01 ARTES-VISUAIS-E-MUSICOTERAPIA

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SUMÁRIO 
1 INTRODUÇÃO ........................................................................................ 3 
2 DEFINIÇÃO DE MUSICOTERAPIA ........................................................ 4 
3 FUNDAMENTOS DA MUSICOTERAPIA (ÁREAS DE APLICAÇÃO) ..... 5 
3.1 Musicoterapia em Deficiência Visual e Educação Especial .............. 7 
3.2 Musicoterapia e a Saúde Materno-Infantil ........................................ 9 
3.3 Musicoterapia em Geriatria e Gerontologia .................................... 11 
3.4 Musicoterapia em Saúde Mental .................................................... 12 
3.5 Musicoterapia em Reabilitação Neurológica .................................. 13 
4 TEORIAS, TÉCNICAS E MÉTODOS EM MUSICOTERAPIA ............... 14 
4.1 Métodos .......................................................................................... 16 
4.2 Compreendendo a atuação do som no corpo humano................... 18 
5 ARTES VISUAIS ................................................................................... 20 
5.1 Campos de aplicação ..................................................................... 21 
6 ARTES VISUAIS E MUSICOTERAPIA ................................................. 22 
6.1 Artes figurativas .............................................................................. 23 
7 ARTERAPIA E EDUCAÇÃO ................................................................. 24 
7.1 Contribuições da arteterapia nas aulas de Artes Plásticas ............. 26 
8 TEORIA E HISTÓRIA DA ARTE ........................................................... 28 
8.1 Arte e civilização: Da Pré-história ao fim do Império Romano ........ 30 
8.2 Relações Oriente/ Ocidente .............. Erro! Indicador não definido. 
9 FILOSOFIA ESTÉTICA NAS ARTES VISUAIS .................................... 30 
10 DESENHO DIGITAL/ ARTE DIGITAL ................................................ 31 
11 DESENHO COMO EXPRESSÃO ...................................................... 34 
12 REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS .................................................. 36 
 
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1 INTRODUÇÃO 
 
Prezado aluno! 
 
O Grupo Educacional FAVENI, esclarece que o material virtual é semelhante 
ao da sala de aula presencial. Em uma sala de aula, é raro – quase improvável - 
um aluno se levantar, interromper a exposição, dirigir-se ao professor e fazer uma 
pergunta, para que seja esclarecida uma dúvida sobre o tema tratado. O comum é 
que esse aluno faça a pergunta em voz alta para todos ouvirem e todos ouvirão a 
resposta. No espaço virtual, é a mesma coisa. Não hesite em perguntar, as 
perguntas poderão ser direcionadas ao protocolo de atendimento que serão 
respondidas em tempo hábil. 
Os cursos à distância exigem do aluno tempo e organização. No caso da 
nossa disciplina é preciso ter um horário destinado à leitura do texto base e à 
execução das avaliações propostas. A vantagem é que poderá reservar o dia da 
semana e a hora que lhe convier para isso. 
A organização é o quesito indispensável, porque há uma sequência a ser 
seguida e prazos definidos para as atividades. 
 
 
Bons estudos! 
 
 
 
 
 
 
 
 
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2 DEFINIÇÃO DE MUSICOTERAPIA 
 
Fonte: tuasaude.com 
A música é capaz de exercer ação psicofisiologica, favorecendo o indivíduo, 
através de seus elementos constitutivos (ritmo), elementos ativos (melodia), 
elemento afetivo (harmonia), elemento intelectual podendo alcançar o sujeito 
(SEKEFF, 2007). 
Para a autora, a música concretiza sentimentos, captada conscientemente 
de maneira mais global e abrangente do que no pensamento rotineiro, induzindo a 
afetividade que se processa na escuta pela vivencia de estruturas que nela existem. 
Caracteriza-se como um recurso de desenvolvimento pessoal, equilíbrio, estímulo 
e integração do indivíduo ao meio em que vive. 
A Musicoterapia pode ser definida como um processo sistemático de 
intervenção que requer planejamento e monitoramento, em que o terapeuta ajuda 
o cliente a promover a saúde utilizando experiências musicais e as relações que se 
desenvolvem através delas como forças dinâmicas de mudança, na qual, o que 
importa é a relação da música com o paciente e não ela em si mesma, nem os 
conceitos estéticos que a permeiam (BRUSCIA, 2000). 
Estuda o ser humano, suas manifestações sonoras e os fenômenos que 
decorrem das interações entre pessoas, ritmos, melodias e harmonias. Os 
 
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processos estabelecem-se a partir da relação entre as pessoas e suas 
musicalidades, permitindo o desenvolvimento de vínculos significativos que levam 
à construção de canais de comunicação, de redes de convivência e das 
possibilidades de ação terapêutica (CUNHA et al, 2010). 
Segundo BERNARDES (2012), as sessões de Musicoterapia podem 
proporcionar momentos onde os cuidadores podem extravasar seus sentimentos, o 
que ajuda a combater o cansaço e estresse do cotidiano, melhorando seu bem 
estar. Considera-se três objetivos fundamentais da Musicoterapia: 
• O estabelecimento e/ ou restabelecimento de relações interpessoais 
do indivíduo; 
• A conquista da autoestima com o recurso da autorrealização; 
• O emprego do poder singular do ritmo no sentido de energizar o 
indivíduo, ajudando-o a organizar (BERNARDES, 2012). 
BRUSCIA (2000) afirma que a auto-expressão musical nos permite 
exteriorizar o que é interno. Esta exteriorização é significativa, pois possibilita 
manifestar o que está latente, permitindo trazer à consciência o que estava 
inconsciente e, finalmente transformando as imagens internas em realidades 
externas. Esse processo permite significativas oportunidades de reflexão sobre si e 
de percepção de como soam as pressões e dificuldades internas, e percepção da 
própria identidade. 
3 FUNDAMENTOS DA MUSICOTERAPIA (ÁREAS DE APLICAÇÃO) 
A atuação da Musicoterapia inclui o encontro entre o profissional 
musicoterapeuta, as pessoas que se dispõem à experiência e a prática musical, 
sendo que o objetivo da ação é sempre a potencialização dos participantes. Em 
Musicoterapia, o processo criativo musical, e não somente o produto final criado, 
por ser experiência sensível e estética, pode (re)criar modos de relação, de 
pensamento, de ação, ou seja, de viver (ARNDT, 2016). 
 
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Fonte: mundoeducacao.uol.com.br 
Apolo foi um deus presente na mitologia grega. Era o deus do Sol, da 
música, das artes, da medicina, da profecia, entre outros. Sabia tocar a lira 
como poucos e manejava muito bem o arco e flecha, tendo matado uma 
serpente com esse instrumento. 
Quando se cria musicalmente, aspectos cognitivos, culturais, corporais e 
afetivos são experienciados e tais ações desdobram-se para o campo do cotidiano, 
escoando para aspectos outros da vida dos participantes. É nesse sentido que se 
propõe pensar a potencialização dos sujeitos, como o aumento das possibilidades 
criativas de existência, mediados pelo fazer musical (MACHADO, 2014). 
A musicoterapia enquanto profissão e disciplina tiveram seu início em 
meados do século XX. TYSON (1981) assinala que a música foi utilizada durante a 
Segunda Guerra Mundial também como parte do programa do exército para auxiliar 
o recondicionamento físico, educacional e como terapia ocupacional. Este foi o 
primeiro reconhecimento da música como meio especializado de tratamento usado 
pelos militares, apesar da música ter sido utilizada para os soldados desde a 
Primeira Guerra Mundial. Nos Estados Unidos, a música passou a ser utilizada 
cientificamente e com fins terapêuticos na reabilitação e recuperação dos soldados 
egressos da Segunda Guerra Mundial (PEDRO, 2008). 
Nos hospitais de recuperação havia recitais, onde se escutava e se ensinava 
a tocar instrumentos musicais. Acreditava-se que assim a música poderia ajudar a 
 
