Arte Contemporânea

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UNIDADE 1: TEMPOS E MOVIMENTOS: DAS VANGUARDAS AO PÓS-GUERRA
Tema 1: Aspectos da Arte ContemporâneaDefinição de contemporâneo: Contemporâneo é uma palavra que tem origem do latim, em contemporaneus. Representa aquilo que pertence ou que é relativo à época em que se vive. Então, contemporâneo é tudo aquilo que acontece simultaneamente a nós, nossa existência. Mas a Arte Contemporânea precisou trilhar um caminho longo e cheio de altos e baixos, vanguardas e continuidades para chegar até aqui. O que se tem, em arte, será sempre fruto de um contexto, de uma base de tempo, espaço, interações e vivências. 
Apesar de muitas pessoas utilizarem o termo “moderno” para definir algo que, na verdade, é contemporâneo, os dois termos se referem a períodos bem diferentes. A modernidade na arte é determinada em período cronológico diferente da arquitetura, por exemplo. Assim, entre os historiadores existe o desafio de determinar o início desse período. Enquanto na arte o moderno especifica o movimento que se inicia em meados de 1800 com o Impressionismo - mais precisamente em 1863, com as pinturas de Edouard Manet, consideradas ousadas para a época -, na arquitetura o moderno ocorre na primeira metade do século XX. Mas a certeza que temos é que a Idade Contemporânea, também chamada de Contemporaneidade, é o período específico atual da história no mundo e retrata o momento presente, e a delimitação que existe acaba sendo muito mais política do que histórica.
Imagem 1 - Le déjeuner sur l'herbe (1862 - 1863) - Édouard Manet
O contemporâneo é herdeiro do moderno e por um bom tempo, entre os anos 1980 e 1990, foi denominado pós-moderno. Até que os críticos e estudiosos concluíram que não fazia sentido, já que o pós seria a negação de algo e a arte contemporânea estava repleta de marcas de ciclos anteriores, seja do Cubismo ou do Surrealismo. Seria, então, muito mais uma continuidade ao invés de ruptura. Alternativamente batizado de contemporâneo, o movimento ainda não teve uma nomenclatura final.
Antropoceno é termo utilizado para descrever o período mais recente na história do mundo e, talvez, possa ser usado como substituto do genérico contemporâneo. Mas ainda é cedo para definir isso. Porém, não podemos negar que a contemporaneidade está marcada pelo amplo desenvolvimento tecnológico. 
Ainda outra questão que traz novas reflexões se refere ao pouco afastamento que nós, pessoas da contemporaneidade, temos em relação ao tempo vivido. Ao vivenciarmos situações e experiências, talvez não seja possível identificar fatos mais relevantes ou até mesmo incontestáveis, aquilatando com distância.
Quais serão os nomes de artistas que resistirão às décadas e que, por isso, serão mencionados como grandes referências daqui há 50 anos?
Para integrar o pensamento às informações complexas, vale destacar o período entre as duas guerras mundiais como o de maior efervescência no mundo da arte. Sim, sabemos que as guerras, apesar de todo o rastro de violência e destruição que causam, são estímulos a diversos avanços devido à comunicação e ao fluxo de pessoas e ideias - na medicina, há os diagnósticos por imagem e novas tecnologias. A chave temporal de 1900 a 1950 é rica em vanguardas, todas herdeiras do Impressionismo. E para cada vanguarda, existe uma série de características que a identificam como mais racional ou mais emocional, mais científica ou mais sensível.
Quando Manet ousou, ao pintar o que os salões de arte não esperavam e que foi considerado afrontoso, o Impressionismo estava surgindo com força. Desta forma, os artistas impressionistas puderam sair do ambiente fechado da academia, perceberam que o mundo exterior, rico em estímulos, seria excelente tema de suas representações. Eles passaram a ser testemunhas e intérpretes de um certo modo de ver. Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir e Georges Seurat são exemplares. Paris, cidade que havia passado por grande transformação em projeto de ampliação urbanística, era o centro do mundo e, efetivamente, o berço da arte da modernidade. Para lá convergiam ideias e propostas de avanço.
O art nouveau apresentava o design para uma vida mais confortável, com a leveza de linhas que traziam a natureza para os ambientes fechados: eram lustres, mobiliário e outros itens que representavam flores, as curvas de uma folha e a sinuosidade de um rio. O estilo acrescentava à arte alguns produtos que se tornavam comerciais como cartazes para espetáculos e embalagens de biscoito e cigarros, haja vista obras de Toulouse Lautrec e Alfons Mucha, ambos ilustradores.
Além de pintarem o bem-estar daquele tempo intitulado de Belle Époque, transformaram a representação. O olhar permitia investigações técnicas com pinceladas cheias de tinta, uso de espátula para causar intenção de volume e grandes pesquisas sobre a luz, em variados momentos do dia. O aspecto da portabilidade, reforçado pela indústria que criou tintas em bisnagas, foi determinante para a conquista plástica da época.
As telas, inicialmente maiores, começaram a ficar menores e também eram adquiridas pelos comerciantes, quando não eram até mesmo encomendadas. Era um novo mercado surgindo. Todas essas características reunidas trouxeram muitas reverberações para os movimentos e correntes que viriam a seguir.
Tema 2: Explosão das Vanguardas
Continuidades e Rupturas
1. Cubismo: as vanguardas acontecem efetivamente a partir do Cubismo, que nasce em solo francês em torno de 1908. Mas, apesar de sua origem geográfica, é um espanhol mais precisamente catalão que atua como motor que propulsiona o movimento: Pablo Picasso. A obra mais emblemática dele é "Demoiselles D'Avignon" em que representa cinco figuras femininas. Duas delas usam máscaras africanas, em um período em que há grande pesquisa por parte dos artistas pela cultura e arte do norte da África, após a expansão colonizadora francesa. Nenhuma das mulheres, no entanto, tem formas orgânicas como seria esperado de um corpo humano. Os ângulos agudos de ombros, quadris e seios indicam que aquelas formas são estudos do movimento nascente. Nas paisagens de George Braque, que fez dupla com Picasso, as casas, telhados e montanhas, assim como os troncos e copas das árvores ganham formas completamente geometrizadas e se assemelham a cubos. O nome do movimento, então, não poderia ser mais apropriado. Outro artista importante foi Juan Gris.
