Trabalhando como Artista Visual

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Trabalhando como Artista Visual
Por Jim Lane
Informações úteis sobre os possíveis desafios encontrados pelos artistas que escolhem carreiras nas artes visuais
Este recurso possui onze seções:
· Arte, morte e impostos
· Ganhar a vida como artista
· The Art Market Crash
· A economia de troca
· Galerias virtuais
· Legalese for Artists
· Exposições de arte juradas
· Geografia e Sucesso
· Boondocks Marketing
· Ser Descoberto
· Sair do seu trabalho do dia
figura 1
Neste recurso, falo sobre o mundo bom, ruim e feio da arte.
Como artista que trabalha, você sabe que há muito caminho para a proverbial borracha encontrar; e essa estrada está cheia de buracos - talvez mais buracos do que estradas às vezes.
Da morte e dos impostos, aos críticos e conhecedores, você certamente encontrará uma encarnação de quase todos os buracos mencionados.
O objetivo aqui não é apenas apontar os buracos, mas fortalecer os artistas que os encontram.
Idealmente, o artista vigilante pode contornar a maioria dos buracos. Caso contrário, você deve simplesmente suportar a intensidade de seus ossos e seguir em frente.
Arte, morte e impostos
Há um velho provérbio que afirma: "Nada é inevitável além de morte e impostos". Minha esposa, especialista em impostos, insiste que isso também se aplica aos artistas. Inevitável ou não, as pessoas gastam milhares de dólares todos os anos tentando evitar os dois, mas o melhor que você pode fazer é reduzir um pouco o impacto deles.
Com todos os recibos que você salva, todas as pinturas que você doa para instituições de caridade, cada metro quadrado do seu estúdio em casa, você anota como despesa comercial; você dedica uma quantidade considerável de tempo, esforço e dinheiro para evitar impostos.
O mesmo vale para os milhares de dólares que você gasta todos os anos em assistência médica e seguro na tentativa de evitar a morte. Claro, os dois estão inter-relacionados. Não tenho certeza se o fato de evitar impostos já levou à morte de alguém, mas sei que a morte não leva a evitar impostos.
O estranho é que, como artista, dificilmente passa um dia em que você não se prepara para a parte dos impostos. Mas quando se trata de morte, não são apenas os artistas geralmente despreparados, mas eles nem querem pensar nisso. A maioria dos artistas com menos de trinta anos nem sequer tem vontade. E para aqueles de vocês mais de cinquenta obter presumido sobre o fato de que você não tem um, é provavelmente tão desatualizado que pelo menos um dos beneficiários podem não estar mais entre os vivos.
A menos que você seja mais retentivo do que a maioria, é provável que não tenha deixado nenhuma pintura individual em seu testamento. No entanto, você provavelmente tem dezenas, talvez centenas de pinturas espalhadas pelo estúdio (ou armazenadas), que alguém terá que descartar no caso de sua morte prematura.
Em um momento ou outro, você provavelmente abrigou diversos pensamentos de legar todo o seu trabalho não vendido a algum museu para a futura iluminação da humanidade. Ou, se você é particularmente perverso, pode ter imaginado seus herdeiros brigando entre si por suas obras-primas inestimáveis. Talvez você tenha imaginado a Sotheby's leiloando os remanescentes de sua propriedade por um milhão de dólares incalculáveis. Por mais tolos que sejam todos esses cenários, é provável que qualquer um deles seja preferível à situação em que você não fez nada para lidar com a disposição do seu trabalho após a sua morte. Portanto, no interesse de evitar impostos - se não a própria morte -, aqui estão algumas sugestões:
Primeiro, não deixe sua obra de arte para nenhum parente próximo, a menos que tenha certeza de que eles a valorizarão em suas paredes pelo resto da vida. Caso contrário, a menos que sejam especialistas em marketing de arte, eles supervalorizarão seu trabalho na tentativa de vendê-lo, confundindo sentimento com valor. No outro extremo, seus herdeiros também podem subestimar seus trabalhos restantes e guardá-los em sótãos por gerações. Eles também podem exigir uma porcentagem muito alta se vendidos por um revendedor ou serem enganados por um agente inescrupuloso.
Um caminho muito melhor seria nomear em seu testamento um revendedor, galeria ou museu confiável para lidar com todo o seu trabalho restante no caso de sua morte. Se um museu manifestou interesse em alguma de suas peças, há certas vantagens fiscais em legar-lhes uma ou mais pinturas, conforme selecionado pelo museu, antes ou depois da sua morte. No entanto, se esse interesse não existir, deixar o lote inteiro para uma instituição desse tipo garantirá apenas mais armazenamento no sótão ou uma venda de elefante branco do seu trabalho em algum momento no futuro.
Segundo, ao estabelecer um acordo com um revendedor, galeria ou museu, especifique os números com antecedência. Liste preços de atacado, preços de varejo, porcentagens - o que você quiser - mas compre por escrito. Você conhece o mercado para o seu trabalho. O mesmo acontece com o museu ou galeria. Seus herdeiros provavelmente não.
Terceiro, certifique-se de fornecer algum tipo de documentação para cada peça; algo assinado por você e anexado ao trabalho em si (e também em arquivo).
Isso pode ser um grande empreendimento para algumas pessoas, o que é um bom motivo para começar agora. Em um envelope anexado à obra de arte, você deve especificar o título da pintura, a mídia usada, a data de conclusão e os comentários pessoais sobre o trabalho. Você também deve incluir avaliações, prêmios, documentos de direitos autorais, informações de arquivo e talvez até fotos ou esboços preliminares usados ​​para criar o trabalho.
