apresentados em superfícies de nós, laços e 
cruzamentos labirínticos, erguendo a força das linhas verticais à 
potência do infinito e manifestando assim uma necessidade de 
expressão espiritual. 
 
Escultura: A escultura gótica desenvolveu-se paralelamente à arquitetura das Igrejas e está 
presente nas fachadas, tímpanos e portais das catedrais, que foram o espaço ideal para sua 
realização. Caracterizou-se por um calculado naturalismo que, mais do que as formas da realidade, 
procurou expressar a beleza ideal do divino; no entanto a escultura pode ser vista como um 
complemento à arquitetura, na medida em que a maior parte das obras foi desenvolvida 
separadamente e depois colocadas no interior das Igrejas, não fazendo parte necessariamente da 
estrutura arquitetônica. Os gárgulas eram comuns nas igrejas gótica.A pintura gótica 
desenvolveu-se nos séculosXII. XTV e no início do século XV, quando começou a ganhar novas 
características que prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura do 
realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas, quase sempre tratando de 
temas religiosos, apresentava personagens de corpos pouco volumosos, cobertos por muita roupa, 
com o olhar voltado para cima, em direção ao plano celeste. Os principais artistas na pintura gótica 
são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento: Giotto e Jan Van Eyck 
 
 
43 
A deposição”, de Giotto, 1305. Capella 
Antes de Giotto, no decorrer de toda a Idade 
Média, a pintura teve um aspecto muito severo, sem 
grandes semelhanças cora o real, pois os assuntos divinos 
mereciam tratamento simbólico, superior à realidade dos 
homens. 
Giotto revolucionou as artes plásticas, porque 
abandonou as imagens chapadas, sem profundidade, 
procurando criar uma ilusão de espaço, com noções 
básicas de perspectiva, situando os personagens bíblicos 
em um mundo concreto, aproximando-os dos espectadores. 
Além disso, nos afrescos das várias igrejas italianas que coloriu, deu um tratamento aos temas 
religiosos sem precedente, pois cada figura que pinta sente profundamente os fatos narrados, como 
podemos observar na passagem da Deposição de Cristo, em que Maria e as demais mulheres se 
debruçam sobre o Cristo morto e seja na posição das mãos, seja nas expressões faciais, há um 
profundo pesar e desespero estampado. Além delas, os anjos são encantadores, cada um a sua 
maneira deflagra o sentimento terrível que os„ aflige, sem falar nos braços abertos de São João, os 
quais atraem nosso olhar. 
“Nessa deposição há uma concentração extraordinária. Cada linha, cada superfície, cada 
gesto, cada olhar leva-nos à figura de Cristo deitado no colo da Virgem. Um grande lamento enche o 
universo. Vemos um movimento em forma de V, com uma linha diagonal imaginária do lado 
esquerdo caindo até o ponto mais baixo, onde se encontram as cabeças de Cristo e da Virgem, daí se 
erguendo uma diagonal ascendente para a direita, acompanhando o perfil da paisagem do rochedo 
nu.” 
Tamanha era a diferença entre a pintura medieval de até então e a pintura de Giotto que 
muitas pessoas, ao entrarem nas igrejas por ele decoradas, ficavam impressionadas com a 
semelhança entre o desenho e a realidade, confundindo, por vezes, a pintura com o real. A pintura 
dele, hoje, não provoca esta reação, mas continua a encantar com suas cores harmônicas, com sua 
expressividade no que toca ao psicológico, com a harmonia da composição, com a arte de um 
homem a frente de seu tempo. 
São Paulo Catedral de chartres França. Sec. X II 
Os vitrais eram 
compostos de milhares de peças de vidro 
tingido com elementos químicos, como 
cobalto e manganês, unidos por tiras de 
chumbo que também delineiam as figuras 
que compõem o desenho. São eles que 
permitem às catedrais góticas 
proporcionar a sensação de plenitude 
espiritual, pois a invasão da luz cria uma 
atmosfera mística e um encantamento 
com o belíssimo efeito de “renda 
petrificada”, como as descreveu o escritor 
William Faukner. 
 