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recuperar a sanidade mental dos soldados.Em 1950, foi criada a The National 
Association for Music Therapy (NAMT), em Nova York. Na Argentina, a 
musicoterapia passou a ser utilizada em casas de depressão pós-poliomielite 
(COSTA, 2010). 
Os sobreviventes da poliomielite apresentavam sequelas graves como 
quadros depressivos profundos que em alguns casos os levavam à morte. No 
entanto, os recursos terapêuticos conhecidos não demonstravam resultado. Assim, 
tentou-se a “musicoterapia de guerra”, a mesma praticada nos hospitais de 
recuperação dos soldados egressos da Segunda Guerra. Os bons resultados 
obtidos levaram à criação do primeiro curso de formação de musicoterapeutas da 
Argentina e da América Latina, na Universidad del Salvador. Os musicoterapeutas 
passaram a aprofundar seu corpo referencial em teorias de música, psicologia e 
pedagogia. 
No Brasil o primeiro curso de especialização em musicoterapia surge na 
Faculdade de Artes do Paraná em 1970 e o primeiro curso de graduação em 1972 
no Rio de Janeiro no Conservatório Brasileiro de Música. Um dos primeiros registros 
de pesquisa efetivada no Brasil foi realizada por Di Pancaro, no Rio Grande do Sul, 
em 1975, chamada “Uma investigação e respostas a um estímulo musical repetido 
com doentes mentais” (PIAZZETTA, 2006). 
Em 1975, encontra-se também o trabalho de Maria de Lourdes Vignoli e 
Olívia Ambrósio da Silva intitulado “Musicoterapia na Comunidade Terapêutica” que 
descrevia o trabalho de musicoterapia realizado em uma Comunidade Terapêutica 
do Rio de Janeiro. Neste trabalho ela descrevia os objetivos terapêuticos das 
intervenções musicoterápicas, formato do grupo, tempo de duração, entre outros. 
3.1 Musicoterapia em Deficiência Visual e Educação Especial 
A reabilitação de deficientes visuais requer um esforço pessoal demandado 
pela vontade de viver e de se relacionar do próprio deficiente, tendo em vista as 
inúmeras barreiras observadas em uma sociedade excludente e preconceituosa, 
além da falta de infraestrutura física e de acessibilidade que garantam a qualidade 
 
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de vida. A reabilitação é a renovação de uma vida, é o nascer para uma nova vida, 
é a reconstrução, é uma nova maneira de viver, é o início de novas relações 
humanas (PORTO, 2019). 
Muitas são as dificuldades e barreiras para essa “nova vida”; além da 
dificuldade de locomoção, têm-se infraestruturas precárias e falta conscientização 
no meio social. Isso de fato transforma o que já não é bom em algo um pouco mais 
complicado pois, antes mesmo de romper a barreira psicológica da aceitação 
pessoal e interna (que muda de indivíduo para indivíduo), há ainda a dificuldade 
imposta pelas condições mencionadas pois, quem esteja inclinado a reabilitar-se, 
tem que enfrentá-las, uma vez que há de se deslocar até os centros de reabilitação. 
Ou seja, para além das condições pessoais para aceitação e compreensão da 
deficiência, ainda é preciso buscar por serviços que facilitem esse processo 
(LEWGOY, 2013). 
Segundo TANGARIFE (2008), a educação musical e a musicoterapia têm 
diversas semelhanças no que diz respeito ao desenvolvimento biopsicossocial do 
indivíduo, mas o que diferencia as duas práticas são os meios para alcançar essa 
meta. 
Nessa diferenciação, TANGARIFE (2008) aponta que o educador musical 
utiliza a música em prol do que chama “educação formativa, profissional e social” 
(p. 51), enquanto que o musicoterapeuta utiliza o som (seja ele musical ou não ) e 
a música (também tradicional ou não) além do ruído e do silêncio, “para estabelecer 
a comunicação do paciente com o meio, consigo mesmo e com o Musicoterapeuta” 
(idem), a fim de propiciar a abertura de outros canais de comunicação para 
favorecer o processo terapêutico. 
Os musicoterapeutas E. Thayer GASTON (1958) e Clotilde LEINIG (1977) 
descrevem alguns objetivos da musicoterapia na reabilitação do deficiente visual, 
tais como: favorecer a aquisição de segurança física, desenvoltura e independência; 
estimular o equilíbrio e o senso de direção por meio da acuidade auditiva; 
proporcionar um relaxamento por meio da familiaridade dos sons, de forma 
harmônica e previsível, para que não soem ameaçadores; incentivar socialização e 
 
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colaboração em grupo através da interação com a música e com os instrumentos, 
além de promover uma satisfação emocional no fazer musical. 
LEINIG (1977) acrescenta ainda: 
“Certos valores psicológicos da música têm tal importância quando 
aplicados em pacientes com malformações, uma vez que o seu aspecto 
criativo (da música) permite uma individualidade no desempenho, que 
mesmo o deficiente físico pode participar com certo grau de êxito, o que 
serve para compensá-lo de sua deficiência, pelos sentimentos de 
autoconfiança e responsabilidade despertados. Ouvir ou fazer música são 
atividades que dão prazer a esses pacientes. Para que possam tocar 
instrumentos, há necessidade de se colocarem dispositivos especiais que 
possibilitem um desempenho satisfatório, utilizando-se diferentes técnicas 
musicais, no alcance dos objetivos terapêuticos” (LEINIG, 1977, p. 126). 
Logo, o musicoterapeuta faz uso de técnicas como a recriação musical, a 
audição de músicas, a composição e a improvisação para trabalhar e desenvolver 
os aspectos necessários no atendimento de pessoas portadoras de deficiência 
visual, tais como: lateralidade, espacialidade, aspecto sensorial, propriocepção, 
independência, relaxamento físico, socialização, identificação, expressividade, 
inserção cultural, memória, proatividade e comunicação (GASTON, 1958). 
Além desses benefícios, BRUSCIA (1991) destaca: 
“Ouvir canções e seguir a letra são ações que podem também ajudar 
crianças portadoras de deficiência ou com problemas de aprendizagem a 
aprender e memorizar cores, números, vocabulário, sequência [sic] de 
comportamentos” (BRUSCIA, 1991, p. 4). 
3.2 Musicoterapia e a Saúde Materno-Infantil 
A musicoterapia tem se mostrado eficaz, alocando-se como um dos 
principais métodos não farmacológicos a ser aplicado em mulheres no período pré-
natal, se caracterizando como uma intervenção na saúde pública. A musicoterapia 
se configura em uma abordagem não invasiva, atualmente muito utilizada para o 
tratamento de sintomas psicológicos da gestação (GONZÁLES et al., 2017). 
 