Além de facilitar a vida de seu executor, preparações como essas quase certamente resultarão em maior ganho financeiro para seus herdeiros.
O manuseio profissional do seu legado artístico aumentará ainda mais o valor da sua arte para os colecionadores, além do fato de você também estar morto.
Figura 2
Ganhar a vida como artista
Como escritor do ArtyFacts, às vezes me sentia um músico. As pessoas perguntaram: "Você aceita solicitações?" A resposta curta foi "Normalmente não". Mas isso não significa que nunca utilizo sugestões de meus leitores para decidir o que escrever. No entanto, eram principalmente sugestões inadvertidas sobre algum tópico que é importante para os artistas em geral. Este foi o caso recentemente quando alguém perguntou: "Como alguém ganha a vida como artista?"
Você não pode ser muito mais universal do que isso! Eu poderia virar e responder com uma velha piada cansada terminando em "... pratique, pratique".
Apesar do humor clichê, há um verdadeiro grão de verdade aqui. Você tem que trabalhar nisso.
Um professor universitário que eu conhecia insistia que, para ganhar a vida como artista, você tinha que ser exibicionista - pois precisava estar disposto a ficar nu para o mundo toda vez que exibisse sua arte.
Claro, isso traz todo tipo de imagens mentais interessantes, mas, como a piada de Carnegie Hall, há um elemento de verdade. Você precisa de um ego saudável.
Figura 3
Sério, independentemente da profissão, você ganha um relacionamento direto com quatro fatores. Pense nesses fatores como níveis hierárquicos em uma pirâmide.
O nível mais baixo envolve o esforço físico aplicado. No próximo nível, estão as credenciais acadêmicas que você ganhou, ou a experiência adquirida, seguidas no terceiro nível, pela responsabilidade que você está disposto a assumir. Superar todos eles é a raridade de suas habilidades. Para o artista, eu provavelmente deveria adicionar um quinto nível: a criatividade em seu pensamento. Portanto, quanto mais você buscar no topo da pirâmide, menos precisará depender dos fatores mais amplos em direção ao fundo.
Em essência, tem que haver uma disposição de colocar sua cabeça acima da multidão de milhares de outros artistas talentosos e fazer o que os outros são incapazes ou não querem fazer. E para realmente se destacar, você precisa fazê-lo melhor e com menos dinheiro, pelo menos até se tornar famoso. Acrescente a isso um ego saudável e um pensamento criativo,e você terá uma receita para o sucesso. Estes são os fatos econômicos da vida. Se você esperava uma lista de maneiras pelas quais os artistas podem ganhar dinheiro, desculpe; eles não fazem listas de roupas por muito tempo.
The Art Market Crash
Até os mais desafiados historicamente estão familiarizados com o significado de outubro de 1929; a data do colapso calamitoso do mercado de ações, que sinalizou o início da Grande Depressão.
No entanto, poucas pessoas sabem que, sessenta anos depois, houve um colapso semelhante no mercado de arte. Ao longo da década de 1980, o mundo da arte viu um aumento especulativo dos preços dos leilões de várias obras-primas, com ênfase particular nas dos impressionistas.
O Retrato de Dr. Gachet, de Van Gogh (Figura 4), foi vendido por um recorde de US $ 82 milhões, enquanto A Dance , de Renoir, no Moulin de la Galette (Figura 5), ​​US $ 78 milhões.
Figura 4
Figura 5
Esta foi a marca d'água máxima. Pouco tempo depois, houve uma recessão. Embora pudesse não ter sido tão precipitado quanto o que levou à Grande Depressão, a certos especuladores japoneses de alto nível, provavelmente parecia assim.
Com a estagnação da economia japonesa durante a maior parte dos anos 90, Ryoei Saito, que comprou as duas pinturas, faliu.
Ele até pediu para ser cremado com seu Van Gogh.
Felizmente, ele já havia "perdido" sua pintura do Dr. Gachet antes de morrer. Estranhamente, ainda parece estar perdido. (Ou pelo menos, ninguém está dizendo onde está.)
Hoje, existem mais de US $ 200 milhões em outras obras de arte, com assinaturas como Chagall, Picasso e Braque, sentadas em cofres bancários no Japão, confiscadas pelos credores de empresários japoneses perdedores que se encontraram em uma posição semelhante à de Saito. A pior parte é que esses bancos e cartéis de confiança não têm idéia do que fazer com eles.
Os bancos se encontram em uma situação clássica do Catch-22. Por um lado, como ativos, as obras de arte não ganham interesse e, de fato, custam dinheiro para armazenar e proteger. No entanto, despejá-los no mercado de arte não apenas os levaria a muito menos do que os preços inflacionados dos anos 80, mas também serviria para deprimir todo o mercado desses itens de coleção de primeira linha. Diante dessa situação, é bem provável que essas belas obras de arte permaneçam trancadas por algum tempo.
Há uma segunda razão para ocultar esses recursos pintados. Fazer isso serve para aprimorar a aura da arte em geral, fazendo com que pareça quase divina, intocável, inatingível. Tais obras tornam-se objetos de veneração a par da Mona Lisa ou do Diamante da Esperança. A parte triste é que essas pinturas aprisionadas foram feitas para serem vistas, para trazer alegria, para nos expor à beleza expressiva como vista através dos olhos de alguns dos maiores artistas que já viveram. Armazenados em cofres bancários, eles poderiam muito bem ser títulos de alto risco.