O Cubismo talvez tenha sido a vanguarda mais valiosa para trazer um ar novo e uma visão ousada para as experiências de arte. A proposta era de representar em duas dimensões, a partir das pinturas e das colagens - esta, uma novidade em termos de técnica - o que estaria presente no mundo em três dimensões. Assim, uma garrafa poderia ser desenhada em dois ou três ângulos diferentes e sobrepostos, causando a impressão de que estava presente em seu volume; mas também causava uma confusão plástica para os observadores que possivelmente não viam sentido naquele emaranhado de formas.
É preciso dizer que foi exatamente essa ousadia, o fazer o que não se espera, que trouxe o fôlego que a arte necessitava. O cubismo durou muito pouco tempo, algo em torno de dez anos, mas deixou um estilo inconfundível e inspirador para outros movimentos. Teve como características a distorção da imagem real; visões simultâneas, uso de uma paleta de cor pouco extensa para chamar atenção para as imagens e, especialmente figuras geométricas. Se subdividiu em três fases que foram a pré-analítica, a analítica e a sintética, sempre do mais complexo e complicado do seu surgimento até o mais simplificado, que trouxe melhor entendimento para o espectador.
2. Futurismo: No caso do Futurismo, mais um personagem se apresenta. Ele é Tommaso Marinetti, um poeta com ideias mirabolantes e com o senso de visibilidade. No dia 20 de fevereiro de 1909, ele publica o Manifesto Futurista o jornal diário francês Le Figaro, o mais importante daquela época (até hoje em circulação). Por causa dessa publicação que ocupou a prestigiosa primeira página do jornal, sabemos com exatidão a data do "lançamento" do movimento.Ele trazia palavras duras contra tudo que considerava velho e ultrapassado - na lista, os museus, a bibliotecas e universidades -, além de afirmar sua repulsa pelos professores e ódio às mulheres. Mas o que Marinetti queria, além de chamar a atenção do mundo para a Itália, era que o seu país natal voltasse a fazer parte das grandes nações e que se desenvolvesse como potência. Para isso, ele acreditava que a solução estaria nas máquinas e nos motores, além do completo esquecimento da história que, segundo ele, transformava a Itália em um cemitério. Artistas futuristas, entre eles Giacomo Balla, Carlo Carrà e Umberto Boccioni representavam o movimento em telas e esculturas. Eram atletas, soldados e trabalhadores em ação e, da mesma forma que o Cubismo, havia uma visão simultânea. "O dinamismo de um cão na coleira", de Balla em 1912 apresenta o cachorro com diversas patas e múltiplos rabos, dando a impressão de movimento. Na escultura "Formas únicas de continuidade no espaço", de Boccioni, um atleta que se desloca numa corrida e sofre o atrito do ar tem seu corpo disforme, como se estivéssemos vendo-o correr em câmera lenta, lentíssima.
3. Expressionismo: Expressionistas são artistas que querem representar seus sentimentos de indignação, querem defender os direitos da população oprimida pelos militares que provocaram a Guerra e que deixaram o povo alemão na miséria. Dividido em dois momentos que são "A Ponte" e o "Cavaleiro Azul", no primeiro há cores intensas e contrastantes. Há, nas representações, o desalento e a melancolia, o orgulho de pertencer, o nacionalismo e as denúncias dos desmandos dos poderosos. Kirchner, Kokoschka e Otto Dix são os representantes mais importantes.
Já o "Cavaleiro Azul" traz uma proposta cosmopolita, não limitadora de estilo e sem denúncias. Franz Marc e Wassily Kandinsky são os grandes nomes, sendo que Kandinsky vai constituir uma pintura cada vez mais abstrata, movido pela música. Para ele, a música clássica era a rainha de todas as artes e funcionava como inspiração para suas aquarelas e pinturas que deram adeus à figuração. Cabe lembrar, ainda, o poder e valor do cinema expressionista alemão, que legou obras como "O gabinete do Dr. Calligari" de Robert Wiene, "Metropolis" de Fritz Lang, e "Nosferatu" de Murnau. São obras que influenciaram os filmes de terror estadunidenses.
4. Neoplasticismo: Na Holanda, em 1917 despontou o Neoplasticismo, um movimento que se apoiava na ordem e na organização. Cores básicas - vermelho, amarelo e azul - se combinavam sempre com branco, cinza e preto, apenas, em composições com linhas verticais e horizontais, com quadrados e retângulos coloridos, sempre dispostos com economia e equilíbrio na tela. Era um movimento de arte de pesquisa, que trouxe muitas influências para a arquitetura e para o design pelas mãos de Piet Mondrian e Theo Van Doesburg.
Dois anos depois, na Alemanha, surgia a Escola Bauhaus, que se estendeu até 1933.  Queria ser democrática, unia artes e ofícios - artistas conviviam e ensinavam ao lado de artesãos - e se propunha a trazer uma formação completa. Como valores defendia que "menos é mais" e "a forma segue a função". Foi escola mista em um momento em que era raro as mulheres participarem da cena da arte e do design livremente. Certamente transformou o design como o conhecemos hoje.
