sequencia lucia ARTES 9 ano

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Governo do Estado do Acre
Secretaria de Estado de Educação, Cultura e Esporte
Diretoria de Ensino
Departamento de Educação do Campo
Divisão de Ensino do Campo
Programa Caminhos da Educação do Campo-Ciclos de Aprendizagem
	SEQUÊNCIA DIDÁTICA 
	PROFESSOR(A): LUCIA DINIZ
 
	COMPONENTE CURRICULAR: 
ARTES
	SÉRIE:
9° ano
	CICLO: II
	COORDENADOR(A): Eliuda Maria Alves de Carvalho
	AULAS PREVISTAS: 40 h/a
	EXECUÇÃO:09\10 a 5/11/2024
	HABILIDADES
	OBJETOS DE CONHECIMENTO
	· Apreciar, experimentar, relacionar e valorizar, obras e produções visuais de diferentes culturas e épocas, da arte popular, folclórica, africana, indígena e erudita, local (em especial brasileira), mundial e compará-las com as próprias produções.
· Desenvolver a autoconfiança em seus próprios processos de criação de produções visuais, dialogar com princípios conceituais, relacionando sua produção com a dos colegas e de artistas da comunidade, valorizando e respeitando a diversidade artística das várias etnias da cultura brasileira e de outras culturas.
· Conhecer, identificar e diferenciar as categorias de artista, artesão, produtor cultural, curador, designer, fotógrafo, entre outras, suas organizações de produção, estabelecendo relações entre os profissionais do sistema de artes visuais e sua forma de atuação na sociedade.
· Explorar elementos constitutivos da dança, improvisar, compor e interpretar, abordando criticamente, o desenvolvimento das diferentes formas de dança.
· Experimentar e desenvolver a percepção, fruição e análise crítica de movimentos e seus fatores, em ações corporais, coreografias e apreciação da dança.
· Explorar, criar e expressar-se através da improvisação, composição e interpretação musicais de maneira individual, coletiva e colaborativa.
	· Apreciação de obras de arte e de reproduções de obras de arte da cultura local, brasileira e de outras culturas, e da informação visual veiculada pelas mídias publicitária, televisiva e de comunicação impressa, como revistas, jornais, cartazes, sobretudo de obras tridimensionais.
· Semana de arte moderna 1922 
· Arte Abstrata no Brasil 
· Arte Conceitual 
· Categoria de profissões e profissionais que atuam nas artes visuais entre eles: Produtor cultural; Curador; Fotografo; Figurinista; Escultor; Arquiteto; Cenógrafo; Artista de rua.
· Dança livre e dança estruturada;
· Ações básicas de esforço por Rudolf Von Laban: socar; talhar; pontuar; sacudir; pressionar; torcer; deslizar; flutuar.
· Danças populares: marujada; carimbó; 
· Festivais indígenas: MaririYanawa; Festa Huni-kuin;
· Movimento corporal na dança moderna e na dança contemporânea.
· Explorar, criar e expressar-se através da improvisação, composição e interpretação musicais de maneira individual, coletiva e colaborativa.
· Samba: história e diversos estilos;
· Interpretação vocal e instrumental.
	DESENVOLVIMENTO DAS ATIVIDADES (Descrição de situações de ensino e aprendizagem para desenvolver as habilidades)
	
1º dia 
1º momento: colocar no quadro o seguinte conteúdo
Abaporu: pintura de Tarsila do Amaral
O quadro Abaporu é uma das mais emblemáticas obras da história da arte no Brasil.
Foi pintado com tinta a óleo pela artista paulistana Tarsila do Amaral no ano de 1928 e ofertado como um presente de aniversário ao seu marido, na época, o poeta Oswald de Andrade.
A tela pertence ao modernismo brasileiro e inaugura uma nova fase desse movimento: a fase antropofágica.
Em 1995, a tela foi vendida para o colecionador argentino Eduardo Costantini em um leilão pelo valor de 1,43 milhão. Atualmente, a obra se encontra no Museu de Arte Latino-Americano de Buenos Aires (MALBA).
Análise e significado da obra Abaporu
Abaporu (1928) de Tarsila do Amaral
Essa tela foi batizada de Abaporu em uma junção dos vocábulos tupis aba (homem), pora (gente) e ú (comer). Sendo assim, seu significado é "homem que come gente" ou "homem antropófago".
Nesse trabalho, é retratada uma figura humana sentada numa posição pensativa em uma paisagem árida e ensolarada. Entretanto, o que se sobressai na obra é justamente a ênfase dada ao tamanho dos membros, em detrimento do tamanho da cabeça.
Vemos um braço, uma perna, uma mão e, principalmente, um pé em dimensões exageradas. Esse recurso recebeu o nome de gigantismo e foi utilizado por Tarsila em outras telas.
Dessa forma, podemos perceber a importância que a artista dá à força dos pés e mãos que viabilizam o trabalho braçal do povo brasileiro.
A cabeça menor pode indicar uma suposta falta de pensamento crítico e "apaziguamento" da população. Por conta desses elementos, tal pintura é vista como uma crítica social.
Sobre as cores na composição, a escolha foi por tons vibrantes que remetem à brasilidade, com destaque para o verde, amarelo e azul - cores da bandeira nacional.
O cacto e o sol também fazem alusão direta à cultura brasileira, especialmente à região do Nordeste, que possui tal vegetação e sol o ano todo.
A cabeça apoiada na mão e o cotovelo no joelho, nos indicam, além disso, um certo abatimento, infelicidade, apatia ou depressão.
À esquerda a tela A negra (1923) e à direita o quadro Antropofagia (1929) também exibem o recurso do gigantismo na pintura
Movimento Antropófago
O movimento antropófago - ou antropofágico - foi uma corrente artística dentro do modernismo brasileiro.
O impulso para a criação desse movimento foi justamente o quadro Abaporu que, como dito anteriormente, tem como significado "homem que come gente".
Essa vertente da arte convidava os artistas a produzirem trabalhos com um viés voltado para a cultura do país, mesmo que com influências das vanguardas europeias.
O intuito era assimilar, "deglutir" a arte produzida na Europa e unificar a ela elementos e interesses do povo brasileiro, resultando em um tipo de arte genuinamente nacional.
Na época, ainda em 1928, foi criado por Oswald de Andrade o Manifesto Antropófago, um documento que trazia de forma satírica, bem humorada e poética as bases da nova corrente cultural.
Em trecho do manifesto, podemos ler:
Só a Antropofagia nos une. Socialmente. Economicamente. Filosoficamente. Única lei do mundo. Expressão mascarada de todos os individualismos, de todos os coletivismos. De todas as religiões. De todos os tratados de paz. Tupi, or not tupi that is the question. Contra todas as catequeses. E contra a mãe dos Gracos. Só me interessa o que não é meu. Lei do homem. Lei do antropófago.
Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral nasceu em 1º de setembro de 1886 na cidade de Capivari, interior paulista. Vindo de família de posses, estuda em São Paulo e termina sua formação em Barcelona, na Espanha.
Se interessa por arte ainda na adolescência, pintando sua primeira tela aos 16 anos.
Foi casada de 1926 a 1930 com o artista e agitador cultural Oswald de Andrade. Nesse período, o casal se une a outros artistas no chamado Grupo dos Cinco, composto por eles e por Anita Malfatti, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Juntos, eles iniciam uma nova fase cultural no Brasil.
Em 1965, a artista passa por uma cirurgia na coluna e fica paralítica em decorrência de erro médico. Tarsila faleceu aos 86 anos, em 1973, e deixou um legado inestimável.
Releituras de Abaporu
Como é comum acontecer com obras de arte importantes, o quadro Abaporu também foi alvo de releituras.
O artista Alexandre Mury, nascido na cidade de São Fidélis (interior do Rio de Janeiro), fez uma versão fotográfica da tela em 2010, que compõe um trabalho maior em que ele se fotografa em diversas outras releituras de obras icônicas.
O fotógrafo Alexandre Mury em releitura da obra Abaporu
Há ainda a versão de Abaporu produzida pelo famoso artista plástico Romero Britto.
O artista Romero Britto também fez sua releitura do icônico quadro Abaporu
Além disso, é possível perceber que a obra vem sendo bastante utilizada como material pedagógico e diversos estudantes brasileiros já reproduziram também suas releituras.
2º dia 
1º momento: pedir para os alunos resolverem a seguinte atividade
1. Quem pintou o quadro Abaporu e em que ano foi finalizado?
2. Para quemfoi presenteado o quadro Abaporu e em que ocasião?
3. O que significa a palavra Abaporu em tupi e como esse significado se reflete na obra?
4. Quais características físicas da figura humana representada em Abaporu são destacadas e o que elas simbolizam?
5. Como a obra Abaporu pode ser vista como uma crítica social?
6. Qual a relação entre as cores usadas na obra e a cultura brasileira?
7. O que o cacto e o sol representam na pintura e como esses elementos fazem alusão a uma região específica do Brasil?
8. Explique o conceito de gigantismo nas pinturas de Tarsila do Amaral. Onde mais ele aparece?
9. O que foi o Movimento Antropófago e como o quadro Abaporu influenciou a sua criação?
10. Qual o objetivo do Movimento Antropófago em relação à arte e cultura brasileiras?
11. Cite uma frase do Manifesto Antropófago e explique o seu significado no contexto do movimento.
12. Quais são algumas releituras modernas do quadro Abaporu mencionadas no texto?
3º dia
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
SEMANA DA ARTE MODERNA
No começo do Século XX, diante de tantas transformações industriais, econômicas e sociais no mundo, a Arte aqui no Brasil também buscava uma renovação social. Os artistas envolvidos nessa nova cultura, inspirados nas vanguardas europeias, propunham várias vertentes que refletissem a busca do homem pela liberdade total de criação. Logo, houve um rompimento com a arte acadêmica tradicional, colaborando para uma mudança estética e para o Movimento Modernista no Brasil.
MOVIMENTO ARTÍSTICO: O MODERNISMO
Tarsila do Amaral
Todo movimento artístico rompe com os padrões de movimentos anteriores. Isso geralmente ocorre em todas as formas de expressão: música, pintura, escultura e literatura. Entretanto, o novo nem sempre é bem acolhido, o que ficou evidente no caso do Modernismo que, a princípio, chocou a sociedade por fugir totalmente da estética conservadora. O Modernismo surgiu como rejeição ao passado e como busca incessante da liberdade radical de expressão. Oficialmente, o movimento Modernista surgiu, no Brasil, com a Semana de Arte Moderna, que apresentou novas ideias artísticas em três festivais realizados no Teatro Municipal de São Paulo.
SEMANA DE 22
Realizada nos dias 13,15 e 17 de fevereiro de 1922, no Teatro Municipal de São Paulo, a Semana de Arte Moderna exibiu concertos, conferências e exposições. Os escritores Mário de Andrade e Oswald de Andrade e o artista plástico Di Cavalcanti foram os grandes mobilizadores do evento. 
Foto de 1922 durante a Semana da Arte Moderna
Muitos artistas da época, como: Graça Aranha, Tarsila do Amaral, Heitor Villa-Lobos, Anita Malfatti e Guilherme de Almeida participaram do evento. Apesar de ter sido uma explosão de ideias inovadoras que aboliram completamente a perfeição estética apreciada no século XIX, a Semana de Arte Moderna só obteve importância com a divulgação de suas ideias com o passar do tempo.
 
