História da Arte - Realismo às Vanguardas Artísticas

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REALISMO E VANGUARDAS ARTÍSTICAS
PROFESSORA ROSEMARIE MORETTI ( MARIE)
O Realismo é um movimento 
artístico que buscou objetividade e 
olhar crítico sobre a sociedade do 
final do século XIX.
Realismo na literatura
O Realismo é um movimento artístico 
amplo e com grandes 
representações , mediante obras 
como as de Gustave Flaubert e 
Machado de Assis.
Origem do Realismo
 O Realismo é um movimento artístico cujo precursor, na 
Literatura, é o francês Gustave Flaubert. 
 A obra Madame Bovary é considerada o primeiro romance 
realista da história da Literatura. O livro Memórias póstumas 
de Brás Cubas, de Machado de Assis, é considerado a 
narrativa inaugural do movimento no Brasil.
Ilustração do próprio autor, Gustave Flaubert, para o livro 
Madame Bovary, umas das obras-primas do Realismo.
Os poemas do realismo foram o expoente de uma 
corrente literária promovida na Europa em meados 
do século XIX, devido ao esgotamento natural que 
a corrente predecessora estava apresentando: o 
romantismo .
Características
 O Realismo tem como principais características:
 Objetividade: Opondo-se ao excesso de subjetividade 
presente nas obras românticas, cheias de 
idealizações, os autores realistas buscavam 
representar a realidade exatamente como ela era, sem 
fantasiá-la.
Contenção emocional: Ainda 
vislumbrando o ideal da objetividade, não 
era interessante para os autores realistas 
apresentarem obras com forte teor 
sentimental, com idealizações do amor ou 
da amada. Tal contenção afasta o Realismo 
do movimento antecessor, o Romantismo.
Correção e clareza de linguagem: Para os realistas, 
usar uma linguagem direta e objetiva era fundamental 
para manter o ideal de representar a realidade 
verdadeiramente. Por isso, não é comum nas obras 
desse movimento, por exemplo, descrições vagas ou 
imprecisas.
São características gerais:
•O cientificismo;
•A valorização do objeto;
•O sóbrio e o minucioso;
•A expressão da realidade e dos
aspectos descritivos.
•Lentidão na narrativa: Para além de contar um enredo, as
narrativas realistas também buscavam construir análises –
muitas vezes, inclusive, utilizando métodos científicos – da
sociedade contada nas histórias. Por isso, é comum ver longos
trechos de digressão (quando a narrativa é interrompida para
que o narrador promova uma reflexão) nas obras de Machado
de Assis, por exemplo.
Impessoalidade do narrador: Principalmente no Realismo 
europeu, é também uma das estratégias utilizadas pelos 
autores o uso do narrador em terceira pessoa. Isso porque 
esse tipo de narrador sugere certo grau de impessoalidade, 
enquanto o narrador em primeira pessoa – também conhecido 
como narrador-personagem – impõe uma visão individual sobre 
a realidade.
Contexto histórico do Realismo
 Os principais fatos históricos que permeiam o Realismo são:
 Desenvolvimento de teorias científicas na Europa, tais como o
 Evolucionismo;
 Comunismo;
 Determinismo;
 Positivismo;
 Abolição da escravidão no Brasil, em 1888;
 Proclamação da República brasileira, em 1889;
Do ponto de vistas das artes plásticas, 
desponta sobretudo na pintura francesa, 
entretanto, também se desenvolve na 
escultura, arquitetura e no meio literário.
O contexto histórico em 
que ocorre, é o do 
sucessivo crescimento 
industrial e científico das 
sociedades.
Naquele momento, passou-se a acreditar 
que, com a natureza "dominada", era 
preciso haver maior objetividade e 
realismo também nas expressões 
artísticas, rejeitando todo tipo de visão 
subjetiva e ilusória.
Características da Arte Realista
 objetividade;
 rejeição a temas metafísicos (como mitologia e 
religiosidade);
 representação da realidade "crua": as coisas como 
elas são;
 realidade imediata e não imaginada;
 politização;
 caráter de denúncia das desigualdades.
Moças peneirando trigo (1853-54), de Gustave Coubert, 
mostra o trabalho braçal feminino
Na arte realista predominam temas do cotidiano. Os artistas 
se ocupam em retratar as pessoas como aparentam, sem 
idealizações.
Dessa forma, por conta do amadurecimento da 
industrialização e da crescente desigualdade e pobreza, os 
trabalhadores serão assunto de destaque.
Pintores realistas
 Gustave Courbet (1819-1877)
O pintor Gustave Courbet (1819-1877) é considerado 
o mais importante artista dessa vertente e criador da 
estética realista na pintura social.
Courbet demonstrava interesse e empatia pela 
parcela mais pobre da população do século XIX, e isso 
transparece em suas telas.
A preocupação do artista era também com a 
superação das tradições clássica e romântica, além 
dos temas que essa sugeria, como a mitologia, 
religião e fatos históricos.
