Artes Visuais

Prévia do material em texto

✍️ Apresentação 
Este Super Resumo foi cuidadosamente elaborado pela equipe Professor Concursado, referência 
nacional na produção de conteúdos de excelência para concursos públicos na área da educação. Todo o 
material é fruto de intensa pesquisa, curadoria didática e acompanhamento das diretrizes mais recentes 
do INEP, seguindo a matriz de competências exigida na Prova Nacional Docente (PND). 
Sob a supervisão pedagógica do Professor Fábio Luz, este resumo traz não apenas conteúdos mais 
importantes, mas também uma abordagem simples e diferenciada, com foco no que realmente é 
cobrado. Mais do que avaliar, nosso objetivo é ensinar por meio da prática, promovendo 
compreensão profunda e estratégica dos temas. 
📘 APOSTILA PND – ARTES VISUAIS 
Prova Nacional Docente – Super Resumo por Tópicos Essenciais 
 
✅ ÍNDICE 
1. Elementos e Princípios das Linguagens Visuais 
2. História da Arte: dos Períodos Clássicos à Contemporaneidade 
3. Arte na BNCC e o Ensino na Educação Básica 
4. Estética e Crítica de Arte 
5. Novas Tecnologias e Práticas Artísticas 
 
1. Elementos e Princípios das Linguagens Visuais 
 Elementos básicos: ponto, linha, forma, cor, textura, espaço 
 Princípios de organização visual: equilíbrio, contraste, ritmo, unidade 
 Composição, percepção visual e leitura de imagem 
 
2. História da Arte: dos Períodos Clássicos à Contemporaneidade 
 Arte Pré-histórica, Egípcia, Grega e Romana 
 Arte Medieval, Renascimento, Barroco e Neoclassicismo 
 
 
 Arte Moderna e Contemporânea: movimentos e rupturas 
 Arte Brasileira: do Modernismo à arte atual 
 
3. Arte na BNCC e o Ensino na Educação Básica 
 Papel das Artes Visuais nos componentes curriculares da BNCC 
 Campos de experiência na Educação Infantil 
 Competências específicas do Ensino Fundamental e Médio 
 Planejamento de aulas e avaliação em Artes 
 
4. Estética e Crítica de Arte 
 Conceitos fundamentais da Estética (belo, feio, sublime, função da arte) 
 Filosofia da arte: Platão, Kant, Hegel 
 Leitura e interpretação de obras de arte 
 O papel da crítica como mediação cultural 
 
5. Novas Tecnologias e Práticas Artísticas 
 Arte digital, fotografia, vídeo, instalação e performance 
 Uso pedagógico das tecnologias no ensino de artes 
 Hibridismos e linguagens interativas na arte contemporânea 
 Cultura visual e mídias digitais 
 
📘 APOSTILA PND – ARTES VISUAIS 
Tópico 1 – Elementos e Princípios das Linguagens Visuais 
 
🎨 1.1. Elementos Básicos da Linguagem Visual 
Os elementos visuais são os componentes essenciais da linguagem das artes visuais. Assim como a 
gramática organiza a linguagem verbal, os elementos visuais estruturam a composição artística, 
permitindo que o artista ou o educador crie, analise e interprete obras com profundidade. 
 