Cartaz do primeiro dia do Festival
Os artistas envolvidos na Semana de 22 tinham como objetivo revolucionar a arte no Brasil. Portanto, eles buscaram impressionar o público que ainda estava envolvido com o conservadorismo da arte e seguia padrões tradicionais europeus. A utilização da linguagem coloquial e vulgar, o abandono do formalismo, a valorização da identidade nacional com temáticas nacionalistas e abordagem da realidade cotidiana brasileira e a liberdade de expressão foram características desse movimento.
Chegou um momento no Brasil que os intelectuais e os artistas sentiram a necessidade de abandonar os valores estéticos antigos e dar lugar a um novo estilo completamente contrário e, ao mesmo tempo, uma arte mais próxima à realidade brasileira, por isso que a Arte se multiplicou em vários estilos, correntes e movimentos, buscando de forma incessante uma liberdade radical de expressão.
4º dia
1º momento: copiar no quadro a seguinte atividade e pedir para os alunos resolverem
1. A Semana da Arte Moderna no Brasil buscava:
a) impressionar o público com apresentações clássicas e tradicionais.
b) a liberdade total da criação, seguindo padrões europeus conservadores.
c) a liberdade de criação artística totalmente oposta aos padrões já existentes.
d) a formalização da linguagem, seguindo a cultura predominante na época. 
2. Segundo o texto, o que impulsionou tantas transformações na arte aqui no Brasil em 1922?
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3. Sobre a Semana da Arte Moderna, assinale a alternativa FALSA:
a) O Modernismo surgiu como rejeição ao passado e como busca da liberdade radical de expressão.
b) O movimento Modernista surgiu aqui no Brasil a partir da Semana da Arte Moderna. 
c) Os artistas que se envolveram diretamente na Semana de 22 tinham como objetivo revolucionar a arte no Brasil.
d) Após a Semana de Arte Moderna, as ideias apresentadas nos festivais de imediato ganharam importância em todo o Brasil.
4. Cite três características do movimento artístico apresentado na semana de arte moderna.
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5. O Modernismo Brasileiro propôs:
a) o apego às normas clássicas brasileiras.
b) a ruptura com as vanguardas europeias.
c) a focalização do mundo mais psicológico. 
d) uma literatura com expressões populares.
6. Observe a imagem abaixo:
 
A obra acima é de Cândido Portinari, importante artista plástico do movimento modernista, chamada “Os Retirantes” (1944). Em suas obras, Cândido explora diversos temas de caráter social. Que mensagem o artista quis mostrar nessa obra?
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7. O Trenzinho do Caipira é uma composição de Heitor Villa-Lobos. A obra se caracteriza por imitar o movimento de uma locomotiva com os instrumentos da orquestra: “Lá vai o trem com o menino / Lá vai a vida a rodar / Lá vai ciranda e destino / Cidade noite a girar”. Agora, imagine que você está fazendo uma viagem de trem. Faça um desenho, registrando a sensação dessa viagem.
  
