arte cultura e estetica unidade 4

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ARTE, CULTURA ARTE, CULTURA 
E ESTÉTICAE ESTÉTICA
Me. Thais Kawamoto Amarães
IN IC IAR
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introdução
Introdução
O que diferencia a Arte Moderna da Arte Contemporânea? Muitas vezes,
quando não estamos habituados à história da arte é comum acharmos que
tais momentos são o mesmo, inclusive usando estes termos como sinônimos.
Como iremos perceber em nossas análises, apesar da pequena distância
temporal que as separa, Arte Moderna e Arte Contemporânea apresentam
várias diferenças. No entanto, embora a arte nesses dois momentos tenha
caminhado para direções distintas, ainda assim aponta para objetivos em
comum, como a busca por novas formas de representações e a reconexão
entre arte e artista. Com o objetivo de compreender tais aproximações e
distanciamentos, iremos agora analisar a arte produzida pelas Vanguardas, a
arte do Pós-Guerra e a Arte Contemporânea.
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A arte no início do século XX é marcada pela ruptura com os modelos
acadêmicos promovidos pelos estilos dos séculos anteriores. Tal fenômeno
pôde ser observado não apenas na Europa, mas também no Brasil.
Entre o século XVI e XIX, a arte produzida no Brasil apresentou um
distanciamento temporal com os modelos criados na Europa. O Barroco, por
exemplo, desenvolveu-se na Europa durante a transição entre os séculos XVI
e XVII. Já no Brasil, esse estilo manifestou-se entre os séculos XVII e XIX. .
Nesse período, os estilos desenvolvidos na Europa serão assimilados em
nosso país de modo síncrono.
Surrealismo e Abstracionismo
O termo abstracionismo é usualmente empregado para se referir às formas
de artes nas quais não existe a pretensão de imitar o mundo. Desse modo, o
abstracionismo é um tipo de arte em oposição à �guração. O conceito de arte
abstrata está ligado ao período de experimentações promovido pelas
Vanguardas Europeias, no início do século XX. É importante lembrarmos que
Vanguardas IIVanguardas II
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tais representações inicialmente não foram bem aceitas, pois chocaram o
público e os críticos, que estavam habituados com os modelos da arte
acadêmica.
Neste sentido, existem dois principais movimentos que se organizaram de
modo assumido frente às composições abstratas: o Expressionismo e o
Fauvismo. Enquanto o Expressionismo manifestou-se principalmente na
Alemanha, o Fauvismo surgiu na França, em 1905, e teve curta duração,
extinguindo-se em 1907.
O Surrealismo surge em um cenário posterior, em 1924. O início desse estilo
remonta à publicação do Manifesto do Surrealismo, de André Breton. Em seu
manifesto, Breton propôs a restauração dos sentimentos humanos e do
instinto como modo de reestruturar a arte a partir das ruínas do Dadaísmo.
A relação estabelecida entre o Surrealismo e o estilo Dadá é complexa, já que
os dois são semelhantes sob diversos pontos. Embora ambos os movimentos
atacassem as formas tradicionais de arte, enquanto o Dadaísmo propunha
apenas a destruição, o Surrealismo pregou a destruição e a criação de novas
formas, organizadas a partir de novas bases.
Para os surrealistas, o automatismo seria capaz de revelar a verdadeira
natureza individual do artista de modo mais completo e sincero do que as
criações feitas de maneira consciente e premeditadas. O automatismo é uma
técnica que é empregada tanto na escrita quanto na pintura. Esse método se
baseia na suspensão do controle da razão, dessa forma o subconsciente é
liberado. O Surrealismo buscou, então, a representação do irracional e do
subconsciente, realizando a livre associação e a análise dos sonhos, métodos
importados da psicanálise. Desse modo, o Surrealismo apresentou um forte
caráter anti-racionalista, se posicionando de forma contrária aos modelos
construtivistas e formalistas (STANGOS, 1991).
Outro processo utilizado pelos surrealistas foi o frottage, que deriva da
palavra frotter , e em francês signi�ca friccionar. Nessa técnica o artista
fricciona o lápis sobre uma superfície texturizada, copiando assim o relevo da
face utilizada como base.
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Figura 4.1 – Desenho com a técnica de frotagge. 
Fonte: Nicola L.K. / Wikimedia Commons.