À esquerda, Os quebradores de pedra (1849). 
À direita, Os camponeses de Flagey (1848
Comuna de Paris
 Os apoiadores da Comuna perceberam que não seria 
possível sustentar um autogoverno proletário sobre 
uma estrutura estatal burguesa. Com isso, e a fim de 
atender as necessidades da classe proletária, a 
Comuna foi obrigada a substituir essa estrutura por um 
outro tipo de organização política. Essa foi a maior 
contribuição da insurreição para o movimento 
revolucionário proletário, a ideia de que uma 
reestruturação completa era necessária.
Cabe dizer que Courbet era admirador das teorias 
anarquistas de Proudhon que despontavam na 
época, ele também teve intensa participação 
durante a Comuna de Paris.
Dessa forma, seu posicionamento político teve 
grande impacto em sua produção.
Jean-François Millet (1814-1875)
Angelus (1858) é uma das obras que retrata com maior 
fidelidade o compromisso de Millet com o realismo
Millet também foi um importante pintor realista. 
Juntamente com Camille Corot e Théodore Rousseau, 
organizou um movimento artístico chamado Escola de 
Barbizon, no qual eles retiram-se de Paris e se 
estabelecem no povoado rural de Barbizon. Lá, o grupo 
de pintores se dedica a representação de paisagens e 
cenas rurais.
Escola de Barbizon
 A chamada escola de Barbizon foi um movimento 
artístico que se sucedeu entre 1830 e 1870, 
integrado por um conjunto de pintores franceses 
que se estabeleceram próximo ao povoado 
de Barbizon, nas cercanias do bosque 
de Fontainebleau, deixando Paris, numa atitude de 
aberta oposição ao sistema vigente.
Para Millet, mais importava a representação humana 
do que o cenário em si. Ele dedicou-se, sobretudo, a 
retratar camponeses e a integração da natureza com o 
ser humano.
Jean-François Millet - Potato Planters
Going to Work by Jean-François Millet
Édouard Manet (1832-1883)
Almoço na relva (1863) causou polêmica no Salão dos 
Artistas Franceses e foi rejeitada, sendo exposta mais 
tarde no Salão dos Recusados
Manet, diferentemente de Coubert e de outros 
pintores realistas, não tinha como tema a vida 
rural e dos trabalhadores, tampouco a intenção 
de fazer uma crítica social com sua arte.
Esse artista pertencia à elite burguesa e seu 
realismo destacava o estilo de vida aristocrático.
Rompeu com a tradição academicista da 
pintura no que diz respeito à técnica e foi 
criticado por curadores na época.
Mais tarde, dá impulso a uma nova 
corrente, o impressionismo, que seria o 
precursor da arte moderna.
Realismo na Escultura
Na escultura, o realismo também se manifestou. Da mesma 
forma que na pintura, os escultores buscavam retratar as 
pessoas e situações sem idealizações.
A preferência era por temas contemporâneos e, muitas 
vezes, assumiam uma postura política.
 https://www.todamateria.com.br/realismo-arte/
Auguste Rodin
 François-Auguste-René Rodin (Paris, 12 de novembro de 1840 —
Meudon, 17 de novembro de 1917), mais conhecido como Auguste 
Rodin , foi um escultor francês. 
 Apesar de ser geralmente considerado o progenitor da escultura 
moderna, não se propôs a rebelar contra o passado. Foi educado 
tradicionalmente, teve o artesanato como abordagem em seu trabalho, 
e desejava o reconhecimento acadêmico, embora nunca tenha sido 
aceito na principalescola de arte de Paris.
O Pensador – 1880 – Auguste Rodin
Honoré de Balzac , Rodin, Monumento parisiense.
Os Burgueses de Calais – Auguste Rodin
A Jovem Mãe, Rodin, Museu Rodin, Paris, França.
O Filho Pródigo – 1889 – Auguste Rodin
João Batista Pregando -1878 – Auguste Rodin
Camille Claudel
 Camille Claudel, nome artístico de Camille Athanaïse Cécile Cerveaux
Prosper (Fère-en-Tardenois, 8 de dezembro de 1864 —
Montdevergues, 19 de outubro de 1943) foi uma escultora e artista 
francesa. Faleceu na obscuridade, mas sua obra ganhou reconhecimento 
por sua originalidade décadas após a morte. Era irmã mais velha do poeta 
e diplomata Paul Claudel
Fascinada por pedra e terra quando criança, já moça Camille
estudou na Académie Colarossi, um dos poucos lugares abertos 
a estudantes mulheres com o escultor Alfred Boucher. Na época, 
a famosa École des Beaux-Arts barrava a matrícula de mulheres. 
