apostila 8 ano

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APOSTILA DE 
 Op Art 
OP 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 Francieli da Silva 
Juliana Angelit 
Nair Cassel Schenider 
Nair Rech Abati 
Orlei dos Santos 
Rafael B Cafofo Neto 
Rosemary Corrêa Pontes 
Rosenilda Quinteiro Belarmino dos Santos 
II CICLO DE ESTUDO DO ENSINO DE ARTE 
SINOP, MT 2017 
Orientadora. Silvana N C Lopes 
 
Arte, linguagem visual. 
8º ANO, E. Fundamental 
 
 A 
 
 R T E S 
 
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CONHECENDO AS CORES! 
O círculo cromático é uma ferramenta muito utilizada na arte, design e outras áreas 
criativas. 
Ele é muito útil para fazer combinações de cores, para fazer o estudo de cores frias e 
quentes, para entender cores análogas e cores complementares, enfim, é indispensável 
para os artistas, criativos, professores e alunos de arte. 
O círculo cromático é uma roda composta de 12 cores: 3 cores primárias, 3 cores 
secundárias e 6 cores terciárias. 
 
 Cores primárias: não podem ser obtidas através de outras, como o amarelo, azul e 
vermelho. 
 Cores secundárias: formadas pela mistura das cores primárias, obtemos laranja, 
violeta e verde. 
 Cores terciárias: compostas pela mistura das cores secundárias. 
 
 Círculo Cromático 
 
 
 
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Agora que tal praticarmos um pouco!! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Pinte utilizando as cores na mesma posição do circulo cromático 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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1) Pinte a obra do Romero Brito, utilizando as cores secundárias : 
 
 
2) Pinte o desenho utilizando as cores terciárias: 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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As cores frias são: Verde, azul, roxo. Causam-nos uma sensação de frio. 
As cores quentes são: Vermelho, amarelo, laranja. Causam-nos uma sensação de calor. 
 
Pinte o desenho utilizando as cores frias. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Pinte a mandala utilizando as cores quentes. 
 
 
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1) Encontre as palavras escritas abaixo no caça palavras. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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PERSPECTIVA OU DESENHO 3D 
 
Perspectiva é um campo de estudo da geometria e, em especial, da geometria projetiva. Suas 
aplicações estendem-se para: arte, arquitetura, design, engenharia etc. Trata-se de uma ciência que abarca 
os métodos de representação dos objetos em seus tamanhos e posições "corretas", tal qual a visão 
humana supostamente os compreenderia, a partir de um observador. A perspectiva subdivide-se em várias 
modalidades como: cônica, isométrica, cavaleira, militar, entre outras, e foi desenvolvida pelos artistas e 
geômetras na transição da Idade Média para o Renascimento, na sua forma estrita de entendimento. 
Um ponto de fuga. A perspectiva com um ponto de fuga, também é conhecida como perspectiva 
renascentista foi o primeiro método de perspectiva exata, que se baseiam em um ponto de fuga situado na 
linha do horizonte, para o qual convergem às retas paralelas, que ao serem transformadas em diagonais, 
no quadro, provocam a sensação de profundidade. Veja os exemplos. Usaremos nas seqüencia lápis 2b, 
lápis 6b, borracha e régua. Use régua seguindo este exemplo de um ponto de fuga, tente recriar nos 
espaços restantes os cenários seguindo a lógica dos pontos e de linhas. Note que a linha horizontal, é a 
primeira ser traçada e depois as demais linhas inclinadas. 
AGORA é COM VOCE ! 
Observe os desenhos a seguir, ENCONTRE o PONTO DE FUGA e marque com um X . 
Pintura: 
 Pinte destacando as cores frias 
 
 
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Complemente o desenho e pinte destacando as cores quentes! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Faça um desenho com PONTO DE FUGA Do lado e pinte! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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DESAFIO VOCE!!!! 
 
 
 
 
 
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Textura é o aspecto de uma superfície, ou seja, a "pele" de uma forma, que permite identificá-la e 
distingui-la de outras formas. Quando tocamos ou olhamos para um objeto ou superfície sentimos se a sua 
pele é lisa, rugosa, macia, áspera ou ondulada. A textura é, por isso, uma sensação visual ou táctil. 
Texturas naturais 
 
Aquelas que resultam da intervenção natural do 
meio ambiente ou que caracterizam o aspecto exterior das 
formas e coisas existentes na Natureza Ex.: Cascas de 
troncos de árvores, madeira, folhas, rochosa folha é uma 
textura muito diferente porque ela pode ser tirada em 
folha (sulfite) e fica em alto relevo. 
 
 
 
 
Texturas Artificiais/Produzida: 
 
São aquelas que resultam da intervenção humana 
através da utilização de materiais e instrumentos 
devidamente manipulados. O Homem desde sempre tenta 
criar nas superfícies/objetos, texturas idênticas às criadas 
na Natureza, logo elas são o reflexo do modo como 
expressamos o nosso entendimento do mundo que nos 
rodeia. Dependem da manipulação das matérias e das 
técnicas utilizadas e do modo como utilizamos as 
linguagens plásticas. Por meio de elementos lineares, 
pontuais, de manchas, incisões, etc., podem criar texturas 
com características ornamentais ou funcionais. 
 
 
Classificação das texturas 
 
As texturas podem ser basicamente classificadas em: 
Texturas regulares: As texturas regulares são aquelas que repetem formas continuamente sobre uma 
superfície formando um padrão. 
Texturas irregulares: As texturas irregulares são aquelas que não apresentam uma homogeneidade na 
superfície, podendo ser o resultado de alterações de formas e volumes. 
Texturas simples: As texturas simples são aquelas que apresentam uma simplicidade na sua estrutura 
básica, não apresentando alterações significativas. Acetinados, sedosos, macios, etc. são exemplos de 
texturas simples. 
http://pt.wikipedia.org/wiki/Superf%C3%ADcie
http://pt.wikipedia.org/wiki/Pele
http://pt.wikipedia.org/wiki/Lisa
http://pt.wikipedia.org/wiki/Rugosa
http://pt.wikipedia.org/wiki/Exterior
http://pt.wikipedia.org/wiki/Natureza
http://pt.wikipedia.org/wiki/%C3%81rvores
http://pt.wikipedia.org/wiki/Madeira_%28material%29
http://pt.wikipedia.org/wiki/Folhas
http://pt.wikipedia.org/wiki/Rochas
 
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Texturas expressivas: As texturas expressivas, ou compostas, são formadas justamente pela junção de 
diferentes elementos e informações táteis. Rachaduras, rugosidades, espinhos, etc. são exemplos 
significativos de texturas expressivas. 
 
