apostila de Arte 2014 - Ensino Médio pdf · versão 1

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Ensino Médio - 1ºano 
Teatro Dança 
formas geométricas 
 
Releitura de obras 
 
 
 
MMaarriiaa ddee LLoouurrddeess BBaattiissttaa 
Arte Educadora, Psicopedagoga e Psicóloga. 
Santo Antônio do Monte 
http://apsicologiaonline.com.br 
 
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“O FUTURO PERTENCE ÀQUELES QUE ACREDITAM NA 
BELEZA DE SEUS SONHOS”. 
 
Para início de conversa.......... 
 
Prezado aluno (a) 
 Por meio desta Disciplina você terá oportunidade de conhecer e aprofundar 
sobre a importância da Arte na Escola, na Vida. Esta apostila foi confeccionada com o 
intuito de facilitar o trabalho teórico e prático na disciplina de Arte. É um instrumento 
didático não substituindo outras referências e pesquisas. 
Arte, é a oportunidade que o aluno tem de explorar, construir e aumentar seu 
conhecimento, desenvolver suas habilidades, articular e realizar trabalhos estéticos e 
explorar sua sensibilidade e seus sentimentos. O ensino de Arte deve possibilitar os 
alunos a construção de conhecimentos que interajam com sua emoção, através do 
pensar, do apreciar e do fazer arte. Produzindo trabalhos artísticos e conhecendo a 
produção de outras pessoas e de outras culturas, o aluno poderá compreender a 
diversidade de valores que orientam tanto os seus próprios modos de pensar e agir 
quanto os das sociedades. É importante que os alunos compreendam o sentido do fazer 
artístico, ou seja, entendam que suas experiências de desenhar, pintar, cantar, executar 
instrumentos musicais, dançar, apreciar, filmar, videografar, dramatizar etc. são 
vivências essenciais para a produção de conhecimento em arte. Ao conhecer e fazer 
arte, o aluno percorre trajetos de aprendizagem que propiciam conhecimentos 
específicos sobre sua relação com a própria arte, consigo mesmo e com o mundo. 
Segundo a autora Ana Mae Barbosa, professora doutora, arte educadora, a 
proposta metodológica triangular formulada sinaliza a importância de se trabalhar 
pedagogicamente a complexidade desta modalidade. Organizar as intervenções 
educativas com Arte em torno aos eixos do (1) FAZER artístico, da (2) APRECIAÇÃO 
estética e da (3) CONTEXTUALIZAÇÃO . 
Bom Estudo e êxito em seu aprendizado! 
Abraços, 
Profª Maria de Lourdes Batista 
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UNIDADE I 
Conhecimento e Expressão em Artes Visuais. 
Tema : Percepção Visual e Sensibilidade Estética – 
Sub tema: Apresentação e análise e imagens e objetos artísticos. 
 
A arte é o meio de amar, ver e sentir o belo como os nossos olhos vêem e o 
coração sente. 
Esta unidade é muito pouco para seu mérito, mas é o início, que se bem feito, 
dará ao seu final uma autonomia para vôos longínquos ou talvez eternos. 
Se você sentir dificuldades em algumas das tarefas a serem realizadas, não 
desanime, pois enfrentar obstáculos e vencê-los nos ajuda muito a crescer. 
Portanto, leia e procure reproduzir o que lhe foi pedido com muita 
organização, capricho e criatividade. 
 
Entendendo as Artes visuais 
São formas tradicionais, pintura, escultura, desenho, gravura, objetos, cerâmica. 
As que resultam dos avanços tecnológicos, século XX. Fotografia, artes 
gráficas,cinema,televisão, vídeo,computação, design,arte em computador e outros. 
ESTUDANDO AS CORES 
A cor é uma percepção visual provocada pela ação de um feixe de fótons sobre 
células especializadas da retina, que transmitem através de informação pré-processada 
no nervo óptico, impressões para o sistema nervoso. 
A COR, elemento indissociável do nosso cotidiano, exerce especial importância 
sobretudo nas Artes Visuais. Na Pintura, Escultura, Arquitectura, Moda, Cerâmica, 
Artes Gráficas, Fotografia, Cinema, Espectáculo etc, ela é geradora de emoções e 
sensações. 
- Cores Primárias 
- Cores Secundárias 
- Cores Terciárias 
- O Círculo Cromático ou Círculo de Cores 
- Cores Complementares 
- Cores Análogas 
- Temperatura das Cores 
- Cores Neutras 
- Policromia e Monocromia 
 
Cores primárias: São as cores puras, que não se consegue misturando outras cores. 
São: Vermelho, Amarelo, Azul. 
Cores secundarias: São as cores que são formadas por duas cores primárias: 
Amarelo + vermelho = Laranja 
 azul + amarelo = Verde 
 vermelho + azul = Violeta 
 
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Cores Terciárias: As Cores Terciárias são o resultado da mistura de uma cor 
primária com uma cor secundária. 
 