Até 1936 o Surrealismo se con�gurou como um movimento
predominantemente francês, concentrado em Paris, apenas após esse ano ele
tornou-se internacional. A Segunda Guerra Mundial (1938-1945) dispersou
diversos artistas europeus, muitos deles se instalaram em Nova Iorque, onde
deram prosseguimento a suas atividades dentro do Surrealismo. Esse
fenômeno ajudou no surgimento dos movimentos americanos no pós-guerra,
como o Expressionismo Abstrato e o Pop Art.
Entre os principais representantes do Surrealismo, destacamos dois nomes:
Joan Miró (1893-1983) e Salvador Dali (1904-1989). Joan Miró foi um pintor e
escultor catalão que fez uso do automatismo como forma de criação. Suas
pinturas contam com traços nítidos e formas difíceis de serem elucidadas. A
arte popular catalã, os desenhos infantis e as pinturas de Jeroen Bosch foram
fontes de inspiração para este artista (STANGOS, 1991).
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O também catalão Salvador Dalí juntou-se ao grupo dos Surrealistas em 1929,
período em que o movimento estava sacudido por con�itos pessoais e
políticos, que posteriormente iriam fazer com que Miró se afastasse do grupo.
A psicanálise foi de grande importância para a obra de Dalí, que contou com
diversos elementos simbólicos nas composições.
Vanguardas no Brasil
Figura 4.2 – A esperança de um homem condenado III, por Miró. 
Fonte: Yigruzeltil / WikiArt.
Figura 4.3 – A persistência da memória, por Dalí. 
Fonte: Elton Luz / WikiArt.
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Embora os estilos que estiveram inseridos nos movimentos de vanguarda
tivessem características distintas, todos apresentavam um propósito
semelhante, buscar novas formas e signi�cados na arte. Se na Europa estilos
como Cubismo, Surrealismo, Expressionismo, Dadá e Futurismo se
manifestaram, no Brasil grupos como o Movimento Antropofágico e o
Movimento Pau Brasil irão �gurar como vanguardas.
O Modernismo no Brasil tem como marco inicial a Semana de Arte Moderna,
que ocorreu em fevereiro de 1922, um evento que contou com exposições de
pinturas e espetáculos. No entanto, cabe ressaltar que em 1917, Anita Malfatti
(1889-1964) em sua exposição já apresentava obras que caminhavam para o
estilo Modernista.
Embora existisse uma busca por uma estética propriamente brasileira, o
Modernismo, em seu momento inicial, não estabeleceu uma ruptura
completa com a tradição. Estilos da Vanguarda Européia foram “importados”
pelos artistas brasileiros, reforçando a “dependência cultural” dos modelos
europeus (NASCIMENTO, 2015).
Em 1924, Oswald de Andrade (1890-1954) publica o Manifesto da Poesia Pau
Brasil, o qual desencadeou o Movimento Pau Brasil, de caráter nativista.
Embora esse grupo tenha apresentado relações com a valorização da
identidade nacional, foi apenas em 1928, com o Manifesto Antropófago ,
também de autoria de Oswald de Andrade, que a cultura brasileira passa a
ser entendida como detentorade valor próprio, e não apenas uma
mercadoria de exportação, como era vista pelo Movimento Pau Brasil.
Segundo Nascimento (2015), o Movimento Antropofágico entendia que desde
a chegada dos portugueses ao Brasil, a cultura nacional foi feita a partir do
deglutir da cultura alheia. Para o movimento, as culturas internacionais
deveriam ser trans�guradas em um novo estilo nacional, e não apenas
assimiladas e copiadas. Nesse sentido, a arte desse movimento volta-se para
o primitivismo e a abolição do eruditismo.
Tanto o Movimento Pau Brasil quanto o Movimento Antropofágico tiveram
suas ideias reverberadas em diversos campos, como a literatura e as artes
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visuais, tal qual a pintura e a escultura.
Figura 4.4 – Abaporu, por Tarsila do Amaral. 
Fonte: Yigruzeltil / WikiArt.
Entre os principais artistas no Brasil, nesse período, destacam-se Anita
Malfatti (1889-1964), Cândido Portinari (1903-1962), Tarsila do Amaral (1886-
1973), Di Cavalcanti (1897-1976) e Victor Brecheret (1894-1955). As obras
Modernistas Brasileiras são marcadas pela presença de temas regionais,
discussões e críticas sociais, linhas curvas e sinuosas, assim como liberdade
tonal e compositiva.
praticar
Vamos Praticar
O Surrealismo surgiu em 1924, com a publicação do Manifesto do Surrealismo, por
André Breton. Um dos pontos destacados nesse manifesto foi a restauração dos
sentimentos humanos. A partir do apresentado e considerando o Surrealismo nas
artes visuais, assinale a alternativa correta.