 
Função das texturas 
 
As texturas podem ter diferentes funções na arte, 
que podem ser utilizadas ou exploradas pelo artista de 
acordo com seu objetivo e a mensagem que ele deseja 
passar através de sua obra. 
Assim, elas servem para afastar, aproximar, 
proteger, aquecer, refrescar, tranquilizar, aderir, 
camuflar, etc. 
Identifique A OBRA e faça uma textura inspirada no peixe. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Preenchem os espaços do desenho com texturas, correspondentes ao numero 
 Textura no lápis preto. 
 As flores pintar predominando uma das cores primárias 
 
 
 
 
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TARSILIA DO AMARAL 
Nascida em 1º de setembro de 1886, em Capivari, interior de São Paulo, era 
filha de José Estanislau do Amaral Filho e de Lídia Dias de Aguiar, e neta de José 
Estanislau do Amaral, cognominado “o milionário” em virtude da imensa 
fortuna acumulada em fazendas do interior paulista. 
Seu pai herdou a fortuna e diversas fazendas, onde Tarsila e seus sete irmãos 
passaram a infância. Desde criança, fazia uso de produtos importados 
franceses e foi educada conforme o gosto do tempo. Sua primeira mestra, a 
belga Mlle. Marie van Varemberg d’Egmont, ensinou-lhe a ler, escrever, bordar e falar francês. Sua mãe 
passava horas ao piano e contando histórias dos romances que lia às crianças. Seu pairecitava versos em 
francês, retirados dos numerosos volumes de sua biblioteca. 
Tarsila do Amaral estudou em São Paulo, em colégio de freiras do bairro de Santana e no Colégio Sion. E 
completou os estudos em Barcelona, na Espanha, no Colégio Sacré-Coeur. 
Ao chegar da Europa, em 1906, casou-se com o médico André Teixeira Pinto, seu noivo. Rapidamente o 
primeiro casamento da artista chegou ao fim. A diferença cultural do casal era grande. O marido se opunha 
ao desenvolvimento artístico de Tarsila, já que ele era conservador e, para os homens da época, a mulher 
só deveria cuidar do lar. Revoltada com essa imposição, ela se separa, mas só conseguiu a anulação do 
casamento anos depois. Com ele teve sua única filha, a menina Dulce, nascida no mesmo ano do 
casamento. Tarsila se separou logo após o nascimento da filha e voltou a morar com os pais na fazenda, 
levando Dulce. 
Início da carreira Começou a aprender pintura em 1917, com Pedro Alexandrino Borges.[1] Mais tarde, 
estudou com o alemão George Fischer Elpons. Em 1920, viaja a Paris e frequenta a Academia Julian, onde 
desenhava nus e modelos vivos intensamente. Também estudou na Academia de Émile Renard. 
Apesar de ter tido contato com as novas tendências e vanguardas, Tarsila somente aderiu às ideias 
modernistas ao voltar ao Brasil, em 1922. Numa confeitaria paulistana, foi apresentada por Anita Malfatti 
aos modernistas Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Esses novos amigos 
passaram a frequentar seu atelier, formando o Grupo dos Cinco. 
Em janeiro de 1923, na Europa , Tarsila se uniu a Oswald de Andrade e o casal viajou por Portugal e 
Espanha. De volta a Paris, estudou com os artistas cubistas: frequentou a Academia de Lhote, conheceu 
Pablo Picasso e tornou-se amiga do pintor Fernand Léger, visitando a academia desse mestre do cubismo, 
de quem Tarsila conservou, principalmente, a técnica lisa de pintura e certa influência do modelado 
legeriano. 
1ª FASE Pau Brasil 
O Touro, 1925. 
Tarsila disse que foi em Minas que ela viu as cores que 
gostava desde sua infância, mas que seus mestres diziam que 
eram caipiras e ela não devia usar em seus quadros. 
‘Encontrei em Minas as cores que adorava em criança. 
Ensinaram-me depois que eram feias e caipiras. Mas depois 
 
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vinguei-me da opressão, passando-as para as minhas telas: o azul puríssimo, rosa violáceo, amarelo vivo, 
verde cantante, …’ 
E essas cores tornaram-se uma das marcas da sua obra, assim como a temática brasileira, com as paisagens 
rurais e urbanas do nosso país, além da nossa fauna, flora, folclore e do nosso povo.Ela dizia que queria ser 
a pintora do Brasil. 
Em 1926, Tarsila fez sua primeira Exposição individual em Paris, com uma crítica bem favorável. Neste 
mesmo ano, ela casou-se com Oswald. Depois do casamento o casal passou longas temporadas na fazenda 
de Tarsila onde recebiam os amigos modernista 
2ª FASE Antropofagia 
Abaporu. 
Em janeiro de 1928, Tarsila queria dar um presente de aniversário 
ao seu marido, Oswald de Andrade. Pintou o ‘Abaporu’. Quando 
Oswald viu, ficou impressionado e disse que era o melhor quadro 
que Tarsila já havia feito. Chamou o amigo e escritor Raul Bopp, 
que também achou o quadro fantástico. Batizou-se o quadro de 
Abaporu, que significa homem que come carne humana, o 
antropófago. E Oswald escreveu o Manifesto Antropófago e 
fundaram o Movimento Antropofágico. A figura do Abaporu 
simbolizou o Movimento que queria deglutir, engolir, a cultura 
européia, que era a cultura vigente na época, e transformá-la em 
algo bem brasileiro. Valorizando o nosso país. 
Outros exemplos de quadros desta fase dita Antropofágica são: 
‘Sol Poente’, ‘A Lua’, ‘Cartão Postal’, ‘O Lago’, ‘Antropofagia’, etc. Nesta fase ela usou bichos e paisagens 
imaginárias, além das cores fortes. 
A artista contou que o Abaporu era fruto de imagens do seu inconsciente, e tinha a ver com as histórias 
que as negras contavam para ela em sua infância. Em 1929 Tarsila fez sua primeira Exposição Individual no 
Brasil, e a crítica dividiu-se, pois ainda muitas pessoas não entendiam sua arte. Neste ano de 1929, teve a 
crise da bolsa de Nova Iorque e a crise do café no Brasil, e assim a realidade de Tarsila mudou. Seu pai 
perdeu muito dinheiro, teve as fazendas hipotecadas e ela teve que trabalhar. Separou-se de Oswald. 
Tarsila do Amaral faleceu na cidade de São Paulo em 17 de janeiro de 1973. A grandiosidade e importância 
de seu conjunto artístico a tornou uma das grandes figuras artísticas brasileiras de todos os tempos. 
Principais características de suas obras 
- Uso de cores vivas 
- Influência do cubismo (uso de formas geométricas) 
- Abordagem de temas sociais, cotidianos e paisagens 
do Brasil 
- Estética fora do padrão (influência do surrealismo na 
fase antropofágica) 
 