5º dia
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
ARTE ABSTRATA NO BRASIL: COMO O MOVIMENTO CHEGOU AOS PAÍS, SEUS ARTISTAS E OBRAS
Enquanto, já em 1912, Kandinsky começava sua produção de obras abstratas na Europa, apenas em 1940, o abstracionismo começaria a desembarcar em terras brasileiras, pelas mãos de Abraham Palatnik, Manabu Mabe e Luiz Sacilotto, atualmente reconhecidos como os pioneiros da arte abstrata no Brasil. 
Entretanto, foi apenas após a realização da 1ª Bienal de São Paulo, em 1951, que o movimento de arte abstrata no Brasil ganhou força. A partir daí um número significativo de artistas iriam “abraçar” o estilo de fazer arte, que não tem nenhum compromisso com real, propondo exatamente o rompimento com a busca pela representação da realidade. Entre esses artistas abstratos brasileiros estão:
· Antonio Bandeira;
· Ivan Serpa;
· Iberê Camargo;
· Manabu Mabe;
· Waldemar Cordeiro;
· Lygia Clark;
· Hélio Oiticica;
· Alfredo Volpi e mais.
É bastante comum ouvir o termo “arte abstrata”, mas você sabe o que isso significa? Para ficarmos todos na mesma página, vamos fazer uma breve, porém importante pausa na apresentação sobre o abstracionismo no Brasil, para explicar o conceito relacionado a esse modo de pensar a arte. 
O QUE É ARTE ABSTRATA? 
As abordagens encontradas na pintura abstrata abrangem muitos movimentos, incluindo:
· expressionismo alemão;
· fauvismo;
· cubismo;
· expressionismo abstrato. 
A arte abstrata surgiu durante o final do século XIX e início do século XX, como uma das formas de ruptura em relação a pintura acadêmica, clássica e tradicional na Europa 
A principal característica da arte abstrata é que ela é uma prática não-representacional, o que significa que ela se distancia, propositalmente, das referências literais e representacionais de objetos, situações, pessoas ou qualquer coisa que esteja presente “no mundo real”.
Os artistas abstratos brasileiros, assim como os artistas de todo o mundo, que passaram a se dedicar à arte abstrata, estavam indo contra os ensinamentos formais e começaram a criar obras de arte que não se referiam a elementosreais.
Alguns especialistas em arte abstrata ainda propõe que essa “nova” forma de pintar – e criar – seria a “arte pura” devido aos temas oriundos inteiramente do interior dos artistas, ao contrário de serem copiados ou referenciados do mundo real. 
Os artistas abstratos experimentaram novas técnicas, como:
· usar cores vivas;
· reconstruir formas;
· rejeitar a perspectiva tridimensional realista.
ARTE ABSTRATA NO BRASIL 
Um ano antes da 1ª Bienal de São Paulo, em 1950, o pintor Samson Flexor criou o atelier Abstração, em São Paulo, no qual difundia os conhecimentos e técnicas comuns do abstracionismo nas artes. A partir dessa escolas, duas frentes do abstracionismo brasileiro se consolidaram: 
· expressionistas abstratos, como Yolanda Mohaly, Tomás lanelli e Manabu Mabe;
· neoconcretistas, entre eles Lygia Clark, Aluísio Carvão e Lygia Pape.
No exterior, arte abstrata no Brasil tinha como principal nome o artista Antonio Bandeira e suas obras abstratas com elementos de “recordações da realidade visível”.
PRINCIPAIS ARTISTAS DO ABSTRACIONISMO NO BRASIL
Como citamos acima, muitos artistas se tornaram representantes da arte abstrata brasileira. A verdade é que a produção desse tipo de obra não ficou presa no início do século XX e está presente até hoje nas obras de novos e contemporâneos artistas. 
Visto isso, torna-se impossível falar sobre todos esses artistas e obras. A fim de apresentar uma parte da produção brasileira no período de chegada da arte abstrata no país, selecionamos três nomes com grande legado nacional e internacional. 
1. ANTONIO BANDEIRA (1922-1967)
Um dos pioneiros do abstracionismo brasileiro, Antonio Bandeira se tornou o grande nome nacional do estilo, no exterior. 
Fez parte do movimento de arte moderna no Brasil e foi um dos fundadores do Centro Cultural de Belas Artes – CCBA, no Ceará. 
As obras do artista surgem de traços e pinceladas, e propõe uma relação livre entre elementos, que por sua vez, formam figuras e imagens. 
Fonte: A Catedral [The Cathedral] (1964) | Antonio Bandeira | Reprodução fotográfica autoria desconhecida
2. WALDEMAR CORDEIRO (1925-1973)
Uma busca constante por manter a arte brasileira em sintonia com a produzida em outros países, esse era um dos trabalhos que, voluntariamente, Waldemar Cordeiro realizava em prol do mercado artístico nacional. 
Preocupava-se com a base teórica de seus trabalhos, tendo como fonte principal a teoria da Gestalt e do Neoplasticismo. Se posicionava como opositor à arte figurativa, o que o tornou um militante da arte abstrata no Brasil. Também possui um legado marcante entre os teóricos da arte concreta no Brasil. 
Fonte: Estudo (1952) | Waldemar Cordeiro | Acervo: Itaú Cultural | Reprodução fotográfica Romulo Fialdini
3. HÉLIO OITICICA (1937-1980)
Também da vertente de arte concreta no Brasil (posteriormente passando para o neoconcretismo), Hélio Oiticica foi um pintor, escultor, artista plástico e performático brasileiro. 
Membro do Grupo Frente, trabalhou com a abstração geométrica durante muitos anos até, no fim dos anos 50, se juntar ao Grupo Neoconcreto. Também foi um dos grandes nomes, não apenas da arte abstrata no Brasil, como de toda a história da arte nacional.
Fonte: Grupo Frente (1956) | Hélio Oiticica | Acervo: Itaú Cultural | Reprodução fotográfica autoria desconhecida
A seguir, selecionamos outras obras de arte abstrata no Brasil, de importantes artistas de nosso país.  
Fonte: Amilcar de Castro – Lito I | Acervo Laart
Fonte: Cildo Meireles – Composição III (2009) | | Acervo Laart
6º dia
1º momento: realizar a seguinte atividade escrita com os alunos
1. Em que ano o abstracionismo começou a ser introduzido no Brasil, e por quais artistas?
2. Qual evento, em 1951, ajudou a fortalecer o movimento de arte abstrata no Brasil?
3. O que caracteriza a arte abstrata em relação à representação da realidade?
4. Quais são alguns dos movimentos que influenciaram a pintura abstrata?
5. Quem foi Samson Flexor e qual foi sua contribuição para a difusão do abstracionismo no Brasil?
6. Quais foram as duas principais frentes do abstracionismo brasileiro mencionadas no texto?
7. Quem foi Antonio Bandeira e qual foi sua importância para o abstracionismo brasileiro no exterior?
8. Como Waldemar Cordeiro contribuiu para o desenvolvimento da arte abstrata e concreta no Brasil?
9. O que levou Hélio Oiticica a se destacar na arte abstrata e neoconcreta no Brasil?
10. Quais novas técnicas os artistas abstratos experimentaram em suas obras, segundo o texto?
7º dia
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
Arte Conceitual
A Arte Conceitual é uma vanguarda artística moderna e contemporânea que surgiu nos anos 60 e 70 na Europa e nos Estados Unidos.
Como o próprio nome indica, trata-se de uma expressão artística mais pautada nos conceitos, reflexões e ideias, em detrimento da própria estética (aparência) da arte. Nela, a atitude mental é o mais relevante.
Em outras palavras, a arte conceitual é uma “arte-ideia” em detrimento da “arte-visual”, sendo o principal material da arte a "linguagem".
Diante disso, os artistas conceituais preocupam-se em criar reflexões visuais para seus espectadores.
Resumo sobre Arte Conceitual
Esse movimento artístico que critica o formalismo e propõe a autonomia da obra artística, foi capaz de revolucionar muitos aspectos da arte.
O termo “arte conceitual” foi utilizado pela primeira vez pelo artista, escritor e filósofo estadunidense Henry Flynt, em 1961, durante as práticas do Grupo Fluxus.
Obra Ceiling Painting, de Yoko Ono - do Grupo Fluxus, exposta em 1966 em Londres (Inglaterra)
O Grupo Fluxus foi um movimento que reuniu artistas em todo o mundo e tinha como base fazer oposição à comercialização da arte.
Eles trouxeram novas definições à pratica artística, dissipando os limites da arte e mesclando diversos conceitos, com grande influência do dadaísmo.
Sobre a arte conceitual, afirma o escultor estadunidense Sol LeWitt (1928-2007):
A própria ideia, mesmo se não é tornada visual, é uma obra de arte tanto quanto qualquer produto.
Para muitos estudiosos, Marcel Duchamp (1887-1968) foi um dos precursores da arte conceitual no momento em que colocou um mictório no museu e o chamou de arte, com sua obra Fonte, de 1917.
Anteriormente, o artista já havia elaborado outras obras que seguiam a mesma linha, como Roda de Bicicleta, de 1913.
À esquerda Marcel Duchamp com a obra Roda de Bicicleta (1913). À direita, a obra Fonte (1917)
Ali, a ideia dos “ready mades” (já feito), considerado uma antiarte, não era o produto artístico, mas sim o conceito de arte que o artista quis demostrar e que levava mais ao processo reflexivo, em detrimento do visual.
A grande questão da arte conceitual era definir os limites e fronteiras do fazer artístico, ou seja, ela é baseada na indagação: O que é arte?
 
O artista recifense Paulo Bruscky em performance conceitual de 1978
Principais caraterísticas da Arte Conceitual
Podemos listar como as principais caraterísticas da arte conceitual:
· Crítica ao formalismo e ao mercado da arte;
· Crítica ao materialismo e ao consumo;
· Oposição ao hermetismo da arte minimalista;
· Popularização da arte como veículo de comunicação;
· Arte mental e reflexiva;
· Radicalismo e culto à antiarte;
· Ruptura com a arte clássica e formal;
· Uso de fotografias, textos, vídeos, instalações, performances (teatro, dança).
A Arte Conceitual no Brasil
Essa proposta de arte mais reflexiva atingiu o país a partir de 1970. No Brasil, alguns artistas conceituais que merecem destaque foram:
· Cildo Meireles (1948): artista plástico
· Artur Barrio (1945): artista plástico luso-brasileiro
· Carlos Fajardo (1941): artista multimídia
· José de Moura Resende Filho (1945): escultor e arquiteto
· Mira Schendel (1919-1988): artista suíça radicada no Brasil
· Antônio José de Barros de Carvalho e Mello Mourão “Tunga” (1952-2016): ator performance, escultor e desenhista
· Waltércio Caldas (1946): artista gráfico, escultor e desenhista
Mensagens questionando a ditadura em garrafas de coca-cola que voltavamà circulação (Cildo Meireles)
 