Figura 6
A economia de troca
Uma vez, voltei de uma exposição de arte cara, com menos dinheiro nos bolsos do que quando saí. Alguém, tentando me fazer sentir melhor, me lembrou que, durante toda a sua vida, Vincent van Gogh vendeu apenas uma pintura. Isso ajudou?
Na verdade não. Nunca pensei em flertar com loucura ou suicídio desde tenra idade, a fim de obter até os preços astronômicos que o trabalho de Van Gogh agora traz.
Sempre achei que a morte era uma manobra de marketing altamente superestimada, não importando o fato de já ter vendido muito mais do que Van Gogh jamais fez, e já estou morrendo jovem. Mas sempre me perguntei com precisão qual pintura Van Gogh conseguiu vender, para quem e por quanto. Então, eu procurei.
A pintura foi intitulada The Red Vineyard , um pôr do sol impressionante que mostra camponeses trabalhando em um vinhedo ao lado de um pequeno riacho. Van Gogh vendeu em 1888, cerca de um ano e meio antes de sua morte, para a irmã de seu amigo, Eugene Boch, um poeta. O preço era menos de dez francos, menos de US $ 100 hoje.
Figura 7
Ao pesquisar a pintura de Van Gogh, descobri que muitas pessoas acabavam possuindo pinturas de Van Gogh e de outros artistas desafortunados da época, em grande parte por padrão.
Na década de 1880, o salário médio mensal de um funcionário de escritório em Paris era de cerca de 125 francos. Uma refeição em uma taberna de Montmartre pode custar menos de um franco. Não era incomum um artista pagar por aquela refeição com uma pintura.
Figura 8
Eugene Murer, dono de uma pastelaria em Paris, acabou com uma coleção valiosa de arte moderna dessa maneira. Auguste Pellerin, que fabricou margarina, e Pere Soulier, que fabricou colchões.
Os maiores vencedores nessa economia de troca foram aqueles que forneciam bens e serviços necessários aos artistas, indivíduos como Pere Tanguy, que vendia tintas e telas indispensáveis, ou os proprietários de lojas de molduras. A coleção de Tanguy acabou no Louvre.
O médico de Van Gogh, Paul Gachet, aparentemente pagou seus honorários em pinturas. Vincent fez três retratos dele.
Duas pinturas e um desenho retratam o rosto triste e melancólico deste gentil e velho médico. Em 1990, um deles quebrou o recorde de maior valor já pago por uma única obra de arte. Ironicamente, foi o Dr. Gachet, um artista amador, quem fez o retrato final de Van Gogh - um pequeno desenho a lápis - enquanto seu paciente morria por causa de um ferimento de bala auto-infligido.
Galerias virtuais
Vários anos atrás, em um grupo de discussão na Internet para pintores, alguns amigos e eu discutíamos sobre comércio eletrônico e o mundo da arte. Como eu, uma mulher tinha suas pinturas on-line e era uma observadora atenta dessa maneira de vender arte. Eu sempre fui otimista no coração. Eu relatei vendas encorajadoras, se não espetaculares, pela Internet; para não mencionar a imagem positiva e o interesse que essa exposição gera. Meu amigo não estava tão animado. Ocorreu-me que talvez eu estivesse muito otimista sobre o mundo do marketing de arte na Internet.
Para os artistas, as tendências do comércio eletrônico parecem favoráveis ​​a longo prazo. A exposição potencial é enorme. Da mesma forma, a concorrência também é enorme; muito mais perspicaz que os mercados de tijolo e argamassa. No passado, as galerias tendiam a isolar os artistas das forças de mercado em questão. O espaço era limitado, portanto a exclusividade era uma obrigação. E devido aos altos custos indiretos, os preços eram altos. Aqueles que ganharam representação na galeria (ou obtiveram um agente) viram seu trabalho ganhar preços reconfortantes.
No entanto, as galerias on-line raramente têm um relacionamento pessoal com seus artistas porque podem apresentar um estábulo praticamente ilimitado de artistas extremamente talentosos (e alguns não tão talentosos) com muito pouco custo. Qualquer resquício de exclusividade é uma charada fina como papel; tão transparente para o comprador quanto a tela do computador. No entanto, para isso, as galerias on-line geralmente exigem uma comissão tão alta quanto os 50% tradicionais.
Sem o escudo protetor da oferta de galerias tradicionais de marketing, os artistas hoje se vêem tendo que criar suas próprias galerias virtuais, criando e / ou pagando pelas paredes HTML e pelas vitrines das lojas que mostram seu trabalho on-line. Mesmo assim, não são garantidos os negócios típicos de entrada (ou melhor, "surfe") porque se encontram situados em uma avenida virtual interminável de galerias virtuais aparentemente idênticas de todas as faixas de quilômetros e vários andares de altura.
Figura 9
Com esse tipo de competição, os preços da arte caíram. Além disso, a clientela é diferente.
As galerias tradicionais atendem a um colecionador muito sofisticado e letrado em arte, com bolsos bastante fundos. À medida que a Internet se torna cada vez mais acessível, caçadores de pechinchas começam a dominar o mercado. Mesmo aqueles que podem pagar os preços tradicionais das galerias agora esperam pagar menos quando fazem compras on-line.
Assim, a comparação de compras de obras de arte - algo inédito antes das compras virtuais- tornou-se uma realidade.