3ª FASE SOCIAL 
 
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Operários — 1933 
 
 A pintora Tarsila do Amaral expressa o mundo do trabalho:um grande número de rostos colocados 
lado a lado,todos sérios;nenhum sorriso,pois a preocupação não deixa lugar para a alegria.São pessoas que 
nos olham fixamente como a nos lembrar que é duro o trabalho nas fábricas,presentes na obra sob a 
forma de um prédio austero e chaminés cinzentas.A obra é um raro exemplo da etnia brasileira.Por isso foi 
escolhida para representar os museus frente ao diálogo intercultural,do pluralismo de ideias,do 
desenvolvimento humano e do respeito à diversidade. 
O quadro de Tarsila do Amaral acima é um retrato do conjunto de operários das fábricas brasileiras. 
Os rostos sobrepostos remetem à massificação do trabalho e às condições de vidas nas cidades. Estão 
representadas diversas etnias, fazendo referência à migração de diferentes locais do Brasil e do mundo 
para as metrópoles. A expressão dos operários representados é de tristeza, indiferença, cansaço. 
Representam as péssimas condições de trabalho a que estão submetidos, e a falta de perspectivas que 
predomina no contexto de opressão da chamada “Era Vargas”. O quadro, juntamente com “Segunda 
Classe”(acima), é uma expressão do crescimento capitalista no Brasil e do preço pago pelos trabalhadores 
para que seu êxito fosse garantido 
Perguntas 
Quem pintou este quadro? 
- Qual é o título desta obra? 
- O que você vê na pintura em primeiro plano? 
 
- O que lhe chamou atenção nesta obra de arte? 
 
 
 
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Faça uma Relitura !! Abaporu --- Tarsila do Amaral . 
Utilize lapis de cor ou colagem com papel colorido. 
Acrescente algo que faz parte do seu dia dia. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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FAÇA O DESENHO E PINTE! 
 
CANDIDO PORTINARI (1903- 1962) 
 Cândido Portinari nasceu em Brodósqui, interior de São Paulo, em 
1903. Seus pais eram italianos e vieram para o Brasil esperando melhorar 
de vida. O primeiro emprego que conseguiram foi numa lavoura de café. 
 
 Sua infância de menino do interior foi bastante simples, mas feliz e 
cheia de recordações. Gostava de jogar futebol, nadar nos rios da 
redondeza, brincar com pião, brincar de pular cela, balanço, enfim, 
brincava muito nas ruas de Brodósqui. Essas lembranças lhe renderam obras maravilhosas sobre as 
brincadeiras infantis. 
 
 Desde pequeno desenhava e por isso os colegas lhe pediam que ilustrasse seus cadernos, trabalhos 
e cartazes. Aos 9 anos trabalhou como ajudante de pintores italianos, na decoração da igreja de Brodósqui. 
Portinari se alegrava muito quando montavam circo em Brodósqui. A cidade toda ficava alegre e 
movimentada. A banda de música era outra atração, pois tocava nas festas e no coreto da praça nos finais 
de semana. Seu pai, o sr. Btista era um dos músicos. 
 
Como todas as crianças, Cândinho, como era chamado, sentia alguns 
medos. Nas plantações via muitos espantalhos e, à noite, tinha pesadelos. 
Mais tarde fez várias obras mostrando espantalhos. 
 Cândinho era muito curioso, impressionava-se com os retirantesnordestinos, que chegavam a Brodósqui procurando emprego. 
 
 Eram pessoas famintas e sofridas. Candinho ficava observando essas 
pessoas por muito tempo. Dessa observação surgiu a série de pinturas “Os 
 
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retirantes”, onde Portinari expressava a dor e o 
sofrimento dos retirantes e exagerava ao retratar 
o sofrimento e a tristeza das pessoas. 
Observe na obra de Portinari as figuras 
humanas: os pés e as mãos são bastante grandes; 
os corpos sugerem volume. Esses detalhes 
revelam o trabalho diário nas plantações de café, 
que exige força e ignora a fraqueza das pessoas. O 
corpo humano sugerindo volume e os pés 
enormes, que transmitem a sensação de que as 
pessoas se relacionam intimamente com a terra, 
sempre representada em tons vermelhos. 
 
 A obra mostra o retrato de uma cena de colheita de café, típica da região de origem do artista, 
Brodósqui. Nela, é colocada em evidência a importância da mulher e do homem como trabalhadores, 
colaboradores do desenvolvimento econômico brasileiro, já que são os responsáveis pela riqueza 
comercial do produto e do sucesso de venda no exterior, apresentando, assim, o Brasil ao mundo." 
 Aos 15 Anos foi estudar no Rio de Janeiro, incentivado pela família que percebia seu grande talento 
para a pintura. Trabalhou e estudou bastante. Algum tempo depois ganhou uma viagem de estudos à 
Europa. Conheceu Maria Martinelli em 1930, jovem uruguaia de 19 anos, radicada com a família em Paris e 
se casou com ela. Na França, Portinari sentia saudades de Brodósqui e, ao voltar ao Brasil, fez várias obras 
pintando sua terra e sua gente. 
 Portinari fez uma exposição individual no Palace Hotel do RJ em 1932 exibindo obras que retratam cenas 
da infância, circo e cirandas 
Em 1962, aos 59 anos ,morre intoxicado pelas tintas que tanto utilizou. Deixou inúmeras obras retratando 
o Brasil não só para os brasileiros, mas para o mundo todo. 
 
 
 Identifique o nome das 
brincadeiras de criança. Vivido 
por Candido Portinari, 
“Candinho”. E escreva o nome 
das brincadeiras de crianças dos 
dias atuais. 
 
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Pinte e identifique cada brincadeira!. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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. Portinari, Pintou o lavrador de café, que 
ele conhecia tão bem desde a infância. 
 Portinari pintou seu primeiro mural em 
1936, para o monumento rodoviário da Estrada 
Rio/São Paulo, medindo 1m x 8m. A partir daí 
executou inúmeros painéis por todo o Brasil e 
série “Via Sacra”, na Igreja da Pampulha em Belo 
Horizonte, painéis enormes e maravilhosos. Em 
1951 participou da 1ª Bienal de São Paulo. 
Morreu 
 CHICO Lavrador de Café, 1989. 
 