 
Cores complementares : As Cores Complementares são aquelas que se encontram opostas 
no Círculo de Cores e são contrastantes entre si. 
 
O vermelho é complementar do verde. 
O azul é complementar do laranja. 
O amarelo é complementar do violeta. 
 
Cores Análogas 
 
"Analogia" é o mesmo que "semelhante". As cores análogas são aquelas que são 
"vizinhas" no Círculo de Cores, portanto próximas entre si. São chamadas de análogas, 
pois há nelas uma mesma cor básica. Por exemplo, o amarelo-escuro e o vermelho-vivo 
tem em comum a cor laranja. 
 
Vejam alguns exemplos: 
 
- Azul / Azul-esverdeado / Verde 
- Azul / Azul-arroxeado / Roxo 
- Vermelho / Vermelho-alaranjado / Laranja 
- Vermelho / Vermelho-arroxeado / Roxo 
- Amarelo / Amarelo-alaranjado / Laranja 
- Amarelo / Amarelo-esverdeado / Verde 
 
 
Temperatura das Cores 
 As cores utilizadas têm muita influência no tipo de "clima" que se cria, uma vez 
que as chamadas cores frias, tendem a criar um efeito calmante, enquanto que 
as cores quentes, tendem a dar um efeito excitante. 
 
Cores quentes: São as cores que provocam sensações de movimento, alegria, 
agitação, etc. As cores quentes, são associadas ao sol e ao fogo Entre elas, 
temos: amarelo, laranja e vermelho (todos os tons). 
As cores frias são associadas à água, ao gelo, ao céu, e às arvores: roxo, 
azul e verde. (todos os tons). As cores quentes são consideradas excitantes e 
as cores frias calmantes. 
 
Cores Neutras - São aquelas cores onde não existem a predominância nem 
dos tons quentes e nem dos tons frios. Estas cores servem como base para 
qualquer cor, sejam elas de qualquer tonalidade. Preto, Cinza, Branco, Marrom 
e Bege. 
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Policromia -Quando usamos mais do que 3 cores em uma única composição, 
podemos chamá-la de composição policromática, ou seja, que usou mais do que uma 
cor. Cromia = colorir 
Monocromia- Já quando usamos apenas uma única cor, porém em várias 
tonalidades desta cor, dizemos que temos uma composição monocromática. 
Usamos os tons neutros, preto e branco para dar a variação dos tons mais escuros e 
mais claros. 
 
SIMETRIA E ASSIMETRIA 
 
Os objetos, os animais, os vegetais, os minerais e as pessoas que estão a nossa volta 
podem ser classificados, quanto à forma, em simétricos e assimétricos. 
Quando se quer saber se uma figura ou um objeto qualquer é simétrico ou assimétrico, 
deve-se traçar uma linha dividindo-o ao meio. 
 
Simetria : O adjetivo simétrico indica equilíbrio, harmonia, ordem,correspondência 
entre as partes que é sua principal característica. A forma mais comum de 
simetria é a bilateral. As formas são dispostas dos dois lados, um espelhando o 
outro, em relação ao eixo central. 
Nosso corpo também é simétrico, encontramos simetria nas artes, pintura, escultura e 
arquitetura. Provocam em nós uma sensação de estabilidade, equilíbrio e harmonia. 
 
Se os dois lados forem iguais, tem-se uma figura simétrica. Se os dois lados forem 
diferentes, ela é assimétrica. 
Portanto, o eixo é a linha que divide as figuras em duas metades iguais. 
Simetria real ou bilateral: as duas metades são exatamente iguais. 
 
Composição artística - Compor é situar ordenadamente uma série de 
elementos e representa-los no papel. Cada elemento dentro do conjunto, 
comcor, posição etc.. faz parte da harmonia dele, completando a ordem da 
composição. 
 
"Compor é organizar com sentido de unidade e ordem os diferentes fatores de um 
conjunto para conseguir o maior efeito de atração, beleza e emoção." 
 
Forma e Fundo – A forma é um elemento fundamental para a composição de uma 
obra de arte. Ela pode ser bidimensional, quando apresenta apenas duas 
dimensões: comprimento e largura; é plana como uma folha de papel. 
Uma forma tridimensional apresenta, além do comprimento e largura,a 
profundidade. 
 