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a) No Surrealismo as obras apresentam grande rigidez formal.
b) No Surrealismo as composições eram feitas de modo premeditado.
c) No Surrealismo, técnicas como o automatismo eram empregadas.
d) No Surrealismo o sentimento do artista é reprimido nas composições.
e) No Surrealismo a �gura era representada de modo �el ao real.
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Caro(a) estudante, conforme apontamos ao decorrer de nossos estudos, o
contexto social, econômico e político no qual uma sociedade está inserida irá
in�uenciar no modo como a sua arte é produzida. Dessa maneira, con�itos
como a Segunda Guerra Mundial (1939-1945) determinaram não apenas os
caminhos que as civilizações seguiram, mas também os rumos tomados pela
arte.
Segundo Daldegan e Dottori (2016), após a Segunda Guerra Mundial o centro
de cultura artística deixa de ser a Europa e se torna os Estados Unidos. No
entanto, ao contrário do que ocorrera no cenário europeu, a arte nas
Américas assumiu um espaço apartado do resto da comunidade. Cabe
ressaltar que, diferente da Europa, a arte no continente americano não
derivava do espaço dentro da comunidade, o que permitiu que ela se visse
livre de censuras e ostentasse a coragem do excessivo.
Neste sentido, o Expressionismo Abstrato surgiu nos Estados Unidos em
1952, o primeiro estilo pictórico norte-americano a ganhar reconhecimento
A Arte do Pós-GuerraA Arte do Pós-Guerra
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internacional. Uma das principais características desse movimento foi a
recusa dos estilos técnicas tradicionais. 
Figura 4.5 - n. 5, por Pollock. 
Fonte: Alberto / WikiArt.
Um dos mais importantes nomes dentro do Expressionismo Abstrato foi
Jackson Pollock (1912-1956). Em sua obra, esse artista abandonou a pintura
de cavalete, colocando uma tela de grandes dimensões no chão sobre a qual
adotava as técnicas de tinta respingada e jogada, além de pincéis secos,
varetas e colheres de pedreiro como ferramentas de pintura. As pinturas de
Pollock são marcadas pelo radicalismo técnico e pelo radicalismo ideológico. A
técnica empregada por Pollock, denominada action painting, na qual a tinta é
atirada ao ritmo do gesto do artista, torna a obra de arte fruto da relação
corporal estabelecida pelo artista com a pintura. Desse modo, a arte, criada
de forma espontânea, torna-se a expressão de uma personalidade individual
(STANGOS, 1991).
Ainda neste cenário, o Pop Art surgiu em 1955 nos Estados Unidos e na
Inglaterra, convertendo-se em estilo em 1960. Embora o Pop Art tenha
avançado por etapas lentas em meio ao predominante Expressionismo
Abstrato nos Estados Unidos, foi nesse país que esse estilo ganhou raízes
mais sólidas do que em qualquer outro lugar. A pintura norte-americana do
segundo Pós-Guerra foi sistematicamente nacionalista, a arte pop tornou-se o
instrumento ideal para enfrentar o ambiente humano norte-americano.
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Nas obras do Pop Art existe o retorno à arte �gurativa, em oposição ao
Expressionismo Abstrato. Elementos da iconogra�a da televisão, fotogra�a,
quadrinhos, cinema e publicidade eram explorados. Os signos estéticos
massi�cados da publicidade eram empregados com o objetivo de criticar
ironicamente o bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo
(STANGOS, 1991).
As temáticas retratadas eram extraídas do meio ambiente urbano das
grandes cidades e da ausência de planejamento crítico. Os artistas tinham
preferências por referências ao status social, à fama, à violência, aos símbolos
da tecnologia industrial e à sociedade de consumo. 
Figura 4.6 - Che Guevara, por Andy Warhol. 
Fonte: Yigruzeltil / WikiArt.