 
 
 
44 
 
EXERCÍCIOS SOBRE ARTE GÓTICA 
1- Os historiadores da arte têm sugerido que o termo “gótico” foi cunhado pelo humanista Giorgio 
Vasari (1511-1574) no século XVI em referência a um tipo de arte nascido na Baixa Idade Média, com 
grande expressão na arquitetura e na pintura, e que se diferenciava da arte românica, produzida 
antes dela. Entre os primeiros pintores do estilo gótico, pode-se mencionar: 
a) Pablo Picasso 
b) Giotto di Bondone 
c) Leonardo da Vinci 
d) El Greco 
e) Francis Bacon 
 
2- As catedrais góticas passaram a apresentar elementos técnicos bem diversos da arquitetura usada 
nas construções românicas. Entre esses elementos, estavam: 
a) os arcos completos, como os modelos gregos e romanos. 
b) a ausência de gárgulas nas decorações externas. 
c) a ausência de vitrais. 
d) os arcos em forma de ogiva. 
e) a presença de um centro piramidal. 
 
3- Entre os pintores flamengos (que viviam nos Países Baixos durante a Idade Média), um dos que 
mais se destacaram no emprego do estilo gótico foi: 
a) Vincent van Gogh 
b) Velasquez 
c) Rambrandt 
d) Johannes Vermeer 
e) Jean Van Eyck 
 
.Sugestões de atividades 
Vitrais da Arte Gótica 
 
Os vitrais é um tipo de vidraça composta por 
pedaços de vidro coloridos, que geralmente representa 
cenas ou personagens. É um dos elementos 
arquitetônicos característica do estilo góticos. O vitral 
originou-se no Oriente por volta do século X. Tendo 
florescido na Europa durante a Idade Média, os vitrais 
foram amplamente utilizados na ornamentação de igrejas 
e catedrais, uma vez o efeito da luz do sol que por eles 
penetravam, conferia uma maior imponência e 
espiritualidade ao ambiente, efeito reforçado pelas 
imagens retratadas, em sua maioria cenas religiosas. 
Utilize papel cartão e celofane colorido para compor o 
vitral abaixo 
Utilize papel cartão e celofane colorido para compor o vitral abaixo 
 
45 
 
Pinte as Rosáceas predominando a cor ROXA! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
46 
Barroco 
Vocação De São Mateus . Obra De Caravagio 1599/1600 
arroco é o termo que serve para 
designar a arte que surgiu já no fim do 
século XVII na Itália e que teve seu auge 
no século XVIII, espalhando se posteriormente para 
outros países da Europa e América Latina, além disso, 
o barroco também se manifestou na literatura e no 
teatro. A arte barroca foi o estilo que sucedeu o 
Renascimento, ambos os estilos compartilhavam do 
gosto pela antiguidade clássica. A expressão “Barroco” 
significa absurdo ou grotesco e foi assim chamado 
pelos críticos afim de ridicularizar a arte que abdicava das regras do estilo clássico. Na América 
Latina o Barroco ganhou força por meio dos artistas que viajavam para a Europa. 
Após a Reforma Protestante e a Contrarreforma ocorrida no século XVI, a Igreja Católica 
perdeu força e apoio na busca pela retomada das ideias teocentristas. O Barroco surge em meio a 
crises políticas e religiosas. A Igreja Católica com o intuito de frear as ideias protestantes, buscou 
através da arte um meio de reafirmar os valores cristãos. 
A arte barroca apresenta, sobretudo, características bastante detalhistas, dramáticas e 
expressivas que de alguma maneira mexem com o emocional do espectador. A pintura barroca 
assumiu caraterísticas realistas e um ousado contraste de claro-escuro a fim de intensificar a noção 
de profundidade, além disso, a luz tem o objetivo de conduzir o olhar do espectador à cena principal. 
Um dos mais notáveis artistas desse período foi o italiano Caravaggio. Sua obra A Vocação de São 
Mateus (1596-1598) reflete bem as características citadas anteriormente. O olhar do fruidor fixa-se 
 
no raio de luz que conduz ao acontecimento principal da obra – Jesus à direita apontando 
para Mateus a esquerda. 
Na escultura se evidencia, especialmente a dramaticidade e teatralidade das expressões, o 
movimento e exuberância das formas. Na Itália o trabalho de Bernini ganha destaque pela 
representatividade do estilo. Suas esculturas parecem ganhar vida própria causando grande impacto 
para quem as aprecia. O êxtase de Santa Tereza (1645-1652) é uma de suas obras mais famosas. A 
escultura em mármore de tamanho natural está localizada na Igreja de Santa Maria Della Vittoria e 
parecem flutuar e dominar as emoções do espectador. 
Na arquitetura, o Barroco utilizou elementos para dar a impressão de dinamismo, esplendor e 
grandiosidade tanto nas fachadas quanto no interior. Elementos sinuosos como os espirais e formas 
contorcidas eram usados para conferir efeitos ilusórios reforçando a impressão de movimento 
ascensional. Francesco Borromini, artista Barroco, entre muitos obras construiu