 
 
 
 
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A LINGUAGEM VISUAL 
Em Arte, é preciso ler textos sem palavras 
Arte no nosso dia a dia - Para explorar fotografias, pinturas, ilustrações e 
charges, é preciso saber a gramática própria que rege a linguagem visual e 
contextualizar as condições de produção de cada obra estudada. Textos não são só 
aqueles formados por palavras e frases, que se encadeiam para ganhar sentido. Os 
grafites nas ruas, os comerciais da TV e as pinturas em livros e obras de arte são 
formados por sinais que precisam ser decodificados, lidos, para serem compreendidos. 
Somados aos textos verbais, essas linguagens ajudam os alunos a interagir com o 
mundo e a se expressar melhor. 
 
Elementos básicos da linguagem visual 
 
Ponto: primeira unidade da imagem. O ponto constrói a imagem e funciona como 
referência no espaço visual por ter um grande poder de atração para a visão humana. 
Os pontos podem agir agrupados obtendo um expressivo efeito visual com formas 
ordenadas ou aleatórias em que o olho reúne os pontos em uma única imagem. 
 
 
 Dependendo de como os pontos são organizados eles podem ser muito expressivos. 
 
Imagem formada por pontos. 
Garcia Junior. 2006. 
 
Linha: quando agrupamos os pontos muito próximos, em uma 
sequência ordenada uns após os outros e de mesmo tamanho, causam à 
visão uma ilusão de direcionamento e acabamos visualizando-os como 
uma linha. 
 
As linhas podem ser classificadas como: 
• geométricas: são abstratas e tem apenas uma dimensão, o 
comprimento; 
• gráficas: linhas desenhadas ou traçadas numa superfície qualquer; 
• físicas: pode ser observada, principalmente, nos contornos dos objetos, naturais ou 
construídos, criada de maneira abstrata na forma de uma percepção visual ilusória e 
imaginária como fios de lã, fios de energia, rachaduras em pisos, horizonte etc. 
 
 
 
 
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A linha gráfica pode indicar a trajetória de um ou vários pontos de maneira 
contínua variando quanto: 
• à espessura, (fina ou grossa); 
• à forma (reta, sinuosa, quebrada ou mista); 
• ao traçado (cheia, tracejada, pontilhada, traço e ponto, etc) e; 
• à posição (horizontal, vertical ou inclinada). 
 
 
 
 
 
 
 
ARTE ABSTRATA OU ABSTRACIONISMO 
As composições podem expressar dinamismo, ritmo, espaço, simetria, 
assimetria, mobilidade, estáticas, linhas e formas, cor, luminosidade e outros tantos 
efeitos. Portanto lembre-se de que a composição é a ordem e a maneira de 
disposição dos elementos dentro de um trabalho artístico, visando formar um todo 
harmônico. Os artistas preparam seus trabalhos esboçando esquemas compositivos. 
 
Abstracionismo: Arte Abstrata é uma forma de arte que não busca nem demonstra o 
mundo que está ao nosso redor. São obras que não representam objetos reconhecidos. 
 
Contexto: Movimento da Arte Moderna - Quando: Século XX 
Origem: Europa (Alemanha e Rússia) - As primeiras manifestações abstratas surgiram 
no período Neolítico, e na Idade Média. 
Wassily Kandinsky - O artista russo foi o primeiro representante da arte 
abstrata 
 
 Abstracionismo no Brasil 
Artista Pioneiros na Abstração no Brasil: Cícero Dias e Lygia Clark, ela é 
Mineira, Lygia Pimentel Lins foi pintora e escultora. 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Atividade: vamos fazer uma Releitura de obra abstrata . 
 
A releitura de obras surgiu nos anos 90. 
 
" A questão da Releitura é muito importante. Sempre se fez Releitura de Obras, 
inclusive todos os grandes pintores o fizeram. ... Velazquez feita por Picasso, 
Van Gogh feita por Francis Bacon e Manet, feita por Magritte, só para citar uns 
poucos do século XX. 
 
Releitura é uma nova leitura, uma nova visão de algo já visto 
previamente. Se, para Paulo Freire, leitura (alfabetização) não é somente o 
ato de decodificar símbolos, mas a interpretação do mundo, releitura de obra 
poderia ser uma reinterpretarão da obra, perpassando uma primeira análise de 
aspectos como: a finalidade da obra; contexto cultural em que foi produzida; 
movimento artístico a que pertence; composição de formas e cores; etc. 
 