Quinze anos atrás, quando abri meu primeiro site bruto para o mundo, fiquei surpreso ao ouvir de meus amigos artistas online que meus preços estavam muito baixos. No entanto, meus instintos me disseram que eles estavam certos. Eu fiz vendas e ainda faço. Não apenas isso, mas outros artistas que eu conhecia também estavam vendendo seus trabalhos on-line por preços razoáveis.
Ao mesmo tempo, meus amigos estavam certos. Meus preços eram baixos, mas apenas no que diz respeito aos mercados de arte tradicional, com suas altas despesas gerais e comissões pesadas. Com o meu próprio site, não tive que lidar com nenhum desses fatores.
No entanto, eu investi uma quantidade enorme de tempo na criação e promoção da minha presença na web. Além disso, sendo um pintor realista, meus clientes não eram tão sofisticados nem instruídos em arte como os das galerias tradicionais. Naquela época, muitos dos meus compradores eram novatos em informática.
Então, o que isso significa para o artista on-line em dificuldades hoje?
Primeiro, faça todos os esforços para se destacar do grupo. Torne sua galeria virtual não apenas boa, mas espetacular.
Segundo, a obra de arte também deve ser espetacular.
Terceiro, com toda essa espetacularidade crescendo ao seu redor, mantenha seu ego sob controle e, com ele, seus preços. Lembre-se de que você ainda não é famoso, nem, realisticamente falando, jamais poderá se tornar assim (pelo menos durante a sua vida).
Quarto, não pense que as galerias de arte tradicionais vão secar e explodir. Veja a sua galeria virtual como a chave para os mercados da porta da frente. Só não espere que essa chave seja feita de ouro maciço.
Legalese for Artists
Nunca fiz uma resenha de livro de arte pela simples e vergonhosa razão de não ler muitos livros. Assim como a maioria dos artistas prefere criar arte do que simplesmente olhar para ela, prefiro escrever palavras do que lê-las. Mas há um bom livro que eu recomendo, e é aquele que todo artista e artesão, como agora os artesãos gostam de ser chamados, deve ter acesso ou possuir. É verdade que este tomo não o deixará acordado à noite pensando no resultado. Na verdade, seria realmente uma ótima leitura para dormir, especialmente se você é propenso a insônia.
O livro é intitulado Business and Legal Forms for Crafts , escrito por Tad Crawford, advogado e ex-conselheiro geral da Graphic Artists Guild. Embora escrito com mais do que um pouco de juridiquês, este é o juridiquês que todo artista profissional precisa entender. E, como diz o juridico, a marca de Crawford é provavelmente tão indolor quanto qualquer outra. O livro inclui tudo, desde como criar a fatura mais simples, até um contrato de três páginas que cobre o comissionamento de um retrato. Pintei retratos em menos tempo do que levei para digerir este documento.
Figura 10
No entanto, essa parte do livro (pelo menos para mim) foi quase interessante. O melhor de tudo é que os contratos do livro são escritos com todos os direitos e vantagens legais possíveis decorrentes do artista. Mais do que apenas uma coleção de formulários em branco, o livro de Crawford começa não com contratos e acordos, mas com as negociações entre artistas e compradores que os conduzem.
A ênfase está em como conseguir o melhor negócio possível. Neste livro, você também encontrará formulários governamentais para solicitar direitos autorais e marcas comerciais americanas.
O livro também vem com um CD, permitindo ao leitor modificar e imprimir os formulários conforme necessário. Acrescente a isso os acordos que envolvem palestras, empréstimo de trabalho, aluguel, licenciamento, edição limitada, lançamentos de modelos, consignações e contratos independentes, para citar apenas alguns, e você tem o que é essencialmente um advogado de bolso que não tem cobrar cem dólares por hora.
Exposições de arte juradas
A vida de um artista pode estar cheia de frustrações de vários tamanhos e importância, desde pincéis que se desfazem até pinturas que fazem o mesmo (figurativamente falando, é claro). Talvez uma das frustrações mais antigas dos artistas seja a venerável mostra de arte jurada. Uso levemente os termos mais antigo e venerável, porque a mostra de arte jurada não é antiga nem tão venerável. Eles eram praticamente desconhecidos na Inglaterra antes da década de 1850, enquanto na França remontam ao início dos anos 1800 e aos salões de Paris da infame Academie des Beaux-Arts.
Nos dois países, as exposições juradas foram o resultado de um desejo de exibir a melhor obra de artistas vivos, promovendo assim suas carreiras, vendendo suas pinturas e moldando simultaneamente os gostos do público comprador. Evidentemente, o próprio fato de haver um público comprador, pelo menos na Inglaterra, poderia ser atribuído ao influxo repentino de mudanças sobressalentes resultantes das primeiras manifestações da Revolução Industrial.
A riqueza inevitavelmente gera artistas, que geram arte. Rapidamente, tudo isso gera muitos artistas gerando arte demais. Por isso, desenvolveu-se a necessidade de reduzir o número de pinturas recém-criadas para algo que se aproximasse do espaço disponível nas cavernosas salas de exposições de Londres e Paris. Secundariamente, essa competição brutal, mas supostamente saudável, foi proclamada como tendo o efeito colateral de melhorar a qualidade do corpo nacional de artistas e a arte subseqüente que eles produziram.
Assim, na terra que primeiro nos deu o júri no tribunal de jurisprudência, ocorreu o mesmo processo dos acadêmicos reais ao selecionar a arte que seria elevada a destaque público.
Nos primeiros anos, esse foi um processo bastante modesto e informal, no qual todas as obras foram suspensas antes que as menos nobres fossem removidas para permitir uma exibição agradável.