Bauhaus, na Alemanha, foi mais do que um movimento de arte e sim uma escola de arte de vanguarda que tinha a democracia, na participação, na gestão, na criação e no ensino, como bandeira máxima. A partir de um programa amplo, a formação acontecia com diversas modalidades - escultura, marcenaria, cerâmica, tapeçaria, arquitetura, design, teatro, desenho, pintura e pesquisa. Foi criada por Walter Gropius, um arquiteto que dirigia a Escola Superior de Belas Artes; ao retornar da guerra, viu a falta de sentido na destruição que o conflito mundial provocava. Em 1919, criou a escola na cidade de Weimar que pode ser definida como "a casa do fazer" e que tinha como regra a negação de ornamentos no desenvolvimento de obras, simbolizada pelos lemas "menos é mais" e "a forma segue a função". Para obter os melhores resultados, Gropius levou para a escola artesãos e artistas, que ensinavam juntos. Outros aspectos importantes da Bauhaus são o estímulo à participação feminina, que representava metade dos alunos, a enorme produção de peças de tipografia, objetos e mobiliários - que influencia o design contemporâneo -, e a união entre arquitetura, arte e design.  Criou um estilo internacional que influenciou a arquitetura de arranha-céus e construções envidraçadas, que constituíram Chicago e Nova Iorque. Em 1926, a escola ganhou prédio próprio na cidade de Dessau, onde funcionou até 1932. Com a ascensão do poder de Hitler, a escola foi deslocada para Berlim e encerrada em 1933.
5. Suprematismo e Construtivismo: E os dois movimentos que ocorrem na Rússia são o Suprematismo e o Construtivismo, ambos apoiados na abstração geométrica ou, senão, inspirados nela. Era um tempo em que os russos se encontravam preparados para o mergulho em uma arte completamente não-figurativa. Tendo como contexto a preparação para a Revolução Russa de 1917 e a própria vivência revolucionária, o Suprematismo nasceu em meados de 1913 e foi teorizado em 1915, com um manifesto assinado por Malevich e pelo poeta Maiakovski em que defendiam "a supremacia do puro sentimento", completamente representado por formas geométricas simples como o círculo e o quadrado, e cores básicas. O "Quadrado negro sobre fundo branco" é a obra mais referenciada do movimento, pintada por Malevich em 1918; para ele, "a extremidade simboliza que não há o outro caminho para a perfeição a não ser o caminho que leva ao extremo". Segundo a dupla, se eles queriam ser revolucionários, que a arte também o fosse.  No mesmo ano, Malevitch assinou "Quadrado branco sobre fundo branco", com o qual deu por encerrado a aventura suprematista. 
O Construtivismo, datado entre 1913 e 1933, defendia que o artista e sua obra deveriam servir à sociedade e que a arte era constituinte da sociedade assim como qualquer outra criação. Entre as ideias dos pensadores do construtivismo destaca-se que "A arte deve estar a serviço da revolução, fabricar coisas para a vida do povo como antes fabricava para o luxo dos ricos". Considerado um movimento ("ismo") bastante plural por ter diversos artistas e formas de pensar, se encontravam na perspectiva de ter uma finalidade social para a arte. Uma das obras mais simbólicas do construtivismo é o Monumento à III Internacional, um projeto de Tatlin que trazia valores simbólicos como a representatividade e o utilitarismo: seria uma torre capaz de comunicar mensagens políticos ao povo. No entanto, nunca saiu do projeto - e da maquete - devido ao elevado custo e sofisticação de construção. Outro nome de grande destaque é do fotógrafo, escultor, ilustrador e pintor Rodchenko. As concepções construtivistas e suprematistas se parecem e se inspiram mutuamente em muitos aspectos, principalmente porque ambas se pretendem materialistas e concretas. 
	
Explosão nonsense“O termo nada significa”.
Essa afirmação do poeta romeno Tristan Tzara, idealiza a proposição máxima do movimento Dadaísta, e revela muito sobre as práticas daquele grupo de artistas de vanguarda que surgiu em 1916, no Cabaré Voltaire, em Zurique, Suíça. Fundado como um clube literário pelos escritores alemães H. Ball e R. Ruelsenbeck, e pelo pintor e escultor alsaciano Hans Arp, também funcionavam ali uma galeria de exposições e sala de teatro. Assim, o espaço múltiplo promovia encontros dedicados à música, dança, poesia e artes e reunia artistas de diversas modalidades. Foi manifestação radical de contestação de valores que utiliza variados canais de expressão: revista, manifesto, exposição e, inauguralmente, performances (ainda que o termo tenha surgido décadas depois).
Dadaísmo era anárquico, niilista, iconoclasta, irônico e requintado. Foi um movimento de crítica cultural ampla, questionando os modelos culturais passadose presentes. As ações dada são intencionalmente desordenadas e pautadas pelo desejo do choque e do escândalo. O movimento acontece também de forma abrangente no que se refere à geografia: são diferentes grupos, em diversas cidades, e eles se unem pelo espírito de um questionamento crítico que traz todo o ceticismo e desacordo com os motivos e a ação da Primeira Guerra.  E, em função disso, as obras que os artistas apresentam carregam um extremismo pujante, contrário ao que consideravam a farsa de um progresso social.
Apesar de ter florescido na Suíça, o Dadaísmo não se limitou geograficamente. Ocorreu na Alemanha, nas cidades de Berlim e Colônia, com Max Ernst, R.Haussmann G.Groz, Kurt Schwitters e Johannes Baader. Em Nova Iorque, as experiências fotográficas de Man Ray e os ready-mades (ou objet trouvé) de Marcel Duchamp são as importantes referências. No caso de Duchamp, ele questiona o sistema de arte com suas obras-objetos ao tornar esses mesmos objetos ordinários do dia a dia em peças de arte, retirando deles a funcionalidade e trazendo para o novo objeto a condição de obra de arte: ganha uma assinatura e é exposto em um museu ou galeria.
A roda de bicicleta encaixada num banco é a obra bastante conhecida “Roda de Bicicleta”, 1913, que invalida tanto a roda quanto o banco. Outra obra famosa é um mictório, que invertido se apresenta como “Fonte”, 1917, ou ainda os bigodes e cavanhaque colocados sobre a Mona Lisa, são exemplares. Nesse sentido, Francis Picabia cria máquinas antifuncionas; como artista, pode ser considerado o elo entre Europa e Estados Unidos com sua atuação e obras.