 
Ponto 
O ponto é a menor unidade da linguagem visual, representando o início de qualquer criação gráfica. 
Sozinho, pode parecer insignificante, mas seu agrupamento pode gerar formas, texturas e movimentos 
visuais. Em termos simbólicos, o ponto representa o foco, o centro ou a origem de uma ideia. Nas artes 
visuais, ele pode ser visto em pontilhismos, tramas e composições digitais. 
Linha 
A linha é o resultado do movimento de um ponto no espaço. Pode ser reta, curva, ondulada, quebrada 
ou contínua. Cada tipo de linha carrega significados e sensações diferentes: linhas retas podem sugerir 
ordem e estabilidade; linhas curvas, fluidez e suavidade; linhas quebradas ou irregulares, tensão e 
dinamismo. A linha também pode ser usada para delimitar formas (contorno), indicar movimento ou 
expressar emoção, como nos desenhos infantis ou nos esboços artísticos. 
Forma 
A forma surge a partir da delimitação de linhas no espaço. Pode ser geométrica (quadrado, triângulo, 
círculo) ou orgânica, quando remete à natureza, como uma folha ou o contorno de um corpo humano. 
A forma é um elemento central nas composições visuais, pois define os objetos representados e sua 
relação com o espaço ao redor. 
Cor 
A cor é um dos elementos mais expressivos da linguagem visual. É composta por três propriedades 
principais: 
 Matiz: o nome da cor (vermelho, azul, amarelo etc.); 
 Valor: o grau de claridade ou escuridão de uma cor; 
 Saturação: a intensidade ou pureza da cor. 
As cores são capazes de comunicar sensações (calor, frio, alegria, tristeza), atrair o olhar, criar 
profundidade e enfatizar elementos na composição. O conhecimento sobre o círculo cromático 
e as harmonias de cores (análogo, complementar, monocromático) é essencial para uma 
aplicação consciente no ensino da arte. 
Textura 
A textura é a qualidade tátil ou visual de uma superfície. Pode ser real, quando presente fisicamente 
em esculturas ou colagens, ou simulada, quando representada em desenhos e pinturas. A textura 
enriquece a linguagem visual e aproxima o observador da obra ao ativar o sentido do tato, mesmo que 
apenas por sugestão visual. 
Espaço 
O espaço é o campo onde os elementos visuais são organizados. Na arte bidimensional (desenho, 
pintura), o espaço é construído por técnicas como sobreposição, perspectiva, diminuição de escala e 
variação de nitidez. Em esculturas e instalações, o espaço é tridimensional e pode envolver o 
 
 
deslocamento do espectador. A manipulação do espaço na arte visa criar profundidade, equilíbrio e 
relações simbólicas entre os elementos. 
Volume 
Presente principalmente em obras tridimensionais, o volume é a forma no espaço com profundidade, 
altura e largura. Pode ser maciço (preenchido) ou vazio (ocupar o espaço com estruturas abertas). O 
domínio do volume é essencial no ensino de escultura, modelagem e construção de objetos. 
 
� 1.2. Princípios da Organização Visual 
Os princípios visuais são regras implícitas que orientam a forma como os elementos são organizados 
dentro de uma obra. Eles garantem coerência estética, equilíbrio compositivo e impacto comunicativo. 
Compreender esses princípios é fundamental tanto para a criação quanto para a leitura crítica de 
imagens. 
Equilíbrio 
Refere-se à distribuição visual dos elementos dentro da composição. Pode ser: 
 Simétrico, quando os elementos são distribuídos de forma igual em ambos os lados do eixo 
central, gerando uma sensação de ordem e estabilidade; 
 Assimétrico, quando os elementos são distribuídos de forma desigual, mas ainda assim 
equilibrada, promovendo dinamicidade e interesse visual; 
 Radial, quando os elementos se organizam a partir de um ponto central, comum em mandalas e 
vitrais. 
Contraste 
O contraste ocorre pela oposição de elementos diferentes, como claro/escuro, grande/pequeno, 
quente/frio, suave/texturizado. Ele é um dos principais recursos para criar destaque e orientar o olhar 
do espectador dentro da obra. 
Ritmo 
Assim como na música, o ritmo visual se dá pela repetição de formas, linhas, cores ou padrões que 
criam uma sensação de movimento ou cadência. Pode ser regular (como padrões repetitivos) ou 
irregular (com variações inesperadas), gerando fluidez ou tensão na composição. 
Unidade 
A unidade é a sensação de que todos os elementos da obra estão interligados, formando um conjunto 
coeso. Mesmo com diversidade de formas, cores e texturas, a obra transmite uma sensação de 
“inteireza”. A unidade é essencial para que a obra comunique uma mensagem clara e harmônica. 
 
 
Ênfase 
A ênfase define o ponto focal da obra, ou seja, o local onde o olhar do espectador é naturalmente 
atraído. Pode ser criada por contraste, tamanho, posição, cor ou complexidade. Uma obra sem ênfase 
pode parecer confusa; uma com ênfase bem definida se torna mais impactante e comunicativa. 
Proporção e Escala 
A proporção refere-se à relação de tamanho entre partes de uma mesma figura, enquanto a escala diz 
respeito ao tamanho de um elemento em relação ao todo da obra ou ao observador. Manipular essas 
relações pode gerar efeitos de distorção, exagero ou realismo. 
MovimentoÉ a sensação de ação ou deslocamento dentro da composição. Pode ser sugerido por linhas curvas, 
direções diagonais, sobreposições ou pela própria postura de personagens. O movimento dá vida à 
imagem e estimula a imaginação do observador. 
 