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Fonte: guiadobebe.com.br 
Essa abordagem apresenta efeitos colaterais mínimos e custo reduzido 
quando comparado a outras terapias, além de ser um método completamente 
natural e trazer benefícios à gestante de aspecto fisiológico, emocional, intelectual 
e social e ainda, por não oferecer qualquer risco ou efeitos colaterais, essa técnica 
pode oferecer uma abordagem potencial à promoção da saúde, tanto da gestante, 
quanto do feto (GONZÁLES et al., 2017). 
Dentre os benefícios citados entre os autores encontram-se os aspectos 
relacionados ao vínculo, aos relativos à saúde da mulher e, por fim, aos observáveis 
no momento pós-parto (CARVALHO, 2017). 
Em relação ao benefício à saúde materna no período pré-natal, a intervenção 
apresentada nos estudos de LIU et al. (2015) demonstrou que a escuta musical 
promove a redução do estresse das mulheres grávidas, bem como uma melhoria 
na qualidade do sono. Os resultados foram observados nos índices de qualidade de 
sono de Pittsburg (PSQI) e no State-Anxiety Inventory. 
As músicas utilizadas foram a canção de ninar e a música clássica. A respeito 
do desenvolvimento do neonato, a revisão sistemática de OLIVEIRA et al. (2016) 
demonstrou melhorias no comportamento neonatal, bem como no desenvolvimento 
cerebral, sobretudo no córtex cerebral motor e neurossensorial da criança. Nesse 
estudo foram incluídos ensaios clínicos e uma revisão sistemática. 
Além desses achados, GONZALEZ et al. (2017) evidenciaram a alteração da 
frequência cardíaca do feto a partir da escuta musical realizada com suas mães, 
 
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demonstrando a intrínseca relação entre as alterações emocionais ocasionadaspela música nas grávidas e seu reflexo intrauterino. 
3.3 Musicoterapia em Geriatria e Gerontologia 
A música e o envelhecimento andam juntos. Cada indivíduo tem seu 
potencial musical. O processamento no cérebro apresenta diversos efeitos 
positivos. Ela é um recurso terapêutico, principalmente nas áreas cognitivas e 
límbicas (SOUSA, 2006). 
Segundo SACKS (2007), a música pode nos animar acalmar, estimular, 
consolar, emocionar. Para pacientes neurológicos, ela pode ser ainda mais 
poderosa. 
 
Fonte: cliapsicologa.com.br 
BENENZON (2000) afirma que o som, a música e os instrumentos corpóreos 
sonoros musicais são utilizados para estabelecer uma relação entre musicoterapia 
e paciente ou grupo de pacientes. Isto, segundo ele, permite melhorar a qualidade 
de vida, recuperar e reabilitar o paciente para a sociedade. 
A música pode favorecer a memória evocando lembranças do passado. 
Quando se ativa a memória através da música transmite-se pensamentos de que a 
senescência é um período propício à recordação. Assim, o idoso reconstrói 
experiências do presente e do passado. Essa memória advém de um trabalho em 
que o prazer da música suscita o inconsciente a trazer material ao consciente 
(MASCARENHAS E SILVA, 2016). 
 
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A utilidade da música com prazer como linguagem contribui para uma maior 
compreensão do mundo e de nós mesmos. A respiração, a atividade muscular, a 
pulsação cardíaca, a pressão sanguínea, o humor e o metabolismo são afetados 
pela música e pelos sons. O corpo é um instrumento configurando-se também como 
caixa de ressonância e a voz caracterizando o som de cada indivíduo (TOURINHO, 
2007). 
3.4 Musicoterapia em Saúde Mental 
 
Fonte: sintoniaholistica.com.br 
Na década de 80, a musicoterapeuta Clarice Moura Costa desenvolveu o 
Projeto de Pesquisa Interdisciplinar de Musicoterapia e Serviço Social (1985- 1988), 
em parceria com a musicoterapeuta Martha Negreiros (BARCELLOS, 2012). 
Ao longo dos anos 80, as pesquisadoras publicaram alguns artigos de 
relevância para a área e vinculadas ao tema da saúde mental. Além disso, elas 
também possuem o trabalho intitulado “A importância da linguagem musical para 
psicótico – abertura de canais de comunicação”, baseado em uma pesquisa que foi 
realizada durante cinco anos em um hospital psiquiátrico através de questionário, 
avaliação de prontuário e depoimento dos pacientes (COSTA, 2008). 
COSTA (2008) também publicou outros artigos a respeito do uso da 
musicoterapia com pacientes esquizofrênicos. Em 1989, publicou o livro “O 
despertar para o outro”, tratando da musicoterapia e psiquiatria. 
 
13 
 
Posteriormente a autora continua escrevendo trabalhos e em 2010 publicou 
mais um livro que trata da musicoterapia neste campo de atuação: “Música e 
Psicose” (COSTA, 2010). 
ZANINI (2004) apresenta algumas possibilidades de atuação da 
Musicoterapia na área da Saúde Mental: nos transtornos esquizofrênicos quando 
se possibilita a expressão através dos instrumentos musicais, a concretude desses 
objetos pode favorecer o contato com a realidade. 
3.5 Musicoterapia em Reabilitação Neurológica 
 
Fonte: neurointensiva.com 
A musicoterapia surge como uma estratégia que pode ser promotora de 
qualidade de vida aos sujeitos que se encontram internados. É um recurso 
terapêutico que visa, conforme BERGOLD, (2006: 268), atuar como uma estratégia 
facilitadora de cuidado, relaxamento, criatividade, espontaneidade, ludicidade, 
melhoria da qualidade do sono, diminuição da dor física e emocional, geração de 
sentidos e de qualidade de vida: 
A contribuição da musicoterapia nos diferentes contextos hospitalares 
(internação, hospital-dia e serviço ambulatorial) tem sido reconhecida por 
minimizar os efeitos da hospitalização, entre outros, influenciando 
diretamente na qualidade de vida do paciente. Por qualidade de vida, 
entende-se o viver que é bom e compensador em pelo menos quatro 
áreas: social, afetiva, profissional e saúde. (ZANINI et al., 2009) 
 
14 
 
A música parece atuar de forma muito benéfica nos fenômenos estressores 
que permeiam o espaço da internação hospitalar. No instante em que, segundo 
BERGOLD, et al. (2006: 262-269), alivia a ansiedade, serve como espaço de 
catarse (liberador de emoções negativas de medo, angústia, raiva e saudade) ela 
torna-se um agente terapêutico de alívio do estresse. 
Os benefícios se fazem notados desde o sentimento de acolhida; escuta 
atenciosa; espaço para externalizar emoções como choro, raiva, tristeza e alegria; 
ao bem estar fisiológico de relaxamento e, consequentemente, diminuição da 
agitação, proporcionando notável bem-estar psicológico (CÂMARA, 2011). 
A musicoterapia tem como propósito maior a compreensão a respeito do 
sujeito em sofrimento e o modo singular de enfrentamento desta realidade, o que 
tende a favorecer o resgate de sentido pessoal e, consequentemente, a 
reintrodução ao convívio social (CÂMARA, 2011). 
4 TEORIAS, TÉCNICAS E MÉTODOS EM MUSICOTERAPIA 
O desenvolvimento científico-tecnológico da 2ª metade do século XX permitiu 
à Musicoterapia elevar-se à categoria de ciência de primeira linha. As descobertas 
da neurociência, da neurologia, da psicologia, da fisiologia, da psicofísica, da física 
do som, da ciência musical e do aperfeiçoamento da tecnologia de ressonância 
comprovaram materialmente o que os sábios já sabiam há milênios: a abertura dos 
canais de cura através da música. 
 