Em sua sequência, e quase como um desdobramento, com o primeiro manifesto de 1924, acontece o surrealismo que, no entanto, tem personalidade e propostas distintas. O termo surrealismo foi inventado por André Breton com base na ideia de “estado de fantasia supernaturalista” do poeta Guillaume Apollinaire. Os valores máximos são a importância do mundo onírico, do irracional e do inconsciente.
Era o momento das pesquisas em psicanálise e de Sigmund Freud, que inspiraram bastante os artistas naquele momento. Eles exploram o imaginário e os impulsos ocultos da mente, dando impulso ao caráter anti-racionalista.  Por esta razão, o surrealismo faz oposição frontal e evidente às tendências do chamado “retorno à ordem” construtivas e formalistas na arte que florescem na Europa após a Primeira Guerra Mundial (1914-1918).
Foi vertente crítica, com caráter irreverente e dessacralizador, tendo em suas ações a proposição de ser revolucionária e subversiva.  Os impulsos primitivos, a escrita e a pintura automáticas são formas de transcrição imediata do inconsciente, que os surrealistas defendem como o “funcionamento real do pensamento”. Quanto ao contexto, o Surrealismo também evidencia uma crítica cultural, assim como o Dada; utilizam diversos suportes como revistas, eventos, exposições de manifestações múltiplas - entre eles além da pintura e da fotografia, escultura, literatura, artes gráficas e cinema -, manifestos e performances (inda que o termo só venha a ser inserido no catálogo das artes algumas décadas depois).  
Críticos da racionalidade burguesa, eles querem manifestar a admiração pelos sonos, pelo inconsciente e por tudo que for fantástico, distante do real. Na literatura os nomes são André Breton, Louis Aragon, Philippe Soupault e Georges Bataille, entre outros. Nas artes plásticas, o universo mágico e onírico tem René Magritte, Joán Miró, Max Ernst e Salvador Dalí como referências; e na fotografia há o experimental Man Ray e a artista Dora Maar; Luis Buñuel é nome relevante no cinema.
Os artistas criavam diversos procedimentos e métodos, pensados como capazes de driblar os controles conscientes e propor resultados aleatórios, entre eles os desenhos produzidos coletivamente - entre 1926 e 1927 por Man Ray, Yves Tanguy, Miró e Max Morise – e a frottage [fricção de lápis sobre o papel apoiado em uma superfície áspera ou texturizada] desenvolvida por Ernst, faz parte das técnicas automáticas de produção. As colagens e assemblages – justaposição de elementos, objetos e materiais em uma única obra – também ganham destaque.
Lautréamont cunhou uma frase que foi tomada como inspiração desta reunião de itens desconexos: '”Belo como o encontro casual entre uma máquina de costura e um guarda-chuva numa mesa de dissecção”. Outros exemplos são as criações de Man Ray, que inventou um ferro de passar cheio de pregos e da artista alemã Méret Oppeheim, que propôs uma xícara de chá coberta de peles, "Le Déjeuner en fourrure" (Lunch in fur), em 1936; hoje, a obra faz parte do acervo do MoMA nova-iorquino. 
A mexicana Frida Kahlo é considerada por alguns estudiosos como surrealista, rótulo que nunca aceitou por afirmar que não pintava seus sonhos ou delírios e sim a sua própria realidade. Já no Brasil o surrealismo tem reflexos nas obras de Ismael Nery e Cícero Dias.  Nos Estados Unidos, o surrealismo reverbera em propostas do expressionismo abstrato e da arte pop.
UNIDADE 2: ARTE DA CONTEMPORANEIDADE: AS EXPERIÊNCIAS, OS ESPAÇOS E LUGARES. 
Tema 1: Novos valores e contextos pós 1950
Novos ares e espaços para as artes
O Expressionismo Abstrato leva o "selo" made in USA. Depois da vitória na 2a Guerra Mundial, os Estados Unidos estavam investindo em diversas áreas para se tornarem e serem reconhecidos como grande potência. E assim, fizeram grande investimentos, além de se beneficiarem da emigração de intelectuais e artistas europeus. A arte foi uma dessas áreas.
O Expressionismo Abstrato foi a verdadeira representação a arte dos Estados Unidos. O movimento artístico ocorreu em Nova Iorque e é o primeiro estilo pictórico norte-americano a obter reconhecimento internacional. O momento era de experiências em expressionismo; mas diferente do alemão, que era figurativo, os pintores e escultores estadunidenses faziam pesquisas de cores e misturas, sempre tendo em conta a recusa dos estilos e técnicas artísticas tradicionais, assim como a postura crítica em relação à sociedade e ao establishment. Arshile Gorky, Mark Rothko, Willem de Kooning, Jackson Pollock são nomes seminais do movimento.
O estilo realça muitas cores, que aparecem emaranhadas em linhas, respingos e gotejamento ou "color block", os blocos de cores numa explosão cromática.  Os quadros de Rothko apresentam faixas de cores, representadas por quadrados e retângulos justapostos; De Kooning traz imagens a serem decifradas, no limite sutil entre a figura e a abstração, porém deixando as cores e seus contrastes evidentes na pintura.
Não há, portanto, um estilo único ou uma inspiração que os una, à exceção da abstração, que absorve a realidade, expandindo-a na explosão de pinceladas repletas de cores. Ante à diversidade das obras produzidas, é difícil ter uma definição de características do estilo.
Mas tem-se, por exemplo, Pollock como figura central, talvez o mais celebrado do movimento, com sua "pintura de ação" [action painting]. Ele retira a tela do cavalete e a coloca no chão, onde goteja ou até atira a tinta sobre a tela, criando um ritmo de gesto do artista. Sem nenhum projeto prévio, a obra passa a ter novas relações com a inspiração do artista, a improvisação e o gesto espontâneo. Neste aspecto, as influências do automatismo surrealista se evidenciam.