Em 1882, Camille alugou um ateliê com outras mulheres, a 
maioria inglesas, incluindo Jessie Lipscomb. Alfred Boucher era 
seu mentor e lhe concedeu a inspiração e encorajamento que 
recaiu sobre toda uma geração de novos escultores. Camille
esculpiria um busto dele em gratidão. Antes de mudar-se 
para Florença, depois de ter lecionado para Camille e as colegas 
por mais de três anos, Alfred perguntou a Auguste Rodin se ele 
não gostaria de assumir a instrução de suas alunas. Foi assim 
que o tumultuado e controverso relacionamento de Rodin com 
Camille começou, ela então com 19 anos.
Envolvimento com Rodin
 Por volta de 1884, Camille começa seus estudos na oficina de Rodin. 
Ela se torna sua inspiração, sua modelo, confidente e amante. 
Camille nunca morou junto de Rodin, que relutava em terminar seu 
relacionamento com Rose Beuret. O conhecimento de seu caso com 
o escultor desagradou a família, em especial sua mãe, que a rejeitava 
por não ter nascido menino (e tendo nascido após a morte de 
primeiro bebê) e nunca concordou com seu envolvimento com as 
artes. Como resultado, Camille deixou a residência da família e após 
sofrer um aborto em 1892, terminou o relacionamento íntimo que 
tinha com Rodin, apesar de continuar a vê-lo com frequência até 
1898
De 1903 em diante, Camille começa a exibir seus 
trabalhos no Salão de Paris, ou no Salon d'Automne. 
É muito comum que as pessoas associem a 
reputação de Camille devido a sua associação com 
Rodin. 
Camille é considerada pelos críticos de arte e 
escritores como um gênio da escultura, uma revolta 
contra os padrões estabelecidos para as mulheres. 
Seus trabalhos iniciais podem demonstrar influência 
de Rodin, mas mostram seu conhecido lirismo e farta 
imaginação, em especial na famosa Bronze 
Waltz (1893).
Camille Claudel com um boné, 1886
Influências
Na obra A Idade Madura (1900), Camille interpreta seu irmão como 
sendo uma poderosa alegoria para o seu rompimento com Rodin.
Seu trabalho tinha assinaturas distintas como a plasticidade das 
obras, a representação de gênero e escalas diversas. Camille
transcendia os padrões convencionais para esculturas em sua época e 
até nas décadas seguintes. Alguns classificavam seus trabalhos como 
sendo ainda mais viris que obras feitas por artistas homens e que sua 
escultura possuía a assinatura que apenas os gênios em suas áreas 
possuem, como Berthe Morisot. Enquanto Rodin tinha linhas mais 
suaves e delicadas, Camille sugeria vigorosos contrastes e linhas 
poderosas em suas obras, razão essa que pode ter levado ao 
rompimento artístico e a rivalidade que se seguiu.
Shakuntala é descrita como a expressão do desejo 
de Camille de alcançar o sagrado, fruto de sua longa 
busca pela identidade artística, livre dos mandos de 
Rodin. Camille teria percebido após algum tempo de 
envolvimento com o escultor que ele a explorava e 
que ela nunca seria obediente como Rodin queria, 
reconhecendo em seguida como a sociedade 
explorava as mulheres. A escultura Shakuntala seria 
uma expressão de sua solitária existência, de uma 
busca pessoal.
Camille Claudel, Sakountala, escultura em mármore, 
1905, Museu Rodin, Paris.
Devido ao machismo e preconceito pelo fato de ser mulher, Camille não 
conseguia financiar muitas de suas ideias e por vezes dependeu de Rodin 
para realizar algumas delas em colaboração ou deixando-o levar o crédito 
pela obra. Ela também era dependente financeiramente da família e depois 
da morte de seu amado pai, que tanto a auxiliou, sua mãe e seu irmão 
tomaram o controle das finanças, deixando-a na miséria, usando roupas 
esfarrapadas e vivendo de favores
Quando Rodin viu a escultura The Age of Maturity pela 
primeira vez em 1899, sua reação foi de choque e fúria. 
Imediatamente ele cessou seu suporte a Camille e 
pressionou o ministro de belas artes que cancelasse 
pagamentos para obras em bronze. Muitos criticaram a 
postura de Rodin de não dar a Camille o respeito o 
reconhecimento que ela merecia.
The Age of Maturity (entre 1898 e 1913)
Camille era odiada pela família. Seu irmão e sua mãe 
conspiraram para mantê-la sem dinheiro e depois para 
mantê-la no hospital psiquiátrico, onde viveu por 30 anos 
até sua morte. Teorias sugerem que seu irmão invejava o 
sucesso e o talento da irmã, tendo afirmado que ele era o 
único gênio da família. Sua irmã mais nova, Louise, 
desejava o acervo da irmã e comemorou o declínio de 
Camille. É de concordância entre os críticos de arte que 
Camille era um gênio incompreendido, com uma arte 
suprema e infinitamente bela, forte e brilhante, que porém 
nunca recebeu o devido reconhecimento em vida.