Faça a releitura do lavrador de café > 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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VINCENT VAN GOGH 
(1983-1890) 
 Van Gogh é considerado um dos principais representantes da pintura 
mundial. Nasceu na Holanda, no dia 30 de março de 1853. Teve uma irmã e 
um irmão chamado Theo. Com este irmão, estabeleceu uma forte relação de 
amizade. 
 Começou a atuar profissionalmente ainda jovem, por volta dos 15 
anos de idade. Trabalhou para um comerciante de arte da cidade de Haia. Com quase vinte anos, foi morar 
em Londres e depois em Paris, graças ao reconhecimento que teve. Porém, o interesse pelos assuntos 
religiosos acabou desviando sua atenção e resolveu estudar Teologia, na cidade de Amsterdã. Mesmo sem 
terminar o curso, passou a atuar como pastor na Bélgica, por apenas seis meses. Impressionado com a vida 
e o trabalho dos pobres mineiros da cidade, elaborou vários desenhos a lápis. 
 Utilizando técnicas de jogos de luzes. Neste período, suas telas retratavam a vida cotidiana dos 
camponeses e os trabalhadores na zona rural da Holanda. 
 O ano de 1886 foi de extrema importância em sua carreira. Foi morar em Paris, com seu irmão. 
Conheceu na nova cidade, importantes pintores da época como, por exemplo, Toulouse-Lautrec, Paul 
Gauguin e Edgar Degas, representantes do impressionismo. Recebeu uma grande influência destes 
mestres, como podemos perceber em várias de suas telas. 
 
Dois anos após ter chegado à França, parte para a cidade de Arles, ao sul do país. Uma região rica em 
paisagens rurais, com um cenário bucólico. Foi neste contexto que pintou várias obras com girassóis. Em 
Arles, fez único quadro que conseguiu vender durante toda sua vida: A Vinha Encarnada. 
 
 Convidou Gauguin para morar com ele no sul da França. Este foi o único que aceitou sua ideia de 
fundar um centro artístico naquela região. No início, a relação entre os dois era tranquila, porém com o 
tempo, os desentendimentos foram aumentando e, quando Gauguin retornou para Paris, Vincent entrou 
em depressão. Em várias ocasiões teve ataques de violência e seu comportamento ficou muito agressivo. 
Foi neste período que chegou a cortar sua orelha. 
 
Seu estado psicológico chegou a refletir em suas obras. Deixou a técnica do pontilhado e passou a pintar 
com rápidas e pequenas pinceladas. No ano de 1889, sua doença ficou mais grave e teve que ser internado 
numa clínica psiquiátrica. Nesta clínica, dentro de um mosteiro, havia um belo jardim que passou a ser sua 
fonte de inspiração. As pinceladas foram deixadas de lado e as curvas em espiral começaram a aparecer 
em suas telas 
 
 Nesse momento Van Gogh caminhava pelos campos 
aos arredores, procurando paisagens para pintar, ele quase 
não falava com ninguém exceto com o carteiro. 
 
 No mês de maio, deixou a clínica e voltou a morar em 
Paris, próximo de seu irmão e que iria lhe tratar. Porém a 
situação depressiva não regrediu. No dia 27 de julho de 
1890, atirou em seu próprio peito. Foi levado para um 
hospital, mas não resistiu, morrendo três dias depois. 
. A Vinha Encarnada 
 
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RESPONDA 
 
1 °Vincent Willem Van Gogh nasceu em meados do século XIX, mais 
precisamente em 1853, na Holanda. Começou a trabalhar muito cedo, por 
volta dos 15 anos de idade como comerciante de peças artísticas na loja de 
seu tio, na cidade de Haia, no país em que nasceu. Com 20 anos, Van Gogh 
foi morar em Londres e depois em Paris e logo sentiu que tinha vocação 
religiosa, de modo que chegou a estudar. 
 
( ) Teologia ( ) Artes ( )Astronomia ( ) Filosofia 
 
2° Entre as obras produzidas por Van Gogh ao longo de toda a sua vida, algumas se destacam como o 
presente de boas vindas para o seu amigo. 
 
( ) Os comedores de batata ( ) Os girassóis 
( ) Auto retrato com chapéu de palha ( ) A casa amarela 
 
3° Os Girassóis, se tornou o mais famoso quadro. Pintado nos últimos 150 anos, ele chegou a fazer 10 
versões, nesse momento Van Gogh estava morando em qual cidade? 
 
( ) Paris ( ) Londres ( ) Arles ( ) Amsterdã. 
 
4° A cada dia Van Gogh caminhava pelos campos aos arredores, procurando paisagens para pintar, ele 
quase não falava com ninguém. Exceto com? 
 
( ) Pastor ( ) Padeiro ( ) Padre ( ) Carteiro 
 
5° Van Gogh em um dos seus momentos de loucura cortou uma de suas partes do seu corpo. Qual parte? 
 
( ) a mão ( ) o braço ( ) o dedo ( ) a orelha. 
Pesquise, quem foi Joseph Roulin. 1888., que Vincent Van Gogh 
retratou , sentado na cadeira! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Pinte cada parte do quadrado com apenas duas cores e depois, recorte e cole montando o 
quebra cabeça. 
 
 
 
 
 
 
 
 
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PABLO PICASSO: 
 VIDA E OBRA_ 
Retrato de Suzanne Bloch(1904) 
 
Um dos maiores artistas do séc.XX. Nasceu em 
Málaga na Espanha em 1881, e morreu em 1973, na 
França. Seu pai era professor de desenho e 
estimulava seu filho a desenhar. 0 estilo de Picasso 
mudou várias vezes, durante toda sua vida mais que 
qualquer outro artista, algumas vezes pintava o 
rosto das pessoas distorcido e engraçado. Picasso estava sempre tentando coisas 
novas. Às vezes pintava figuras planas e muitas vezes arredondadas. Sua pintura 
algumas vezes lembrava Toulouse-Lautrec, Gauguim, Monet e Van Gogh. 
A viagem de Picasso a Roma deixou – o muito inspirado a fazer seus 
desenhos como se fosse estátuas ou linda escultura. 
FASE AZUL 
Nesta fase, aparecem personagens tristes, melancólicos e solitários. Foi 
então que algo aconteceu! Seu melhor amigo morrera e Picasso sentia-se triste e 
sozinho. É um exemplo de cores frias e monocrômica. A fase azul termina e inicia 
uma nova fase na vida de Picasso assim que 
conhece Fernanda seu grande amor e assim tudo 
se torna rosa. A paixão de Picasso por Fernanda 
influi em suas pinturas e passaram a ter cores 
mais alegres. Nesta 
 FASE ROSA 
retratou a família circense, mostrando 
artistas e animais. Nesta fase aparecem as cores 
mais alegres e claras. 
 