Nas telas, é possível notar a combinação de pintura com objetos reais em
escala natural ou ampliada, como uma nova forma dadaísta. A primeira vista
há um ressurgimento das técnicas desse estilo, no entanto não existe o
respaldo da �loso�a Dadá. Os artistas pop encontraram um aspecto positivo
na oposição à arte que o Dadaísmo propunha, viram nela alguma coisa a
partir da qual fosse possível construir. O contexto para a criação do Pop Art é
o estilo de vida pop, esse estilo artístico é um subproduto do estilo de vida da
época, re�exo da Revolução Industrial e a da série de revoluções tecnológicas
que lhe sucederam (STANGOS, 1991).
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Um dos artistas mais expressivos dentro desse movimento foi o pintor e
cineasta norte-americano Andy Warhol (1927-1987). Andy Warhol mostrou o
seu ponto de vista da produção mecânica da imagem em substituição ao
trabalho manual. Produziu uma série de imagens na qual retratou �guras
conhecidas como Marilyn Monroe. A técnica da serigra�a foi empregada para
produzir grande parte de suas obras. 
praticar
Vamos Praticar
Jackson Pollock (1912-1956) foi um dos grandes pintores dentro do Expressionismo
Abstrato desenvolvido nos Estados Unidos. Uma das técnicas empregadas por
Pollock foi o action painting. Considerando a obra desse artista, assinale a alternativa
correta.
a) As obras de Pollock registram cenas do cotidiano da vida moderna.
b) Na técnica action painting a arte surge como fruto da ação corporal do
artista.
c) As obras de Pollock demonstram similaridades formais com as pinturas do
Renascimento.
d) Na técnica action painting Pollock dispõe a tela diretamente sobre a parede
na qual ela será exposta.
e) As obras de Pollock trazem signos da cultura em massa em escala
aumentada.
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Não existe uma data exata que determine a partir de que ponto inicia-se a
Arte Contemporânea. De forma geral, convenciona-se adotaro início da Arte
Contemporânea na década de 1960 com os estilos como Pop Art e a ruptura
com a pauta do Modernismo. Desse modo, em nossos estudos iremos
compreender a Arte Contemporânea como a arte produzida entre a década
de 1960 até os dias atuais.
A arte criada nesse cenário também é denominada como Pós-modernismo ou
Pós-vanguardas, como uma forma de designar uma mudança pragmática nas
artes. No entanto, Heinich (2014) nos convida a fazer a seguinte re�exão: seria
a arte contemporânea um novo paradigma artístico, ou então, apenas um
novo período na história da arte?
Na Arte Contemporânea uma das maiores mudanças diz respeito ao status da
obra de arte. Em períodos anteriores a obra de arte era entendida como o
objeto proposto pelo artista, já na atualidade, o conjunto de operações
provocadas por sua proposição, pode ser entendido como arte. Um exemplo
são as performances e os happenings.
Arte Contemporânea,Arte Contemporânea,
Cultura e Estética ICultura e Estética I
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Ainda que a obra de arte apresente materialidade física, assim como na
Fonte, de Duchamp, a arte não reside apenas no material, mas sim no
contexto em que a obra foi proposta. Desse modo, o discurso sobre a obra é
também parte da obra de arte.
A partir da década de 1960, em decorrência dos novos meios de comunicação
e novas tecnologias, assim como o rompimento com as linguagens
tradicionais, a arte passou a se instalar em ambientes comuns, integrando-se
ao cotidiano da sociedade. Nesse sentido, a arte passa a se preocupar com
novas questões, como despertar ideias, sensações e emoções no observador,
que agora já não é mais um simples espectador, mas também um coautor da
obra. Outra característica comum às obras de arte da atualidade é a
incorporação de materiais inusitados, bem como a inserção das novas
tecnologias (HEINICH, 2014).
Segundo Pieri (2012), a partir de 1960 diversos artistas empregaram em suas
obras os novos materiais que passaram a ser comercializados, como o
acrílico, nylon, polietileno e poliestireno. No entanto, a autora destaca que a
Arte Contemporânea vai além em sua busca por novos materiais. Matérias-
primas inusitadas como os materiais efêmeros, degradáveis, matérias “vivas”
(como insetos) e até mesmo alimentos vêm sendo explorados nas
composições contemporâneas.
Diante do apresentado, é possível concluir que a Arte Contemporânea, de
fato, se con�gura como um novo paradigma. Desse modo, tais obras de arte
devem ser contempladas dentro desse novo modelo. O que percebemos, na
atualidade, é o con�ito entre obra e o modo como ela é apreendida, que
quase sempre é feito remetendo ao modelo clássico ou moderno.