Fonte: extra.globo.com 
 
15 
 
A Musicoterapia é uma ciência que exige profundo conhecimento de cada 
área a ser atendida, pois ela detecta, avalia, diagnostica e promove o melhoramento 
e alterações no contexto em que estiver inserida, ao longo do tempo. Realmente ela 
exige tempo, porque ela se caracteriza por uma sequência de experiências, uma 
progressão por etapas de engajamentos musicais que levam a um estado desejado. 
 “Portanto, ter uma experiência musical terapêutica ou com poder 
transformador não é a mesma coisa que entrar em um processo de 
musicoterapia, independente de quaisquer semelhanças ou diferenças de 
profundidade, significação ou duração dos resultados.” (Bruscia) 
Então, uma experiência musical terapêutica pode representar apenas uma 
mudança de consciência, enquanto que um processo de musicoterapia 
representaria o estudo de todas as variáveis apresentadas pelo ou pelos indivíduos 
e à aplicação de técnicas apropriadas para cada variante apresentada. A 
musicoterapia define-se pelo seu próprio nome: aplicação da música: som, ritmo, 
melodia e harmonia, juntos ou separados com finalidades terapêuticas. 
Para compreender essa ciência é preciso saber como age a música no 
organismo. Os sons, quando chegam aos ouvidos, são convertidos em impulsos 
que percorrem os nervos auditivos até o tálamo, região do cérebro que é 
considerada a estação central das emoções, das sensações e dos sentimentos. 
Os impulsos provocados pela música no cérebro repercutem em todo o corpo 
e podem ser detectados pelas novas técnicas de escaneamento cerebral ou 
neuroimagem. O ritmo musical influencia os padrões de sono e vigília, a respiração, 
os batimentos cardíacos, a circulação sanguínea e as secreções do sistema 
glandular. Ao analisar essas alterações fisiológicas, os especialistas conseguem 
desenvolver técnicas específicas para doenças físicas e mentais como também 
para gerar bem-estar. 
A música pode ser utilizada em diversas situações sendo uma delas o uso 
terapêutico. Esta modalidade tem se desenvolvido como um campo de trabalho com 
metodologia, critérios éticos e normas técnicas, entretanto a Musicoterapia ainda é 
vista como uma forma de relaxar, que pode ser realizada por qualquer pessoa que 
possua um conhecimento musical. 
 
16 
 
Com o objetivo de regular e padronizar a prática da Musicoterapia, a 
Federação Mundial de Musicoterapia, Word Federation of Music Terapy, propõe 
uma definição que funciona como suporte para as diversaspráticas nos diversos 
países em que a Musicoterapia se faz presente. 
“Musicoterapia é a utilização da música e/ou dos elementos musicais (som, 
ritmo, melodia e harmonia) pelo musicoterapeuta e pelo cliente ou grupo, 
em um processo estruturado para facilitar e promover a comunicação, o 
relacionamento, a aprendizagem, a mobilização, a expressão e a 
organização (física, emocional, mental, social e cognitiva) para 
desenvolver potenciais e desenvolver e recuperar funções do indivíduo de 
forma que ele possa alcançar melhor integração intra e interpessoal e 
consequentemente uma melhor qualidade de vida” (RUUD, 1998, p.53). 
A Musicoterapia trabalha para que haja mudanças na vida das pessoas, 
interagindo e acessando através da música campos e caminhos ainda obscuros 
para este indivíduo. Ela abre canais de comunicação verbais e/ou não verbais que 
ampliam as possibilidades reais de seus participantes. 
4.1 Métodos 
O cenário mundial apresenta métodos musicoterapêuticos com 
particularidades que ampliam o campo de atuação do Musicoterapeuta em função 
do contexto e da patologia que será atendida, “um método é um tipo particular de 
experiência musical em que o cliente se engaja com propósitos terapêuticos” 
(BRUSCIA, 2000). 
Dentre os mais difundidos e conhecidos no Brasil, podemos citar o Método 
NordoffRobbins, o Método das Imagens Guiadas e Música, de Hellen Bonny, as 
experiências musicais de Bruscia e o Método da Identidade Sonora de Bennezon 
(BRUSCIA, 2000). 
• Método Nordoff-Robbins 
Baseado nos trabalhos musicais de Paul Nordoff e Clive Robbins, utiliza a 
improvisação musical como principal ferramenta clínica. Originalmente este método 
foi criado para o tratamento de crianças com comprometimento neurológico e/ou 
físico, sendo atualmente muito procurado para o tratamento do Transtorno do 
 
17 
 
Espectro Autista. Tem como premissa que todas as pessoas possuem uma 
musicalidade inata, independentemente de suas limitações e deficiências, chamada 
de “music child”. Tal musicalidade, permite que a música atue como comunicação, 
sensibilizando e facilitando a relação deste indivíduo com o meio social (ROMÃO, 
2015). 
• Método das Imagens Guiadas e Música (GIM) 
Criada por Hellen Bony, este método utiliza-se da música erudita instrumental 
como possibilidade de alterar os estados de consciência dos indivíduos. CHAGAS 
(2008) explica que a música é apresentada ao paciente como audição musical num 
processo de relaxamento para eliciar imagens, símbolos ou sentimentos, que são 
compartilhados verbalmente com o musicoterapeuta. A capacidade da música de 
provocar estes estados alterados de consciência, propõe que o paciente possa se 
livrar de comportamentos indesejáveis se conectando com sensações e 
sentimentos mais profundos vividos por ele. A seleção das músicas fica a cargo do 
terapeuta, procurando sempre seguir um objetivo terapêutico individual que faça 
sentido para cada paciente. 
• Experiências Musicais de Bruscia 
Podemos dizer que este método é atualmente um dos mais utilizados no 
Brasil. Kenneth Bruscia, separou os principais tipos de experiências musicais e 
transformou o fazer musical em potencial terapêutico. Os quatro tipos de 
experiências musicais são: a improvisação, a execução (ou recriação), a 
composição e a audição (BRUSCIA, 2000). 
A escolha das experiências musicais utilizadas no processo terapêutico vai 
depender da abordagem de cada terapeuta e de sua área de trabalho. O mais 
importante é que toda e qualquer expressão musical que seja produzida pelo 
cliente/paciente sozinho ou junto com o terapeuta não contenha julgamento de 
valor, sendo que a prioridade e a escolha de tais elementos musicais estejam 
pautados nos objetivos propostos para o tratamento. 
• Método da Identidade Sonora (ISO) 
 
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Criado por Roland Benenzon, este método propõe que todo indivíduo possui 
uma identidade sonora que se inicia desde a vida intrauterina e se modifica como 
um processo dinâmico e complexo. 
“As bases que integram o Princípio de ISO podem ser definidas da 
seguinte maneira: as relações do contexto não-verbal e o homem devem 
ser buscadas nas estruturas vinculares entre a mãe e seu feto (intra-
uterino); posteriormente as expressões não-verbais como a música, dança, 
gestos são a necessidade de evocar e reviver os vínculos materno-fetais, 
materno-infantis e com a natureza, como desdobramento dos mesmos” 
(BENENZON,1988, p. 40). 
Em qualquer que seja o Método, a não ser aqueles que privilegiam a audição 
de músicas previamente gravadas, a canção aparece como uma das experiências 
musicais mais presentes nas sessões de Musicoterapia. A canção popular, inserida 
no universo simbólico de diferentes culturas, apresenta uma diversidade de 
expressão que reflete nas várias situações da vida humana (RUUD, 1990). 
4.2 Compreendendo a atuação do som no corpo humano 
O som se propaga em ondas. Essas ondas têm frequências que significam 
altura, timbre e ritmo e elas atingem o corpo humano no seu complexo total. O 
sistema auditivo humano tem capacidade para ouvir sons dentro da freqüência de 
20Hz até 20Khz. 
 