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2
7
 
2
7
 
“Maternidade”, de Picasso. 1905 
CUBISMO 
 
Les Demoiselles d'Avignon 
Um novo estilo é desenvolvido por 
Picasso. Onde sua principal característica se 
apresenta em figuras fragmentadas, com 
predomínio de linhas retas e cores como 
marrom, e tonalidades de castanhos. 
 Cubismo analítico estuda a forma 
geométricas e espaço e cores 
monocromáticas. 
 Cubismo sintético desenvolve a técnica da 
colagem. 
Picasso viaja para Roma e em seu retorno o inspira-o a fazer uma série de 
pinturas como se fossem esculturas ou perfeitas estátuas 
GUERNICA 
 
Em 1937 um acontecimento fez com que Picasso pintasse sua obra mais 
séria e mais forte e com sua fúria e repúdio a guerra civil pinta a pequena cidade 
de Guernica que foi arrasada por bombas e milhares de crianças e pessoas 
inocentes morreram ou ficaram feridos. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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2
8
 
PICASSO, P. Guernica . 349 × 777 cm. Museu Reina Sofia, Espanha, 1937 
Responda 
1 ) Sobre o Cubismo marque a alternativa correta: 
a. O Cubismo é uma arte realista. 
b. O Cubismo é uma arte surreal. 
c. No Cubismo não aparecem figuras da realidade. 
d. No Cubismo existe o triângulo. 
2 ) – No Cubismo analítico: 
a. As figuras são dispostas de forma quase incompreensível. 
b. As figuras são bem nítidas. 
c. AS figuras são surreais. 
d. todas estão corretas 
3) – São fases de Pablo Picasso: 
a. Rosa e Verde. 
b. Rosa e Azul. 
c. Azul e Verde. 
d. Azul e Vermelho. 
 
 
4) O pintor espanhol Pablo Picasso (1881–1973), um dos mais valorizados no 
mundo artístico, tanto em termos financeiros quanto históricos, criou a obra 
Guernica em protesto ao ataque aéreo à pequena cidade basca de mesmo 
nome. A obra, feita para integrar o Salão Internacional de Artes Plásticas de 
Paris, percorreu toda a Europa, chegando aos EUA e instalando-se no MoMA, de 
onde sairia apenas em 1981. Essa obra cubista apresenta elementos plásticos 
identificados pelo 
a) Painel ideográfico, monocromático, que enfoca várias dimensões de um 
evento, renunciando à realidade, colocando-se em plano frontal ao 
espectador. 
 
29 
 
2
9
 
2
9
 
b) Horror da guerra de forma fotográfica, com o uso da perspectiva clássica, 
envolvendo o espectador nesse exemplo brutal de crueldade do ser 
humano. 
c) Uso das formas geométricas no mesmo plano, sem emoção e expressão, 
despreocupado com o volume, a perspectiva e a sensação escultórica. 
d) Esfacelamento dos objetos abordados na mesma narrativa, minimizando a 
dor humana a serviço da objetividade, observada pelo uso do claro-escuro. 
5) – Além de pintor Pablo Picasso foi também: 
a. Ator. b Médico .c Advogado. d Cenógrafo. 
 
6 ) – O nome Cubismo tem ligação com a: 
a. Biologia .b. Matemática. c. Antropologia .d. Física 
 
Pinte a obra de Picasso com uma harmonia de cores que transmita tristeza e solidão. 
”O velho violinista cego” – Pablo Picasso 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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0
 
Pinte com uma combinação policromática e destaque duas 
cores. E identifique a obra de Picasso 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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FIGURAS GEOMÉTRICAS 
 
 Se olhar ao seu redor, você verá que os objetos têm forma, tamanho e outras 
características próprias. As figuras geométricas foram criadas a partir da observação das 
formas existentes na natureza e dos objetos produzidos pelo homem. Nesta aula você vai 
conhecer ou recordar os diversos tipos de figuras geométricas. Todos os objetos, mesmo os 
mais complexos, podem ser associados a um conjunto de figuras geométricas. Você terá 
mais facilidade para ler e interpretar desenhos técnicos mecânicos. 
 As figuras planas são aquelas que se apoiam na mesa e qualquer outro tipo de 
objeto. Essas figuras planas elas não ficam em pé, então essas são as figuras planas. 
 As espaciais ficam apoiadas também, mas apoiadas com o conjunto de figuras. As 
espaciais todas ficam em pé, elas não ficam Nas figuras geométricas tem: vértices, arestas 
e faces, mas a esfera não tem, porque ela é redonda. Os vértices são os pontinhos que 
ficam entre as arestas. As arestas são os pauzinhos retos que fazem o formato da face. As 
faces são os lados que ficam entre os vértices e as arestas. 
 
ATIVIDADE 
 
1-Marque nas figuras abaixo todos os vértices e pinte uma das faces dos sólidos 
geométricos: 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
2-Escreva o nome para cada figura geométrica e pinte o sólido aéreo 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Completo a malha com os losangos e Pinte com cores complementares. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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BEATRIZ MILHAZES 
 
Beatriz Milhazes é uma pintora, gravadora, 
ilustradora e professora brasileira, um dos mais destacados 
nomes da arte contemporânea no Brasil. 
 
 Beatriz Ferreira Milhazes, nasceu no Rio de Janeiro, 
no ano de 1960. Ingressou no curso de Comunicação Social 
da Faculdade Hélio Alonso, no Rio de Janeiro. Em 1980 
iniciou-se nas artes plásticas na Escola de Artes Visuais do 
Parque Lage, onde mais tarde lecionou e coordenou as 
atividades culturais. Em 1981 concluiu o curso de 
Comunicação Social. 
 
Em junho de 1804, Beatriz Milhanez participou da exposição 
“Como Vai Você, Geração 80?”, no Parque Laje, que reuniu 123 artistas de todo o Brasil, que buscavam 
retomar a pintura em contraposição à verdade conceitual dos anos 70, com o uso de novas técnicas e 
materiais, onde expressavam a liberdade e a diversidade no processo de redemocratização do país. 
 