ARQUITETURA Realista
 Os arquitetos e engenheiros procuram responder 
adequadamente às novas necessidades urbanas, criadas 
pela industrialização. As cidades não exigem mais ricos 
palácios e templos. Elas precisam de fábricas, estações, 
ferroviárias, armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, hospitais e 
moradias, tanto para os operários quanto para a nova 
burguesia.
Em 1850, Joseph Paxton construiu o Palácio de
Cristal que abrigou a 1ª Feira Mundial em Londres,
demonstrou as possibilidades estéticas do uso do
ferro fundido.
Em 1889, Gustavo Eiffel levanta, em Paris, a Torre
Eiffel, hoje logotipo da “Cidade Luz”. Triunfo da
engenharia moderna ostenta seu esqueleto de ferro
e aço, sem alusões a estilos arquitetônicos do
passado.
A Torre Eiffel é uma torre de treliça de ferro forjado no 
Champ de Mars em Paris, França. Recebeu o nome do 
engenheiro Gustave Eiffel, cuja empresa projetou e 
construiu a torre.
Localizado em: Campo de Marte
Endereço: Champ de Mars, 5 Av. Anatole France, 75007 
Paris, França
Altura: 300 m
Início da construção: 28 de janeiro de 1887
Inauguração: 31 de março de 1889
Andares: 3
Realismo no Brasil
No Brasil, o movimento realista não se dá da 
mesma maneira que na Europa. Aqui, o 
realismo expresso em temas de paisagem é 
produzido por artistas como Benedito Calixto 
(1853-1927) e José Pancetti (1902-1958).
Benedito Calixto
 Benedito Calixto de Jesus (Itanhaém, 14 de 
outubro de 1853 — São Paulo, 31 de maio de 1927) foi 
um pintor, desenhista, fotógrafo, professor, historiador, d
ecorador, cartógrafo e astrônomo amador brasileiro e é 
considerado um dos maiores expoentes da pintura 
brasileira do início do século XX.
Antiga Casa de Câmara e Cadeia, em São Sebastião
1920 Óleo sobre tela
Bertioga
1907 Óleo sobre tela
Ilha Porchat
1944 Óleo sobre tela
Almeida Júnior
 Foi certamente o pintor que melhor assimilou o legado 
do Realismo de Gustave Courbet e de Jean-François Millet, articulando-
os ao compromisso da ideologia dos salons parisienses e estabelecendo 
uma ponte entre o verismo intimista e a rigidez formal do academicismo, 
característica essa que o tornou bastante célebre ainda em vida. De 
forma semelhante, sua biografia é até hoje objeto de estudo, sendo de 
especial interesse as histórias e lendas relativas às circunstâncias que 
levaram ao seu assassinato: Almeida Júnior morreu apunhalado, vítima 
de um crime passional. Foi morto pelo primo, marido deMaria Laura do 
Amaral, com quem o pintor manteve um romance por anos.
Apóstolo São Paulo, 1869
Igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária, Itu
Batismo de Jesus, 1895
Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo
O violeiro (1899), de Almeida Júnior
Almeida Júnior - Saudade
Na representação do povo simples e de temas 
rurais, temos Almeida Júnior (1850-1899). No que 
se refere ao caráter social, podemos citar Cândido 
Portinari (1903-1962).
https://www.todamateria.com.br/realismo-arte/
Candido Portinari
 Candido Portinari (Brodowski, 29 de dezembro de 1903 — Rio de 
Janeiro, 6 de fevereiro de 1962) foi um artista plástico brasileiro.
 Portinari pintou mais de cinco mil obras, de pequenos esboços e 
pinturas de proporções padrão, como O Lavrador de Café, até 
gigantescos murais, como os painéis Guerra e Paz, presenteados à sede 
da ONU em Nova Iorque em 1956, e que, em dezembro de 2010, graças 
aos esforços de seu filho, retornaram para exibição no Teatro Municipal 
do Rio de Janeiro.
 Portinari é considerado um dos mais importantes pintores brasileiros de 
todos os tempos, sendo o pintor brasileiro a alcançar maior projeção 
internacional.
Retirantes é um quadro de Candido Portinari, pintado 
em 1944 em Petrópolis, no Rio de Janeiro.
O painel é um óleo sobre tela e tem 190 X 180 cm, 
faz parte do acervo do Museu de Arte de São Paulo 
(MASP) e retrata uma família de retirantes, pessoas 
que se retiram de uma região para outra em busca de 
condições melhores de vida.
Vanguardas artísticas
As Vanguardas Europeias representam um 
conjunto de movimentos artístico-culturais que 
ocorreram em diversos locais da Europa a partir do 
início do século XX.
As vanguardas artísticas europeias 
que se destacaram foram: 
 Expressionismo
 Fauvismo
 Cubismo
 Futurismo
 Dadaísmo
 Surrealismo
Impressionismo
 Impressionismo foi um movimento que surgiu 
na pintura francesa do século XIX, vivia-se nesse 
momento a chamada Belle Époque ou Bela Época 
em português. O nome do movimento é derivado da 
obra "Impressão: nascer do sol" (1872), de Claude 
Monet.