Fonte: estudopratico.com.br 
Os resultados dos últimos estudos neurobiológicos do comportamento 
humano e de outros animais sustentam que o TOM, pilar fundamental da música, 
 
19 
 
tem uma base fortemente biológica e se constitui numa percepção psicológica que 
é eliciada quando uma nota é tocada ou cantada e os receptores auditivos na cóclea 
decompõem os sons musicais e outros mais complexos transformando-os em suas 
frequências componentes demonstrando que o cérebro constrói a percepção do 
TOM. 
Os pesquisadores concluíram, ainda, que o mapa de frequências do córtex 
auditivo humano é um mapa de TONS, confirmado pela imagem da ressonância 
magnética. Então, o fato comprovado de que a música pode ser reveladora e/ou 
restauradora da alma humana através da sua linguagem tem a ver com as 
profundezas biológicas da capacidade do córtex auditivo perceber o TOM e 
processar as frequências acústicas individuais (tons puros) e em consequência 
possibilitar ao cérebro manter uma consistente organização de frequências no 
sistema auditivo (mapa de frequências), na qual as células vizinhas são tonalizadas 
em direção às frequências adjacentes, ou seja, dando às células cerebrais um 
banho de nuances tonais. 
Fora do limite das frequências referidas os sons são sentidos e percebidos 
pelo complexo corpóreo que transmite ao cérebro as suas sensações, disparando 
o mecanismo que foi acionado: de defesa, de prazer, de tristeza entre outros. 
Considerando que o corpo físico possui três sistemas de circulação que se 
comunicam entre si (sistema energético, sistema nervoso e sistema sanguíneo) as 
informações são imediatamente comunicadas a todas as células que o compõem. 
As mensagens recebidas pelo sistema energético e pelo sistema nervoso são 
transformadas quimicamente pelo sangue. A informação que já tenha circulado 
pelos três sistemas termina num receptor neuropeptídeo. Os neuropeptídeos 
representam a estrutura cristalina do corpo físico. (comparam-se aos receptores de 
cristal de rádio que registram as ondas eletromagnéticas emitidas da terra). 
Cada neuropeptídeo vibra numa freqüência específica, ou seja, cada um tem 
uma nota musical própria, cuja ressonância revela a informação codificada no 
neuropeptídeo. O fenômeno da ressonância possibilita o desbloqueio de canais que 
liberam a bagagem de informações armazenadas na memória e que foram gravadas 
juntamente com a freqüência sonora ou sonoro-musical no passado, 
 
20 
 
potencializando a cura do indivíduo, pois as emoções traumáticas não expressadas 
ou não digeridas permanecem trancadas no corpo viajando pela corrente sanguínea 
e pelo sistema nervoso através dos neuropeptídeos, partículas que estão em 
permanente movimento. 
A potencialização do desbloqueio de emoções traumáticas atravésda música 
e ou seus elementos constitutivos em separado (som, ritmo, harmonia e melodia) 
ocorre devido ao fato de que toda emoção é vibração e a música também é vibração. 
Quando ela atinge o código da idade bloqueio pelo efeito da ressonância, o próprio 
corpo passa a liberar o conjunto de memórias que obstruem o fluxo natural do 
desenvolvimento harmônico e saudável do ser humano. 
5 ARTES VISUAIS 
 
Fonte: todamateria.com.br 
Artes visuais é um conjunto de artes que tem a visão como principal forma 
de absorção ou assimilação, está relacionada com a beleza estética e com a 
singularidade do ser humano. O conceito de arte visual é muito amplo, envolvendo 
áreas como a linguagem que tem característica própria o mundo real ou imaginário, 
e que tem a visão como principal elemento de apreciação e reflexão do fazer 
artístico (FRANCISCO, 2016). 
 
21 
 
A arte é uma linguagem aprazível, divertida e muito importante no 
desenvolvimento das crianças, principalmente na Educação Infantil, por se tratar de 
um momento que merece um cuidado especial por parte do seu meio de convívio e 
especialmente pela escola, pois é nesta etapa que desenvolvem aspectos físicos, 
emocionais e sociais, que podem de alguma maneira transformar essas crianças 
em pessoas mais sensíveis para o mundo ao seu redor. As artes visuais têm a visão 
como elemento primordial na sua compreensão (FRANCISCO, 2016). 
É uma maneira respeitável de expressão e comunicação humana, desta 
forma, é uma linguagem e como tal é muito importante na construção do 
conhecimento, uma vez que é através dela que o ser humano possibilita a troca de 
informações e aprendizado. De acordo com Parâmetros Curriculares Nacionais 
(PCN) de Arte (1997, p. 45): 
As artes visuais, além das formas tradicionais (pintura, escultura, desenho, 
gravura, arquitetura, artefato, desenho industrial), incluem outras 
modalidades que resultam dos avanços tecnológicos e transformações 
estéticas a partir da modernidade (fotografia, artes gráficas, cinema, 
televisão, vídeo, computação, desempenho). 
5.1 Campos de aplicação 
A carreira do artista visual pode ser desenvolvida em diversos segmentos 
artísticos. Atualmente, a tecnologia tem influenciado a área e proporcionado uma 
ampliação nos campos de atuação. Algumas possibilidades para o exercício da 
profissão. 
Ensino: lecionar em escolas do ensino fundamental, médio e superior 
Pintura: realização de trabalhos artísticos com diferentes materiais, como 
tinta, lápis de cor, grafite, entre outros. 
Escultura: esculpir esculturas em gesso, cerâmica, argila, metais e outros 
materiais. 
Curadoria: selecionar artistas e suas obras para serem expostos em 
museus. 
Multimídia: trabalha com a criação artística por intermédio da tecnologia, 
como animações, vinhetas, desenhos animados, entre outros. 
 
22 
 
Habilidades do artista visual: Gostar das manifestações artísticas e ter 
interesse em aprender mais sobre ela são fatores importantes para quem deseja 
ingressar na graduação. Existem também outras habilidades que são importantes 
para o desenvolvimento do estudante e do artista visual ao longo da sua carreira, 
como: 
• Olhar sensível e apurado 
• Senso estético 
• Criatividade 
• Espontaneidade 
• Vontade de aprender 
 
Fonte: artluv.net 
6 ARTES VISUAIS E MUSICOTERAPIA 
Artes Visuais e Arte Musical apresentam uma longa história de diálogos e 
entrecruzamentos, seja através da obra de artistas diversificados de cada um destes 
campos, seja através da análise crítica de pensadores que se propuseram a refletir 
integradamente sobre estes dois âmbitos de expressões artísticas (BARROS, 
2008). 
Da concepções estéticas de pintores como KANDINSKY e BRAQUE, que 
vislumbravam relações íntimas entre a imagem e o som, até as experiências de 
compositores como Alexander SCRIABIN que chegou a imaginar um piano foto-
cromático que além de sons emitisse feixes luminosos de diversas cores, e até 
fragrâncias perfumadas, não são raros na História das Artes Visuais e da Música os 
 
23 
 
exemplos de artistas que, quando não transitaram entre as duas artes, 
freqüentemente conceberam íntimas relações entre ambas (BARROS, 2008). 
As artes Visuais, entre as quais a Pintura, e a Música, têm naturalmente cada 
qual as suas especificidades. Podemos lembrar aqui uma clássica oposição que 
será retomada mais adiante: o contraste entre o princípio apolíneo e o princípio 
dionisíaco. Apolo, deus do Sol e pai de toda imagem, é o deus por excelência das 
artes plásticas, no sentido de que estas são potencialmente (embora não 
necessariamente, como provarão várias correntes da arte moderna) (BARROS, 
2008). 
6.1 Artes figurativas 
Dionísio, o deus da embriaguez, ao menos no âmbito das proposições 
nietzschinianas, é também o deus da Música (a arte não-figurativa por excelência) 
(LICHTENTEIN, 2005). 
 