🖼️ 1.3. Composição Visual e Leitura de Imagem 
A composição visual é o resultado da aplicação dos elementos e princípios visuais em uma obra de 
arte. Não é apenas um arranjo técnico, mas uma decisão estética e expressiva do artista. 
Compor é organizar intencionalmente elementos para provocar sensações, transmitir mensagens ou 
criar beleza. Na educação, ensinar composição é promover a consciência sobre as escolhas visuais, 
estimulando o aluno a ser autor da sua expressão artística. 
A leitura de imagem, por sua vez, é uma habilidade interpretativa. Exige o olhar crítico, sensível e 
contextualizado. A análise de obras visuais deve considerar: 
 A forma (elementos e princípios usados); 
 O conteúdo (o que é representado); 
 O contexto (quem produziu, quando, onde e por quê). 
No contexto pedagógico, ensinar leitura de imagens é empoderar os alunos como sujeitos críticos, 
capazes de entender a cultura visual que os cerca e de se posicionar por meio da arte. 
📘 APOSTILA PND – ARTES VISUAIS 
Tópico 2 – História da Arte: dos Períodos Clássicos à Contemporaneidade 
 
 
 
🏛️ 2.1. Arte na Pré-História, Antiguidade e Idade Média 
A história da arte é uma linha do tempo que reflete os valores, crenças, avanços tecnológicos e modos 
de vida das sociedades. Seu ensino na escola deve articular o conteúdo histórico com a leitura estética 
e crítica das imagens, promovendo o entendimento da arte como fenômeno cultural e humano. 
Arte Pré-Histórica 
A arte pré-histórica está ligada à sobrevivência, rituais e registros simbólicos. Destacam-se: 
 Pinturas rupestres: encontradas em cavernas como Lascaux (França) e Altamira (Espanha), 
revelam cenas de caça, danças e animais. São feitas com pigmentos naturais. 
 Arte mobiliária: objetos pequenos como esculturas (ex: Vênus de Willendorf), com possível 
função mágica ou religiosa. 
Arte na Antiguidade 
 Egípcia: Arte estática e simbólica, ligada à religião e à imortalidade. Uso da lei da frontalidade, 
proporções rígidas e hierarquia na representação (maior importância = maior tamanho). 
 Grega: Busca da perfeição e harmonia do corpo humano. Surge o ideal do belo, com esculturas 
que valorizam a anatomia e o movimento (ex: Míron, Fídias). 
 Romana: Influenciada pelos gregos, mas mais voltada à engenharia e à vida cotidiana. Notável 
pela arquitetura (coliseus, aquedutos) e retratos realistas. 
Idade Média 
Arte religiosa voltada à doutrina cristã. Divide-se em dois principais estilos: 
 Arte Bizantina: ícones e mosaicos com fundo dourado, figuras hieráticas e simbólicas. 
 Arte Românica: arquitetura robusta e austera, com esculturas religiosas nos portais das igrejas. 
 Arte Gótica: surgimento das catedrais com vitrais coloridos, arcos ogivais e verticalidade. A 
arte começa a humanizar as figuras religiosas. 
 
🖌️ 2.2. Renascimento e Barroco 
Renascimento (séculos XIV a XVI) 
Movimento cultural europeu que marca o retorno ao humanismo clássico, com foco no homem, na 
razão e na ciência. Características principais: 
 Perspectiva linear e aérea; 
 Realismo anatômico; 
 Equilíbrio, harmonia e simetria nas composições; 
 
 
 Artistas célebres: Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael, Botticelli. 
O Renascimento representou a valorização do artista como intelectual, rompendo com a função 
exclusivamente religiosa da arte medieval. 
Barroco (séculos XVII e início do XVIII) 
Estilo ligado à Contrarreforma Católica, com grande teatralidade, emoção e dramaticidade. 
Características: 
 Forte contraste entre luz e sombra (claroscuro); 
 Movimento e exuberância; 
 Arte religiosa intensa e afetiva, mas também profana em algumas regiões. 
 Grandes nomes: Caravaggio, Bernini, Rembrandt, Rubens. 
No Brasil, destaca-se o barroco mineiro com Aleijadinho, que esculpiu em pedra-sabão figuras de 
apóstolos e decorou igrejas com riqueza de detalhes. 
 