Figura 11
No entanto, com o passar dos anos e o número de inscrições dobrou e quadruplicou, esse processo gentil de salvar o ego gradualmente se tornou o chamado de gado cruel, brutal e eficiente que todos conhecemos e amamos hoje.
Em 1875, o processo judicial na Inglaterra havia chegado à sua encarnação moderna. Nesse ano, 4.638 obras foram inscritas por artistas profissionais da Royal Academy na London Summer Exhibition. Desses, apenas 561 foram aceitos e 995 foram marcados como duvidosos, ou seja, se houvesse espaço disponível após a suspensão de todos os trabalhos aceitos, esse grupo seria considerado.
Uns 3.082 sombrios foram totalmente rejeitados. Naquele ano, Charles West Cope até pintou um retrato do cruel processo de juramento com retratos dos envolvidos. Visto que não há registro da pintura de Cope ter sido aceita, provavelmente não foi.
O colega artista rejeitado John Soden ficou tão desconsolado; ele escreveu um poema satírico sobre isso:
"O trabalho de meses, experiência de anos
Antes que o temido Conselho apareça agora -
Deixou a visão deles quase assim:
Eles os condenam a uma taxa de três por minuto,
> Tempo escasso para detectar falhas iguais,
A cruz é riscada: 'é jogada de lado' REJEITADA '. "
Dado o aparente carinho do júri por crianças, como visto nas pinturas que encontraram aceitação, Soden levou suas críticas mais adiante:
"... cenas de bebês imortalizadas
Querido banho do bebê. Querido bebê, bem! nas refeições.
O primeiro pirulito do bebê - seus dedinhos do pé,
Primeiro 'to ittle toof' e 'Soprando o nariz do bebê'. "
Eu sei como ele se sentiu. Admito que, às vezes, os júris de exposições de arte tenham me confundido da mesma maneira. Eu nunca consegui chegar a tal eloqüência.
(Citação da pintura vitoriana de Lionel Lambourne)
Geografia e Sucesso
Os artistas iniciantes costumam trabalhar com a crença equivocada de que, para serem bem-sucedidos, devem morar em uma cidade grande ou perto dela e, assim, ter acesso a grandes galerias sofisticadas e seus clientes com muito dinheiro. De fato, para o artista iniciante, a geografia é em grande parte irrelevante. Ter acesso a uma grande área metropolitana é importante apenas para artistas iniciantes, pois permite visitar museus, galerias e exposições itinerantes.
No quediz respeito à venda, ouso dizer que nenhum artista iniciante entrará em uma grande galeria, com um portfólio em mãos e obterá uma representação instantânea. Isso não acontece - mesmo nos filmes.
Independentemente do local de domicílio, você pode ter sucesso se simplesmente se adaptar . A chave é ser versátil. Isso significa deixar seu ambiente moldar sua carreira, em vez de tentar incluir a história de sucesso do modelo de outra pessoa em sua própria situação. Embora eu não seja de forma alguma uma história de sucesso modelo, aqui estão alguns conselhos rápidos para artistas que vivem em uma cidade pequena (população de cinco a dez mil) que eu acumulei ao longo dos anos com a experiência, livros e outros artistas.
1. Trabalhe em casa: as fachadas de lojas são caras viagens para o ego, e 90% delas saem dentro de noventa dias. Caso contrário, esteja preparado para morar na sala dos fundos.
2. Faça aulas ou ensine: de qualquer maneira, você vai aprender. Colecione livros sobre todos os tipos de arte, incluindo a história da arte: você pode aprender muito mais instruções com eles do que com os livros com instruções reais.
3. Participe de um grupo de artes local: Nenhum homem (ou mulher) é uma ilha. Unidos você expande, dividido você se retira.
4. Faça auto-retratos: você se conhece e sempre tem o modelo à mão quando mostra seu trabalho.
5. Crie um arquivo lacrimal: colete todas as imagens que você considere úteis até remotamente. A mina ocupa a maior parte de um arquivo com duas gavetas.
6. Discipline a si mesmo: orgulhe-se de trabalhar quando não lhe apetecer.
7. Faça cores locais: visite os parques, monumentos, pontes, escolas, igrejas, lojas, correios e fábricas primeiro. Em seguida, faça o que vende uma segunda vez, de um ângulo diferente, em um tamanho, meio, formato ou época do ano diferentes. Depois disso, comece a fazer algumas das casas mais destacadas da região. Isso realmente funciona!
8. Não perca a beleza simples em busca do grandioso: uma fileira de caixas de flores pode ser tão interessante quanto uma fileira de mansões.
9. Depois de ter um corpo de trabalho, organize uma mostra de arte: considere qualquer local limpo e atraente aberto por várias horas por dia, durante um período de dias ou semanas. Além dos restaurantes e cafés habituais, considere bibliotecas, vitrines vazias, lojas de presentes locais, igrejas ou escritórios no nível da rua.
10. Aprenda a tirar boas fotos utilitárias: você não as exibirá; portanto, elas precisam ser boas o suficiente apenas para fins utilitários.
11. Faça mate e molduras: isso requer algum espaço, algumas habilidades novas e algum tempo, mas permite controlar uma obra de arte, da concepção à venda. Em uma situação de baixo volume, as economias aumentam rapidamente. Também é um serviço bem-vindo em uma pequena comunidade.
12. Entre nos programas jurados locais: mesmo que você não ganhe, e mesmo que nem seja aceito, eles são divertidos, educacionais e importantes para a sua carreira.
13. Promova, mas não anuncie: cartões de visita, uma brochura, um artigo de jornal; isso é promoção. Os anúncios impressos são um desperdício.