Imagine que o mundo é um verdadeiro supermercado, com produtos de todos os tipos, muitas cores, embalagens e um estilo de consumo exagerado. Essa motivação é claramente pop. Os artistas da Pop Arte exacerbam a sociedade capitalista e seus ícones. Curiosamente, tornam o descartável um item de arte e, assim, glamourizam ao mesmo tempo que questionam o american way of life. Homenagem e ironia estão distribuídas na mesma proporção. Itens como a bandeira americana, um hamburguer, desenhos de histórias em quadrinhos ou um anúncio luminoso de uma lavanderia são temática desejável para os artistas. A década é de 1960 e a cultura de massa e a vida cotidiana estão em evidência, sendo comunicação de massa, por meio da publicidade,um grande parâmetro para compreender a indústria de consumo.
Apesar de ter se celebrizado em solo estadunidense, a Pop Arte teve seus primeiros registros na Inglaterra. Uma das primeiras obras é uma colagem de Richard Hamilton, "O que Exatamente Torna os Lares de Hoje Tão Diferentes, Tão Atraentes?", de 1956. Criado como pôster e ilustração para o catálogo da exposição This Is Tomorrow [Este É o Amanhã] do Independent Group de Londres. A composição traz uma cena da vida doméstica de um casal que ostenta diversos recursos para a confortável vida moderna: gravador, televisão, aspirador de pó, produtos industrializados e etc. Arte e vida são realidades imbricadas para o pop.
Se os ingleses trabalhavam juntos como um coletivo, nos Estados Unidos as propostas artísticas são individuais. Até que, em 1963, acontecem duas exposições - Arte 1963: Novo Vocabulário, na Filadélfia, e Os Novos Realistas, em Nova York. As duas mostras coletivas reúnem obras que se inspiram diretamente na publicidade e na mídia. Aparecem juntos, então, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist e Tom Wesselmann com temáticas muito parecidas, desenho simplificado e cores saturadas e sem profundidade.	
	
Lichtenstein faz paródias de histórias em quadrinhos e torna suas obras muito famosas; Wesselmann faz "naturezas-mortas" com itens de consumo como uma mesa de café da manhã, com waffle, cereais, refrigerante e presunto; Oldenburg faz esculturas gigantes de chão, como um hamburguer e Warhol, uma máquina criadora - tanto que seu ateliê chamava-se "The Factory" - cria serigrafias em que potencializa a mesma imagem em uma série.
Marylin Monroe, as latas de sopa Campbells e garrafas de Coca-Cola são alguns ícones das gravuras que ele criou, sempre com materiais industrializados e cores brilhantes. Mais especificamente, são elas: Os Lábios de Marilyn Monroe, Marilyn Monroe Dourada e Díptico de Marilyn, 32 Latas de Sopas Campbell e Caixa de Sabão Brilho, todas referências da arte pop. O fato de repetir uma imagem diversas vezes impulsiona a proposta de não haver uma obra única, completamente ímpar, tornando o artista um repetidor de sua própria inspiração e da vida rotineira que leva. 
Movimento ou o ato de se mover e ver movimento no mundo já esteve presente na arte das vanguardas, mais especificamente no Futurismo. E, na década de 1950, mais especificamente em 1955, quando a exposição Le Mouvement [O Movimento] aconteceu em Paris, reunindo artistas de diferentes gerações: Marcel Duchamp, Alexander Calder, Vasarely, Jesus Raphael Soto, entre outros, todos atentos à representação do movimento. A característica específica é que, na arte cinética, o movimento constitui o princípio de estruturação. O cinetismo rompe com a condição estática da pintura e apresenta a obra como um objeto móvel, que não apenas traduz ou representa o movimento, mas está em movimento.
Um dos melhores exemplos são os móbiles de Calder, cujo movimento acontece independe da posição e do olhar do observador. Construídos com peças de metal pintadas, suspensas por fios de arame, os móbiles movem-se de acordo com o deslocamento do ar ou até mesmo do vento, caso o ambiente onde forem colocados tenha ventilação. Ao observador cabe contemplar o movimento inscrito nas obras, "desenhos quadridimensionais", como quer Calder. Também há máquinas e motores construídos por Tinguely e as esculturas cibernéticas de Nicholas Schöffer que implicam movimento real.
A arte Op ou Op-art (abreviação de optical art) se refere aos efeitos que o olho capta, que são os efeitos ópticos. Como movimento artístico, surgiu simultaneamente nos Estados Unidos e Europa no início da década de 1960. O termo foi empregado pela primeira vez pela revista Time em 1965 e as obras eram tratadas como uma variação do expressionismo abstrato. “Zebra”, feita por Victor Vasarely,  obra composta por listras diagonais pretas, brancas e curvadas, passando a impressão de uma visão tridimensional é bastante conhecida.
Na Op-art, as cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao observador. Buscando atingir o dinamismo, os artistas trazem a ideia do movimento usando tons vibrantes e círculos concêntricos, provocando a interação entre os objetos e o fundo. A primeira exposição aconteceu em 1965 em Nova Iorque: The Responsive Eye (O Olho que Responde). Além de Victor Vasarely, expuseram suas obras: Richard Anusziewicz, Bridget Riley, Ad Reinhardt, Kenneth Noland e Larry Poons.
A britânica Bridget Riley é outro grande expoente da op arte e investiga formas e unidade seriadas para a composição de padrões gerais, que recorrem diretamente à visão e os efeitos de uma ilusão de ótica. Para simplificar as eventuais sobreposições do Cinetismo ao Op - e vice-versa -, basta lembra que a Art Cinética terá sempre o movimento explícito, enquanto a Op arte provoca uma ilusão de movimento.