Ao observarmos um tipo de arte sem percebermos o paradigma sob o qual foi
criado, sofremos o risco de não conseguir entendê-la como arte e aceitar suas
razões. Desse modo, não é incomum ouvirmos comentários criticando a Arte
Contemporânea, que muitas vezes desencadeiam até mesmo protestos
violentos. 
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reflita
Re�ita
Pensar e fazer Arte Contemporânea traz diversos desa�os. A
proximidade temporal faz com que se torne mais complexa a
identi�cação do que é arte. Estamos habituados a pensar a
arte a partir do que já está de�nido pela sua própria história.
No entanto, a Arte Contemporânea, aquela que acontece hoje,
ainda não chegou aos livros. Ela faz parte do tempo vivido e
não do tempo passado, desse modo, a sua análise demanda
nossa constante interpretação.
praticar
Vamos Praticar
A Arte Contemporânea compreende as obras de arte produzidas entre a década de
1960 até os dias atuais. A arte desse período é marcada pela pluralidade, tanto com
relação aos temas tratados quanto às técnicas e materiais empregados. A partir do
apresentado, assinale a alternativa correta.
a) A Arte Contemporânea deve ser interpretada assim como a Arte Moderna.
b) A Arte Contemporânea recusa a tecnologia, criticando-a duramente.
c) A Arte Contemporânea caminha para o retorno dos modelos clássicos.
d) A Arte Contemporânea emprega materiais inusitados em suas
composições.
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e) A Arte Contemporânea insere-se cada vez mais distante da sociedade.
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A Arte Contemporânea se distancia dos modelos de arte produzidos até então
não apenas no que diz respeito aos meios e técnicas empregadas, como
discutimos no tópico anterior. Segundo Heinich (2014), a Arte Contemporânea
se encontra relacionada com o tempo de modo bastante distinto do
apresentado nas artes de períodos anteriores.
Mas a�nal, como a temporalidade in�uencia o mundo da arte? Um dos
primeiros pontos a considerarmos é o tempo de reconhecimento de uma
obra de arte, que sofreu uma aceleração nas últimas décadas. No passado,
muitos artistas tinham sua obra reconhecida apenas após a sua morte. Hoje,
o intervalo entre a �nalização de uma obra e o seu reconhecimento é muito
mais curto, esse processo é mais rápido e dinâmico do que era no passado.
Outro ponto que cabe ressaltar é a proximidade temporal na qual nos
encontramos com relação a tais obras. Ao contrário da arte produzida até
meados do século XX, muitas das produções contemporâneas ainda não
foram sistematizadas e catalogadas. Por esse motivo, muitas vezes as obras
de Arte Contemporânea fogem de nossas classi�cações, tornando suas
Arte Contemporânea,Arte Contemporânea,
Cultura e Estética IICultura e Estética II
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análises mais complexas. Desse modo, iremos agora traçar um panorama
sobre as principais manifestações da Arte Contemporânea no mundo e no
Brasil. No entanto, caro(a) estudante, lembre-se de que a Arte
Contemporânea engloba tudo aquilo que é produzido nos dias atuais.
Arte Contemporânea no Mundo
O período em que vivemos é marcado pelo desenvolvimento tecnológico e
pela globalização. Deste modo, as referências visuais, os estilos e as
tendências no mundo da arte reverberam de maneira muito mais dinâmica
do que era no passado. Se por um lado tais características implicam na
uniformização do acesso às informações, por outro, elas também di�cultam
no discernimento entre o que é arte e o que é entretenimento.
Segundo Kunzler (2010), a Arte Contemporânea está inserida em um contexto
complexo e inde�nido, o que resulta em uma arte múltipla que encontra os
mais diversos canais para se manifestar. Desse modo, na Arte
Contemporânea iremos encontrar novas manifestações como:
1. Happenings : um acontecimento ou fenômeno de estrutura �exível se
con�gura como arte, e não o seu produto �nal.
2. Performances: apresentação ao público no qual o espectador
participa da cena.
3. Land Art: trabalhos criados fora do atelier, no qual o entorno é
transformado.
4. Instalações: obras que integram o espaço da exposição como
componente da obra de arte.
5. Vídeo-Art: obras que usam o vídeo como suporte e recurso de
linguagem.