Principais Artistas
No mundo, os principais representantes da arte conceitual foram:
· Marcel Duchamp (1887-1968)
· Joseph Beuys (1921-1986)
· Joseph Kosuth (1945)
· Daniel Buren (1938)
· John Cage (1912-1992)
· Nam June Paik (1932-2006)
· Wolf Vostell (1932-1998)
· Yoko Ono (1933)
· Lawrence Weiner (1942)
· Robert Barry (1936)
· Keith Arnatt (1930-2008)
· Robert Rauschenberg (1925-2008)
· Charlotte Moorman (1933-1991)
· Sol LeWitt (1928-2007)
· Genco Gulan (1969)
· 
8º dia
1º momento: pedir para os aluno copiarem e resolverem a seguinte atividade
1. Quem foi Marcel Duchamp e por que ele é considerado um dos principais representantes da arte conceitual?
2. Quais características da obra de Joseph Beuys o tornaram uma figura importante na arte conceitual?
3. Joseph Kosuth é conhecido por suas contribuições à arte conceitual. Qual foi sua principal abordagem artística?
4. Qual a importância de Daniel Buren para o movimento da arte conceitual?
5. John Cage, além de artista conceitual, era conhecido por sua atuação em outra área artística. Qual era essa área?
6. Nam June Paik foi um dos pioneiros em explorar novas tecnologias na arte conceitual. O que ele trouxe de novo para esse movimento?
7. Como Yoko Ono, além de ser uma figura pública famosa, influenciou a arte conceitual com suas obras?
8. Quais foram as contribuições de Sol LeWitt para a arte conceitual e o que o diferenciava de outros artistas do movimento?
9. Quais artistas da lista, além de Joseph Kosuth, ainda estão vivos e continuam a influenciar o mundo da arte conceitual?
10. Robert Rauschenberg é um nome famoso na história da arte. Qual foi seu papel no desenvolvimento da arte conceitual?
9º dia
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
Mercado de atuação de artistas visuais 
Nós vivemos em um mundo que está caminhando para a inovação e o crescimento das oportunidades através das artes, e com isso, a tendência é gerar valor e negócios. O curso de artes visuais abre um leque de oportunidades incrível para esta carreira. 
O que são artes visuais?
A arte é resultado da criatividade e técnicas que o artista aplica sobre uma base para gerar valor, através das suas técnicas, ele alcança diversos resultados e gera beleza, sensações e sentimentos nos admiradores da sua obra.
O conjunto de objetos ou experiências criadas conscientemente através da expressão ou imaginação é denominado artes visuais.
As principais manifestações artísticas são o desenho, a pintura, a escultura, a gravura, as artes decorativas, a fotografia, a instalação, e todas as outras atuais que o homem foi encontrando para conseguir se expressar.
Oportunidades do mercado de trabalho
Os profissionais que se formam em artes visuais podem atuar em diversas áreas, desde indústrias até a educação. As possibilidades são amplas, passando por museus, universidades, galerias de arte, instituto de conservação e muitos outros locais onde um artista pode atuar.
Áreas de atuação
Vamos conhecer mais a fundo todas as oportunidades que um artista visual tem no mercado de trabalho, que está crescendo bastante, para quem optou por seguir esta carreira:
Ilustração
Neste ramo, o artista conta histórias de maneira visual, desenhando em diferentes bases, manual ou digital. Este trabalho é desenvolvido em parceria com escritores ou redatores em agências de publicidade, editoras ou produtoras de conteúdo.
Comunicação e marketing
O profissional que atua neste ramo elabora estratégias de comunicação e entra em contato com diversos perfis de cliente, levando até eles estratégias e planejamento para suas empresas.
Pintura
Quem trabalha nesta área costuma dominar diferentes técnicas e materiais, precisa ser um bom observador e dominar a arte do desenho. O pintor pode desenvolver retratos, paisagens e pinturas, o mais importante nesta área é conseguir se comunicar de maneira autêntica e única.
Games
Nós estamos vivendo na era da gamificação, e com isso o espaço se ampliou para o profissional que domina esta técnica. Neste ramo o artista pode desenvolver jogos, aplicativos, animação, tudo vai depender de quanto ele se identifica com o assunto e da sua criatividade.
Designer de cena
Uma área bastante explorada é o planejamento de cenários para espetáculos, na TV e teatro, o profissional que atua nesta área deve pensar em todos os detalhes do espaço, no contexto da apresentação e até mesmo nas luzes fazem parte da apresentação. Este profissional pode atuar em TV, teatro e companhias de danças.
Educação
O profissional atua em instituições de ensino e ensina técnicas de artes visuais para os alunos. Este artista é responsável por ensinar as diferentes técnicas da arte e como tudo começou passando pela história, movimentos artísticos e ampliando os horizontes dos alunos através de passeios culturais para museus e outros espaços públicos. O professor de arte pode atuar em instituições, universidades e empresas históricas.
Curadoria
O curador tem a responsabilidade de cuidar dos detalhes de uma apresentação de obras de arte. É ele quem faz a seleção e pensa como e em qual espaço a obra será mais valorizada, ele precisa se colocar no lugar do espectador para conseguir fazer uma apresentação perfeita dos quadros e valorizar os artistas e suas obras. Este profissional atua principalmente em museus e galerias de arte.
Fotógrafo 
O fotógrafo é aquele que faz o registro de momentos e eventos através de equipamentos fotográficos para contar histórias através de fotografias. Ele pode tirar fotos de pessoas, lugares, eventos ou objetos, utilizando câmeras e acessórios fotográficos.
Escultor
O escultor faz peças de arte em três dimensões, usando diversos materiais e técnicas de trabalho. A escultura é a quarta das artes clássicas, a qual ilustra e representa imagens em relevo, seja ele total, ou parcial. Para criar as esculturas, tens à tua disposição várias técnicas para trabalhar os diferentes materiais, entre as quais podemos mencionar:
· Fundição
· Cinzelação
· Moldagem
· Aglomeração
Cenógrafo 
Um cenógrafo é um profissional com ligação a uma área artística onde a criatividade é aplicada com a utilização de vários materiais para a construção de cenários. Os profissionais formados em cenografia podem despenhar funções como, por exemplo, diretor, cenógrafo, figurinista e criativo, separadamente, ou em simultâneo.
10º dia
1º momento: pedir para os alunos resolverem a seguinte atividade
1. O que são artes visuais e como os artistas visuais utilizam sua criatividade para gerar valor em suas obras?
2. Quais são as principais manifestações artísticas que fazem parte das artes visuais? Cite pelo menos três exemplos.
3. Quais áreas de atuação estão disponíveis para um artista visual no mercado de trabalho?
4. Como o ilustrador visual pode contribuir para o mercado de publicidade e editoras?
5. De que forma o artista visual pode atuar na área de comunicação e marketing?
6. O que um artista precisa dominar para se destacar na área de pintura e como ele se comunica através de suas obras?
7. Como a gamificação abriu novas oportunidades para artistas visuais no desenvolvimento de jogos e aplicativos?
8. O que faz um designer de cena e em que áreas ele pode trabalhar?
9. Qual é o papel de um curador e por que ele é importante em museus e galerias de arte?
10. Como um escultor trabalha e quais são as principais técnicas que ele pode usar para criar suas peças de arte?
11º dia 
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
ELEMENTOS ESTRUTURAIS DA DANÇA 
        A dança é uma linguagem artística. Seus signos são os movimentos. É uma "escrita hieroglífica", onde os elementos possuem sua tradução significativa a partir das relações que estabelecem dentro do conjunto da cena. Na dança temos o movimento do corpo como signo da linguagem. Os fundamentos essenciais da dança são:
• Movimento: Os movimentos básicos das partes do corpo (translações e rotações) e as combinações entre eles. Podemos executá-los isoladamente, depois combiná-los sucessivamente e ainda simultaneamente e podemos parar omovimento no instante de sua execução.
· Movimento potencial: É como chamamos as pausas do movimento, ou seja, quando as partes do corpo não descrevem nenhuma trajetória no espaço.
· Movimento liberado: É quando ele se realiza no espaço. São os movimentos realizados com o corpo como um todo no espaço.
Famílias de movimentos: Os movimentos em dança concentram-se em grupos denominados famílias da dança que são: transferências, locomoções, saltos, voltas, quedas e elevações.
· Espaço-Forma: Todo movimento corporal acontece no espaço, produzindo diferentes configurações, portanto diferentes formas. Envolve a experiência de movimentos realizados em diferentes planos, direções, sentidos, níveis, trajetórias e amplitudes, o que contribui para uma boa definição, precisão e clareza do movimento.
· Dinâmica: Refere-se ao estudo da força, do que impulsiona o movimento relacionando o indivíduo com seu próprio corpo, com o outro e com o seu entorno, ampliando assim o leque de possibilidades expressivas e criativas através do movimento. Quanto à força ou dinâmica um movimento pode ser fraco, médio ouforte.
· Tempo : São os referenciais temporais que estabelecem a ligação entre a dança e a música. Os referencias principais deste fundamento são:
- O ritmo, que se caracteriza pela distribuição de elementos ao longo do tempo. Na música nós temos o som e o silêncio como elementos básicos, na dança omovimento e a pausa. 
- O andamento, que é como denominamos o referencial abordado quando queremos aplicar diferentes velocidades a esse ritmo. Este referencial está totalmente relacionado com o andamento da teoria musical.
Esses referenciais temporais são fundamentais no trabalho corporal, pois podem influenciar nas variações da dinâmica a partir da aplicação de diferentes velocidades na execução de movimentos e na distribuição rítmica variada na construção das combinações das partes do corpo.
Quem foi Rudolf Laban e qual sua importância para a dança?
Bailarino e coreógrafo, Laban é considerado o maior teórico da dança do século XX e é conhecido como o pai da dança-teatro. Dedicou sua vida ao estudo e sistematização linguagem do movimento em seus diversos aspectos: criação, notação, apreciação e educação. Os pais de Laban eram húngaros. 
Qual a importância de Rudolf?
Rudolf Laban classificou os elementos e/ou fatores do movimento como Fluência, Espaço, Peso e Tempo. Esses fatores compõem qualquer movimento em maior ou menor grau de manifestação.
Quem foi Laban qual a importância dele na dança contemporânea?
Rudolf Von Laban (1879-1958) foi dançarino e coreógrafo, considerado um dos maiores teóricos da dança do século XX. Dedicou sua vida ao estudo da sistematização da linguagem do movimento em diversos aspectos: criação, notação, apreciação e educação. 
Qual a proposta de Rudolf Von Laban na dança?
O gesto na dança e no teatro
A forma de dança-teatro alemã - tanztheater - foi inicialmente desenvolvida por Rudolf von Laban nas primeiras décadas do século XX, tendo como principal objetivo o delineamento de uma linguagem apropriada ao movimento corporal. 
O quê Laban defendia em relação a dança?
Segundo Laban (1980, cit. por Oliveira, 2009), o movimento perspectivava-se holisticamente como um processo onde os segmentos do corpo, das formas, do espaço e das relações se combinam mas não formam o todo, sendo o todo mais do que as partes.
O quê Rudolf von Laban explora em seus estudos sobre dança?
Suas teorias sobre o movimento e a coreografia estão entre os fundamentos principais da Dança Moderna e fazem parte de todas as abordagens contemporâneas da dança.
 