Fonte: todamateria.com.br 
Dionísio (ou Dioniso) é o deus grego do vinho, das festas e um dos mais 
importantes deuses da mitologia grega. 
Essas relações são na verdade apenas primárias, referentes a um plano de 
definições mais amplas, uma vez que tanto a pintura como a música movimentam 
dentro de si, como veremos, princípios apolíneos e dionisíacos. De qualquer 
maneira, o projeto de estabelecer uma ponte entre a pintura e a música (e de certa 
 
24 
 
maneira entre o apolíneo e o dionisíaco), tem fascinado diversos artistas em todos 
os tempos (LICHTENTEIN, 2005). 
Por outro lado, grandes teóricos e estudiosos, da arte têm se empenhado em 
examinar as íntimas relações que podem ser estabelecidas entre a Música e as 
diversas modalidades de expressão artística que lidam com imagens. A busca da 
compreensão através de uma Estética mais abrangente, que considere a Pintura, a 
Escultura, a Arquitetura e a Música de uma mesma época, ou ainda incluindo outras 
formas de expressão como a Literatura e a Filosofia, tem sido meta de diversos 
historiadores da cultura e filósofos da arte. 
Apenas para registrar um exemplo célebre, entre outros tantos, podemos 
citar o esforço de Erwin PANÓFSKY, em uma obra escrita em 1951, com vistas a 
enxergar as relações possíveis entre a Arquitetura Gótica e a Escolástica, 
relacionando Arquitetura, Artes Visuais e Filosofia em um único movimento ou 
sistema de pensamento e criação (PANÓFSKY, 1991). 
7 ARTERAPIA E EDUCAÇÃO 
 
Fonte: rhemaeducacao.com.br 
Na atualidade, inúmeros trabalhos vêm salientando a importância da 
produção artística, no âmbito das necessidades educacionais especiais como, por 
 
25 
 
exemplo, cegueira, surdez, autismo, deficiência intelectual, entre outros, num 
parâmetro social, formal ou cognitivo. Ainda que raro, estes trabalhos vêm 
ganhando espaço no campo acadêmico e salientando a importância da pesquisa 
nesta vertente pouco conhecida dentro das artes visuais (VIEIRA, 2017). 
A literatura existente em arte e educação tem apontado a importância da 
adaptação e adequação de recursos e estratégias para o ensino do aluno com 
deficiência. A disciplina de arte, juntamente com as demais, deve adaptar seus 
currículos para que possam receber os alunos público alvo da educação especial 
(PAEE) com o desígnio de atendê-los de forma digna e eficaz. 
Sabe-se que a educação, de forma geral, deve considerar a pessoa com 
necessidades educativas especiais enquanto ser humano, sujeito histórico, social, 
cultural e Como a arte e o ensino de arte se inserem na educação inclusiva? 
Revendo o histórico do ensino de arte, da arte-educação nas escolas também 
é possível constatar progressos e recuos. Em muitas escolas, talvez na maioria 
delas, não exista um professor graduado em artes visuais ou capacitado para essa 
área. 
As escolas devem acolher todas as crianças, independentemente de suas 
condições físicas, intelectuais, sociais, emocionais, linguísticas ou outras. 
Devem acolher crianças com deficiência e crianças bem dotadas; crianças 
que vivem nasruas e que trabalham; crianças de populações distantes ou 
nômades; crianças de minorias linguísticas, étnicas ou culturais e crianças 
de outros grupos ou zonas desfavorecidas ou marginalizadas (BRASIL, 
2006, p. 18). 
Para PROENÇA (2000), fazer arte e pensar sobre o trabalho artístico que 
realiza, assim como a arte que é, e foi concretizada na história, podem garantir ao 
aluno uma situação de aprendizagem conectada com os valores e os modos de 
produções artísticas nos meios socioculturais. 
Ensinar arte em consonância com os modos de aprendizagem do aluno 
significa, então, não isolar a escola da informação sobre a produção histórica e 
social da arte e, ao mesmo tempo, garantir ao aluno a liberdade de imaginar e 
edificar propostas artísticas pessoais ou grupais com base em intenções próprias. 
A arte como instrumento de inclusão social pode e deve ser vista como fator 
de complemento nas diversas formas de desenvolver aprendizagens uma vez que 
 
26 
 
a linguagem visual permite que o aluno público alvo da educação especial tenha a 
possibilidade de uma comunicação diferente da verbal, com a qual também é 
possível expressar o que pensa e o que sente (VIEIRA, 2017). 
A atividade artística, seja qual for, abrange a habilidade de usar o cérebro 
para alterar, renovar, recombinar o aspecto da vida, da experiência acumulada. 
Implica em sentir o mundo com vitalidade e fazer um novo uso do que se percebeu. 
Na concepção de (CARDOSO, 1997), a Arte, na educação, dá espaço ao 
desenvolvimento artístico: a sensibilidade, a reflexão, a percepção e a imaginação. 
A arte se mostra importante tanto no currículo como na vida, pois resgata e 
trabalha no afloramento e qualificação da sensibilidade no ser humano, sendo assim 
uma condutora da humanização dos mesmos, e isso pode ser constatado 
principalmente no viés da Educação Inclusiva (RUTZ, 2010). 
Neste contexto, pode-se observar que ela oferece aos alunos a capacidade 
de se expressar livremente, criar e proporcionar a experimentação de possibilidades 
e construção de significações para a contextualização de seu cotidiano, 
proporcionando aos mesmos uma atividade prazerosa e um campo rico para o 
desenvolvimento expressivo e social. 
COSTA (2000) evidenciou a importância de trabalhar a arte visual junto a 
crianças com “deficiência”, no sentido de promover a motivação e a criatividade, 
contribuindo para a construção de sujeitos mais sensíveis, prontos para descobrir 
suas habilidades e talentos. De acordo com o autor é através da disciplina de arte 
que a criança expressa seus sentimentos, desejos, suas fantasias e ansiedades. 
Assim, a arte é um importante trabalho educativo, pois estimula a inteligência e 
contribui para a formação da personalidade do indivíduo. 
7.1 Contribuições da arteterapia nas aulas de Artes Plásticas 
Partindo do princípio de que é muito difícil para um paciente ou aluno 
conseguir falar sobre suas desordens pessoais, a arteterapia surge com a função 
de fazer com que essas “expressões individuais” possam ser delineadas e 
analisadas, sempre buscando obter uma maior compreensão do sujeito. Por ser 
 
27 
 
uma técnica de atuação sutil e por combinar elementos expressivos e criativos, a 
arteterapia pode ser aplicada a pessoas de todas as idades, de crianças a idosos, 
individualmente ou em grupos (VIEIRA, 2017). 
Esta prática é muito eficaz em casos de dependência química, hiperatividade, 
deficiência auditiva e visual (dentre outros problemas físicos), doenças 
degenerativas como o Alzheimer, doenças mentais e em casos de dificuldade de 
comunicação verbal e intelectual. 
No Brasil, esta nova possibilidade de criação artística se desenvolve a partir 
do trabalho de Nise da Silveira, psiquiatra brasileira que propôs a reformulação do 
tratamento dos doentes mentais, criando em 1946 a sessão terapêutica ocupacional 
no Centro Psiquiátrico Pedro II, no Rio de Janeiro. Fundou o Museu de Imagens do 
Inconsciente, em 1952, reunindo material produzido nos ateliês de pintura e 
modelagem da seção terapêutica ocupacional. Mais tarde, em 1956, com a 
colaboração de amigos, abre a clínica de reabilitação para egressos de instituições 
psiquiátricas, a Casa das Palmeiras. Ela foi também responsável pela introdução da 
psicologia Jungiana no país (VIEIRA, 2017). 
Nas sessões atuais de arteterapia, podem-se realizar trabalhos de pintura, 
colagem, modelagem, bordado, desenho, música, teatro, dança, jogos, contação de 
histórias, entre outros, com o objetivo de possibilitar e facilitar a comunicação entre 
professor/terapeuta com o paciente/aluno. A finalidade é proporcionar o bem estar 
físico/mental/espiritual através do fazer artístico; bem como, “interpretar” a obra de 
arte realizada por determinada pessoa no intuito de contribuir para o 
desbloqueamento de conteúdos psíquicos traumáticos (FERNANDES, 1990). 
Através da atividade com arte o sujeito transforma a realidade e a si mesmo, 
promovendo o desabrochar da percepção, da organização e ordenação do seu 
pensamento, possibilitando a compreensão do momento circunstancial, bem como 
da dimensão de si mesmo (URRUTIGARAY, 2004). 
Os benefícios da arteterapia no dia-a-dia, seja na vida cotidiana ou na escola 
atingem praticamente todas as pessoas, uma vez que o trabalho artisticoterapeutico 
gera introspecção, concentração e reflexão deixando as pessoas mais calmas, 
atentas, com os olhos focados em sua produção, acompanhando criteriosamente o 
 
