Resumo sobre o Museu de Arte Moderna

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Museu de Arte Moderna , instituição dedicada à coleção, exibição, interpretação e 
preservação da arte “vanguardista” ou “progressista” do final dos séculos XIX, XX e 
XXI. 
 
História 
Os museus de arte moderna, tal como são entendidos hoje, devem a sua origem à 
Museu do Luxemburgo em Paris. Designado por Luís XVIII em 1818 como local de 
recolha e exposição do trabalho de artistas vivos, o Musée du Luxembourg 
funcionou como uma espécie de campo de testes para a arte recente, a fim de 
avaliar o seu valor para admissão na coleção permanente do Estado. As obras 
adquiridas pelo museu foram aí mantidas durante vários anos após a morte do 
artista, altura em que foram transferidas para o Louvre aquelas obras cuja "glória 
tinha sido confirmada pela opinião universal" e que foram consideradas de 
importância nacional, enquanto outras foram dispersos para museus regionais. 
 
Instituições e acordos semelhantes desenvolveram-se na Alemanha e na Grã-
Bretanha, entre outros lugares. Em Munique, por exemplo, a Pinakothek (mais tarde 
renomeada comoAlte Pinakothek ) - fundada por Luís I da Baviera (governou de 
1825 a 1848) em 1826 - foi projetada para exibir a coleção dos Antigos Mestres de 
propriedade da casa de Wittelsbach , enquanto a Alte Pinakothek)A Neue 
Pinakothek (inaugurada em 1853) continha a coleção de pinturas “modernas” (ou 
seja, do século XIX) que Luís começou a formar em 1809, quando era príncipe 
herdeiro. Na Grã-Bretanha, a Tate Gallery (agoraTate Britain , uma das quatro 
galerias Tate ) - fundada em 1897 como Galeria Nacional de Arte Britânica (mais 
tarde renomeada oficialmente como Galeria Tate em homenagem a Henry Tate, 
seu doador inicial) e parte da Galeria Nacional de Arte até 1954, quando foi tornou-
se formalmente uma instituição independente - foi em 1917 encarregada de 
colecionar arte histórica britânica e formar uma coleção nacional de arte moderna 
internacional, enquanto a Galeria Nacional se concentrava na arte anterior a 1900. 
 
A ideia de um museu dedicado à arte moderna recebeu um novo impulso no início 
do século XX por vários diretores pioneiros, incluindoAlexander Dorner na 
Alemanha eAlfred H. Barr, Jr. , nos Estados Unidos . Dorner, diretor (1925–37) 
doLandesmuseum em Hanôver, estava profundamente interessado no trabalho de 
artistas contemporâneos como Piet Mondrian , László Moholy-Nagy e Kazimir 
Malevich e procurou integrar as suas ideias no Landesmuseum, convidando vários 
deles para projetar exposições de arte moderna que se adequassem ao sequência 
de galerias históricas do museu. Dorner via o museu não apenas como um 
instrumento do Iluminismo que foi concebido para ordenar e classificar obras de 
arte do passado, mas como uma “instalação educacional cujo propósito é, em 
primeiro lugar, desenvolver o gosto pelo assunto – e em segundo lugar, e mais 
importante, ilustrar os desenvolvimentos do espírito humano em seu objeto mais 
independente e mais vivo – a arte.” Foi esta ideia do museu como uma instituição 
educacional e um lugar para a descoberta e interpretação do trabalho de artistas 
contemporâneos que tanto influenciou Barr, o diretor fundador doMuseu de Arte 
Moderna (MoMA) da cidade de Nova York . 
 
Barr viajou para a Europa em 1927 para estudar a cultura europeia contemporânea 
e reunir material para a sua tese sobre a máquina na arte moderna. Muito do seu 
pensamento sobre a arte moderna e, em última análise, sobre o MoMA, foi 
formulado durante esta viagem. Ele visitou Londres, Roterdã, Haia, Amsterdã, 
Berlim, Moscou, Leningrado (hoje São Petersburgo), Varsóvia e Viena, mas ficou 
particularmente impressionado com Dessau, na Alemanha, que na época era o lar 
doBauhaus . Fundada em 1919 pelo arquitetoWalter Gropius , a Bauhaus foi uma 
escola radical que se esforçou para ensinar a interdisciplinaridade das artes e 
ofícios, incluindo pintura, design têxtil, arquitetura e fotografia. Gropius reuniu 
alguns dos arquitetos e artistas mais ousados e progressistas da época, como 
Hannes Meyer, Ludwig Mies van der Rohe , Johannes Itten, Marianne Brandt , 
Oskar Schlemmer , Wassily Kandinsky e Paul Klee , obra de todos, exceto um. dos 
quais (Meyer) acabaria sendo coletado pelo MoMA. 
 