3. Os recursos utilizados na atividade são: folhas sulfite A4, giz de cera, lápis de 
cor. 
 
 
 
Bom trabalho ! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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O CONCEITO DE ARTE 
 
 O Conceito de arte é extremamente subjetivo e varia de acordo com a 
cultura a ser analisada, período histórico ou até mesmo do indivíduo em 
questão. Não se trata de um conceito simples e vários artistas e pensadores já se 
debruçaram sobre ele. O Dicionário Aurélio da Língua Portuguesa - 2º. edição, 
em duas de suas definições da palavra arte assim se expressa: «atividade que 
supõe a criação de sensações ou de estados de espírito, de caráter estético, 
carregados de vivência pessoal e profunda, podendo suscitar em outrem o 
desejo de prolongamento ou renovação»...; «a capacidade criadora do artista de 
expressar ou transmitir tais sensações ou sentimentos ....». 
A produção artística pode ser de grande ajuda para o estudo de um 
período ou de uma cultura particular, por revelar valores do meio em que é 
produzida. Duas grandes tendências se alternam na história da arte: 
NATURALISMO, que parte da representação do mundo visível. 
ABSTRACIONISMO, que não nos remete a objetos ou figuras conhecidas, 
preferindo as linhas, cores e planos. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Unidade II - História da Arte 
 
O que é História da Arte? 
É uma disciplina que estuda a evolução das expressões artísticas, a constituição e a 
variação das formas e dos estilos, dos conceitos transmitidos através das obras de arte. 
 
 
I. O que é Arte? 
 Na sociedade contemporânea, é a própria cultura que decide qual objeto é arte e qual 
não é. O objeto em si não carrega essa definição. A arte não pode ser explicada, ela não precisa 
ser explicada, tudo pode ser arte basta as pessoas quererem que seja, o que vai mudar é o fato de 
gostar ou não. Mas para dar mais clareza ao assunto é válido conceituá-la. A arte são 
manifestações da atividade humana diante de uma admiração que irá classificá-la como arte e 
que irá submetê-la a um juízo, privilegiando-as, pois cada um possui e dá valores diferentes a 
ela. Em se tratando da arte na escola, utiliza-se a imaginação, criatividade ao inventar coisas e 
ao expressar sentimentos e manifestar diferentes formas de entender a vida. Compreende-se que 
o ensino da arte e a presença da arte na escola realizam uma função essencial que ultrapassa a 
execução de uma simples disciplina curricular. 
 A arte na escola tem o intuito de fazer com que o aluno se torne participante da 
sociedade em que ele está inserido, que ele possa criar, pensar e sentir o mundo que o cerca e 
que possa expressar esses aspectos não somente por meio de palavras, mas por outras 
linguagens. Esses tipos de linguagens são as Artes Visuais, a Dança, a Música e o Teatro.Além 
disso, a presença da arte na escola pode possibilitar trocas culturais entre os próprios alunos. 
 Arte é um importante trabalho educativo, estimula a inteligência e contribui para a 
formação da personalidade do indivíduo, sem ter como preocupação única e mais importante 
à formação de artistas. No seu trabalho criador, o indivíduo utiliza e aperfeiçoa processos que 
desenvolvem a percepção, a imaginação, a observação, o raciocínio, o controle gestual, a 
capacidade psíquica que influem na aprendizagem. No processo de criação ele pesquisa a 
própria emoção, liberta-se da tensão, ajusta-se, organiza pensamentos, sentimentos, sensações 
e forma hábitos de trabalho. Educa-se. 
 
II. Quem faz arte? O homem cria a arte como meio de vida, para que o mundo saiba o que 
pensa, para divulgar as suas crenças, para estimular e distrair a si mesmo e aos outros, para 
explorar novas formas de olhar e interpretar objetos e cenas. 
 
III. Por que o mundo necessita de arte? Porque fazemos arte e para que a usamos é 
aquilo que chamamos de função da arte que pode ser feita para decorar o mundo, para espelhar 
o nosso mundo (naturalista), para ajudar no dia-a-dia (utilitária), para explicar e descrever a 
história, para ajudar a explorar o mundo. 
 
IV. Como entendemos a arte? O que vemos quando admiramos uma arte depende da nossa 
experiência e conhecimentos, da nossa disposição no momento, imaginação e daquilo que o 
artista pretendeu mostrar. 
 
V. O que é estilo? Estilo é como o trabalho se mostra, depois de o artista ter tomado suas 
decisões.Cada artista possui um estilo único. Imagine se todas as peças de arte feitas até hoje 
fossem expostas numa sala gigantesca. Nunca conseguiríamos ver quem fez o que, quando e 
como. Os artistas e as pessoas que registram as mudanças na forma de se fazer arte, no caso os 
críticos e historiadores, costumam classificá-las por categorias. É um procedimento comum na 
arte ocidental. Ex.: Renascimento, Impressionismo, Cubismo, Surrealismo, etc. 
 