28 
 
resultado de cada passo realizado. O fazer artístico possibilita um desbloqueio de 
emoções conscientes permitindo ao sujeito que retome uma nova força vital 
bastante benéfica para seu bem estar (VIEIRA, 2017). 
Muitos fatores determinam o funcionamento da aplicação da arteterapia 
enquanto elemento facilitador da aprendizagem. O mundo da arte combinado com 
a terapia pode ser usado para ajudar o aluno a exteriorizar tanto seus afetos quanto 
suas possibilidades, facilitando seu processo de aprendizagem e construção do 
conhecimento. Através das práticas terapêuticas é possível trabalhar, em primeiro 
lugar, a autoestima baixa das crianças, o baixo rendimento escolar, os problemas 
de indisciplina, socialização, relacionamento e insegurança (VIEIRA, 2017). 
Desta forma, práticas e vivências são utilizadas para trabalhar bloqueios de 
aprendizagem e construção dos conceitos. São por estes motivos que dentro das 
escolas, principalmente aquelas de educação inclusiva, seria importante ter um 
profissional da área de artes capacitado para trabalhar técnicas artísticas baseadas 
no conceito da arteterapia. Além de ensinar os conteúdos pré-estabelecidos da 
disciplina e experimentar diferentes materiais e linguagens, este docente poderia 
contribuir para que os educandos possam expressar, por meio de modalidades 
artísticas diversificadas, seus conflitos interiores, na tentativa de superá-los e obter 
uma melhor qualidade de vida (VIEIRA, 2017). 
8 TEORIA E HISTÓRIA DA ARTE 
 
Fonte: sympla.com.br 
 
29 
 
Há duas perspectivas sob as quais se pode responder a essa questão: na 
história coletiva do Ocidente ou na escala mais específica da sensibilidade 
individual. No que diz respeito à segunda opção, podemos dizer que alguém pode 
se tornar historiador da arte quando, com um olhar minimamente questionador e 
sensibilizado, depara com objetos que os homens costumam chamar de «arte». 
Não nos enveredaremos, contudo, numa psicologia superficial. Para restringir a 
resposta, podemos recorrer ao grande historiador da arte André CHASTEL (1989). 
A arte na sua história é considerada um grande complexo de imagens. Para 
CHASTEL (1989), o domínio inicial e fundante da História da arte são as Coleções, 
constituídas por homens sensíveis à beleza e significância (de várias ordens) de 
objetos que sobreviveram a seu autor ou a seu produtor. 
 A história da arte é em parte a história dos mecanismos de perenização e 
transmissãodo valor desses objetos. Se a existência de coleções de arte sempre 
constituiu o primeiro material da futura historiografia é porque, como conhecimento 
sempre mais apurado dos objetos, toda coleção tornou-se um elemento 
fundamental da cultura artística (HUCHET, 2014). 
Sob a perspectiva da história coletiva da cultura ocidental, a História da arte 
teve seus primórdios no século XVI, em Florença. Antes, já no século XV, vários 
Tratados ou escritos teóricos (Alberti, Ghiberti) tentaram estruturar uma concepção 
normativa, ao mesmo tempo ideal e empírica, da prática e da criação artísticas, dos 
mecanismos e do sentido da representação. Todavia, esses textos não constituíam 
ainda uma história (HUCHET, 2014). 
O conhecimento da arte não se restringe apenas a um estudo formal das 
obras e das imagens. Exige também o estudo aprofundado das ideias artísticas, da 
reflexão crítica, própria de cada época, isto é, dos conceitos, do posicionamento das 
pessoas envolvidas na vida artística, na difusão, na circulação, na recepção e nos 
diversos juízos proferidos, privados ou públicos, acerca de determinada obra ou 
imagem. Isso gerou o que foi chamado de Literatura artística (HUCHET, 2014). 
Não é por acaso que, no início do século XX, tenha-se observado um 
interesse crescente nessa literatura, com historiadores como o italiano Adolfo 
Venturi (1856-1941) ou o austríaco Julius von Schlosser (1866-1936), autor de 
 
30 
 
Kunstliteratur, em 1924. Desde suas origens, a historiografia da arte é mais do que 
uma história das obras: também ciência do contexto, ela é obrigatoriamente uma 
história da crítica e da teoria da arte. 
A história da História da arte ensina que já existiram, antes de Panofsky, 
modelos críticos e historiográficos diferentes. A maioria deles se situa no domínio 
germânico (austríaco e alemão). Isso legitima aqueles que datam o nascimento da 
historiografia da segunda metade do século XVIII (HUCHET, 2014). 
8.1 Arte e civilização: Da Pré-história ao fim do Império Romano 
O aporte das épocas pré-históricas ou das civilizações extra ocidentais 
contribuiu, contudo, para uma ampliação considerável do conceito de História da 
arte, entendido agora como uma forma de «antropologia do visual (BELTING,2001). 
Isso significa que o privilégio concedido, desde o Renascimento, à figura 
individual do artista, à obra prima assinada por um criador identificado, teve de ser 
revisto em virtude da introdução de objetos novos, notadamente obras e imagens 
flutuando numa dimensão temporal privada de ancoragens sólidas, não sendo 
evidentes os signos específicos de sua historicidade e de sua unicidade 
(REBECCHINI, 2010-2011) . 
9 FILOSOFIA ESTÉTICA NAS ARTES VISUAIS 
A filosofia quando entra em contato com a arte pode contribuir com vários 
aspectos, no entanto, um deles é fundamental, a estética. A estética enquanto 
conhecimento filosófico aparece na Antiga Grécia partindo da reflexão sobre as 
manifestações do belo natural e o belo artístico. 
O primeiro filósofo a trabalhar explicitamente a estética é Platão, quando 
formula a pergunta: O que é o belo? Para ele a resposta é que o belo é o bem, a 
verdade e a perfeição. Muitos outros filósofos deram suas respostas a esta 
pergunta, sem que, no entanto, esgotassem o assunto. Hoje este assunto de cunho 
filosófico assume outras áreas, como as artes visuais. 
 
31 
 
Nas artes visuais a estética encaminhará as reflexões a respeito do que pode 
ser considerado uma obra de arte, o que é uma obra de arte e ainda, se algo pode 
ser considerado feio. Estas são somente algumas das questões trabalhadas pela 
ética enquanto disciplina filosófica em contato com as artes visuais. 
Ainda que, hoje, o termo “estética” seja em geral aplicado para designar a 
sub-área da filosofia que se dedica ao estudo do fenômeno artístico e à formulação 
de uma teoria geral das artes, a Estética, em sentido estrito, é uma disciplina que 
nasceu no século 18, intimamente associada ao surgimento da concepção de 
indivíduo moderno. Seu campo de investigação constituiu-se a partir da consciência 
que se desenvolveu naquele período a respeito da posição singular ocupada por 
cada sujeito em relação ao mundo e, portanto, da necessidade de conhecer os 
caminhos que levariam da percepção individual e singular sobre o mundo sensível 
(seu aspecto harmonioso ou dissonante, por exemplo) à construção de conceitos 
universais, tais como os de belo, sublime, grotesco, entre outros, que formariam a 
base para um julgamento seguro sobre a arte. 
10 DESENHO DIGITAL/ ARTE DIGITAL 
 
Fonte: casavogue.globo.com 
Museu de arte digital mais visitado do mundo- Unidade em Xangai 
 