Quais as contribuições dos artistas Rudolf Laban e Emile Jaques Dalcroze para a dança moderna?
Émile Jaques-Dalcroze (1865-1950) foi professor de música, nascido na cidade de Viena na Áustria. Dalcroze desenvolveu um sistema de treinamento de sensibilização musical, denominado eurritmia, no qual tinha a função de transformar o ritmo em movimentos corporais, uma ginástica rítmica. 
O que é o método de Laban?
O Método de estudo do movimento desenvolvido por Rudolf von Laban é um sistema que descreve e analisa o movimento, gabando-se de sua aplicação universal. Trabalhos anteriores têm investigado sua aplicação em regência, no sentido de facilitar o desenvolvimento de um repertório gestual amplo na prática do aluno. 
FATORES DE MOVIMENTO PARA LABAN
Rudolf Laban classificou os elementos e/ou fatores do movimento como Fluência, Espaço, Peso e Tempo. Esses fatores compõem qualquer movimento em maior ou menor grau de manifestação. 
Quais são as características das coreografias do Método de Laban?
Uma das características da Labanotation usa símbolos abstratos para definir a direção e nível do movimento, a parte do corpo fazendo o movimento, a duração do movimento e a qualidade dinâmica do movimento. 
Quais são as três funções mecânicas do movimento propostas por Laban?
Laban concebe o corpo como uma totalidade complexa. Ação básica de esforço é aquela na qual fica evidente uma atitude do agente perante três dos fatores de movimento: espaço, peso e tempo. 
Qual a importância de Rudolf Laban para a dança moderna?
Laban, com a sua análise do movimento, contribuiu para que os seres humanos sejam capazes de tomarem consciência de seus corpos, utilizando da melhor maneira possível os movimentos, que são a combinação das quatro categorias: expressividade, espaço, forma e o corpo. 
Quais os principais nomes da dança moderna e suas contribuições?
Alguns pioneiros da dança moderna são: as americanas Isadora Duncan, Martha Graham, Martha Loie Fuller e Ruth St Dennis e o suíço Emile Jacque Dalcroze. 
Quais foram os artistas responsáveis por fundar a dança moderna?
Entre os principais artistas que começaram este movimento estão as americanas: Loie Fuller (1862–1928), Isadora Duncan (1877–1927), Ruth St Dennis (1879–1968) E Martha Graham (1894–1991); o suíço Emile Jacques Dalcroze (1865–1950); a alemã Mary Wigman (1886–1973) e o húngaro Rudolf von Laban (1879–1958). 
Porque Rudolf Von Laban usava a expressão dança-teatro?
Segundo Bradley (2009), Laban acreditava que a dança-teatro era uma nova forma de arte e que, neste novo gênero, o movimento em si mesmo era a principal preocupação, tudo o mais era secundário. Ele não estava interessado na incorporação da música ou em um ideal estético particular, e sim no movimento. 
Quais as principais características da dança contemporânea?
possibilidades de movimentos próximos ao chão; quedas e repousos; ausência de técnicas únicas; possibilidade da junção de outras linguagens, como teatro, performance e artes visuais.
Qual a origem das coreografias?
Arte de criar e compor danças, o termo coreografia (do grego choreia, “dança”, e graphein, “escrita”), designava, nos séculos XVII e XVIII, um sistema de sinais gráficos que representam os movimentos dos bailarinos. Esse significado foi atribuído à expressão “notação coreográfica”, a partir do século XIX. 
12º dia
1º momento: pedir para os alunos resolverem a seguinte atividade 
1. O que são os "movimentos potenciais" na dança e como eles diferem dos "movimentos liberados"?
2. Quais são as principais famílias de movimentos na dança? Dê exemplos de como cada uma delas pode ser representada no corpo.
3. Explique o que é o elemento "Espaço-Forma" na dança e como ele influencia a criação dos movimentos.
4. O que é a "dinâmica" na dança e como ela se relaciona com a intensidade dos movimentos?
5. Quais são os principais referenciais temporais que ligam a dança à música, e como eles influenciam o ritmo de uma coreografia?
6. Quem foi Rudolf Laban e por que ele é considerado um dos maiores teóricos da dança moderna?
7. Como o método de Laban classifica os fatores de movimento? Explique cada um desses fatores.
8. O que significa "dança-teatro" e por que Rudolf Laban é considerado um dos principais desenvolvedores dessa linguagem artística?
9. De acordo com Laban, como o movimento pode ser visto de forma holística? Explique a ideia de que o "todo é mais do que as partes" na dança.
10. Quaissão as características da dança contemporânea mencionadas no texto e como elas se diferenciam da dança tradicional?
13º dia
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
Carimbó: tudo sobre a dança típica do Pará
O carimbó é uma dança de roda típica do nordeste do Pará, estado da Região Norte do Brasil, popular entre os nortistas e nordestinos.
Também chamado de Pau e Corda, Samba de roda do Marajó e Baião típico de Marajó, a dança do carimbó é realizada em pares e marcada por movimentos giratórios.
Origem do carimbó
A palavra "carimbó" é de origem indígena. Do tupi korimbó (pau que produz som) resulta da junção dos elementos curi, que significa “pau”, e mbó, que significa “furado”.
O nome faz referência ao curimbó, principal instrumento musical utilizado nessa manifestação folclórica. O curimbó é uma espécie de tambor tocado com as mãos, feito com um tronco escavado e oco.
O carimbó do Pará foi trazido ao Brasil pelos escravizados africanos. Posteriormente, foram incorporadas influências indígenas e europeias, especialmente ibéricas.
O costume da dança surgiu com o hábito dos agricultores e dos pescadores que, ao fim dos trabalhos diários, dançavam ao ritmo do tambor.
Tipos de carimbó
Os tipos de carimbó surgem em decorrência da ocupação profissional desenvolvida pelos participantes, as quais podem variar conforme a localização no estado.
São essas atividades que dão origem à letra das músicas cantadas no carimbó, pois nelas constam histórias do cotidiano.
Tendo em conta a dimensão do Pará, surgem, pelo menos, os seguintes tipos:
· carimbó praieiro
· carimbó pastoril
· carimbó rural
· 
Instrumentos do carimbó
Para tocar a música do carimbó são utilizados dois curimbós, tambores indispensáveis na execução do carimbó do Pará.
Além do curimbó, mais alguns instrumentos são utilizados: afoxé, banjo, flauta, ganzá, maracá, pandeiro e reco-reco.
Roupas do carimbó
As vestimentas utilizadas são das características do carimbó que mais se destacam.
As saias das mulheres são muito coloridas, bastante volumosas e rodadas, para garantir um efeito mais bonito ao movimento da dança.
As blusas geralmente são de uma cor só e, nos pés, não usam nenhum calçado. Além disso, as mulheres utilizam adornos no pescoço e nos pulsos, e enfeitam os cabelos com flores.
Já a roupa dos homens é simples e lembra a veste de certos trabalhadores que usam as calças curtas ou dobradas. Tal como as mulheres, os homens também dançam descalços.
Trajes típicos do carimbó. Foto: Jeso Carneiro
Coreografia do carimbó
A dança do carimbó é feita em pares, que formam uma roda. O rapaz convida a moça para a dança batendo palmas na frente dela.
Com as saias, as mulheres executam movimentos tentando cobrir a cabeça dos seus pares.
Há passos que imitam movimentos de animais. É o caso do passo dança do peru ou carimbó do peru, executado quando um casal vai para o centro da roda.
Nesse momento da coreografia, a dançarina deixa um lenço no chão, que deve ser apanhado pelo dançarino usando apenas a boca, ao som de:
"O peru da Atalaia,
xô, peru,
O peru e a perua,
xô, peru,
O peru está na roda,
xô, peru,
O peru é uma besta,
xô, Peru,
O peru e a perua,
xô, peru,
Apanha o lenço peru
xô, peru.
O peru pegou o lenço xô, peru."
Se o dançarino consegue, ele é aplaudido e permanece na dança. Caso contrário, abandona a dança sob vaias.
Carimbó do Macaco, de Pinduca
O Carimbó do Macaco é uma música bastante popular do artista paraense Pinduca, considerado o Rei do Carimbó Moderno.
Confira a letra de Carimbó do Macaco:
“Eu quero ver, ô, menina eu quero ver
Eu quero ver, você agora embolar
Eu quero ver, ô, menina eu quero ver
O carimbó do macaco
Que eu fiz pra você cantar
É macaco caco macaco
Macaco, macaco au
O macaco ó do macaco
O macaco do macacal
Eu conheço um macaquinho
Que é filho do macacão
Neto do macaco velho
Que mora lá no sertão.”
Curiosidades sobre o carimbó
Em 2014, depois de dez anos de inventário, o carimbó foi declarado (por unanimidade) no Conselho Consultivo do Patrimônio Cultural como Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil,
No dia 11 de novembro de 2015, essa dança folclórica paraense recebeu oficialmente a titulação de Patrimônio Cultural do Brasil, pelo IPHAN (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional).
Outro fato interessante sobre o carimbó é que, no Pará, o dia 26 de agosto é Dia Municipal do Carimbó. Esse é o dia de nascimento do Mestre Verequete, músico que ficou conhecido como Rei do Carimbó.
MARUJADA
A marujada é também chamada de fandango. É uma festa popular com música, encenações e coreografias.
Marujada: importante folguedo brasileiro
 
O que é
A marujada, também conhecida como fandango, é um folguedo típico das regiões Nordeste e Norte do Brasil. A marujada é considerada uma importante representação cultural, de caráter popular, do folclore brasileiro. Participam, deste folguedo, homens (geralmente com os instrumentos musicais), mulheres (geralmente nas danças e encenações) e também crianças (nas encenações).
 