� 2.3. Arte Moderna: Ruptura e Experimentação 
A arte moderna surge no final do século XIX e se intensifica no século XX, rompendo com as 
tradições acadêmicas. É marcada por liberdade estética, inovação técnica e crítica ao realismo 
tradicional. 
Principais movimentos: 
 Impressionismo (Monet, Renoir): valorização da luz e da cor, pinceladas soltas e cenas do 
cotidiano. 
 Expressionismo (Munch, Kandinsky): distorções e cores fortes para expressar emoções 
subjetivas. 
 Cubismo (Picasso, Braque): fragmentação das formas, visão simultânea dos objetos. 
 Futurismo: valorização da velocidade, tecnologia e movimento. 
 Dadaísmo e Surrealismo: críticas à lógica e à razão, com uso do inconsciente, sonho e 
automatismo psíquico. 
No Brasil, o movimento Modernista ganha destaque com a Semana de Arte Moderna de 1922, que 
propôs uma nova estética nacional. Nomes como Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Di Cavalcanti 
e Oswald de Andrade foram fundamentais para o rompimento com o academicismo europeu e a 
valorização da cultura brasileira. 
 
 
 
🖼️ 2.4. Arte Contemporânea: Hibridismos e Novos Suportes 
A partir da segunda metade do século XX, a arte entra em um período de pluralidade, 
interdisciplinaridade e questionamento das definições tradicionais de obra de arte. 
Características da arte contemporânea: 
 Ruptura com o objeto artístico tradicional (quadro, escultura); 
 Valorização do conceito (arte conceitual); 
 Apropriação de objetos do cotidiano (ready-mades, como os de Duchamp); 
 Interatividade e participação do público; 
 Suportes variados: instalações, performances, vídeo-arte, arte digital. 
Temas recorrentes: 
 Identidade, corpo, política, gênero, meio ambiente; 
 Denúncia social e crítica cultural; 
 Diálogo com outras linguagens (teatro, dança, tecnologia). 
No Brasil contemporâneo, destacam-se artistas como Lygia Clark, Hélio Oiticica, Adriana Varejão 
e Rosana Paulino, que exploram corpo, espaço, cultura e memória por meio de abordagens 
inovadoras e engajadas. 
 
🌎 2.5. Ensino da História da Arte: uma Abordagem Crítica 
Ensinar história da arte vai além da memorização de estilos e artistas. Deve: 
 Promover leitura crítica das imagens e sua inserção no tempo e espaço; 
 Incentivar a reflexão sobre os valores sociais, políticos e culturais que permeiam a produção 
artística; 
 Estimular o aluno a perceber a arte como linguagem que comunica e ressignifica o mundo; 
 Respeitar a diversidade cultural, incluindo as artes indígenas, afro-brasileiras e populares. 
A abordagem contemporânea valoriza também a produção local, os artistas regionais e a articulação 
com a vivência dos estudantes. O professor, nesse contexto, atua como mediador de experiências 
sensíveis e reflexivas, promovendo uma formação estética crítica. 
📘 APOSTILA PND – ARTES VISUAIS 
Tópico 3 – Arte na BNCC e o Ensino na Educação Básica 
 
 
 
📚 3.1. A Arte como Componente Curricular 
Na Base Nacional Comum Curricular (BNCC), a Arte é reconhecida como componente curricular 
obrigatório da Educação Básica. O documento a posiciona como campo de conhecimento e expressão 
que contribui para o desenvolvimento integral dos estudantes. 
A BNCC organiza a área de Arte em quatro linguagens: 
 Artes Visuais 
 Música 
 Dança 
 Teatro 
Cada uma dessas linguagens possui especificidades, mas compartilham objetivos comuns de 
desenvolver a sensibilidade, a imaginação, o pensamento crítico e a expressão criadora dos estudantes. 
No caso das Artes Visuais, há um destaque para o contato com diferentes materiais, técnicas e mídias, 
além da leitura e apreciação crítica de imagens. 
 
�🏽 3.2. Educação Infantil: Campos de Experiência e Linguagens Artísticas 
Na Educação Infantil, a BNCC propõe o trabalho com artes no campo de experiência “Traços, sons, 
corese formas”, onde as crianças têm contato com materiais diversos e experimentam múltiplas 
formas de expressão e comunicação. 
A ênfase está na exploração sensorial, na experimentação livre, no fazer artístico e no 
encantamento com o mundo visual. As práticas devem respeitar o ritmo de desenvolvimento da 
criança, seu imaginário, e favorecer a ampliação de sua escuta estética e repertório visual. 
O professor atua como mediador e provocador, oferecendo materiais variados, espaços organizados e 
possibilidades de interação que favoreçam o brincar com as linguagens. 
 