Claude Monet, Impressão, 1872, óleo sobre tela, Museu 
Marmottan Monet, Paris. 
Começou com um grupo de jovens pintores que rompeu com 
as regras da pintura vigentes até então. Os autores 
impressionistas não mais se preocupavam com os preceitos 
do realismo e/ou da academia. A busca pelos elementos 
fundamentais de cada arte levou os pintores impressionistas 
a pesquisar a produção pictórica não mais interessados em 
temáticas nobres ou no retrato fiel da realidade, mas em ver 
o quadro como obra em si mesma.
A luz e o movimento utilizando pinceladas soltas tornam-se o 
principal elemento da pintura, sendo que geralmente as telas 
eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar 
melhor as variações de cores da natureza.
Mas, apesar de parecer que o impressionismo se trata de imitação 
do real, não é exatamente isso que os artistas impressionistas 
fazem. O impressionismo é sobre traduzir um objeto real através do 
olhar diferenciado, onde posteriormente essa forma de olhar se 
torna uma construção sobre o objeto real.
Os impressionistas buscavam retratar os objetos através do 
contraste de cor e luz, onde as próprias pinceladas dos pintores se 
tornam uma marca de luz e sombra na tela. A pincelada do 
impressionismo deixa uma marca na tela, como se fosse a letra do 
autor; seu relevo, deixado na tela propositalmente, faz com que a 
luz e sombra estejam presentes em cada pincelada. A sensação, 
elemento fundante do impressionismo, deixa de ser puramente 
fisiológica e passa a ser construída e deliberada.
Orientações gerais que caracterizam a pintura:
•a pintura deve mostrar os pontos que os objetos adquirem ao refletir a luz do 
corpo num determinado momento, pois as cores da natureza mudam todo dia, 
dependendo da incidência da luz do sol; é também, com isto, uma pintura 
instantânea (captação do momento), recorrendo, inclusivamente, à fotografia.
•As figuras não devem ter contornos nítidos pois o desenho deixa de ser o 
principal meio estrutural do quadro, passando a ser a mancha/cor.
•As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão visual que 
nos causam. O preto jamais é usado em uma obra impressionista plena.
•Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores 
complementares. Assim um amarelo próximo a um violeta produz um efeito mais 
real do que um claro-escuro muito utilizado pelos academicistas no passado. 
Essa orientação viria dar mais tarde origem ao [pontilhismo].
Monet: Mulheres no jardim de 1866
Oscar-Claude Monet foi um pintor francês e o mais 
célebre entre os pintores impressionista.
NENÚFARES, DE CLAUDE MONET
Os efeitos ópticos descobertos pela pesquisa fotográfica sobre 
a composição de cores e a formação de imagens na retina do 
observador, influenciaram profundamente as técnicas de 
pintura dos impressionistas.
Eles não mais misturavam as tintas na tela, a fim de obter 
diferentes cores, mas utilizavam pinceladas de cores puras que 
colocadas uma ao lado da outra, são misturadas pelos olhos do 
observador, durante o processo de formação da imagem.
Cores Complementares são aquelas que mais oferecem contraste entre si. De 
acordo com a definição de Michel Eugene Chevreul, no século XIX, a cor 
complementar de uma matriz é aquela que mais absorve seu espectro.
Imagens negativas
Quando alguém fixa os olhos em uma cor única por um período de 
tempo (30 segundos até um minuto são suficientes) e depois olha 
para uma superfície branca, uma imagem com a cor complementar 
vai aparecer. Isto ocorre porque os fotorreceptores de uma cor 
na retina são fatigados, perdendo a habilidade de enviar informação 
ao cérebro. Quando a luz branca é vista, as porções daquela cor 
incidentes no olho não são transmitidas eficientemente como as 
outras cores, e o resultado é a ilusão de ver a cor complementar. 
Quando os receptores permanecem em repouso por algum tempo, a 
ilusão desaparece.
As cores, na verdade, não existem: elas são fabricadas pelo nosso 
cérebro. Pode parecer uma informação impactante e cheia de 
mistério, mas o que ocorre é que as tonalidades só aparecem na 
presença da luz. Sem ela não há cor, mas apenas um espaço vazio 
representado pelo preto.
Tudo que enxergamos é colorido, pois a luz branca é a mistura de 
várias cores. Quando vemos uma maçã, por exemplo, visualizamos o 
vermelho e não o azul. Isso acontece porque a cor não está no 
objeto, mas é refletida quando ele é iluminado por uma luz branca 
que absorve todas as cores, expondo somente o vermelho. É essa 
luz que chega aos nossos olhos.
Exemplo de Pontilhismo 
Uma mesma cor nunca é igual para cada pessoa. 