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VI. Como conseguimos ver as transformações do mundo através da arte? Podemos 
verificar que tipo de arte foi feita, quando, onde, como, desta maneira estaremos dialogando 
com a obra de arte. E assim podemos entender as mudanças que a arte possibilitou no mundo. 
 
ENTENDENDO A ARTE 
 
Parte 1: Conceitos, importância e funções da arte 
 
O mundo da arte é concreto e vivo podendo ser observado, compreendido e apreciado. Através 
da experiência artística o ser humano desenvolve sua imaginação e criação aprendendo a 
conviver com seus semelhantes, respeitando as diferenças e sabendo modificar sua realidade. A 
arte dá e encontra forma e significado como instrumento de vida na busca do entendimento de 
quem somos, onde estamos e o que fazemos no mundo. 
 
Pensando sobre o tema 
 
- Você já viu alguma imagem e ficou na dúvida se ela era ou não uma obra de arte? Quais 
foram as imagens? 
 
 
Conhecendo mais sobre o tema 
 
Para podermos responder a essas perguntas devemos, antes de mais nada, saber que a 
arte é conhecimento. A arte é uma das primeiras manifestações da humanidade como forma do 
ser humano marcar sua presença criando objetos e formas (pintura nas cavernas, templos 
religiosos, roupas, quadros, filmes etc) que representam sua vivência no mundo, comunicando e 
expressando suas idéias, sentimentos e sensações para os outros. 
Desta maneira, quando o ser humano faz arte, ele cria um objeto artístico que não precisa nos 
mostrar exatamente como as coisas são no mundo natural ou vivido e sim, como as coisas 
podem ser, de acordo com a sua visão. A função da arte e o seu valor, portanto, não estão no 
retrato fiel da realidade, mas sim, na representação simbólica do mundo humano. 
 
Para existir a arte são precisos três elementos: o artista, o observador e a obra de arte. O 
primeiro elemento é o artista, aquele que cria a obra, partindo do seu conhecimento concreto, 
abstrato e individual transmitindo e expressando suas idéias, sentimentos, emoções em um 
objeto artístico (pintura, escultura, desenho etc) que simbolize esses conceitos. Para criar a 
obra o artista necessita conhecer e experimentar os materiais com que trabalha, quais as técnicas 
que melhor se encaixam à sua proposta de arte e como expor seu conhecimento de maneira 
formal no objeto artístico. O outro elemento é o observador, que faz parte do público que tem o 
contato com a obra, partindo num caminho inverso ao do artista – observa a obra para chegar 
ao conhecimento de mundo que ela contém. Para isso o observador precisa de sensibilidade, 
disponibilidade para entendê-la e algum conhecimento de história e história da arte, assim 
poderá entender o contexto em que a obra foi produzida e fazer relação com o seu próprio 
contexto. 
Por fim, a obra de arte ou o objeto artístico, faz parte de todo o processo, indo da criação do 
artista até o entendimento e apreciação do observador. A obra 
de arte guarda um fim em si mesma sem precisar de um 
complemento ou “tradução”, desde que isso não faça parte da 
proposta do artista. 
 
1. O Artista cria, transmitindo e expressando idéias e 
sentimentos, 
2. Na forma de um Objeto Artístico, 
3. O Observador vê, analisa, compreende e aprecia. 
 
 
Artista Philippe Farraut esculpindo 
em pedra. 
 
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Para saber mais 
 
Arte Figurativa ou Figurativismo: é aquela que retrata e expressa a figura de um 
lugar, objeto,pessoa ou situação de forma que possa ser identificado, reconhecido. 
Abrange desde a figuração realista (parecida com o real) até a estilizada (sem traços 
individualizadores). O figurativismo segue regras e padrões de representação da 
imagem retratada. 
Arte Abstrata ou Abstracionismo: termo genérico utilizado para classificar toda 
forma de arte que se utiliza somente de formas, cores ou texturas, sem retratar nenhuma 
figura, rompendo com a figuração, com a representação naturalista da realidade. 
Podemos classificar o abstracionismo em duas tendências básicas: a geométrica e a 
informal. 
 
Nesta pintura à óleo, feita durante o período artístico chamado 
Renascimento, o artista explorou a representação de uma cena 
do dia-a-dia de modo realista retratando com perfeição a 
naturalidade figurativa das formas, iluminação, cores e texturas 
criando toda uma atmosfera que nos faz mergulhar na cena. 
Esta obra de arte pode ser classificada como Naturalista 
segundo sua função original quando foi criada. 
 