14. Mantenha seus próprios livros e outros registros: saiba de onde vem o dinheiro e, mais importante, para onde vai.
15. Preço para vender: se você ficar muito ocupado; aumente seus preços. Se o oposto for verdadeiro, abaixe-os.
16. Aprenda a fazer tudo: repito o item mais importante de todos: seja versátil.
Boondocks Marketing
Na seção anterior, descrevi algumas maneiras que podem ajudar os artistas iniciantes a obter sucesso em um ambiente de cidade pequena. Nesta seção, a ênfase está principalmente no marketing de obras de arte em uma área predominantemente rural (comunidades de menos de cinco mil), onde a cidade mais próxima com um mercado de arte estabelecido fica a mais de duas horas de distância.
Parte disso repete as idéias da lista anterior. Isso porque, com alguns ajustes óbvios, o que funciona em uma cidade pequena também tende a funcionar em uma cidade muito pequena. Como especialista em vender obras de arte em uma área rural, deixe-me também enumerar aqui uma série de idéias mais amplas e gerais voltadas para o artista mais experiente.
1. Exponha seu trabalho: mantenha-o sempre perante o público em qualquer local que você possa encontrar. Restaurantes, bibliotecas, bancos, lojas de presentes, cinemas, consultórios médicos e livrarias são bons; essencialmente em qualquer lugar onde haja abrigo, alguma segurança e uma quantidade decente de tráfego. Pendurei e vendi trabalho em um restaurante local por mais de vinte e cinco anos.
2. Cuidado com as galerias de arte locais: em um pequeno mercado de arte, as galerias vêm e vão tão rápido quanto o clima. A maioria é aberta por pessoas com mais sonhos que conhecedores de negócios, e rapidamente se dobram quando as realidades econômicas do minúsculo mercado de arte se fazem sentir. Aqueles que não falham geralmente pertencem a artistas bem estabelecidos que estão mais interessados ​​em vender seu próprio trabalho que o seu. Se você exibir em uma galeria local, especialmente uma nova, assista-as como um falcão! Ao longo dos anos, perdi pelo menos meia dúzia de pinturas ao lidar com galerias de arte.
3. Trabalhe e venda fora de sua própria casa: o IRS é bastante generoso com as deduções fiscais, se você fornecer a documentação adequada. Mantém a sobrecarga baixa. Lembre-se de que, para vender em sua casa, ela deve ser facilmente acessível ao público e ao espaço organizado profissionalmente. Um quarto no andar de cima não utilizado não atende a esse requisito.
4. Anuncie com atenção: Um cartão de visita é uma obrigação. Uma brochura é legal. Um sinal externo é um bom investimento se for feito com bom gosto, bem colocado e facilmente legível pelos motoristas que passam. Certifique-se de verificar as ordenanças locais de zoneamento antes de instalar um sinal. Estude outros sinais ao passar por eles na estrada para decidir qual deve ser o seu e como deve ser. Mantenha-o simples e próximo ao local da empresa para direcionar os visitantes à sua porta.
5. Conheça os gostos artísticos de sua comunidade: os resumos raramente se saem bem em uma área rural. Esse trabalho requer uma clientela de elite, educada em arte, que as pequenas comunidades raramente têm. Fique com paisagens, animais de estimação, carros ou retratos, melhor ainda, todos os itens acima e muito mais.
6. Distinga-se dos amadores locais: vá a oficinas, leia livros, faça aulas - qualquer coisa para ser o principal artista de sua comunidade.
7. Mantenha seus preços baixos: calcule seu tempo duas vezes o que você poderia fazer trabalhando em qualquer outro lugar da sua comunidade. Mais importante, mantenha a quantidade de tempo que você tem em qualquer peça individual em um nível razoável. Aprenda a trabalhar rapidamente. Faça certo pela primeira vez. Use qualquer atalho que economize tempo e não sacrifique a qualidade.
8. Pinte a cor local: é absolutamente necessário que um comprador estabeleça um vínculo emocional com qualquer trabalho que se proponha a comprar. Os locais de referência podem parecer chatos, mas se você procurar abordagens únicas e criativas para a escola que já pintou dez vezes, poderá aliviar esse tédio. Vale a pena repetir a lista de best-sellers: igrejas, pontes, escolas, tribunais, casas antigas, marcos históricos, monumentos, gazebos, parques, locais pitorescos de negócios, estruturas que não são mais importantes e até cenas de ruas residenciais.
9. Realize exposições de arte (internas e externas): se você puder aguentar calor, mosquitos, tédio e trabalho duro, as exibições de arte podem pagar bem; mas escolha seus shows com cuidado. A taxa de burnout para esse tipo de coisa é muito alta e, dadas as altas taxas de entrada e despesas de viagem em alguns dos melhores shows, geralmente há algum risco financeiro. Não desanime se você não quebrar recordes de vendas em um show; é a exposição que conta. Eu nunca sabia ao certo o quão bom um programa poderia ter sido até meses depois, quando a exposição começoua dar frutos.
10. Aprenda HTML: Coloque uma página da web. Considere HTML como apenas mais uma habilidade artística a ser dominada. Os editores de hoje "O que você vê é o que obtém" (WYSIWYG) minimizam o esforço na criação de um site. Se desejar, sua presença na web pode muito bem ser o seu ingresso para a sua pequena comunidade.