Entre os principais artistas contemporâneos destacam-se a alemã Eva Hesse
(1936-1970), o norte-americano Walter de Maria (1935-2013) e o inglês
Richard Long (1945).
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Arte Contemporânea no Brasil
A Arte Contemporânea no Brasil é marcada por nomes como Lygia Clark
(1920-1988), Ferreira Gullar (1930-2016), Hélio Oiticica (1937-1980)e Lygia
Pape (1927-2004).
Embora as primeiras obras de Lygia Clark, do �nal da década de 1940, fossem
pinturas tradicionais sobre tela, essa artista consolidou sua produção por
meio de objetos tridimensionais, como esculturas e instalações. A série de
esculturas Bichos, na década de 1960, marca a transição da obra de Lygia.
Essas esculturas foram concebidas para permitir que o espectador
manipulasse as peças, desse modo, a arte só acontece quando o espectador
interage com a obra tornando-se também coautor (PIERI, 2012).
Hélio Oiticica, pintor e escultor, também propôs em suas criações que o
espectador e a arte interagissem. Na instalação Tropicália o público é
convidado a caminhar descalço por um cenário com vegetação, areia, brita e
água. Desse modo, o artista procura estimular não apenas a visão, mas
também os demais sentidos do ser humano.
A artista Lygia Pape, em sua instalação Divisor, na qual o público “veste” um
enorme tecido suspenso, colocando a cabeça nas aberturas criadas para essa
�nalidade, explora as relações que a arte estabelece com a ação coletiva. A
obra dessa artista também é marcada pela ironia e as críticas políticas. Em
Caixas de Baratas , Pape dispôs baratas en�leiradas em uma caixa de acrílico,
com o fundo em espelho. Ao observar a obra, o público vê não apenas os
insetos, mas também o seu próprio re�exo.
Segundo Pieri (2012), o Neoconcretismo no Brasil foi o responsável por
separar Arte Moderna da Arte Contemporânea no país. Cabe ressaltar que o
Modernismo, que teve como marco inicial a Semana de Arte Moderna, em
1922, foi essencial para a formação da identidade artística nacional.
Além dos artistas apresentados, ao tratarmos da Arte Contemporânea no
Brasil é importante apontarmos o papel das Bienais. A primeira Bienal
Internacional de São Paulo ocorreu em 1951, no entanto, desde o �nal de
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1948 já existia uma articulação para criar um evento capaz de selecionar as
obras dos artistas nacionais mais signi�cativos dentro das tendências da Arte
Moderna. Além das obras nacionais, na primeira Bienal foram expostos
também trabalhos de Modernistas consagrados, como Pablo Picasso e René
Magritte. No entanto, cabe frisar que a Bienal não teve como propósito
popularizar o acesso à arte. Esse evento surgiu como um produto cultural
re�exo das relações sociais entre produtores culturais, para atender às
demandas das elites culturais (AMARAL, 2003).
Arte Pública
A arte pública está voltada para o espaço, seja ele nas galerias, nas áreas
naturais ou urbanas. Nesse sentido, diversas linguagens são desenvolvidas,
como performances, instalações, gra�ti, land art, entre outros.
Segundo Curi (2004), o land art teve ligações diretas com o movimento
Minimalista que surgiu nos Estados Unidos. Essa relação é evidenciada pela
defesa da indissociação entre arte, natureza e realidade. Os artistas de land
art buscavam explorar a articulação entre exterior e interior arquitetônico.
Desse modo, tanto os artistas do Minimalismo quanto os do land art
propuseram a experiência da espacialidade sem a implantação de objetos.
Um dos nomes da Arte Pública contemporânea no Brasil é o artista plástico
Nelson Félix (1954). Entre suas principais obras destacam-se Grande Budha e
Mesa , ambos idealizados pelo projeto Fronteiras, do Itaú Cultural.
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saiba mais
Saiba mais
O artista plástico Nelson Félix nasceu no Rio
de Janeiro, em 1954. Desde 1980 esse artista
realizou exposições individuais, não apenas
no Brasil, mas também internacionalmente.
