Fundamentos da Decoração - Design do séc XX

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Alvar Aalto
Alvar Aalto foi um arquiteto finlandês cuja obra é
considerada exemplar da vertente orgânica da arquitetura moderna da
primeira metade do século XX. Formando-se em arquitetura em 1921,
também se notabilizou como designer, em áreas como o projeto de
mobilia, tecidos, cristais, entre outros.
Foi um dos primeiros e mais influentes arquitetos do movimento
moderno escandinavo, tendo sido membro do Congrès Internationaux
d´Architecture Moderne (CIAM). Alguns dos trabalhos de maior
relevância foram, por exemplo, o Auditório Finlândia, e o campus da
Universidade de Tecnologia de Helsínquia, ambos em Helsínquia,Universidade de Tecnologia de Helsínquia, ambos em Helsínquia,
Finlândia.
Suas obras mais conhecidas e importantes para a análise da evolução de
sua produção arquitetônica são: Clube dos Trabalhadores em Jyväskylä
(1924), Sanatório em Paimio (1929-1933), Biblioteca Municipal de
Viipuri (1933-1935), Villa Mairea (1937-1939), pavilhão finlandês na
Exposição Mundial de Paris (1937), o pavilhão finlandês na Feira de
Nova Iorque (1938-1939), residência estudantil do MIT em
Massachusetts (1947-1949), a universidade politécnica de Otaniemi
(1949-1967), a prefeitura de Saynatsalo (1950-1951), pavilhão finlandês
na Bienal de Veneza (1956) e um palácio de congressos em Helsinque
(1967-1975).
Vai também fazer projetos urbanísticos como o Plano Geral de Rovaniemi e o
Plano de Desenvolvimento de Kauttua, além de projetos para a cidade de
Saynatsalo (1942-1946).
Em 1932 começa seu trabalho como designer, fundando com sua esposa Aino
Aalto, a Artek Ltda em 1935 para a construção e distribuição de seus móveis.
Tornaram-se célebres os projetos de cadeiras baseados na exploração das
possibilidades de corte e tratamento industrial da madeira. Além disso, pode-
se citar os cristais que desenhou, como o conhecido Vaso Aalto, tambémse citar os cristais que desenhou, como o conhecido Vaso Aalto, também
chamado como Vaso Savoy.
O design é outro campo aonde vai se destacar com importante obra de
reconhecimento internacional. Possui vários projetos de mobiliário (cadeiras,
mesas, camas, bancos) onde o emprego da madeira se faz de forma orgânica
e racional. Podemos falar nesses dois termos, constatando uma análise
detalhada e minuciosa de sua parte pelos materiais e as formas que a
natureza os apresenta. Aalto usa uma técnica de compensado moldado,
obtendo peças esbeltas, que com suas curvas suportam de maneira elegante
o peso de uma pessoa.
Uma das características de sua arquitetura é exatamente esta relação
dialética com a natureza, por isso nesse caso arquitetura e design são partes
inseparáveis de um todo, quase que nascem ao mesmo tempo. Isso muito se
deve à relação peculiar dos finlandeses e sua cultura com o meio natural. Por
isso sua produção como arquiteto e designer torna-se inseparável da culturaisso sua produção como arquiteto e designer torna-se inseparável da cultura
finlandesa, por isso qualquer forma de análise deve contemplar a história e as
características de seu país.
Cinto de linho bétula lacada natural ou tingida de 
branco, cinza ou preto .
Cadeira para criançasChapa de bétula , linóleo, laminado, estofado
Banco para crianças
poltrona e as costas são feitas de madeira compensada curvada.
Os braços e base são laminados e curvos faia.
Mesa para caféMesa para café
Vaso Savoy A criação foi inspirada no vestido de uma mulher sami (grupos indígenas na Europa). Alvar Aalto, produziu os protótipos
iniciais soprando o vidro através de uma composição de paus de madeira espetados no chão, deixando o vidro mole passar apenas por
alguns dos lados, criando assim uma linha ondulada. O vaso acabou por ser originalmente fabricado pela fábrica vidreira com um molde
de madeira, que era queimado lentamente.