 A cor tornou-se um elemento da maior importância na obra de Beatriz Milhazes, acompanhada de 
círculos – onde é a ideia central de suas obras, por onde tudo começa, interagindo com geométricos, 
quadrados, flores, arabescos e listras, onde a composição torna-se alegre e bela. 
 
A partir dos anos 90, a pintora destacou-se em mostras internacionais nos Estados Unidos e na Europa. 
 Beatriz Milhanez tornou a cor um elemento de grande importância em suas obras, onde apresenta formas 
circulares integradas com quadrados, flores, arabescos e listras. Na maioria de seus trabalhos a artista 
prepara imagens sobre plásticos transparentes que são descoladas como películas e aplicadas na tela por 
meio de colagens sucessivas, realizadas com precisão. 
 
 Vê-se em suas obras um comprometimento com a arte popular brasileira, a arte aplicada; também 
com o construtivismo, um movimento do início do séc. XX que baseava-se na ideia de que a arte deveria 
ser construídacom elementos geométricos e materiais modernos, em vez de imitações. 
 
Suas obras se impõem em qualquer ambiente, por serem muito coloridas, muitos cortes, muitos 
preenchimentos, muitos acontecimentos que ocorrem na trajetória de seu trabalho. É uma mistura de 
fauna e flora, de carnaval, de modernismo, de ornamentos, de arquitetura barroca a objetos de art-déco, 
lembrando intensamente os trópicos. Tudo se encontra alegremente misturados em suas colagens e conta, 
a artista, que sua inspiração veio muito de Mondrian, Matisse, Tarsila do Amaral e Burle Marx. 
 
 Além da pintura Beatriz Milhazes dedicou-se também á gravura, ilustração e o ensino. Iniciada nas 
artes plásticas em 1980, quando ingressa na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage), no 
Rio de Janeiro, é a partir do seu ingresso no universo pictórico que a artista integrará o grupo chamado de 
Geração 80 - grupo que pretendia resgatar a pintura em contraposição à corrente conceitual dos anos 70, 
além de buscar novas técnicas e materiais de trabalho. 
 
 
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3
5
 
Questionário. 
 
1 - Como se deu o inicio da carreira de Beatriz Milhazes? 
 
 
 
 
2 - Beatriz Milhazes participou de uma exposição, quando foi, como foi explique: 
 
 
 
3 - O que tornou um elemento de grande importância em uma de suas obras? 
 
 
4 - O que se vê através das obras de Beatriz Milhazes, e o que elas transmitem nos ambientes? 
 
 
5 - Além da pintura o que a mais a Beatriz Milhazes se dedicou? 
 
 
 
 
 
Produção Artística 
 
Observe as obras de Beatriz Milhazes e, inspirando-se nelas, crie sua própria obra. Faça o 
desenho e pinte com os Lápis de cor. Ou colagem com papel colorido. 
 
 
 
 
 
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COLAGEM !! 
 
 
 
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Vamos colorir inspirado nas obras de Beatriz Milhares: 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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POP ARTE 
 Pop art ou Arte pop é um movimento artístico surgido na 
década de 1950 na Inglaterra, mas que alcançou sua maturidade 
na década de 1960 nos Estados Unidos. 
 
 Os artistas deste movimento buscaram inspiração na 
cultura de massas para criar suas obras de arte, aproximando-se 
e, ao mesmo tempo, criticando de forma irônica a vida cotidiana 
materialista e consumista. Latas de refrigerante, embalagens de 
alimentos, histórias em quadrinhos, bandeiras, panfletos de 
propagandas e outros objetos serviram de base para a criação 
artística deste período. Os artistas trabalhavam com cores vivas e 
modificavam o formato destes objetos. A técnica de repetir várias vezes um mesmo objeto, com cores 
diferentes e a colagem foram muito utilizadas. 
 
 Andrew Warhola, mais conhecido como Andy Warhol, foi um importante artista plástico e cineasta 
norte-americano. Nasceu em 6 de agosto de 1928 na cidade de Pittsburgh (Estados Unidos) e faleceu na 
mesma cidade em 22 de fevereiro de 1987. É um dos maiores representantes da pop art, além de ter 
ganhado grande destaque no cinema de vanguarda e na literatura. 
 
Andy Warhol foi uma das figuras centrais da Pop art nos Estados Unidos. Como muitos outros artistas da 
Pop art, Andy Warhol criou obras em cima de mitos. Ao retratar ídolos da música popular e do cinema, 
como Michael Jackson, Elvis Presley, Elizabeth Taylor, Brigitte Bardot, Marlon Brando e, sua 
favorita, Marilyn Monroe, Warhol mostrava o quanto personalidades públicas são figuras impessoais e 
vazias; mostrava isso associando a técnica com que reproduzia estes retratos, numa produção mecânica 
ao invés do trabalho manual. 
 
 conceitos da publicidade em suas obras de arte onde foi o ponto principal para o desenvolvimento 
da pop art. Em 1965 tornou-se o financiador e gerente da banda de rock The Velvet Underground. Em 1968 
sofreu um atentado ao ser atingido por um tiro disparado por Valerie Solanis. Após uma complicada 
cirurgia, Warhol se recuperou e voltou à vida artística. Em 1969 começou a publicar sua própria revista 
(Interview). 
 
Estilo artístico 
 
 
- Uso de conceitos de publicidade em suas obras de artes plásticas; 
- Com o uso de tintas acrílicas, reforça nas cores fortes e brilhantes; 
- Enfoque nos objetos de consumo e temas do cotidiano; 
- Reprodução de rostos em série de personalidades da época (Marilyn Monroe, Che Guevara, Elvis Presley, 
entre outros); 
- Uso da técnica da serigrafia. 
 
 
 
 
https://pt.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol
https://pt.wikipedia.org/wiki/Michael_Jackson
https://pt.wikipedia.org/wiki/Elvis_Presley
https://pt.wikipedia.org/wiki/Elizabeth_Taylor
https://pt.wikipedia.org/wiki/Brigitte_Bardot
https://pt.wikipedia.org/wiki/Marlon_Brando
https://pt.wikipedia.org/wiki/Marilyn_Monroe
 
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3
9
 
3
9
 
ATIVIDADES 
1) O que é a Pop Art? 
 
2) Quando surgiu e em que lugar? 
_ 
3) Quem é o maior representante desse movimento artístico? 
 
4) Como é o estilo artístico desse movimento? 
 