Tema 2: Conceitualismo 
Uma foto de uma cadeira, uma cadeira e o texto que explica o que é uma cadeira retirado de um dicionário e está dada a obra "One and three chairs" (Uma e três cadeiras) de Joseph Kosuth. Chegamos a uma interessante discussão sobre a arte dos dias atuais: o conceito. A arte conceitual apresenta o desafio de compreender uma obra a partir de sua ideia. Inclusive, se a obra não for realizada, ainda assim pode ser considerada uma obra-prima. Isto se deve ao fato de que a arte conceitual valoriza mais a ideia que pode ter motivado a obra do que o produto acabado.
Sol Lewitt escreveu em 1969 "Sentenças sobre a arte conceitual" em que deixava evidente, em 35 afirmações, que nem todas as ideias precisavam ser realizadas. No entanto, o termo "arte conceitual" surgiu antes. Foi usado pela primeira vez em 1961 e se referia às atividades do Grupo Fluxus. Suas manifestações de linguagens artísticas são bastante variadas e ampliam o entendimento da experiência. Incluem a música, a fotografia, o vídeo, os textos, as performances, as instalações, entre vários outros elementos.
Talvez toda essa multiplicidade de conceitos e plásticas reforça que não há limites muito bem delineados para que uma obra seja considerada conceitual... Mas o traço em comum é a provocação, pois entre suas intenções está a interpretação de ideias e a reflexão sobre críticas ou denúncias sobre o consumo, o meio ambiente, a violência pessoal.
É um desafio tentar definir a Arte Conceitual, porque muitas manifestações da contemporaneidade podem e estão abrigadas sob o guarda-chuvas do conceito. Aliás, sem o conceito não haveria arte, não é mesmo?! Nesta lista conceitual incluímos a Land Art, o Minimalismo e duas vertentes da arte - que é feita ao mesmo tempo, em que é consumida - que são o Happening e a Performance. Então, discutir o conceito é ampliar bastante o campo da arte.
Grupo Fluxos
Mas dentre uma lista de correntes e manifestações conceituais, o grupo Fluxus é movimento de vanguarda fundamental. Puramente experimental, internacional, interdisciplinar e plural, trouxe inspirações tiradas do cotidiano, rompendo limites entre arte e não arte. O Fluxus - que se alinha ao movimento e ao fluxo contínuo - pode ser comparado a uma forma de ver e estar no mundo e, de acordo com o artista Dick Higgins, era uma forma de viver e morrer. É mais uma corrente que privilegia as artes visuais, mas que inclui música, poesia, performance, instalação, dança e teatro, além de trazer, ainda, vídeo e fotografia.
As experiências musicais de John Cage que exploravam ruídos e silêncios e os vídeos experimentais abstratos e pouco usuais de Nam June Paik são memoráveis, assim como as instalações e performances de Joseph Beuys como aquela em que ele caminha por uma galeria de arte com suas obras penduradas na parede e explica suas proposições para uma lebre morta que carrega nos braços (Como explicar quadros a uma lebre morta, 1965) e a performance "Cut" em que Yoko Ono permite pacificamente que o público corte suas roupas até ficar seminua. Até hoje atuante, especialmente por ter Yoko Ono, uma das principais integrantes, ainda em atividade, desdea década de 1990, o Fluxus passou a se reorganizar em comunidades virtuais em todo o mundo, compartilhando experiências visuais, performances, vídeos e música.
Provos
Em consonância com as manifestações da contracultura de meados dos anos 1960, o Provos - abreviatura de provocação - foi um grupo holandês que trazia em ações de performance e happening ideias, soluções e provocações para uma melhor qualidade de vida em Amsterdã.
Ali desenvolveram os famosos Planos Brancos e entre eles, o mais conhecido foi o “Plano da Bicicleta Branca”, que tinha como meta diminuir a poluição do ar e a melhoria no transporte público com o fechamento do centro de Amsterdã a todo tipo de tráfego motorizado.  Para isso, planejaram que o município comprasse 20.000 bicicletas que deveriam ser públicas e livre; com a rejeição do projeto, Provos pintaram 50 bicicletas de branco e as deixaram nas ruas para uso público. Idealizaram outras ações como moradia para todos, eliminação da violência policial, uso coletivo de carros, dentre outros.
Land Art
A land art surgiu nos Estados Unidos e no Reino Unido entre as décadas de 1960 e 1970, período em que surgiu uma crescente conscientização sobre o meio ambiente. A arte cria um diálogo com a natureza e as paisagens da cidade, sempre em grandes dimensões e ao ar livre.
Também conhecida como earth art ou earthworks, expande as fronteiras tanto do espaço físico, dos materiais como água, terra ou vegetação e das técnicas utilizadas. Em destaque temos o artista estadunidense Robert Smithson, que criou a “Spiral Jetty” em 1970, uma estrada espiralada feita de terra e pedras de basalto negro no Great Salt Lake (Utah, EUA) que só pode ser vista em vôo ou imagens aéreas. Na obra "Campo relampejante" (1977), o artista Walter de Maria coloca hastes de ferro em espaços regulares, em um campo de 1600 metros quadrados no Novo México. 
A Land art também pode contar com obras efêmeras, como é o caso das criações dos artistas Christo e Jeanne-Claude. A dupla se dedicava a envelopar, empacotar ou envolver objetos de grande escala, como se vestissem um prédio, uma montanha ou uma ilha. A efemeridade ou a temporalidade das obras faz com que muitas obras da land art só sejam conhecidas por registros de imagens fotográficas ou vídeos.
Minimalismo 
O Minimalismo, também conhecido como Minimal Art, ocorreu nos anos finais de 1950 até os anos 1970 nos Estados Unidos, prioritariamente. O estilo destaca elementos, materiais e design da indústria, sendo as obras concebidas a partir de uma concepção industrial. Têm como linguagem primordial as formas simples e concepções sem detalhes ou excessos, buscando o sentido da essência, reduzindo as obras de arte à sua estrutura essencial.