11. Mantenha o tamanho do seu trabalho razoável para o seu assunto: pinte animais de estimação em tamanho real (exceto um cavalo, é claro). As paisagens podem ser as maiores. Porém, mesmo uma pintura de sofá raramente deve ter mais de um metro e meio de largura. As paisagens de formato vertical são facilmente penduradas na maioria das casas e geralmente atraem a atenção devido à sua verticalidade. Independentemente do assunto, eu raramente pinto com mais de 3 por 3 pés.
12. Faça murais (internos ou externos): eles são populares; mesmo em pequenos mercados. A angariação de fundos para um projeto mural também traz consigo uma valiosa exposição da comunidade.
13. Coma publicidade local gratuita: é muito melhor do que qualquer um que você possa comprar.
14. Ministrar aulas: para crianças ou adultos, as aulas podem ser uma pequena e agradável linha lateral. (Um caso em que um anúncio de jornal pode ser valioso.)
15. Proteja sua integridade comercial, pessoal e artística o tempo todo: é a sua mercadoria mais valiosa. Nas cidades pequenas, as pessoas falam. O boca a boca é ótimo; apenas certifique-se de que tudo é positivo.
16. Aprenda fotografia: Aprenda a usar a fotografia corretamente em sua arte. Isso pode economizar uma quantidade enorme de tempo e evitar erros dispendiosos. Os artistas que se recusam a usar uma ferramenta tão valiosa antes, durante e após a criação de seu trabalho estão lutando com uma mão amarrada nas costas.
Figura 12
17. Se sua comunidade não tem associação de arte; Comece um: Como profissional entre amadores, você será um grande queijo. Aproveite ao máximo.
18. Não tenha medo de sair da comunidade local, mas faça o seguinte: Se você tem muito pouca experiência em marketing de sua arte, desconfie de indivíduos potencialmente inescrupulosos (especialmente no mercado de arte das grandes cidades) que podem tentar tirar vantagem de você.
19. Envolva-se no serviço comunitário local: você conhecerá pessoas com dinheiro. Pessoas com dinheiro compram obras de arte.
20. Não seja especialista: nisso, os artistas são muito parecidos com médicos. O artista de cidade pequena deve ser um clínico geral (clínico geral). Os especialistas médicos precisam se reunir em torno de grandes hospitais nas grandes cidades para ter sucesso. Da mesma forma, os especialistas em arte precisam estar próximos de um grande mercado para ter sucesso em qualquer especialidade.
21. Aprenda a montar e enquadrar: Este serviço pode ser uma tremenda fonte de renda e, muitas vezes, independente de suas vendas de arte. Não estou falando em comprar um helicóptero, estocar muitas molduras diferentes ou mesmo em dominar uma serra de esquadria. Em vez disso, torne-se um revendedor de uma tomada ou atacadista de quadros nas proximidades. Ou compre de uma empresa atacadista de pedidos por correio. Invista em um cortador de esteira que não seja mais caro ou elaborado do que você pode gerenciar. Eu tenho um Dexter há mais de quarenta anos. (Eu acho que eles vendem agora por cerca de US $ 35.) A partir daí, você pode subir várias centenas de dólares para os cortadores de tapete "idiotas", mais ou menos infalíveis (como qualquer idiota pode usá-los). Tais engenhocas não são ideais em espaços apertados.
22. Evitar estoques: os clientes Boondocks esperam ter que esperar a mercadoria chegar. Mas não deixe que a falta de materiais básicos de arte roube sua produtividade. Compre no atacado e tente ter apenas os suprimentos necessários e quando precisar.
23. Se você tiver um, não saia do seu emprego diário: as pressões podem ser difíceis às vezes, mas apreciam os momentos em que você está ocupado, porque, infelizmente, elas geralmente não duram. Como em qualquer outro negócio de varejo, você estará mais ocupado na segunda metade do ano. Aprenda a aproveitar seus tempos de folga para criar seu trabalho sério, enquanto o resto do ano você (espero) está inundado de comissões.
24. Se possível, considere sua renda artística como um bônus em dinheiro: salve-a. Passe nas férias. Compre itens caros com dinheiro que você teria que comprar a crédito. Invista nos seus negócios apenas se você puder esperar um aumento de renda como resultado direto. Tente não adquirir o hábito de usar sua renda artística para as despesas domésticas diárias, a menos que seja um profissional em período integral sem outra fonte de receita.
25. Obtenha e use um cartão de crédito para a compra de suprimentos e itens para revenda: No entanto, certifique-se de pagá-lo integralmente mensalmente, evitando assim os juros. O dinheiro de plástico é ótimo para amenizar problemas de fluxo de caixa e encomendar itens por telefone ou Internet, mas mortal se usado indiscriminadamente.
26. Aliste seu cônjuge e / ou filhos em seus esforços de marketing: eles podem ajudar com tudo, desde a construção de prateleiras de exibição até a limpeza das teias de aranha ao redor das luzes. Além disso, eles trabalham barato. As crianças são ótimas em exposições de arte para ajudar a descarregar, carregar e executar tarefas enquanto você faz o que faz de melhor. Além disso, as mostras de arte também são uma boa experiência educacional para os jovens.
27. Nunca rejeite uma solicitação de palestra: você deve a sua comunidade e a si mesmo ser o especialista / recurso artístico a quem todos se voltam quando precisam de conselhos. Se você é tímido na frente de grupos, lembre-se; você sabe muito mais sobre arte do que eles, e isso o torna superior a todos os outros. Então, aproveite a oportunidade para mostrar um pouco. Certifique-se de trazer slides.