 Pinte o desenho. Com estilo POP ART 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
] 
 
 
 
 
 
 
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4
0
 
Op. Art 
 É um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões de 
ótica. A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte ótica”. Defendia a arte “menos 
expressão e mais visualização”. Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e 
instável, que não se mantém nunca o mesmo. 
Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o 
preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por 
vezes parecem inchar ou deformar-se 
O termo surgiu pela primeira vez na Time Magazine em Outubro de 1964, embora já se 
produzissem há alguns anos trabalhos que hoje podem ser descritos como “op art”. Sugeriu-se que 
trabalhos de Victor Vasarely, dos anos 1930, tais como Zebra (1938), que é inteiramente composto por 
listas diagonais a preto e branco, curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de uma zebra 
. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Observe o modelo e crie o seu 
 
 
 
! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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4
2
 
 
Faça com a letra do seu nome 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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4
3
 
4
3
 
FRIDA KAHLO 
 
 Frida Kahlo, foi uma pintora mexicana conhecida por seus 
autorretratos de inspiração surrealista e também por suas fotografias, 
nasceu em Coyoacán, no México, no dia 6 de julho de 1907. Filha de pai 
alemão e mãe espanhola desde pequena teve uma saúde debilitada, 
Com 18 anos sofreu um acidente de ônibus que lhe deixou um longo 
período no hospital, e mais tarde se viu obrigada a amputar a perna. 
 Apesar de deprimida e incapacitada de andar, passou a pintar 
freneticamente a sua imagem, com um espelho pendurado na sua 
frente. Dizia: “Para que preciso de pés quando tenho asas para voar”. 
Casou-se com o pintor mexicano Diego Rivera, também militante do Partido Comunista. 
 Em 1930, foi com o marido para os Estados Unidos, onde ele trabalhava e realizava exposições. 
Frida chamava atenção por exagerar nas roupas, enfeites, risos e gestos. Dedicou-se à pintura – boa parte 
delas, autorretratos – de inspiração surrealista, apesar de negar dizendo que não pintava sonhos e sim sua 
própria realidade. 
Apesar de passar por diversas cirurgias e usar um colete de gesso em consequência do acidente, Frida não 
parava de pintar. Sua obra recebia influência da arte indígena mexicana. Pintava paisagens mortas e cenas 
imaginárias. Usava cores fortes e vivas, explorando principalmente os autorretratos. Era também 
aficionada por fotografia, hábito que herdou de seu pai e do seu avô materno, ambos os fotógrafos 
profissionais. 
 Foi uma defensora dos direitos das mulheres, tornando-se um símbolo do feminismo. Deprimida, 
viveu os últimos anos de sua vida na Casa Azul, no México, que desde 1958, abrigaum museu em 
homenagem à pintora. 
Frida Kahlo faleceu em Coyoacán, no México, no dia 13 de julho de 1954. 
ATIVIDADE: 
Comparar as duas 
obras. Elencar o que 
difere uma da outra. 
 
 
 
 
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_______________________________________________________________________________________
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4
 
4
4
 
Complemente o retrato de Frida Kahlo, com cabelos, olhos nariz e contorno do rosto, depois pinte com 
cores vibrantes. 
 
 
 
 
 
 
 
 
ORIGEM E TÉCNICA DO MOSAICO 
 
 O mosaico é uma expressão artística na qual o autor, no 
caso o artista, organiza pequenas peças coloridas e as colam 
sobre uma superfície, formando imagens. As peças a serem 
utilizadas em um mosaico podem ser pequenos fragmentos de 
pedras, como mármore, granito, pedaços de vidro, seixos, pedras 
semipreciosas e outros materiais, sobre qualquer superfície, seja 
ela fixa ou transportável. O termo mosaico é originário de 
“mosaicon”, que significa musa. Essa forma de arte já existe há 
milênios, pois do Oriente os sumérios, por volta de sete mil anos 
atrás, já revestiam pilastras com cones de argilas coloridas e 
fixadas em massa, formando uma decoração geométrica. Os 
gregos e os romanos também utilizavam a técnica do mosaico no 
http://www.infoescola.com/rochas-e-minerais/granito/
 
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4
5
 
4
5
 
auge de suas culturas para decorarem os pisos e as paredes das construções. 
 É importante saber que em 395 D.C., Teodósio, Imperador de Roma, dividiu seu império entre seus 
filhos Honório e Arcárdio. Roma tornou-se capital do Império Ocidental, que ficou com Honório, e 
o Império Romano Oriental ficou com Arcádio, cuja capital passou a ser Constantinopla, antiga Bizâncio e 
atual Istambul. A arte bizantina se desenvolveu no Império Romano Oriental, e com ela a força da 
produção de mosaicos. 
 
 Quando o Cristianismo passa a ser oficialmente a religião do Império Romano, a arte que vinha 
sendo produzida, desde que os cristãos eram intolerados e perseguidos pelos romanos, uma arte de 
pinturas em paredes e tetos das catacumbas, os novos mausoléus e templos passam a ser decorados por 
mosaicos, abordando os temas de histórias do Antigo e Novo Testamento. Neste período a técnica se 
desenvolve, os artistas se tornam mais hábeis, e a qualidade das obras aumentam devido o 
desenvolvimento da técnica, sendo a expressão máxima na arte bizantina do período românico. Os 
sarcófagos decorados pelos fiéis chegavam a sofisticação de possuírem relevos em seus mosaicos. 
 
Com a revolução industrial, o aperfeiçoamento das técnicas da arquitetura e a arte sendo 
incorporado aos produtos industrializados oferecidos ao mercado em expansão, o mosaico passam a ser 
produzido em lajotas ou pequenos quadrados de cerâmica, que ao se unir formavam imagens decorativas 
surpreendentes em painéis coloridos. No final do século XIX e início do século XX, o arquiteto do catalão 
Antoni Gaudí (1852-1926), desenvolveu uma estética própria na sua arte. Gaudí utilizava recursos do 
mosaico em sua arquitetura, integrando a obra à natureza de forma harmoniosa. Ele rompeu com a forma 
plana nos edifícios e também passou a explorar as superfícies produzidas pela própria natureza utilizando a 
arte do mosaico. O Parque Güell, a Casa Milá e a Casa Batló, na Espanha, são exemplos fabulosos da 
multiplicidade de técnicas, incluindo o mosaico. 
 
 Nos anos cinquenta e sessenta do século XX, a moda era a utilização de pastilhas de azulejos nos 
pisos e paredes das construções, e na década de noventa a utilização do vidrotil na arte do mosaico. Nos 
dias de hoje, o mosaico ressurgiu, despertando grande 
interesse, sendo cada vez mais utilizado, artisticamente, 
na decoração de ambientes interiores e exteriores 
. 
 A técnica do mosaico se resume à junção de 
pequenas peças de pedra, vidro, mármore e cerâmica (ou 
até mesmo conchas), utilizando-se argamassa, com a 
finalidade de formar desenhos e preencher com eles um 
piso, uma parede ou a superfície de um móvel. No caso 
dos exemplos, temos formas que representam, de 
maneira estilizada, as ondas do mar. 
 