 
 
 
Aqui o artista reduz a imagem aos seus elementos básicos 
visuais: formas, cores, direção e movimento. Esta obra faz parte do 
movimento Expressionista Alemão na Arte Moderna que evitava a 
representação da natureza tal qual a vemos. Para estes artistas a Arte 
era a simplicidade e organização geométrica do espaço. Nesta pintura 
à óleo o artista não se preocupou em criar algo identificável mas, sim, 
transmitir valores e significados estéticos nas formas básicas, por isso 
pode ser classificada como sendo da função Formalista. 
 
Piet Mondrian. Holanda. 19942-1943. 
 
 
 
 
Arte nas imagens do cotidiano 
 
Pensando sobre o tema 
Onde e como você vê a arte no seu dia-adia? 
O que leva você a entender estas imagens como sendo arte? 
 
Ampliando os conhecimentos 
Uma imagem guarda uma semelhança com algo, representando aquilo que o nosso 
sentido da visão pode captar, aquilo que podemos ver, ou que nossa imaginação pode criar. 
Assim, o reflexo de nosso rosto na água é uma imagem que a natureza se encarregou de criar. O 
ser humano, ao longo de seu desenvolvimento, tem procurado encontrar formas de registrar essa 
imaginação ou realidade captada, através depinturas, desenhos, esculturas, gravuras ou filmes, 
ou seja, através de representações imagéticas. A principal diferença entre imagem e 
 
A leiteira. 
 
 
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representação imagética é que imagem é tudo aquilo que nosso sentido da visão pode captar 
registrando tanto o que é realidade quanto imaginação, e representação imagética são imagens 
carregadas de significados organizados ou não de maneira consciente – com valores 
artísticos.Os significados e intenções na criação variam de acordo com o período, lugar e 
pessoas,ou seja, de acordo com o contexto histórico. Desde tempos remotos, o ser humano já 
procurava fazer representações imagéticas nas paredes das cavernas. Essas imagens podiam ter 
finalidades místicas e de sobrevivência. Na Idade Média, as imagens das obras de arte possuíam 
um cunho educativo a serviço da religião. Já no Renascimento as imagens artísticas procuravam 
elevar a condição do ser humano a um nível maior. No Romantismo e Modernismo, as obras de 
arte possuíam fins diversos, como protestos e denúncias dos problemas políticos e sociais. 
Na atualidade existem várias maneiras de se representar a realidade ou a imaginação. 
Hoje em dia, além das formas tradicionais (desenho, pintura, escultura, gravura, arquitetura), 
existe o cinema, a televisão, o computador e a Internet. Através dessas novas tecnologias 
surgiram também várias manifestações artísticas que são produzidas basicamente utilizando-se 
das suas possibilidades e inovações.Através da TV encontramos várias manifestações de 
produções artísticas, como, por exemplo, telenovelas, seriados, filmes ou desenhos animados. 
Estes ligados diretamente às artes cênicas, porém utilizando mecanismo de representação 
imagética das artes visuais, como o vídeo. Nesse caso, são linguagens artísticas que se fundem, 
se unem. Podemos denominar essa linguagem artística como “audiovisual” – união de som e de 
imagem. Outras manifestações com elementos artísticos que estão presentes nas imagens do 
nosso cotidiano são as publicações gráficas como os jornais, as revistas, os livros, os outdoors, 
os panfletos, entre outras. Nessas publicações encontramos várias formas de representação, que 
vão desde o desenho até a fotografia. 
Nos jornais, por exemplo, nos divertimos freqüentemente com as tiras de histórias em 
quadrinhos, os cartuns e as charges políticas. Em contrapartida, também podemos nos chocar 
vendo imagens com cenas de violência captadas com precisão pela câmera do fotógrafo. Nas 
revistas utiliza-se dessas mesmas imagens, porém, com um pouco mais de sofisticação, 
elaborando o visual da página junto com texto, fotografias e gráficos para que se torne mais 
interessante ao leitor. As próprias histórias em quadrinhos (também conhecidas por HQ’s), que 
inicialmente surgiram para entreter os leitores de antigos jornais norte-americanos, alcançaram 
um nível artístico elevado, em que artistas fazem uso de sua linguagem para expressarem suas 
criações. 
 