Ser Descoberto
Todo mundo provavelmente já ouviu a história lendária de como a atriz Lana Turner foi "descoberta" por uma diretora de elenco, quando a atriz estava sentada na fonte de refrigerante de uma farmácia de Hollywood no final dos anos 30.
Figura 13
Os artistas também têm esses sonhos de serem descobertos, embora um banco de bar em uma farmácia não seja o local habitual. Montam seus produtos nas esquinas, perto de museus, ou usam couro fino, batendo na calçada de galeria em galeria, com o portfólio na mão. Eles preenchem volumes de papelada para entrar em exposições de arte jurada com suas esperanças e sonhos. Às vezes funciona. Normalmente isso não acontece, e o artista continua ganhando a vida, sendo conhecido como - na melhor das hipóteses - um favorito regional.
Em 1950, um desses jovens artistas impetuosos chegou ao grande momento. Seu sonho se tornou realidade na Betty Parson's Gallery, em Manhattan.
Ele foi um sucesso instantâneo, embora, de fato, ele estivesse trabalhando duro para obter tal aclamação por quase vinte anos. Embora bastante impetuoso, ele não era tão jovem assim. Ele tinha trinta e oito anos. Ele era um expressionista abstrato, lutando, junto com cerca de uma dúzia de artistas semelhantes de Nova York, para romper as barreiras da conformidade representacional com um estilo que até os críticos ainda estavam debatendo. Na maioria das vezes, o público não entendeu nem gostou do seu trabalho. Embora parte de um grupo referido como "pintores de ação", esse homem tivesse uma outra peculiaridade que o diferenciava: ele não usava pincéis. Em vez disso, ele pingou sua tinta na tela (Figura 14). O nome dele era Jackson Pollock.
Figura 14
Pollock fez mais do que fazer um nome para si naquele show. Ele fez um nome para toda a escola de Nova York e para todo o movimento artístico. Suas pinturas foram vendidas mais rapidamente do que ele poderia escorrê-las, criando uma escassez de obras, o que provocou o aumento dos preços. Isso, por sua vez, gerou dezenas de outros expressionistas abstratos. Eles produziam trabalhos a um ritmo incrível, em um frenesi de estilingue de tinta nunca antes visto ou desde então.Algumas delas foram boas. Parte disso foi ótimo, de fato. Mas a maioria era medíocre na melhor das hipóteses. No entanto, era tudo tão novo que poucos sabiam a diferença.
O trabalho de Pollock era vendido por preços astronômicos na época, assim como o trabalho de Clyfford Still, Barnett Newman, Mark Rothko e de Kooning, para citar alguns.
Como os artistas finalmente colhendo as recompensas por sua persistência, o expressionismo abstrato não foi um sinal de alerta. Com artistas como Pollock liderando o caminho, essa arte dominou totalmente o cenário artístico nos Estados Unidos - e internacionalmente - pelos próximos quinze anos. Esse sucesso repentino foi tão assustador quanto emocionante para os artistas envolvidos. Alguns lidaram com isso melhor do que outros. Pollock talvez tenha lidado com o pior de tudo.
Sair do seu trabalho do dia
Em 30 de outubro de 1998, escrevi como meu diário ArtyFact: "Existem certos marcos na vida de todo artista que ele nunca esquecerá: a primeira aula de arte, a primeira pintura" boa ", a primeira pintura" vendida ", a primeira fita azul ou a primeira entrevista na TV.
Tudo isso serve para mover esse artista de estudante para classificar amador, para profissional talentoso e, eventualmente, se você não se perder no caminho, para a elevada designação de 'profissional experiente'. Eu tento não falar de mim quando escrevo, mas hoje marca um desses marcos para mim. Hoje fiz algo que todo mundo avisa artistas e artistas para não fazerem. Hoje, às 15h17, saí do meu emprego diário ".
Orgulhosamente me gabando, continuei: "É oficial; tenho meu relógio de ouro da associação de professores local para provar isso". Na verdade, não foi tão dramático, embora não menos memorável pessoalmente. Para mim, largar o emprego diurno implicava me aposentar depois de 26 anos ensinando arte nas escolas públicas. Eu não estaria desesperadamente arranhando para evitar a fome. Graças ao sistema de aposentadoria dos professores do estado e ao fato de minha esposa não se aposentar por mais dois anos depois disso, não estávamos em posição de ter que ganhar a vida exclusivamente com minhas obras de arte.
Fizemos algumas mudanças modestas. Soltamos nossa governanta duas vezes por semana. Comecei a fazer as tarefas domésticas nos meus momentos livres. O pagamento de indenizações e um generoso bônus de aposentadoria nos permitiram pagar um carro, depois reduzir, combinar e refinanciar ambas as hipotecas a taxas de juros fortuitamente baixas.
Além disso, eu havia conseguido economizar um pouco de dinheiro e tinha uma carteira de trabalho maior do que o normal. Portanto, mesmo sendo jovem para a aposentadoria (cinquenta e três), me senti seguro.
Na minha inscrição no ArtyFact, não pude deixar de continuar: "A partir de agora, tudo o que preciso fazer é sentar, escrever meus ArtyFacts diários e pintar o que for e sempre que sentir vontade, até que a morte me obriga a diminuir a velocidade de uma pouco."
Estava ansioso por me aposentar com tantas opções interessantes que fiquei um pouco tonta só de pensar nelas.
Por outro lado, todas aquelas coisas que eu adiava até me aposentar começaram a cair sobre mim como a torrente do armário estofado de Fibber McGee (uma referência de rádio antiga que meu pai gostava de usar).
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