32 
 
Iniciada em meados de 1956, a arte digital sofreu influências de diversas 
escolas artísticas, dentre elas o dadaísmo com a desintegração do conceito de arte, 
o cubismo com a visão tridimensional das obras, a pop art com o fenômeno da 
comunicação em massa onde a televisão assumiria o papel de protagonista, hoje 
substituída pelo computador, a op art sendo uma das poucas artes que 
desenvolveu-se em paralelo com a arte digital e por fim, a arte programada, cujo 
nome a define como arte digitalizada, normalmente mais interativa e contando com 
a utilização de equipamentos tecnológicos (PAUL, 2008). 
A produção digital carrega conceitos diferentes da arte tradicional em termos 
práticos considerando sua existência física e o seu papel no mercado. Em primeiro 
lugar, a mudança da arte única para arte reproduzível como conceito de existência 
física, faz com que o mercado seja obrigado a atuar de forma diferente, onde a 
venda da peça original é gradualmente substituída pela venda da cópia impressa 
ou mesmo digital. A valorização da arte digital se dá, normalmente, pela numeração 
e assinatura das cópias, carregando, ainda assim, uma diferença grande de valor 
se comparado à arte tradicional (DIGITAL PAINTING, 2014). 
Há outra questão envolvendo a existência física da obra digital que pode ser 
a impressão. Esta envolve variantes que dificultam sua execução, como qualidade 
do papel, qualidade da impressora, calibragem das cores, entre outras. Pode-se 
afirmar que é impossível reproduzir no papel exatamente a mesma obra que se vê 
digitalmente, principalmente por uma questão de princípios de física - no monitor a 
luz funciona por síntese aditiva, ou seja, a variação da intensidade das três cores 
primárias desse sistema (verde, azul e vermelho), possibilita a interpretação de uma 
infinidade de cores sendo a intensidade máxima equivalente ao branco e a 
ausência, o preto. Já no papel, a cor funciona como pigmento quimicamente criado 
e depende da intensidade da luz externa para ser vista, pois funciona de forma 
subtrativa, ou seja, a cor é o resultado do reflexo da luz que não é absorvida por um 
determinado pigmento (TAVANO, 2011). 
Outra dificuldade também está na divulgação do material. A ferramenta 
usada para criar e ver a arte digital é computador e o monitor, que podem variar de 
usuário para usuário já que os níveis de luz, cores, intensidade, resolução de 
 
33 
 
monitor, entre outras questões não são necessariamente os mesmos para todos 
(TAVANO, 2011). 
Isto significa que nem sempre a arte criada pelo artista é a mesma vista pelo 
público. Além disso, a arte digital carrega em si valores psicológicos diferentes 
daqueles atribuídos a arte tradicional. A arte tradicional possui uma valorização 
muito maior em relação a arte digital, mesmo que seja realizada pelo mesmo artista 
com a mesma eficiência e até mesmo se, na produção digital, o resultado seja de 
qualidade superior ao obtido através de técnicas tradicionais. Isto ocorre devido à 
uma supervalorização do antigo (TAVANO, 2011). 
Considerando este contexto, o artista com produção digital acaba buscando 
um mercado distinto em relação a produção artística tradicional, direcionando-se à 
comunicação e produção industrialde entretenimento. Logo, a arte digital não é 
mais tida como obra contemplativa como eram, por exemplo, as obras de Masaccio, 
considerado primeiro pintor da Renascença, mas sim como auxílio à criação do 
entretenimento, como nos concept arts de jogos e filmes (MATTINGLY, 2014). 
 
Fonte: Weta Workshop 
 Concept art de orcs para o filme “O Hobbit”. 
Pintura digital: É um método de criação de pinturas no computador que tem 
como parte do processo a adaptação das técnicas de pintura tradicional aos meios 
digitais, fazendo uso das capacidades e facilidades proporcionadas por estes 
meios, como a possibilidade de voltar passos executados ou criar figuras 
matematicamente perfeitas (MATTINGLY, 2014). 
 
34 
 
Os benefícios de se trabalhar com a pintura digital são principalmente 
relativos à organização, limpeza e facilidade do controle do material e da produção. 
O fato que muitas ferramentas salvam um “histórico” de criação permite que erros 
sejam cometidos sem que a obra seja integralmente afetada. 
11 DESENHO COMO EXPRESSÃO 
O desenho é uma forma de linguagem expressiva, segundo DERDYK (1994), 
por meio da qual o homem se apropria das coisas ao seu redor e do mundo, 
atribuindo-lhes significados. Sua importância para o desenvolvimento infantil vem 
sendo cada vez mais evidenciada pela ciência psicológica e pedagógica. 
Segundo FARIA (2005), as atividades de expressão como o desenho, 
pintura, a brincadeira de faz-de-conta, dança, entre outros, são atividades vistas nas 
escolas, em geral, como atividades improdutivas, quando, na verdade, são 
essenciais para a formação da identidade, da inteligência e da personalidade da 
criança, além de constituírem as bases necessárias ao desenvolvimento das formas 
superiores de comunicação humana, a aquisição da escrita como um instrumento 
cultural complexo. 
Além de repensar o espaço do desenho na Educação Infantil, é importante 
lembrar que a criança não aprende a desenhar sozinha e que não é qualquer 
conteúdo que deverá ser contemplado. Se pretendermos que a criança se aproprie 
do desenho como linguagem expressiva, será fundamental um trabalho que 
contemple conteúdo específico da linguagem do desenho e formas adequadas, que 
visem a seu desenvolvimento. 
De acordo a Teoria Histórico–Cultural, a escola e os educadores possuem 
papel fundamental na formação da criança, destacando que, as diversas formas de 
linguagens, assim como o desenho, não se desenvolvem naturalmente ou de forma 
espontânea; todos os conteúdos deverão ser pensados, planejados e 
sistematizados, tendo como objetivo a apropriação de conhecimentos, rumo a sua 
compreensão e formação de sentidos, ou seja, que a criança aprenda a operar com 
 
35 
 
os códigos do desenho, visando à apropriação do patrimônio cultural e sua 
humanização. 
Desenho de observação do Corpo Humano: Para desenhar o corpo 
humano, além de saber sobre regras de perspectiva linear para a simulação 
tridimensional em um desenho, o artista deve ter um conhecimento além, pois o 
corpo humano é muito mais sinuoso do que qualquer cenário “concreto”. 
O mais legal disso tudo, é que, como o escorço é um recurso de distorção 
para a representação do real, existe sim a possibilidade de não ser tão fiel assim à 
realidade nos traços e, ainda assim, parecer realista. 
Proporções: Quando vamos reproduzir um desenho em um plano, temos 
que ter atenção a uma série de detalhes. É neste momento que se não forem 
considerados e analisados certos detalhes previamente antes de riscá-lo, a 
representação do mesmo poderá ser comprometida antes mesmo de terminá-lo. O 
desenho poderá apresentar uma distorção, um erro que pode não só atrapalhar sua 
estética como sua disposição. 
Escorço: Resumidamente o escorço é uma ilusão gerada pelo ângulo da 
imagem, que faz com que o primeiro plano de um objeto pareça mais curto do que 
realmente é. Resumindo, é o seguinte: para representar o corpo humano, quando 
alguns membros estão em um plano mais próximo do que outros, é preciso reduzir 
as distâncias reais entre as linhas, para que o desenho seja entendido como não 
distorcido, apesar de ser desenhado mais curto. 
Luz e sombra: São os elementos básicos para produzir o efeito de Volume 
nos objetos, são a base da tridimensionalidade no desenho e na pintura. Num 
desenho realizado em duas dimensões (no papel), a luz e a sombra são os 
elementos que definem e caracterizam o volume de dito objeto. Em outras palavras, 
são os elementos que transformam as linhas expressadas em duas dimensões num 
desenho com efeito tridimensional. 
 
 
 
 
 
36 
 
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