Isso acontece porque as densidades de recepção 
da luz variam de um indivíduo para outro. Assim 
sendo, o nosso cérebro produz as cores, o que 
gera variações para cada observador: a mesma 
tonalidade de azul que você vê pode não ser a 
mesma vista pelo seu amigo.
Édouard Manet não se considerava um impressionista, 
mas foi em torno dele que se reuniram grande parte dos 
artistas que viriam a ser chamados de impressionistas. O 
impressionismo possui a característica de quebrar os 
laços com o passado e diversas obras de Manet são 
inspiradas na tradição. Suas obras no entanto serviram 
de inspiração para os novos pintores.
EXPRESSIONISMO
 O Expressionismo foi um movimento artístico de 
vanguarda em oposição ao impressionismo 
francês.
 A ideia do expressionismo era da arte enquanto 
ação, na concepção da imagem pelo artista de 
forma emocional, visceral, por vezes violenta, em 
que as cores e as formas não correspondem à 
realidade direta.
Características do Expressionismo
 Arte enquanto ação
 Rejeição à impressão de mundo
 Uso de linhas distorcidas e grossas
 Expressão emocional e subjetiva do autor
 Simplificação radical das formas
 Uso de cores fortes
 Intensidade da tinta e do pincel na tela
O conceito foi utilizadopela primeira vez por Herwath
Walden em sua revista “Der Sturm” (A Tempestade), em 
1912. Teve espaço principalmente na Alemanha, por isso 
também pode ser chamado de Expressionismo Alemão, 
e tinha influência da arte primitivas das tribos africanas.
• As obras resgatavam um viés de crítica social inserido nas 
artes, com cenas do cotidiano retratadas sem nenhum 
comedimento por parte do artista, dramatizadas, com 
muitas séries temáticas sobre o sexo e a morte.
• Os expressionistas atuavam em contraposição à ideia de 
impressão de mundo promovida pelos impressionistas 
como Claude Monet, da natureza etérea ilustrada pelo 
artista.
• A origem das referências do expressionismo dão-se pelas 
obras de Van Gogh e Edvard Munch, artistas que já 
utilizavam de distorções e forte carga emocional.
O Grito é a obra-prima do pintor norueguês Edvard Munch. Pintada 
pela primeira vez em 1893, a tela foi ganhando três novas versões 
com o passar do tempo.
As obras de Munch são classificadas como precursoras 
do expressionismo (um importante movimento modernista da 
primeira parte do século XX).
Suas telas são densas e abordam tema
Significado do quadro O Grito de 
Edvard Munch
Suas telas são densas e abordam temas 
difíceis e estados emocionais de conflito. 
Assim, O Grito simboliza a solidão, a 
melancolia, a ansiedade e o medo.
https://www.culturagenial.com/quadro-o-grito-de-
edvard-munch/
Vincent van Gogh
Pintor
Descrição
Vincent Willem van Gogh foi um pintor pós-impressionista holandês. 
Considerado uma das figuras mais famosas e influentes da história da arte 
ocidental, criou mais de dois mil trabalhos ao longo de pouco ... Wikipédia
Nascimento: 30 de março de 1853, Zundert, Países Baixos
Falecimento: 29 de julho de 1890, Auvers-sur-Oise, França
Períodos: Realismo, Pós-impressionismo, Arte moderna
Séries: Doze Girassóis numa Jarra, Quarto em Arles
Filmes: Van Gogh: Painted with Words
Irmãos: Theo van Gogh, Elisabeth Huberta Du Quesne-van Gogh,
Pais: Anna Carbentus van Gogh, Theodorus van Gogh
A Noite Estrelada é uma pintura de Vincent van Gogh de 
1889. A obra retrata a vista da janela de um quarto do 
hospício de Saint-Rémy-de-Provence, pouco antes do 
nascer do sol, com a adição de um vilarejo idealizado 
pelo artista. A tela faz parte da coleção permanente 
do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque desde 1941. 
É considerada uma das mais famosas pinturas de Van 
Gogh e uma das mais icônicas da arte ocidental.
"Sou obrigado a voltar para Paris. Vincent e eu não podemos de 
modo algum continuar vivendo lado a lado sem atritos, devido à 
incompatibilidade de nossos temperamentos e porque nós dois 
precisamos de tranquilidade para nosso trabalho. Ele é um homem 
de inteligência admirável que tenho em grande estima e deixo com 
pesar, mas, repito, é necessário que eu parta.“
O trecho acima é de uma das cartas de Paul Gauguin em 1888 
para Theo, irmão de Van Gogh que estava "patrocinando" a 
carreira do pintor, desde que ele fizesse companhia a Vincent na 
Casa Amarela (nomeada assim depois de um quadro feito por ele) 
localizada no sul da França, em Arles. Como você pode ver, a 
parceria não deu certo e motivos pra isso acontecer não faltaram.
A única coisa que Gauguin e Van Gogh tinham em comum era o dom 
pra pintar. Fora isso, não tinham mais nada! No ano de 1888, quando 
começaram a trabalhar juntos, as discórdias surgiram cedo. 