 
Parte 3: A beleza, o feio e o gosto 
 
Exercício. Pensando sobre o tema 
 O que você considera como belo? Um rosto feminino ou masculino? Um corpo 
saudável? Um pôr-do-sol na praia? Uma roupa que está na moda? 
 Observe as imagens e indique aquelas que você julga como sendo “belas” e escreva 
explicando os motivos que levaram você a esse julgamento. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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A compreensão e apreciação da beleza na arte vai depender do repertório cultural do 
observador, do poder de transmissão e expressão das idéias e sentimentos do artista por meio 
das técnicas e materiais que escolheu trabalhar. Algumas obras de arte necessitam de uma 
experiência estética mais refinada, conhecer o contexto histórico em que foi produzida, saber 
sobre a biografia do artista e quais intenções e significados criativos fazem parte do conjunto de 
sua obra. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
A beleza pode ser algo objetivo, isto é, que pertence ao objeto, suas características 
físicas e de conteúdo; ou algo subjetivo, ou seja, que pertence ao sujeito, àquele que observa. 
Para os estudiosos de arte o belo, a beleza é uma qualidade que atribuímos aos objetos para 
exprimir certo estado da nossa subjetividade, não havendo, portanto, uma idéia de belo nem 
regras para produzi-lo. Não existe a idéia de um único valor estético a partir do qual podemos 
julgar todas as obras de artes visuais. Cada objeto artístico vai estabelecer seu próprio tipo de 
beleza. 
 
 
Parte 4 – Arte erudita, arte popular e arte de massa 
 
Pensando sobre o tema 
 
Você costuma freqüentá-los? Você acredita que estes lugares e seu conteúdo 
estão longe da sua realidade? 
 Como você tem contato com as produções artísticas da sua localidade? 
 
Ampliando os conhecimentos 
 A arte erudita refere-se àquela produzida e apreciada pela elite de uma sociedade. 
Mas não necessariamente uma elite econômica, compreendida pelas pessoas ricas, sim 
por pessoas que conhecem vários estilos artísticos e que são bem informadas, ou seja, a 
elite cultural. Os artistas eruditos são reconhecidos por grande parte da população, 
possuem estudos refinados de diversas técnicas, materiais, estudos e de história da arte. 
Como é o caso de Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci,Michelangelo, Salvador Dalli, 
Pablo Picasso, Cândido Portinari, Di Cavalcanti, Tarsila do Amaral entre outros. 
 
A arte erudita é facilmente encontrada em grandes museus e galerias e possuem 
um valor artístico e qualidade estética incontestável pelos críticos e pelos 
apreciadores mais exigentes. 
A arte erudita caracteriza-se por: 
 
 
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• apresentar esforço para captar o significado da existência humana; 
• instigar o público apreciador a mudar sua visão de mundo; 
• envolver o desenvolvimento dos códigos artísticos; 
• abarcar a expressão individual do artista. 
 
Ampliando os conhecimentos 
 
No outro extremo encontra-se a arte popular, ou seja, aquela feita pelo povo e 
para o povo. O artista popular mantém raízes com a comunidade que faz parte sendo 
grandemente influenciado na sua criação pelos seus motivos e significados simbólicos e 
estéticos.A arte popular faz referência a uma herança cultural das diferentes etnias que 
consistem um povo,como no caso do Brasil.Os temas da arte popular são dos mais 
variados desde a representação do sagrado e místico,como nas figuras de santos e ex-
votos, passando por cenas do cotidiano, como nas estatuetas de cerâmica ou 
madeira, até nas indumentárias e artefatos de festas folclóricas, como no Bumba-meu-
boi, festa do Divino Espírito Santo ou Maracatu. Dentro do estudo da arte, a arte 
popular tem sido encarada como a “prima pobre” da arte erudita, devido à sua origem 
junto a comunidades consideradas “sem instrução”. As manifestações da arte popular 
como o artesanato, a cerâmica em argila, as peças de madeira. Esta diferenciação 
acontece, principalmente, pela maneira e intenção que a arte popular é produzida já que, 
na maioria das vezes, a pessoa que cria a arte popular aprendeu seu “ofício” com os pais 
ou outra pessoa mais experiente. 
 
A arte popular possui como principais características: 
 
• ser geralmente anônima, pois é resultado de várias colaborações que passam de 
geração em geração ao longo do tempo, geralmente feita oralmente; 
• apresentar visão de mundo de um determinado grupo social, ou seja, o conteúdo da 
tradição cultural e folclórica expressa os sentimentos comuns de uma coletividade; 
• desenvolver-se dentro de convenções tradicionais; 
• ter como maior público apreciador pessoas de seu próprio grupo ou comunidade; 
• resistir às influências dos modismosditados pela elite dirigente. 
 
A arte popular pode ser considerada o retrato de uma nação, pois guarda características 
peculiares e genuínas do povo que formou esse grupo durante anos. 
 