� 3.3. Ensino Fundamental: Competências e Objetivos de Aprendizagem 
A BNCC define as competências específicas de Arte no Ensino Fundamental como habilidades para: 
 Experimentar, fruir, refletir e produzir obras artísticas; 
 Compreender o papel da arte nas diferentes culturas e tempos históricos; 
 
 
 Desenvolver a autonomia expressiva e o pensamento crítico; 
 Valorizar as manifestações culturais locais, regionais e nacionais. 
No Ensino Fundamental, o trabalho com Artes Visuais deve contemplar: 
 Produção artística: desenho, pintura, colagem, escultura, fotografia, arte digital etc.; 
 Leitura de imagem e apreciação: análise estética, simbólica e contextualizada; 
 Contextualização histórica e cultural: relações com a história da arte e as manifestações 
contemporâneas; 
 Experimentação de materiais e técnicas: papel, argila, tecido, madeira, dispositivos digitais 
etc. 
O professor deve planejar sequências didáticas articuladas com os objetivos de aprendizagem, 
promovendo a autoria dos alunos, o trabalho colaborativo e a valorização das múltiplas formas de 
expressão. 
 
🎓 3.4. Ensino Médio: Itinerários Formativos e Ampliação do Repertório Estético 
No Ensino Médio, a BNCC propõe uma organização por áreas do conhecimento. A Arte está inserida 
na área de Linguagens e suas Tecnologias e pode ser ofertada de maneira interdisciplinar ou como 
itinerário formativo específico. 
Nesse nível, as competências se ampliam, buscando: 
 O aprofundamento teórico das linguagens artísticas; 
 A compreensão crítica das produções culturais e midiáticas; 
 A capacidade de pesquisar e refletir sobre processos criativos; 
 O engajamento em projetos coletivos, exposições e intervenções artísticas. 
A Arte no Ensino Médio deve permitir que o estudante exerça sua cidadania estética e cultural, 
apropriando-se da arte como linguagem de participação social e expressão de identidades. 
 
📊 3.5. Planejamento e Avaliação em Arte 
O planejamento no ensino de Artes Visuais precisa considerar: 
 A diversidade de repertórios culturais dos alunos; 
 A articulação entre fazer, fruir e refletir; 
 
 
 A valorização do processo criativo, mais do que do produto final. 
A avaliação deve ser diagnóstica, formativa e processual, respeitando os ritmos individuais e 
incentivando a autoexpressão. São estratégias possíveis: 
 Portfólios artísticos: registro da trajetória criativa do aluno; 
 Rodas de conversa: para compartilhamento e reflexão sobre produções; 
 Autoavaliação e coavaliação: promovendo consciência estética e crítica. 
Mais do que “corrigir” uma obra, o professor deve ajudar o aluno a reconhecer suas intenções, 
decisões e descobertas visuais, valorizando o percurso como parte fundamental da aprendizagem. 
 
📘 APOSTILA PND – ARTES VISUAIS 
Tópico 4 – Estética e Crítica de Arte 
 
🎭 4.1. O Que é Estética? 
O termo estética tem origem no grego aisthesis, que significa “percepção pelos sentidos”. Na arte, 
refere-se ao campo do conhecimento que se dedica à compreensão da beleza, do gosto, da 
sensibilidade e das formas de manifestação artística. 
A estética busca responder perguntas como: 
 O que é belo? 
 Por que certas obras nos emocionam ou causam estranhamento? 
 Existe um padrão universal de beleza? 
Historicamente, a estética se desenvolveu como disciplina filosófica a partir do século XVIII, com 
autores como Immanuel Kant, que discutiu o julgamento estético como algo livre de interesse, 
subjetivo, mas com pretensão universal. 
Com o tempo, o conceito de estética foi se ampliando para além do “belo”. Hoje, fala-se em estéticas 
do feio, do grotesco, do banal, do popular, entre outras. Assim, a estética contemporânea valoriza o 
impacto sensorial, cultural e simbólico da obra, mais do que sua aderência a padrões clássicos de 
beleza. 
 