Enquanto Van Gogh preferia pintar em lugares abertos, Gauguin
preferia os lugares fechados. Van Gogh dava acabamento a suas 
pinturas com verniz, Gauguin desprezava isso e detestava as tintas 
do companheiro. Um pintava pela razão e o outro pela emoção. 
Gauguin atacava as preferências de Van Gogh, ele por sua vez 
respondia com ataques de fúria e além dessas diferenças 
"profissionais", outras envolvendo a facilidade de Gauguin para 
arranjar namoradas e a saúde de ferro do pintor também 
incomodavam, sem contar que os quadros dele eram comprados 
enquanto os de Vincent não.
Autorretrato com orelha enfaixada e cachimbo, 
jan/1889 - Van Gogh
Vincent pegou a navalha em cima da mesinha e abriu a 
lâmina. Agarrou a orelha e esticou o lóbulo com toda a 
força. O braço cruzou o rosto e ele golpeou a carne 
culpada. A lâmina escapou da parte de cima da orelha, 
desceu até mais ou menos a metade e cortou até a 
mandíbula. A carne se desprendeu com facilidade, mas 
a cartilagem borrachenta exigiu brutalidade ou 
perseverança até a carne se soltar e ficar entre seus 
dedos. A essa altura, o braço estava todo 
ensanguentado."
http://lounge.obviousmag.org/cafe_amargo/2012/12/a-
tragica-relacao-de-van-gogh-e-gauguin.html
Principais Artistas do Expressionismo
 Die Brücke (A Ponte)
 Influenciados por Van Gogh, Gauguin, Matisse. O grupo era 
formado por Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-
Rottluff, Fritz Bleyl, Emil Nolde, Max Pechstein e Otto Mueller.
 Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul)
 Influenciados por Kandinsky, utilizavam de tons mais sutis e 
suas temáticas eram em torno da espiritualidade. Integravam o 
grupo os artistas Max Beckmann, Käthe Kollwitz, Ernst Barlach
e Wilhelm Lehmbruck.
Expressionismo Abstrato
 Vertente do Expressionismo, surgiu em Nova York na 
metade do século XX, logo após a Segunda Guerra Mundial. 
O período pó-guerra fez dos Estados Unidos um novo centro 
artístico, e esta união de criativos fez surgir movimentos 
como o Expressionismo Abstrato. Arshile Gorky, um pintor da 
Armênia que emigrou para Nova York, foi pioneiro no estilo. 
Seguido por nomes como Jackson Pollock, Willem de 
Kooning e Isamu Noguchi.
Expressionismo no Brasil
O principal nome do expressionismo no Brasil 
foi Anita Malfatti, quem introduziu as 
vanguardas artísticas europeias aos círculos 
brasileiros. Ainda podem ser citados Lasar 
Segall, Oswaldo Goeldi, Flávio de Carvalho e 
Iberê Camargo.
Fauvismo
 O Fauvismo (ou Fovismo) foi um movimento artístico 
heterogêneo associado à pintura e teve sua origem na 
França no início do século XX. Essa tendência foi desenv
 A principal característica desse movimento foi a utilização da 
cor pura, sem misturas, de modo a delimitar, dar volume, 
relevo e perspectiva às obras.olvida entre os anos de 1905 e 
1907.
A dança (1909), de Henri Matisse, é uma obra com 
características fauvistas
Nesse momento, os artistas que compunham o 
movimento, fizeram a primeira aparição pública no "Salão 
de Outono", em Paris. No ano seguinte, em 1906, 
organizaram uma exposição no "Salão dos 
Independentes".
Foi justamente nessa ocasião que o grupo recebeu o 
nome les fauves, expressão francesa que significa “as 
feras”.
A arte fauvista busca levar o ser humano ao 
seu estado natural por meio de uma estética 
primitivista, tal qual o estado de pureza das 
criações infantis. Essas características também 
estão presentes na chamada Arte Naif.
Os artistas deste movimento não se 
preocupavam com os aspectos da composição 
na pintura, mas sim com as qualidades 
expressivas que a interpretação pessoal 
poderia causar.
Principais Características do Fauvismo
Dentre as características mais marcantes do 
movimento fauvista, destacam-se:
•utilização de cores puras;
•emprego arbitrário da cor;
•simplificação das formas;
•não compromisso com a representação fiel à 
realidade;
•influência da arte primitivista;
•influência da arte pós-impressionista.
Cubismo
 Cubismo é um movimento artístico vanguardista 
europeu, que surgiu na França no começo do 
século XX e se caracteriza pela utilização de 
formas geométricas para retratar a natureza.
 O cubismo foi fundado em Paris, através do 
renomado artista espanhol Pablo Picasso (1881 -
1973) e do francês Georges Braque (1882 - 1963).
Arte cubista é considerada uma “arte mental”, onde cada 
aspecto da obra deve ser analisado e estudado de modo 
individual.