Utiliza elementos como o acrílico, plástico, aço inox, tintas automotivas. Dan Flavin cria esculturas luminosas em formato de prédios e outras construções a partir de lâmpadas fluorescentes, Sol Lewitt, o mesmo que escreveu sobre a Arte Conceitual, cria nos anos 1960 estruturas compostas de elementos cúbicos em variações organizadas sobre uma grade, lembrando degraus de escada, e que permitia criar novos volumes e entendimentos do espectador.
Yves Klein traz suas telas monocromáticas, Frank Stella faz, inicialmente, pinturas em superfície preta ou em cor única com linhas paralelas e simétricas, criando formas simples como um quadrado, retângulos ou uma cruz, depois, ele se rendeu às cores; é dele a frase que sintetiza a intenção minimalista: "what you see is what you see".
Kenneth Noland, artista do Expressionismo Abstrato que se tornou minimalista e foi reconhecido pelo seu estilo "american color field" que realça os campos de cor (ou color block). Outros nomes são Carl Andre, Ad Reinhardt, Tony Smith, Donald Judd e Robert Morris. Então... são muitas e muitas questões sobre o conceito em arte, influenciando o que vemos e como vemos o mundo da arte.
Tema 3: Performance e Happening 
O happening é um acontecimento de arte que pode durar cinco minutos ou cinco horas, dependendo da participação e ativação da plateia.O happening (traduzido do inglês, "acontecimento") é uma forma de expressão que tem características das artes cênicas. Como categoria artística, o termo happening foi utilizado pela primeira vez pelo artista Allan Kaprow em 1959. Como evento artístico, acontecia geralmente fora de museus e galerias, em ambientes que nunca eram preparados previamente para esse fim. 
Para o compositor John Cage os happenings eram "eventos teatrais espontâneos e sem trama". Cage é o autor da obra musical 4’33” em que o silêncio é “tocado” e interpretado por um pianista. Na pop Arte, Kaprow e Jim Dine programavam happenings para, segundo eles, "tirar a arte das telas e trazê-la para a vida". Podem ser um tipo de teatro sem, necessariamente, ter texto ou representação, numa estrutura flexível. O acaso, sempre bem vindo, ocorre na ação.
Já a performance tem um roteiro e é bem mais previsível, com início, meio e fim. Pode, portanto, ser planejada e, por isso, também pode ser repetida. Programada, a performance pode acontecer em ambientes organizados para a obra. Por tantos motivos, não é adequado ou correto considerar o happening como sinônimo de performance – e vice-versa. 
Ao desafiar as classificações usuais da arte, performance e happening possibilitam que arte, vida e mundo urbano entrem em interação. Se a Performance não conta com a participação do público, há um aspecto que se assemelha ao Happening: ambos os formatos de obra podem trazer estímulos dos diversos sentidos como o tato, o olfato e até o paladar, não se limitando à visão e à audição, mais usualmente associados à arte. São novas orientações da arte que trazem uma mescla de modalidades artísticas, ampliando a percepção. As provocações estão presentes nas performances. Flávio de Carvalho, no Brasil, é uma referência com a Experiência no. 2, em que ele anda na contramão e usando boné em uma procissão religiosa de Corpus Christi pelas ruas de São Paulo.
Instalação é uma manifestação que tem elementos organizados em um ambiente e esta é a característica própria: instalação e um tipo de obra que utiliza o espaço como elemento fundamental e se constitui em uma arte imersiva. Pode reunir diversas mídias como vídeos, esculturas e fotografias, além de sugerir outros estímulos e sensações para criar uma cena ou um ambiente. Na obra em questão, objetos e peças fazem parte da montagem que será percorrida pelo observador. Pode ser de longa duração ou efêmera, pode ser recriada ou acontecer de forma única. 
O termo foi incorporado ao vocabulário das artes visuais na década de 1960; ainda assim, até os dias atuais, a instalação mantém-se como um gênero importante e muito difundido, inclusive é bastante atual. Em virtude da sua flexibilidade e variedade, a sua conceituação tornou-se mais geral do que específica. Além disso, o fato de as obras serem de grandes proporções, torna inviável que sejam colecionáveis, o que traz questionamento ao sistema de arte e ao mercado. Desde a década 1980, as instalações passaram por uma grande difusão como gênero de arte em todo o mundo, o que torna um desafio cobrir e contabilizar a produção recente.
No Brasil há diversos nomes que praticam instalações como Cildo Meirelles. No Museu Inhotim ele montou o “Desvio para o vermelho”, uma sala completamente ambientada na cor vermelha, desde pequenos itens de decoração até uma geladeira, um quadro que cobre a parede ou sofás e tapetes. Entrar ali é fazer uma imersão pelo universo do artista; um ambiente com a assinatura dele.
E, nos anos 1967, uma obra de Helio Oiticica ficou marcada na arte brasileira e mundial: “Tropicália”, que se tornou até nome de um corrente musical e de música de Caetano Veloso, mas nasceu como uma instalação em que Oiticica colocou os aspectos que ele acreditava que se referiam ao espírito brasileiro. A instalação incluía uma montagem de ambientes com tecidos e plásticos coloridos, flores, aves e plantas nativas, estruturas de paredes de madeira fazendo menção às favelas e ambientesvariados como um com areia no chão.
Para visitar Tropicália, o visitante era convidado a percorrer descalço aqueles ambientes e vivenciar suas escolhas - por exemplo, ligar uma TV numa sala ou ler um jornal em outra - e experiências. Todo o conjunto trazia a clara intenção paradoxal de apresentar os estereótipos de um paraíso tropical em tempos de ditadura militar. Foi uma instalação-denúncia, reforçando o ambiente de contracultura dos anos 1960.