Barr estava predisposto à abordagem Bauhaus, tendo anteriormente ministrado um 
curso de arte moderna no Wellesley College que se concentrava em pintura e 
escultura - bem como design gráfico , artes decorativas, música, literatura, cinema, 
teatro e arquitetura - e viu nisso um modelo para abordar a arte por disciplina ou 
meio, e não por época ou geografia. A ideia mais importante que absorveu de 
Dorner foi a do museu como local de aprendizagem e descoberta comprometido 
com artistas vivos. Estes conceitos fundiram-se no Museu de Arte Moderna, o 
primeiro museu da América do Norte a declarar-se “moderno”; identificou-se com as 
tendências mais progressistas da arte, o que significou um trabalho original e 
ousado e que desafiou os cânones tradicionais ou estabelecidos. O museu, como 
Barr o entendia, deveria ser um laboratório no qual o público era convidado a 
participar, e foi organizado nos seus primeiros anos em torno de departamentos de 
pintura e escultura, arquitetura e design, cinema e fotografia; departamentos de 
gravuras e livros ilustrados, desenhos e mídia e arte performática foram 
adicionados posteriormente. 
 
Ao enfatizar a inovação , o MoMA conseguiu desenvolver rapidamente colecções 
excepcionais e programas inventivos que apelavam a um público que não tinha sido 
servido por instituições pré-existentes, que prestavam pouca ou nenhuma atenção 
à arte moderna. O catalisador para isso foi o apoio financeiro e moral que o museu 
recebeu em 1929 dos seus curadores fundadores, especialmente Lillie P. Bliss, 
Mary Quinn Sullivan e Abby Aldrich Rockefeller, que estavam determinados a criar 
um museu dedicado exclusivamente às tendências mais progressistas da arte 
Moderna. O sucesso do museu baseou-se na sua vontade de assumir grandes 
riscos na seleção da arte, bem como na forma como essa arte era exibida e 
interpretada. 
 
O reconhecimento que o Museu de Arte Moderna alcançou para os artistas que 
defendeu, combinado com o impacto das suas publicações e exposições, tornou-o 
um modelo para outras instituições na América do Norte, Europa, Ásia e América 
Latina . Em alguns casos, como os do Museu de Arte Moderna de São Francisco 
(1935), do Musée National d'Art Moderne (1947; que sucedeu ao Musée du 
Luxembourg) em Paris, dos museus de arte moderna de São Paulo e do Rio de 
Janeiro (inaugurado com nove meses de diferença em 1948) no Brasil, e o Museu 
de Arte Moderna Kamakura (1951) no Japão, museus inteiramente novos foram 
fundados; em outras instituições, como o Art Institute of Chicago e o Metropolitan 
Museum of Art de Nova Iorque , novos departamentos de arte moderna foram 
criados na década de 1960. 
 
Muitos museus menores de arte moderna também foram criados nessa época, 
muitas vezes baseados em coleções particulares. Estes incluem oMuseu Folkwang 
em Hagen, Alemanha, fundado em 1902 por Karl Ernst Osthaus e transferido para 
Essen em 1922; oMuseu Estadual Kröller-Müller em Otterlo, Holanda, (1938), 
resultado de uma grande doação de Helene Kröller-Müller; oGalerias da Fundação 
Barnes em Merion, Pensilvânia, que abrigava a extensa coleção de obras- primas 
impressionistas , pós-impressionistas e do início do modernismo de Albert C. 
Barnes e que foi aberta ao público mediante agendamento em 1925 (a coleção 
mudou em 2012 para um novo prédio em Filadélfia); o Museu de Arte Ōhara em 
Kurashiki, nos arredores de Ōsaka, Japão, que foi aberto ao público em 1930 e foi 
baseado na coleção de pinturas e esculturas francesas dos séculos XIX e XX de 
Ōhara Magosaburō; e aMuseu Solomon R. Guggenheim projetado por Frank Lloyd 
Wright (1959) para abrigar a coleção de arte não objetiva do Guggenheim . 
 