Cubos, cilindros e esferas são algumas das formas usuais 
no cubismo, que se distingue da arte abstrata pelo uso 
concreto de todas as formas.
Além de Picasso e Braque, outros artistas que ficaramimortalizados como ícones desta vanguarda são Juan 
Gris (1887 – 1927) e Fernand Léger (1881 – 1955).
Fases do cubismo
O movimento cubista ficou marcado por três fases: o cubismo cézanniano
(1907 - 1909), cubismo analítico (1910 – 1912) e o cubismo sintético (1913 
– 1914).
Cubismo cézanniano ou Cubismo pré-analítico (1907 - 1909)
Também conhecido por “cubismo pré-analítico”, esta é considerada a fase 
inicial do movimento cubista (1907 - 1909), onde a principal base era o 
trabalho de Cézanne, com forte influência da arte africana e devido ao uso 
de formas simplificadas.
Cubismo analítico (1909 - 1912)
É tido como o “cubismo puro” e de difícil interpretação, onde as figuras são 
decompostas, através do uso de diversas formas geométricas.
Com forte influência na arte africana, as obras nesse período permeiam os 
tons monocromáticos, com predominância do verde, marrom e cinza. Além 
disso, também há a necessidade de expressar a natureza de modo 
simplificado, com linhas retas e uniformes.
Cubismo sintético (1913 - 1914)
A grande característica desta fase foi a introdução da técnica de 
colagem para reconstruir as imagens que outrora eram decompostas. 
Por isso, esse período também é conhecido como "cubismo de 
colagem".
Ao contrário do cubismo analítico, nesta etapa as imagens passam a 
manter a sua fisionomia, mas de modo reduzido, apresentando apenas 
o que for essencial para o seu reconhecimento.
O principal precursor do cubismo sintético foi Juan Gris (1887 – 1927), 
que também passou a usar uma palheta de cores mais vivas e 
intensas em suas obras.
Exemplos
The Sunblind (1914): Juan Gris. Houses at L’estaque, Georges Braque
FUTURISMO
 Futurismo é um movimento artístico e literário que surgiu 
oficialmente em 20 de fevereiro de 1909 com a publicação 
do Manifesto Futurista, pelo poeta italiano Filippo Marinetti, no 
jornal francês Le Figaro. Os adeptos do movimento rejeitavam o 
moralismo e o passado, e suas obras baseavam-se fortemente 
na velocidade e nos desenvolvimentos tecnológicos do final 
do século XIX. Os primeiros futuristas europeus também 
exaltavam a guerra e a violência.
Características do Futurismo:
•Desvalorização da tradição e do moralismo;
•Valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico;
•Defesa de uma ligação entre as artes plásticas e o mundo 
moderno;
•Propaganda como principal forma de comunicação;
•Uso de onomatopeias (palavras com sonoridade que imitam 
ruídos, vozes, sons de objetos) nas poesias;
•Poesias com uso de frases fragmentadas para passar a ideia de 
velocidade;
•Pinturas com uso de cores vivas e contrastes. Sobreposição de 
imagens, traços e pequenas deformações para passar a ideia de 
movimento e dinamismo.
Umberto Boccioni, 1882-1916, Régio da Calábria, Itália
Dadaismo
 Dadaísmo é considerado uma das 
vanguardas artísticas mais extremas do 
período modernista. Criado no começo do 
século XX, o movimento tinha como propósito 
"destruir a arte", repudiando todos os 
modelos tradicionais, lógicos e racionalistas 
de produção vigentes na época.
Surrealismo
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas 
europeias que surgiu em Paris no início do século 
XX. A arte surrealista não se restringiu à pintura, de 
modo que também influenciou outras manifestações 
artísticas: a escultura, a literatura, o teatro e o 
cinema. ...
Grupo de artistas surrealistas nos anos 30: da 
esquerda para a direita: Tristan Tzara, Paul Éluard, 
André Breton, Hans Arp, Salvador Dali, Yves Tanguy, 
Max Ernst, René Crevel e Man Ray
Obra Praça d'Itália (1913), de Giorgio de Chirico, é uma 
pintura metafísica, precursora do surrealismo
Principais características do surrealismo
De forma simplificada, podemos listar as seguintes 
características dessa vertente artística:
•pensamento livre;
•expressividade espontânea;
•influência das teorias da psicanálise;
•criação de uma "realidade paralela";
•criação de cenas irreais;
•valorização do inconsciente.
O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da 
loucura e a utilização da reação automática. Nessa 
perspectiva, o artista deve deixar-se levar pelo impulso, 
registrando tudo o que lhe vier à mente, sem se 
preocupar com a lógica.
Carnaval de Arlequim (1924-25), de Joan Miró
A persistência da memória (1931), do pintor espanhol 
Salvador Dali
Parabéns !!!
OBRIGADA POR SUA PARTICIPAÇÃO !!!