Ampliando os conhecimentos 
 Algumas manifestações artísticas durante a história da arte possuíram e 
possuem alcance muito grande, ou seja,atingem a uma quantidade maior de 
pessoas, de diferentes classes sociais e culturais por isso são consideradas como arte popular e, 
ao mesmo tempo, arte de massa. O termo arte de massa - 
significando “ao alcance de todos e para todos” - é recente, surgido no século XX 
com o advento da fotografia, cinema e televisão, mas o seu conceito remonta à 
Antiguidade quando os faraós egípcios representavam sua autoridade política e religiosa ao 
povo na forma de pirâmides, templos e outras obras monumentais 
para serem observadas e entendidas por todos de uma só vez. Portanto, a intenção da produção 
do objeto artístico era utilitária e buscava atingir à grande massa da população que, em geral, 
não tinha acesso às produções mais refinadas destinadas à elite dominante. 
 
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A grande diferença entre “arte popular” e “arte de massa” seria sua origem, ou seja, 
quem as produz. As demais pessoas não adquirem conhecimentos suficientes para 
usufruir a arte de maneira plena em todos os seus sentidos. 
 
Pirâmides de Quéops, Quéfren e Miquerinos - Deserto de Gizé. Egito. C. 2570-2544 A.C. - Catedral 
de Notre-Dame. Amiens, França. 1220-1269. 
 
Podemos citar como características da arte de massa: 
 ter um alcance abrangente; 
 ser de rápida visualização e de fácil acesso; 
 ser produzida por uma minoria cultural para entretenimento e apreciação de 
muitos; ser interpretada por vários pontos de vista diferentes em relação aos 
seus significados; 
 poder se utilizar de todas as manifestações artísticas como as artes visuais, as 
artes cênicas, a dança e a música através dos meios audiovisuais; 
 acompanhar tendências e mudanças contemporâneas que influenciam a sua 
criação; 
 ser comercializada fazendo parte de um grande mercado consumidor. 
 
Além das manifestações artísticas de massa já citadas existem também outras que fazem 
parte de grupos específicos. Uma dessas forma de arte de massa é o graffiti(técnica de pintura 
mural usando tintas spray) ligada ao movimento cultural Hip Hop, surgido na década de 1970, 
nos centros urbanos dos Estados Unidos, que inclui também o Rap (música), Break (dança) e 
DJ (Disc Jóquei – música). Atualmente a arte de massa possui algumas mídias que atingem um 
número impressionante de pessoas. Uma produção cinematográfica ou televisa, por 
exemplo,pode atingir facilmente milhões de espectadores, do mais variados níveis culturais e 
sociais, tendo seus significados interpretados em diferentes graus de entendimento e apreciação. 
Outra mídia que já existe a quase um século no seu formato atual são as revistas de 
histórias em quadrinhos, originalmente feitas com um fim puramente de entretenimento e sem 
pretensões artísticas maiores. Mas nenhuma mídia divulga a arte com mais intensidade e 
democracia do que a Internet. Na Internet você pode encontrar desde imagens de obras de arte 
dos grandes pintores quanto o trabalho mais novo de um jovem artista. Você pode visitar 
virtualmente galerias e museus, pode divulgar suas próprias obras, debater sobre arte, receber e 
emitir críticas e comentários, além de aprender com outros profissionais ou amadores da arte. 
 
 
Exercício 
Destas características destacamos a forma e a posição que, dependendo da 
intenção de 
quem a desenha, a linha pode estar carregada de movimento e energia, 
assumindo diversas 
apresentações para expressar vários significados. 
 
Forma: a forma é derivada da organização imaginária que damos a um 
conjunto de linhas dando um sentido de orientação espacial e de 
reconhecimento 
da imagem representada. A mesma forma pode se apresentar diferente 
para 
 
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nossa observação de acordo com a referência visual da superfície em ela está. 
 
Existem três formas básicas: o círculo, o quadrado e o triângulo eqüilátero, 
cada qual com suas características e especificidades, exercendo no observador 
diferentes efeitos visuais e impressões quanto aos seus significados. 
 
As formas também podem se dividir em dois grandes grupos: 
• Geométricas: figuras ordenadas perfeitamente (formas básicas, polígonos etc), 
não tão facilmente reconhecidos na natureza no seu estado mais puro; 
• Orgânicas: formas ordenadas ou aleatórias em estruturas não geométricas, 
observadas principalmente na natureza, daí o seu nome (asa de inseto,folha de 
árvore, curso e ramificações de um rio etc). 
 
 
 
 
 
 
REFERÊNCIAS 
 
APOSTILA DE ARTE – ARTES VISUAIS – Garcia Junior 
Descobrindo a História da Arte - Autor Graça Proença