Desafios contemporâneosCrescendo em paralelo com o aumento do interesse e do número crescente de 
museus de arte moderna e contemporânea está o número de desafios que essas 
instituições enfrentam. Por exemplo, até que ponto é prático ou mesmo desejável 
apresentar uma visão geral coerente de uma tradição ou de uma época cuja história 
ainda não está totalmente desenvolvida ou compreendida? É realmente possível 
relacionar a arte mais recente com obras com mais de cem anos? Ainda faz sentido 
dividir o acervo de uma instituição por meio? Como deveriam os museus ocidentais 
lidar com a arte da América Latina , da Ásia ou do Médio Oriente , onde termos 
como progressista ou vanguardista podem ter significados muito diferentes? Existe 
algo distinto e único no impacto da globalização e na explosão de interesse pela 
arte contemporânea que muda o que um museu de arte moderna deveria ser? 
 
Não há respostas fáceis para estas questões, e os museus de arte moderna devem 
lutar constantemente para saber como permanecer “disruptivos” e novos, ao 
mesmo tempo que se tornam cada vez mais parte de uma ordem estabelecida ou 
de um cânone aceite. Como podem equilibrar, por exemplo, o seu compromisso 
com a arte nova e progressista e, ao mesmo tempo, colecionar e exibir obras de 
artistas como Georges Seurat , Vincent van Gogh e Paul Cézanne , cujas obras 
ainda muito populares eram radicais e progressistas quando foram feitas, mas têm 
agora bem mais de um século? Algumas instituições, como o MoMA, tentaram 
enfrentar este desafio imaginando a coleção como “metabólica” (para usar a 
palavra de Barr) e em constante evolução, mas revelou-se problemático, e por 
vezes controverso , abandonar obras de arte que se tornaram obras-primas 
reconhecidas em favor do novo e ainda não totalmente apreciado. De forma mais 
produtiva, muitos museus estão a experimentar diferentes formas de apresentar as 
suas coleções, seja através de narrativas históricas renovadas, através de novas 
investigações temáticas, ou através de reestruturações periódicas concebidas para 
explorar a arte moderna e contemporânea a partir de perspetivas específicas, como 
as de género e identidade. Na medida em que um museu de arte moderna implica 
uma dedicação à arte cuja história ainda não está fixada, ou totalmente fixada, 
qualquer tentativa de articular uma narrativa coesa e concisa sobre tal obra será 
mais provavelmente provisória do que definitiva. 
 
Uma das questões mais prementes para os museus de arte moderna é como lidar 
com o crescimento e a mudança da natureza do seu público. De especial 
preocupação é o impacto da Internet , dada a sua capacidade de envolver um 
grande número de amantes da arte que talvez nunca visitem fisicamente um 
museu. Esta circunstância exige uma reconceitualização tanto do espaço intelectual 
como do espaço físico de um museu. Embora os museus de arte moderna estejam 
comprometidos, acima de tudo, com os artistas e obras de arte que colecionam e 
exibem, a necessidade de envolver o público tornou-se um aspecto cada vez mais 
importante dos seus esforços. O espaço do museu neste contexto não é 
simplesmente artístico ou intelectual, mas também social. Abrange um nexo 
complexo de relações entre espectadores e objetos de arte e entre espectadores e 
outros espectadores. O que antes era uma experiência íntima partilhada por um 
número relativamente pequeno de pessoas de origens sociais e intelectuais 
semelhantes tornou-se uma experiência extremamente popular partilhada por 
muitas pessoas de origens muito mais diversas . Alguns críticos consideraram esta 
explosão de frequência como um prejuízo para a capacidade do visitante de 
interagir diretamente com objetos distintos, minando assim a importância da 
instituição; outros viram isto como uma concretização dos impulsos democráticos e 
populistas da arte moderna . Qualquer que seja a perspectiva, a ideia do museu 
como um laboratório deve incluir a noção do museu como um cadinho de 
experiência tanto no mundo real do museu físico como no mundo virtual da Internet, 
que pode envolver o público com os mais ousados e significativos trabalhos do dia.