 
 
� 4.2. Estética e Filosofia: Platão, Kant, Hegel 
Platão 
Para Platão, a arte era uma imitação imperfeita da realidade e, por isso, estava afastada da verdade. Ele 
desconfiava da arte como forma de conhecimento, pois ela podia iludir os sentidos e distanciar o ser 
humano do mundo das ideias puras. 
Kant 
No século XVIII, Immanuel Kant redefiniu a estética. Em sua obra Crítica da Faculdade do Juízo, 
defendeu que o julgamento do gosto é subjetivo, mas se comunica universalmente. Para Kant, a 
experiência estética é desinteressada – ou seja, não visa à utilidade nem ao prazer imediato – e está 
ligada ao sentimento de liberdade da imaginação. 
Hegel 
Georg Hegel via a arte como uma forma de manifestação do Espírito Absoluto. A arte, para ele, evolui 
historicamente em direção à liberdade e à racionalidade. Hegel valorizava a função educativa da arte 
e acreditava que sua forma mais elevada era aquela que unia beleza e verdade. 
Esses pensadores ajudaram a construir os fundamentos da estética moderna, influenciando até hoje os 
estudos sobre arte, gosto, sensibilidade e cultura. 
 
🖼️ 4.3. Leitura e Interpretação de Obras de Arte 
A leitura de uma obra de arte é um processo interpretativo que envolve mais do que descrever o que 
se vê. Exige uma análise atenta dos elementos formais, significados simbólicos e contextos culturais 
que envolvem a obra. 
A leitura pode envolver três níveis: 
 Descritivo: identificar o que aparece na imagem (formas, cores, técnicas); 
 Analítico: relacionar os elementos entre si (composição, contraste, equilíbrio, movimento); 
 Interpretativo: buscar significados, intenções do artista, contexto histórico-social, sensações 
despertadas. 
Nas aulas, incentivar a leitura de obras ajuda o aluno a desenvolver o olhar crítico, valorizar a 
pluralidade estética e compreender a arte como linguagem cultural e histórica. 
Exemplo de atividade pedagógica: 
 
 
 Apresentar obras de diferentes culturas (indígena, afro-brasileira, europeia) e propor 
comparação e discussão sobre temas, cores, estilos e mensagens. 
 
� 4.4. A Crítica de Arte: Mediação, Análise e Posicionamento 
A crítica de arte é uma prática reflexiva que tem como objetivo: 
 Interpretar e contextualizar obras de arte; 
 Estimular o debate estético e cultural; 
 Mediar o acesso do público à produção artística. 
O crítico de arte analisa uma obra não apenas com base em seu gosto pessoal, mas a partir de 
repertório teórico, conhecimento técnico e consciência social. Em contextos educativos, o papel do 
professor se aproxima do crítico, pois ele precisa mediar o diálogo entre aluno e obra, incentivando 
a curiosidade e o pensamento autônomo. 
Há diferentes tipos de crítica: 
 Descritiva: destaca os aspectos formais da obra; 
 Interpretativa: propõe sentidos possíveis; 
 Avaliatória: emite juízo de valor com base em critérios estéticos, técnicos ou sociais; 
 Afetiva: considera as emoções provocadas pela obra. 
Importante lembrar: toda leitura de obra é situada, contextual e aberta a múltiplas interpretações. 
 
💡 4.5. Estética na Escola: Sensibilidade, Cidadania e Diversidade 
Trabalhar estética na escola não é apenas falar sobre o que é bonito. É desenvolver a capacidade de 
percepção sensível do mundo, o gosto pelo conhecimento artístico, e o respeito pela diversidade 
cultural. 
O ensino da estética deve: 
 Estimular o estudante a apreciar diferentes formas de arte, inclusive as que desafiam normas e 
expectativas; 
 Valorizar as produções artísticas locais,periféricas, indígenas, negras, populares, LGBTQIA+ 
etc.; 
 Favorecer a formação de um olhar mais crítico, ético e responsável sobre a cultura visual. 
 
 
A experiência estética amplia o repertório cultural, promove a empatia e ajuda o aluno a compreender 
que toda imagem comunica valores, sendo, portanto, um campo de disputas simbólicas. 
 