Entre as suas obras, Nelson Félix explora
diversas formas de expressão, como
esculturas, desenhos e fotogra�as. Para
saber mais sobre o trabalho desse artista,
acesse:
ACESSAR
praticar
Vamos Praticar
A Arte Contemporânea é marcada pela variedade de canais encontrados como
linguagem. Além das tradicionais pinturas e esculturas, a arte nos dias de hoje pode
ser concebida em novos veículos como os happenings, que são:
a) Apresentações que contam com a participação do público.
b) Intervenções urbanas em ambientes fora do atelier.
c) Obras que incorporam o espaço de exposição como parte da arte.
d) Acontecimentos de estrutura �exível e sem interação do público.
e) Obras exibidas em vídeo que apresentam a tela digital como suporte.
http://nelsonfelix.com.br/
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indicações
Material
Complementar
LIVRO
Surrealismo
Cathrin Klingsohr-Leroy
Editora: Taschen
ISBN: 383-65-1422-2
Comentário: Caro(a) estudante, como vimos ao
decorrer de nossos estudos, o Surrealismo foi um dos
estilos da Vanguarda Européia que se manifestou no
início do século XX. Na leitura indicada você poderá
aprofundar os seus conhecimentos sobre esse estilo.
Neste livro, além de nos apresentar artistas como Joan
Miró, René Magritte, Salvador Dalí e Giorgio de Chirico,
a autora também discorre sobre as manifestações
desse movimento dentro do cinema, teatro e literatura.
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FILME
Cidade cinza
Ano: 2013
Comentário: A Arte Contemporânea se manifesta
sobre diversas formas. Na arte urbana uma das
expressões mais signi�cativas da arte brasileira se dá
pelo gra�tti. Apesar disso, é possível notar que ainda
existe uma “guerra” entre artistas e poder público.
A�nal, o gra�tti é arte ou apenas um ato de
vandalismo? Essas e outras re�exões são debatidas no
�lme indicado. Nessa obra você poderá conhecer um
pouco mais sobre como o assunto é tratado na cidade
de São Paulo, que em 2008 iniciou uma política de
“limpeza urbana” na qual diversos muros foram
pintados de cinza para cobrir as intervenções em
gra�tti. Para conhecer mais sobre o �lme, acesse o
trailer disponível em:
TRA ILER
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conclusão
Conclusão
O século XX é caracterizado por diversas transformações no campo das artes.
Em nossas análises foi possível perceber como os eventos da história geral da
humanidade in�uenciaram no desenvolvimento das artes. Nesse sentido,
notamos que não apenas os avanços tecnológicos e os novos materiais
determinaram os caminhos seguidos pela arte, mas também, os eventos
negativos como as Guerras Mundiais re�etiram sobre o modo de pensar e
produzir arte. Em nossas investigações observamos o quanto as correntes
artísticas se transformaram em um curto espaço de tempo. Os estilos, que
antes duravam séculos, passaram a ter vida curta, sofrendo mutações em
menos de uma década. Do mesmo modo, o reconhecimento de uma obra de
arte também se tornou mais rápido. A partir disso, veri�camos o quanto a
Arte Contemporânea é marcada pelo dinamismo.
referências
Referências
Bibliográ�cas
AMARAL, A. A. Arte para quê? 3. ed. São Paulo: Studio Nobel, 2003.
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CURI, I. T. Arte pública contemporânea no Brasil e o problema de lugar.
Dissertação (Mestrado em Artes) - Instituto de Artes, Universidade Estadual de
Campinas, Campinas, 2004.
DALDEGAN, V.; DOTTORI, M. Elementos de história das artes. 1. ed. Curitiba:
Intersaberes, 2016.
HEINICH, N. Práticas da Arte Contemporânea: uma abordagem pragmática a
um novoparadigma artístico. Sociologia & Antropologia, Rio de Janeiro, v. 4,
n. 2, p. 373-390, out. 2014.
KUNZLER, N. A. A arte visual no mundo contemporâneo. Revista Digital do
laboratório de Artes Visuais, Santa Maria, n. 5, p. 1-24, 2010.
NASCIMENTO, E. A Semana de Arte Moderna de 1922 e o Modernismo
Brasileiro: atualização cultural e “primitivismo” artístico. Gragoatá, Niterói, n.
39, p. 376-391, 2. sem. 2015.
PIERI, M. A. B. Conservação-restauração: possibilidades e limites na arte
contemporânea. Especialização em História da Arte - Universidade da Região
de Joinville, Joinville, 2012.
STANGOS, N. Conceitos de Arte Moderna. 2. ed. Rio de Janeiro: Jorge Zahar,
1991.
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