Origem
A marujada surgiu em Portugal, como comemoração, no contexto das conquistas e descobrimentos marítimos dos séculos XVI e XVII. Chegou ao Brasil, através dos portugueses que colonizaram nosso país. Porém, sofreu, em terras brasileiras, algumas modificações e adaptações culturais, ficando desta forma um pouco diferente do fandango de Portugal.
 
O que retrata
Retratam, além das descobertas marítimas, a difícil vida dos marinheiros em alto mar. Também ocorre a louvação a São Benedito e a influência da cultura africana (refletida através  dos ritmos musicais e dos movimentos de dança).
Como é a encenação da marujada
No início da encenação da marujada, os personagens (principalmente marinheiros da tripulação) puxam uma réplica pequena de um barco a vela ou caravela.
Com muita dança e músicas (principalmente cantos lamentosos), acompanhadas de instrumentos de corda, os participantes gritam frases relacionadas aos descobrimentos marítimos e a vida no mar. Entre estas frases, destacam-se: “Somos marujos do mar!” e “Marinheiros somos!”.
 
A música da marujada
A música da Marujada é um elemento crucial deste folguedo, servindo como uma forma de expressar alegria, devoção religiosa e a celebração da cultura e comunidade. Caracteriza-se por seu ritmo vibrante e contagiante, refletindo suas raízes africanas e portuguesas.
Algumas características da música da Marujada incluem:
• Ritmo Percussivo: a música da Marujada é caracterizada por um ritmo forte e percussivo, que conduz a dança dos participantes. Os instrumentos mais comumente usados incluem tambores, pandeiros e tamborins.
• Coro e Cantos: As canções são geralmente realizadas por um coro, muitas vezes com um solista cantando versos e o coro respondendo em um padrão de chamada e resposta. As letras das canções variam, mas frequentemente incluem louvores a São Benedito e referências à vida marítima.
• Improvisação: Em algumas versões da Marujada, há espaço para a improvisação, permitindo que os músicos mostrem sua habilidade e criatividade.
• Repetição: As canções da Marujada geralmente têm refrões repetitivos e versos que são cantados repetidamente, criando um efeito hipnótico e propiciando a participação do público.
• Alegria e Exaltação: A música da Marujada é frequentemente exuberante e alegre, refletindo a natureza de celebração do evento.
Curiosidade: 
Geralmente, os personagens da marujada usam roupas brancas com detalhes em azul, vermelho ou amarelo. Estas roupas se assemelham aos uniformes dos marinheiros.
 