📘 APOSTILA PND – ARTES VISUAIS 
Tópico 5 – Novas Tecnologias e Práticas Artísticas 
 
💻 5.1. A Expansão dos Suportes: Arte Além da Tela 
Com o avanço da tecnologia, a arte expandiu-se para novos suportes e meios, rompendo os limites do 
quadro tradicional ou da escultura em pedra. A noção contemporânea de arte envolve interatividade, 
multissensorialidade, experimentação e transdisciplinaridade. 
Alguns dos novos suportes mais utilizados são: 
 Instalações: obras montadas no espaço expositivo, que exigem a presença do espectador para 
serem completadas. Ex: obras de Hélio Oiticica. 
 Performance: ação artística realizada ao vivo, fundindo artes visuais, teatro, dança e política. 
Ex: Marina Abramović. 
 Arte digital: feita com softwares, vídeos, animações e manipulações digitais. 
 Arte interativa: envolve a participação direta do público, por meio de dispositivos sensíveis ao 
toque, voz, movimento etc. 
 Street art / Arte urbana: murais, grafites, intervenções e projeções que ocupam espaços 
públicos e desafiam os limites da arte institucional. 
Essas novas práticas demandam letramento visual e digital, além de reflexão crítica sobre os meios e 
suas mensagens. 
 
🌐 5.2. Tecnologias Digitais na Produção e Ensino de Arte 
As TDICs (Tecnologias Digitais da Informação e Comunicação) ampliaram as possibilidades de 
produção, fruição e ensino da arte. 
No contexto escolar, elas podem ser utilizadas para: 
 Criar obras com aplicativos de desenho e edição de imagem; 
 
 
 Produzir curtas-metragens, animações e colagens digitais; 
 Explorar visitas virtuais a museus (Google Arts, Museus do Brasil, Louvre); 
 Registrar processos criativos com fotos e vídeos; 
 Compartilhar produções em blogs, redes sociais ou plataformas escolares. 
O uso das tecnologias deve ir além da instrumentalização: é preciso refletir sobre como e por que 
utilizá-las, valorizando o pensamento crítico, a autoria e a expressividade do estudante. 
 
� 5.3. Cultura Digital, Redes Sociais e Estética Contemporânea 
Vivemos uma era de hipervisualidade, marcada pelo excesso de imagens e pela circulação instantânea 
de produções visuais. Nesse cenário, surgem novos modos de fazer e consumir arte: 
 Memes, colagens digitais, filtros de imagem, reels, gifs são formas legítimas de produção 
estética, mesmo fora dos ambientes tradicionais da arte; 
 O estudante já está inserido nesse universo, e o papel da escola é trazer esse repertório para o 
campo da reflexão e da criação crítica; 
 É necessário discutir cultura de consumo, direitos autorais, curadoria de conteúdo, estética 
das redes e impacto das tecnologias na subjetividade. 
O professor de artes precisa estar atento às linguagens digitais para dialogar com os alunos e 
promover o letramento visual contemporâneo, ensinando-os a analisar, criar e transformar as 
imagens que consomem. 
 
�🏽🎨 5.4. Práticas Artísticas Contemporâneas: Diversidade e Engajamento 
A arte contemporânea é marcada pela diversidade de propostas, técnicas, temas e suportes. Mais do 
que criar objetos decorativos, os artistas atuais muitas vezes atuam como agentes sociais, políticos e 
educadores. 
Temas recorrentes: 
 Identidade (gênero, raça, sexualidade, classe); 
 Territorialidade, urbanização e memória coletiva; 
 Meio ambiente e sustentabilidade; 
 Descolonização estética e saberes tradicionais; 
 Direitos humanos e justiça social. 
 
 
No ensino, é importante apresentar aos estudantes artistas de diferentes origens, gêneros, etnias e 
regiões, para ampliar o repertório e combater a homogeneização cultural. A arte torna-se, assim, um 
espaço de luta por visibilidade e transformação social. 
 
📲 5.5. O Papel do Professor Frente às Novas Linguagens 
O professor de artes visuais do século XXI deve ser um mediador cultural, que compreende as 
transformações das linguagens e ajuda os alunos a navegar no universo visual com criticidade e 
criatividade. 
Competências esperadas: 
 Conhecer e aplicar tecnologias de forma criativa e ética; 
 Incorporar linguagens contemporâneas (instalação, vídeo, arte urbana, arte digital); 
 Trabalhar com metodologias ativas, como projetos, oficinas e experimentações; 
 Fomentar a autonomia criadora, o diálogo intercultural e a leitura crítica da cultura visual. 
Mais do que formar artistas, o ensino de artes visa formar sujeitos sensíveis, críticos, expressivos e 
conscientes do mundo em que vivem.