Tema 4: Arte urbana e tecnologias 
A arte urbana toma conta da cena das cidades. Acontece em fachadas e paredes externas de edifícios, em muros de casas, em calçadas, túneis e viadutos e quaisquer outras superfícies do tecido urbano. Galerias e museus deixam de ser os espaços exclusivos para a arte, que pode se estabelecer num happening que acontece numa esquina movimentada ou ser registrada num grafite que colore uma grande parede de um prédio alto.
E desta forma, a contemporaneidade democratiza manifestações artísticas. Cada vez mais arte e vida se misturam. Conhecida também como street art, a arte urbana tatua num mapa iconográfico os trajetos da vida na cidade e se distingue das manifestações institucionalizadas nos espaços específicos e exclusivos da arte. Por isso, ela ganha aspectos de democratização de acesso às obras.
Mas sabemos que criar uma linha do tempo que comporte a arte urbana é tarefa sem sentido, já que muito do que se sabe sobre afrescos em paredes públicas datam da Grécia, talvez. E outro aspecto importante é que esse tipo de arte é um amálgama de influências, seja em temas, materiais e técnicas. Por exemplo: um painel totalmente composto por lambe-lambe – aqueles cartazes colados em tapumes em pontos estratégicos de uma cidade – pode ser uma manifestação de arte.
Em Belo Horizonte, capital de Minas Gerais, o CURA (Circuito de Arte Urbana) desde 2017 tem temporadas de arte com diversos nomes da cena do grafite criando obras de grandes proporções em empenas de prédios; em 2023, já eram 26 murais, sendo uma respeitável coleção de arte pública, inclusive quatro deles são de artistas indígenas.
Outro detalhe é que a arte urbana recebeu influência de diversos estilos de arte ao longo do tempo, mas segue sendo independente. Arte Urbana atualmente conquista espaço e reconhecimento da sociedade artística. Inclusive, algumas obras saem das paredes das ruas para serem ostentadas em galerias e museus de arte.
Para alguns, esta ocupação desnaturaliza e retira a potência propositiva da arte urbana... É um questionamento que gera bons argumentos, no entanto. Nomes para serem postos em relevo, entre tantos, são os brasileiros Kobra e Os Gêmeos; no cenário mundial, Banksy é artista completamente referenciado quando o tema é grafite.
Há outro aspecto da vivência de uma obra criada com exclusividade para um espaço, que se chama “site specific” (ou in situ) e que pode ser traduzido por lugar específico, que respeita geografia, espaço e limites de um determinado lugar. Pode ser uma escultura ou uma pintura feita exclusivamente para um local, pode ser uma instalação ou uma grande proposta de arte como as obras de Christo e Jeanne-Claude em alguma intervenção de grandes proporções na Land Art, tema que já vimos. O que mais interessa no conceito do termo é saber que há temas ligados àquele espaço e que existe, portanto, uma contextualização, criando-se um diálogo entre a obra e o meio que a circunda.
Já a Arte Digital, ela também um desafio para os novos espaços e experiências com a arte, é produzida em ambiente gráfico de computadores, envolvendo hardware e software e acontecendo em espaço digital ou utilizando-o como plataforma. São pinturas, fotografias e gravuras digitais, modelagem digital, animação e vídeos. Em 1967, um coletivo reuniu os engenheiros Billy Kluver e Fred Waldhauer e os artistas Robert Rauschenberg e Robert Whitman que, juntos, criaram o grupo EAT (Experimentos em Arte e Tecnologia) com a missão de promover a colaboração entre a arte e o mundo, a tecnologia que já dava sinais de expansão.
O termo net-art foi utilizado de forma precursora em meados dos anos 1990 e algumas comunidades foram criadas para compartilhamento de meios, ideias e técnicas. Net.art foi rapidamente utilizado para descrever uma variedade de atividades cotidianas em meio digital, dentre elas comunicações e gráficos, e-mails, textos e imagens.  
O rizhome.org foi um dos primeiros ambientes a discutir a arte digital. Mas cabe recordar que quase três décadas antes, nos primórdios, Nam June Paik, músico e artista de vídeo e que era um dos membros mais atuantes do Grupo Fluxus – que vimos na Arte Conceitual –, foi o pioneiro da tecnologia na arte e considerava os computadores e seus programas, aliados à TV, como “a super estrada eletrônica”.
Há um detalhe importante que é o fato de que a arte que surge ali só podia ser entendida e experimentada online. O mundo digital que envolve a arte traz, ainda, enigmas e elementos complexos de serem explicados como as imagens e obras não fungíveis (ou seja, não reprodutíveis) em realidade virtual que são as NFTs (Non-Fungible Token, que é um certificado de autenticidade de bens únicos). E, apesar de nem tudo que se publica nas redes ser arte, algumas narrativas podem ser consideradas arte.
Todos nós temos o celular acessível, quase como se fosse um prolongamento das nossas mãos e, nele, a câmera à disposição todo o tempo, ativando uma certa forma de olhar e de registrar o mundo. Inclusive, pesquisas sobre o impacto das redes sociais, em especial do Instagram por ser talvez a plataforma mais visual, têm disso desenvolvido. “Instagrammism” já é o nome de uma possível corrente das artes visuais, que tem sido estudada pelo teórico russo Lev Manovich que defende um “design poético” feito por pessoas comuns como eu e você.
Link para vídeo: https://youtu.be/8nr9A8Tq9GQ
Hoje, muitos museus, institutos e centros culturais e galerias aderem à arte imersiva, com projeções gigantescas nas paredes de um ambiente de grandes dimensões. O universo digital reúne imagem, som, animação, vídeo, fotografias e inúmeras intervenções e interseções entre essas linguagens. O artista Guto Nóbrega afirma que “eu faço arte e nem sei o que é digital”.
Novas narrativas e códigos, criação de novas conexões que unem a ciência e a tecnologia ampliam as experiências em arte. Para o digital qual será o limite? Ou, então... será que há um limite?
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