	
	Marujada no Piauí
14º dia 
1º momento: pedir para os alunos resolverem a seguinte atividade
1. Qual é a origem da palavra "carimbó" e o que ela representa?
2. Como os instrumentos musicais influenciam o ritmo e a dança do carimbó? Cite pelo menos dois instrumentos.
3. Quais são as principais influências culturais que contribuíram para o surgimento do carimbó no Pará?
4. Como a vestimenta das mulheres no carimbó ajuda a enriquecer a coreografia da dança?
5. Explique o passo "dança do peru" e o que o dançarino deve fazerdurante esse momento da coreografia do carimbó.
6. Em que data o carimbó foi declarado Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil e por qual instituição?
7. De acordo com o texto, quais são os tipos de carimbó que surgiram no estado do Pará e como eles refletem a cultura local?
8. Qual é a principal característica da música da marujada e como ela reflete as influências africanas e portuguesas?
9. Explique como a marujada representa a vida dos marinheiros e a relação deles com os descobrimentos marítimos.
10. Quais são as principais cores das vestimentas utilizadas pelos personagens da marujada e o que essas roupas simbolizam?
15º dia
1º momento: colocar no quadro o seguinte conteúdo 
Dança Contemporânea: Arte e Movimento
O que é Dança Contemporânea?
A dança contemporânea é uma forma de expressão artística que transcende as barreiras tradicionais do balé clássico e da dança moderna, caracterizando-se por sua flexibilidade e liberdade criativa.
Imagem cedida pelo Professor Eurim Pablo.
A dança contemporânea não se prende a uma única técnica ou estilo, mas incorpora uma ampla gama de movimentos e influências, permitindo aos dançarinos e coreógrafos explorarem novas formas de comunicação e expressão corporal.
Principais Características da Dança Contemporânea
A dança contemporânea se destaca por várias características marcantes, incluindo:
· Movimentos próximos ao chão, incorporando quedas e repousos que desafiam a gravidade.
· Ausência de técnicas padronizadas, permitindo uma maior liberdade de expressão.
· Integração de outras linguagens artísticas, incluindo elementos do teatro, performance e artes visuais.
· Experimentação constante, encorajando a inovação e a exploração de novas formas de movimento.
Disponível em https://www.flickr.com/photos/vivadancafestival/48350191837 Acesso em 03, junho de 2024.
A dança contemporânea nos provoca a refletir sobre a capacidade de criar e inovar, rompendo com normas e padrões estabelecidos. Ao desafiar convenções, ela permite que os dançarinos explorem diferentes formas de linguagem expressiva, revelando a complexidade e a individualidade dos corpos em movimento.
Origem da Dança Contemporânea
A dança contemporânea surgiu na década de 1950 como uma forma de protesto contra as tradições rígidas da dança clássica. Foi uma resposta aos desejos dos artistas de explorar novas possibilidades de expressão e de se libertar das técnicas estritas que dominavam a dança na época.
Principais Objetivos da Dança Contemporânea
Um dos objetivos centrais da dança contemporânea é romper com os padrões tradicionais que limitam a autonomia do dançarino. Ela busca dar voz à individualidade, permitindo que cada dançarino imprima sua personalidade na performance. A liberdade criativa é valorizada, estimulando a experimentação e a inovação contínua.
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Regras e Movimentos
Na dança contemporânea, as regras são mais flexíveis, onde os movimentos são livres e espontâneos, não havendo técnicas predefinidas e nem limitações de vestuário ou música. A inovação e a exploração de novas ideias são incentivadas, valorizando assim a experimentação e originalidade nas coreografias, que buscam comunicar ideias, conceitos e sentimentos.
Dança Contemporânea em Goiânia
Em Goiânia, destacam-se vários grupos de dança contemporânea que enriquecem a cena cultural local. Um exemplo notável é o Nômades Grupo de Dança. Este grupo é conhecido por sua filosofia de levar a dança para além dos palcos tradicionais, promovendo espetáculos de rua e intervenções urbanas. Eles se apresentam em locais públicos como praças, feiras e terminais de ônibus, além de hospitais e asilos, tornando a dança acessível a todos.
O Nômades Grupo de Dança também mantém uma forte ligação com o contexto escolar, promovendo a Dança pela Educação e a Dança pelo Movimento. O espetáculo “Última Gota”, criado na escola, é fruto de uma pesquisa realizada com a turma da Educação de Jovens e Adultos (EJA).Além dos espetáculos, o grupo oferece formação e oficinas, contribuindo para a disseminação e o desenvolvimento da dança contemporânea na região.
Dança Moderna
A dança moderna é uma forma de expressão artística que se desenvolveu no século XX como uma reação ao formalismo da dança clássica. Diferente dos movimentos estruturados e rígidos do balé clássico, a dança moderna busca explorar a liberdade de movimento e a expressão pessoal do dançarino.
Disponível em https://pxhere.com/pt/photo/627528 Acesso em 14, mai. 2024.
Uma das características essenciais da dança moderna está na ênfase dada à individualidade e criatividade do dançarino. Os coreógrafos, por sua vez, buscam encorajar esses dançarinos a explorarem seus próprios estilos, construindo narrativas performáticas que geram a manifestação de sentimentos diversos por meio dos movimentos corporais.
Na dança moderna, os dançarinos incorporam movimentos envolvendo corridas, saltos, rotações e gestos do cotidiano. Os dançarinos também podem utilizar o peso do próprio corpo de forma mais proeminente, explorando a gravidade e o equilíbrio de maneiras inovadoras.
Disponível em https://www.flickr.com/photos/tonibarros/3510234060/in/photostream/ Acesso em 14, mai. 2024.
A música utilizada na dança moderna pode variar amplamente, desde composições clássicas até músicas contemporâneas ou até mesmo sons não musicais. Essa diversidade musical permite uma ampla gama de possibilidades coreográficas e expressivas.
Além disso, a proposta da dança moderna aborda com frequência, temas sociais, políticos e emocionais, utilizando essa expressão artística como meio de comunicação e reflexão sobre questões importantes da sociedade.
16º dia
1º momento: pedir para os alunos resolverem a seguinte atividade
. Qual é a principal diferença entre a dança contemporânea e a dança clássica, segundo o texto?
2. Quais são algumas das características mais marcantes da dança contemporânea?
3. Por que a dança contemporânea é considerada uma forma de protesto contra a dança clássica?
4. Como a liberdade de expressão se manifesta nos movimentos da dança contemporânea?
5. Quais são os principais objetivos da dança contemporânea de acordo com o texto?
6. Como o Nômades Grupo de Dança se destaca na cena cultural de Goiânia?
7. O que caracteriza o espetáculo "Última Gota" do Nômades Grupo de Dança e qual foi o contexto de sua criação?
8. De que forma a dança moderna utiliza o corpo e a gravidade de maneiras inovadoras em comparação com a dança clássica?
9. Como a música e os sons não musicais são utilizados na dança moderna para criar possibilidades expressivas?
10. Quais são alguns dos temas abordados pela dança moderna e como eles refletem questões sociais e políticas?
17º dia
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
Mariri Yawanawa: a celebração da vida na floresta do Acre
Há mais de 20 anos, por meio da luta de jovens lideranças, o Mariri voltou a ser celebrado unindo a Nação Yawanawa e atraindo visitantes de várias partes do Brasil e do mundo.
A Aldeia Mutum do povo Yawanawa, no Alto Rio Gregório, em Tarauacá, no Acre, recebeu por seis dias (10 a 15 de agosto) indígenas de todas as suas comunidades para uma grande festa de celebração cultural. O Mariri Yawanawa é um encontro ancestral que tem como objetivo unir as famílias da etnia para fazer planos de vida, comer juntos, dançar, cantar, participar de cerimônias espirituais e brincadeiras.
Durante esse período as lideranças das aldeias da Terra Indígena Yawanawa se encontram para fortalecer a união entre eles. Apesar da seca do verão amazônico, que dificulta a navegação nas águas do Rio Gregório, cerca de mil pessoas participam do Mariri, entre indígenas e visitantes.
O Mariri era praticado pelos ancestrais Yawanawa desde tempos imemoriais, mas foi perdendo a sua força a partir do contato com os brancos e o aculturamento religioso, que quase aniquilou a cultura tradicional Yawanawa. No entanto, há 24 anos, por meio da luta de jovens lideranças e, principalmente, da atuação de dois pajés, Tatá e Yawa, o Mariri voltou a ser celebrado unindo toda a Nação Yawanawa e atraindovisitantes de várias partes do Brasil e do mundo.
O professor indígena Nani Yawanawa, morador da Aldeia Yawarani, um dos guardiões da cultura do seu povo, explica o sentido do Mariri.
“Esse encontro, que tem o nome tradicional de Molutê, acontece uma vez por ano, no verão, para juntar todas as pessoas para falarem sobre os projetos de cada uma das famílias Yawanawa. A liderança principal faz essa conversa. Então, é um momento de celebração que envolve dança, brincadeiras e comida”, diz ele.
Foto: Altino Machado/FEM
Nani, que além de ensinar os mais jovens está elaborando um dicionário do idioma Yawanawa, afirma que a questão da produção de alimentos é um dos pontos dos debates entre os indígenas.
“Falamos sobre plantações e criação de animais. Pra nós termos saúde é preciso se ter algo para comer. Quem não tem o que comer da terra onde mora é um homem doente, miserável e perdido. O nosso povo sempre teve muita fartura e o que não se tirava da agricultura era buscado na floresta, na caça e na pesca”, afirmou.
Segundo Nani, no Mariri se via quem era o melhor caçador, aquele que sabia fazer caiçuma mais rápida, o melhor contador de histórias e quem mais cuidava do povo. Mas o sentido espiritual da vida é marcante na celebração do Molutê ou Mariri.
“A espiritualidade é dada pelo Espírito por meio de uma escolha que depende de uma vida inteira de práticas. É preciso fazer a doação de um tempo da nossa vida a Deus, que chamamos de dieta. Nos sonhos durante a dieta vem toda a orientação de como evoluir na espiritualidade, assim como a manifestação do poder de cura e da sabedoria”, conta Nani.
Um dos principais organizadores do Mariri é Tashka Yawanawa. Ele viabiliza apoios internos e externos para a realização da celebração na floresta e explica o propósito da Festa.
“O nosso Mariri é uma festa para o nosso próprio povo. A gente está vivendo um bom momento e estamos agradecendo aos espíritos e ao Criador, que protege e cuida da nossa gente. É um ato de gratidão a todos os seres divinos da floresta e à nossa ancestralidade, um culto à cultura Yawanawa”, explica.
Tashka faz questão de esclarecer que a vinda de visitantes de várias partes do mundo é importante, mas o objetivo principal do Mariri é o fortalecimento cultural.
Foto: Altino Machado/FEM
“O Mariri é uma manifestação cultural e espiritual para fortalecer o nosso povo. Durante esses dias pegamos inspiração para irradiarmos para o mundo essa luz de alegria. Cada canto e reza que é cantado no Mariri corta o silêncio da floresta e ecoa para o planeta trazendo mais força para a afirmação da cultura Yawanawa”, poetiza Tashka.
O renascimento cultural do povo Yawanawa
O jovem cacique da aldeia Mutum Rasu Yawanawa, filho do pajé Tatá, entende o Mariri como um fator de libertação.
“O Mariri representa a existência do nosso povo porque há muito tempo fomos proibidos de ser quem somos. Não podíamos falar a nossa língua, rezar os nossos rezos e nem cantar os nossos cantos. Passamos um tempo sem a nossa identidade e depois que conseguimos virar essa página os velhos pajés trouxeram de volta a nossa cultura. E há mais de 20 anos realizamos o primeiro Festival Cultural e conseguimos inspirar outros povos indígenas. Então, o Mariri significa que o nosso povo está de pé com as nossas raízes ancestrais vivas”, salienta o cacique.