 Outro grande artista brasileiro que se especializou 
em produzir mosaicos incríveis e um tanto quanto 
inusitados é Vik Muniz que utiliza lixo, componentes 
descartáveis ou orgânicos para produzir suas peças e 
instalações, todas em grande escala. Uma de suas 
instalações feitas com lixo a partir de uma foto de um 
casal se beijando, foi tema do clipe de abertura da novela 
Passione, de 2010, produzida pela Rede Globo. Teodora – obra Bizantina 
http://www.infoescola.com/idade-media/imperio-bizantino/
http://www.infoescola.com/artes/arte-bizantina/
http://www.infoescola.com/biblia/antigo-testamento
http://www.infoescola.com/biblia/novo-testamento/
http://www.infoescola.com/historia/revolucao-industrial/
 
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Produção artística com colagem 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Pinte o modelo cores primarias. 
Quadricule os 2 retângulos 
1º copie o mosaico e pinte com cores frias 
2º crie um outro mosaico pinte com cores quentes 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Faça colagem com papel colorido 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Artista do Mato Grosso 
 João Sebastião Francisco da Costa (1949) 
João Sebastião Francisco da Costa 
(Cuiabá-MT 1949). Pintor, desenhista, 
figurinista, professor. Inicia seus estudos de 
pintura com Bartira de Mendonça em 1965, 
em Cuiabá. Entre 1966 e 1967, estabelece 
contato com artistas representativos de 
tendências modernas, no Rio de Janeiro. Por 
volta de 1969, começa a frequentar o ateliê de Humberto Espíndola (1943), 
Campo Grande. A partir de 1973, desenvolve atividades artísticas no Museu de 
Arte e Cultura Popular na Universidade Federal de Mato Grosso - UFMT, em 
Cuiabá. 
“A pintura de João Sebastião agrupa a 
diversidade de nossa cultura”. Seu tema, 
partindo de uma preocupação regional, 
aborda nosso sincretismo religioso ligando 
homem, santo, bicho e fruto. 
Supervalorizando esses elementos ele sugere 
os telurismos desta grande área verde do Centro da América do Sul, Homens-
bichos-santos formam uma Trindade mística envolvida ao culto do Divino 
Espírito Santo, luz que ilumina suas cabeças. Trindade que reúne os mistérios da 
mata e das cidades ribeirinhas. (...) Nessa obra de formas e cores vibrantes o 
artista não aborda a onça como a imagem que se tem de Mato Grosso. Suas 
onças antropomórficas transcendem o bucólico e atingem a personificação das 
forças da natureza. É a cultura autóctone, a 'natura sapiens' que a tudo respeita 
e transforma à sua semelhança. 
Com o mesmo sentido, porém, tendendo mais a um encantamento, 
enfatiza o caju, riqueza do cerrado, fruto da amizade (...). João Sebastião tem a 
audácia de fazer uma abordagem que corre o risco de parecer folclórica ou 
kitsch. Mas se faz necessário frisar que toda a força de seu tema está 
 
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4
9
 
4
9
 
justamente nesse risco e na ironia dessa abordagem. (...)”SEBASTIÃO, João: 
coração caipira em terra morena. Campo Grande: Fundação Cultural de Mato 
Grosso, 1977. 
“Entre os mais jovens artistas mato-grossenses, João Sebastião Francisco 
da Costa se destaca como um dos mais promissores”. Nele há o encontro do 
movimento mato-grossense com a nova pintura da Guanabara, onde trabalhou 
durante algum tempo. João Sebastião faz uma pintura figurativa atualizada, 
utilizando os resultados da chamada nova figuração brasileira, tão diferente da 
nova figuração europeia, assim como os da Nova Objetividade e dos 
desenvolvimentos mais recentes. 
Apesar de extremamentejovem, já apresenta algumas características 
pessoais bem acentuadas. Revela a sua vocação de pintor pela maneira 
essencial como emprega a cor. Não obstante a importância do desenho nos 
seus trabalhos, são realmente pinturas porque neles a cor não é um elemento 
auxiliar da comunicação pelo grafismo. Ela cria o clima básico das telas no qual 
se integram os demais elementos. João Sebastião tende para uma arte 
simbólica, talvez com uma nota mágica. 
Mesmo nas telas em que a aderência com a realidade cotidiana é maior, 
há como que uma transfiguração que cria um clima especial de sugestão mágica 
Faleceu o artista plástico cuiabano João Sebastião Costa, aos 66 anos ele 
veio a óbito às 13h no Hospital Julio Muller, em decorrência de um infarto. 
Relacione as colunas: 
( 1 ) João Sebastião ( 4 ) o caju 
( 2 ) Tema do artista J. Sebastião ( 5 ) folclórico 
( 3 ) cultura autóctone ( 6 ) kitsch 
 
( ) aborda homem, santo, bicho, fruto. 
( ) pintor, desenhista, professor, 
( ) povos aborígenes,, nativos, ou indígenas. 
( ) riqueza do cerrado, fruto da amizade. 
( ) utilizado para designar o mau gosto artístico. 
( ) tradições e usos populares. 
 
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Releitura Obras de João Sebastião 
Estudo das cores: Pinte a primeira imagem com cores primárias e na 
Segunda utilize cores secundárias. Destaque sempre uma cor. 
 
Faça o desenho de 3 caju, fruto que representa a amizade! E Pinte ! 
 
 
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2
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Pinte e de continuidade da paisagem Obra Mamoeiro , Tarsila do Amaral 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
53 
 
5
3
 
5
3
 
 
Reproduza a outra parte formando um retângulo! ! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
54 
 
5
4
 
5
4
 
Siga o modelo e construa uma malha geométrica 
Pinte com cores tríade 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
55 
 
5
5
 
5
5
 
 
Atividade referente ao filme 
 
 
Em que momento do filme encaixa com essas palavras, descreva: 
 
 Beleza 
 
 Medo 
 
 Suspense 
 
 Alegria 
 
 Romantismo 
 
 Egoísmo 
 
 Dê as principais características físicas e psicológicas do artista principal. 
 
 Que cena mais o emocionou? 
 
 Qual foi a trilha sonora você identificou no filme?