Júlia Yawanawa é uma das produtoras do Mariri mais dedicadas e com muitas responsabilidades para que a festa possa acontecer.
“O Mariri envolve muita confiança e entrega para Deus. Já trabalhamos essa celebração desde o ano 2000. Somos inspirados nas orientações do meu pai Raimundo Luis, Tuiukuru, que buscou nas suas memórias e nas histórias dos mais antigos como os Yawanawa cantavam, se vestiam e como eram as brincadeiras. Assim, aprendemos a melhorar e aperfeiçoar cada vez mais a realização do Mariri”, conta Júlia.
Foto: Altino Machado/FEM ...
MAHKU – Movimento dos Artistas Huni Kuin
Bane Huni Kuin e a obra do MAHKU na exposição Nixi paewen namate em Rio Branco, 2014
O MAHKU – Movimento dos Artistas Huni Kuin consiste num coletivo de pesquisadores-artistas do povo Huni Kuin. O MAHKU tem sua gênese no processo tradicional de formação de Ibã Huni Kuin (Isaias Sales) com seu pai Tuin Huni Kuin (Romão Sales), notável pesquisador dos conhecimentos desse povo. Ao longo de sua vida resguardou os saberes musicais e rituais que corriam o risco de desaparecer na sociedade seringalista. Ibã aliou essa formação tradicional com os instrumentos da escrita e da pesquisa ao se formar professor, passando a registrar e publicar esses cantos. 
Sentindo a necessidade de aprofundar essas pesquisas com as novas gerações, Ibã e seu filho Bane Huni Kuin (Cleiber Sales) adotam a expressão visual do desenho e da pintura para fazer traduções visuais dos cantos. Nesse momento, a possibilidade do audiovisual a partir do LABI – Laboratório de Imagem e Som da UFAC – Floresta abre as perspectivas do suporte ideal para essa composição de som e imagem e tem origem, na Licenciatura Indígena da UFAC – Floresta, o projeto de pesquisa Espírito da floresta, que organiza em 2011 o I Encontro dos Artistas desenhistas Huni Kuin, na Terra Indígena do rio Jordão, e a I Exposição dos Artistas Desenhistas Huni Kuin, em Rio Branco.
Em 2012 os artistas huni kin são convidados para expor na Fundação Cartier para a Arte Contemporânea em Paris. A partir dessa experiência o grupo se organiza no MAHKU – Movimento dos Artistas Huni Kuin, associação que tem entre os seus objetivos fortalecer a pesquisa e a arte, criar fonte de renda digna que proporcione a cultura viva e a vida na floresta.  
Os trabalhos dos artistas, em maioria homens, consistem quase sempre em traduções visuais de cantos da ayahuasca, os huni meka pesquisados por Ibã. Eventualmente desenham outros cantos rituais e mitos. O desenho continua vigorando, mas a pintura tem ocupado cada vez mais os artistas.
Parte inferior do formulário
18º dia 
1º momento: pedir para os alunos resolverem a seguinte atividade
1. Qual é o objetivo principal da celebração do Mariri Yawanawa, segundo o texto?
2. Como a seca do verão amazônico influencia a participação no Mariri Yawanawa?
3. Por que o Mariri Yawanawa deixou de ser celebrado durante um período e como foi revitalizado?
4. De acordo com Nani Yawanawa, qual é a importância da alimentação e da agricultura para o povo Yawanawa?
5. Como a espiritualidade é vivida e transmitida no contexto do Mariri Yawanawa, conforme o relato de Nani?
6. Qual é o papel de Tashka Yawanawa na organização do Mariri, e o que ele destaca como propósito principal da celebração?
7. Segundo o cacique Rasu Yawanawa, o que o Mariri representa em termos de identidade para o povo Yawanawa?
8. Como Júlia Yawanawa contribui para a realização do Mariri e qual é a fonte de inspiração que ela segue?
9. Explique a importância do MAHKU – Movimento dos Artistas Huni Kuin no contexto da preservação cultural do povo Huni Kuin.
10. De que forma o MAHKU utiliza diferentes formas de expressão artística, como desenho, pintura e audiovisual, para preservar a cultura Huni Kuin?
19º dia 
1º momento: copiar no quadro o seguinte conteúdo 
História do Samba
O samba é uma dança e um gênero musical brasileiro considerado um dos elementos mais representativos da cultura popular do Brasil.
Este ritmo é fruto da miscigenação entre a música africana e europeia nos campos e na cidade.
Devido a sua grande presença em todo território nacional, o samba assume formas diferenciadas em cada região, mas sempre mantendo a alegria e sua cadência envolvente.
Origem do Samba
O samba foi criado no Brasil e sua origem são os batuques trazidos pelos negros escravizados, misturados aos ritmos europeus, como a polca, a valsa, a mazurca, o minueto, entre outros.
Inicialmente, as festas de danças dos negros escravos na Bahia eram chamadas de "samba". Os estudiosos apontam o Recôncavo Baiano como o berço do samba, especialmente o costume de dançar, cantar e tocar instrumentos em roda.
Batuque, J.M, Rugendas, retratando pessoas escravizadascantando e dançando em roda
Após a abolição da escravidão, em 1888, e da instituição da República, em 1889, muitos negros se dirigiram à então capital da República, o Rio de Janeiro, em busca de trabalho.
Porém, qualquer manifestação cultural africana era vista com desconfiança e criminalizada, como a capoeira e o candomblé. Com o samba não foi diferente.
Assim, os negros começam a fazer suas festas nas casas das "tias" ou "vovós", verdadeiras matriarcas afro-descendentes que acolhiam os batuques. No Rio de Janeiro, o mais célebre desses lugares era a casa de Tia Ciata, mãe de santo carioca.
Da mesma forma, compositores de origem erudita como Chiquinha Gonzaga e Ernesto Nazareth, utilizam os ritmos africanos em suas composições. Ainda não era o samba tal como conhecemos hoje e, por isso, o chamavam de choro, valsa-choro e até mesmo tango. Outro que seguiria o mesmo caminho seria o compositor Heitor Villa-Lobos.
Em 1917 foi gravado no Brasil aquele que é considerado o primeiro samba com o título "Pelo Telefone", com letra de Mauro de Almeida e Donga.
O samba foi entrando nos salões da elite e pouco a pouco foi se associando ao Carnaval, que até aquele momento, tinha as marchinhas como trilha sonora.
O advento do rádio e o talento de intérpretes como Carmem Miranda, Aracy de Almeida e Francisco Alves, fizeram o samba cada vez mais popular em todo Brasil.
O poeta e compositor Vinícius de Moraes resumiu a gênese do samba em seus versos magistrais de "Samba da bênção" (com música de Baden Powell, 1967):
Porque o samba nasceu lá na Bahia
E se hoje ele é branco na poesia
Se hoje ele é branco na poesia
Ele é negro demais no coração
Veja também: Cultura do Sudeste
Origem da palavra samba
Há controvérsias sobre a origem da palavra "samba", mas provavelmente advém do termo africano "semba" que significa "umbigada".
"Umbigada" era uma dança executada pelos negros escravizados durante seus momentos de folga.
Veja também: Principais Características da Cultura Afro-Brasileira
Samba no Brasil
O samba está presente em todas as regiões brasileiras e, em cada uma delas, são incorporados novos elementos ao ritmo, sem contudo, perder sua cadência característica. Os mais conhecidos são:
· Samba da Bahia
· Samba Carioca (Rio de Janeiro)
· Samba Paulista (São Paulo)
Assim, dependendo do estado modificam-se os ritmos, as letras, o estilo de dançar e até mesmo os instrumentos que acompanham a melodia.
O samba da Bahia foi influenciado pelos batuques e canções indígenas, enquanto no do Rio, sente-se a presença do maxixe.
Em São Paulo, as festas das colheitas de café nas fazendas seria a origem da influência da relevância dos sons mais graves da percussão no samba paulista.
Principais Tipos de Samba
Samba de roda
O samba de roda está associado à capoeira e ao culto dos orixás. Essa variante de samba surgiu no Estado da Bahia no século XIX, caracterizado por palmas e cantos, no qual os dançarinos bailam dentro de uma roda.
Veja também: Samba de Roda
Samba-enredo
Associado ao tema das escolas de samba, o samba-enredo é caracterizado por apresentar canções com temáticas de caráter histórico, social ou cultural. Essa variante de samba, surgiu no Rio de Janeiro na década de 30 com o desfile das escolas de samba.
Samba-canção
Chamado também de "samba de meio de ano", o samba canção surge na década de 20 no Rio de Janeiro e se populariza no Brasil nas décadas de 1950 e 1960. Esse estilo é caracterizado por músicas românticas e ritmos mais lentos.
Samba-exaltação
O marco inicial desse estilo de samba é a música "Aquarela do Brasil", de Ary Barroso (1903-1964), lançada no ano de 1939. Caracterizado por letras que apresentam temas patrióticos e ufanistas, bem de acordo com o momento histórico que o Brasil vivia no Estado Novo.
Samba de gafieira
Esse estilo de samba é derivado do maxixe e surgiu na década de 40. O samba de gafieira é uma dança de salão cujo homem conduz a mulher acompanhados por uma orquestra com ritmo acelerado.
Pagode
Essa variante do samba surgiu no Rio de Janeiro na década de 70, a partir da tradição das rodas de samba. Caracterizado por um ritmo repetitivo com instrumentos de percussão acompanhados de sons eletrônicos.
Outras variantes do samba são: samba de breque, samba de partido alto, samba raiz, samba-choro, samba-sincopado, samba-carnavalesco, sambalanço, samba rock, samba-reggae e bossa nova.
Sambistas Brasileiros
Dona Ivone Lara, a primeira mulher a integrar a ala de compositores de uma escola de samba
Conheça alguns nomes de grandes sambistas brasileiros:
· Noel Rosa;
· Cartola;
· João Nogueira;
· Beth Carvalho;
· Dona Ivone Lara;
· Bezerra da Silva;
· Tom Jobim;
· Ataulfo Alves;
· Carmen Miranda;
· Zé Keti;
· Martinho da Vila;
· Zeca Pagodinho;
· Almir Guineto;
· Clara Nunes;
· Alfredo Del-Penho.
Instrumentos Musicais do Samba
A percussão é fundamental para fazer o samba
Atualmente, o samba acolhe uma infinidade de instrumentos musicais. No entanto, a marca registrada deste ritmo é o uso da percussão. Sendo assim, até uma caixinha de fósforo pode ser utilizada para fazer samba.
Inicialmente, se utilizavam as palmas, os atabaques e qualquer tambor disponível. Vejamos alguns dos instrumentos que não podem faltar para fazer uma batucada.
· Cavaquinho;
· Pandeiro;
· Tamborim;
· Reco-reco;
· Violão;
· Atabaque;
· Cuíca;
· Agogô;
· Flauta transversa;
· Voz.
Curiosidades sobre o samba
· O Dia Nacional do Samba é comemorado a 2 de dezembro, data em que o compositor Ary Barroso visitou a Bahia pela primeira vez.
· A primeira escola de samba foi a "Deixa Falar" fundada em 1928, no Rio de Janeiro.
20º dia 
1º momento: pedir para os alunos resolverem a seguinte atividade
1. Quais são as influências que contribuíram para a formação do samba, e como essas influências refletem a história do Brasil?
2. Como o samba se desenvolveu após a abolição da escravidão, e qual foi o papel das matriarcas afro-descendentes nesse processo?
3. Em que ano foi gravado o primeiro samba reconhecido, e qual é seu título? Por que esse evento é significativo na história do samba?
4. De que maneira o advento do rádio e a atuação de intérpretes famosos ajudaram a popularizar o samba em todo o Brasil?
5. Quais são as principais características que diferenciam o samba da Bahia do samba carioca e do samba paulista?
6. Explique o que é o samba de roda e qual sua relação com a capoeira e o culto dos orixás.
7. Qual é a importância do samba-enredo nas escolas de samba, e como esse estilo reflete temas históricos e sociais?
8. Identifique e descreva dois sambistas famosos mencionados no texto e sua contribuição para o samba.
9. Quais instrumentos são considerados fundamentais para a execução do samba e como eles contribuem para a identidade do gênero musical?
10. O que a data de 2 de dezembro representa para o samba no Brasil e qual é a importância dessa comemoração?
	VALORES ATITUDINAIS DESENVOLVIDOS NAS ATIVIDADES/ SITUAÇÕES
	INSTRUMENTOS DE AVALIAÇÃO
	RECURSOS
	
Empatia;
Solidariedade;
	
Os alunos serão avaliados conforme seu desempenho e participação nas atividades propostas.
	
Pincel
Quadro branco
Apagador
Material impresso
	REFERÊNCIAS
	
	DEVOLUTIVA DO COORDENADOR PEDAGÓGICO
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Assinatura do (a) Coordenador (a) Assinatura do (a) Professor (a)
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