Arne Jacobsen
Arne jacobsen foi pedreiro, arquiteto, decorador,
designer de móveis, têxtil e de cerâmicas, nascido em 1902, no berço
do design orgânico, pode ser considerado uma figura fundamental na
produção artística do século 20. Responsável por alguns dos mais
famosos desenhos de mobiliário moderno, como as cadeiras Ant
(formiga) ou da Série 7, começou a carreira trabalhando como
aprendiz em obras, colocando tijolos e argamassa em construções
residenciais.residenciais.
A série 7 (1955) é uma das cadeiras de maior sucesso comercial no
mundo.
Mas seu interesse por conhecer as formas e texturas o levou a
conseguir uma bolsa na Academia Real de Artes de Copenhague, na
Dinamarca, onde se formou arquiteto em 1927. Neste mesmo ano,
conheceu o arquiteto Poul Holsoe, com que trabalhou até 1930. O
grande salto para o designer foi dado em 1929, quando abriu seu
atelier e abandonou o pensamento neo-classicista. Arne passou a
conversar com o novo estilo internacional, o funcionalismo.
Jacobsen era judeu e em 1943 foi forçado a voar para a Suécia
juntamente com a sua esposa, Jonna Jacobsen, uma designer têxtil,
fugindo da Segunda Guerra Mundial. Os colegas suecos os receberam
bem e muitos dos esboços de Arne foram transformados em papel de
parede e utilizados para impressões têxteis, lançados em uma coleção
em 1944. Depois da guerra, voltou à Dinamarca determinado a
atribuir aos artigos produzidos industrialmente uma qualidade
semelhante às das peças manufaturadas. Com isso em mente, já no
final dos anos 50 desenvolveu aquele que seria o seu grande projeto
de interiores, o Royal SAS Hotel, em Copenhague, na Dinamarca. Lá, o
artista criou praticamente tudo, incluindo a famosa poltrona Egg, o
de interiores, o Royal SAS Hotel, em Copenhague, na Dinamarca. Lá, o
artista criou praticamente tudo, incluindo a famosa poltrona Egg, o
sofá Swan e a série 3300. Para Leo Mangiavacchi, diretor da Escola de
Design do Instituto Europeu de Design e conhecedor do trabalho do
artista, o que conhecemos hoje como design não teria sido possível
sem Jacobsen. "A funcionalidade já é comum no design escandinavo,
mas ele deu forma e vida a esses projetos". Segundo Mangiavacchi, a
principal fonte de inspiração do designer foi a natureza e suas formas
(vide a cadeira Ant). "Com isso, ele conseguiu criar um estilo limpo,
funcional e elegante, com formas simples, que lembram o
minimalismo. E suas obras estão aí, sendo copiadas e inspirando
profissionais e projetos por todo o mundo", diz.
Jacobsen era judeu e em 1943 foi forçado a voar para a Suécia
juntamente com a sua esposa, Jonna Jacobsen, uma designer têxtil,
fugindo da Segunda Guerra Mundial. Os colegas suecos os receberam
bem e muitos dos esboços de Arne foram transformados em papel de
parede e utilizados para impressões têxteis, lançados em uma coleção
em 1944. Depois da guerra, voltou à Dinamarca determinado a
atribuir aos artigos produzidos industrialmente uma qualidade
semelhante às das peças manufaturadas. Com isso em mente, já no
final dos anos 50 desenvolveu aquele que seria o seu grande projeto
de interiores, o Royal SAS Hotel, em Copenhague, na Dinamarca. Lá, o
artista criou praticamente tudo, incluindo a famosa poltrona Egg, o
de interiores, o Royal SAS Hotel, em Copenhague, na Dinamarca. Lá, o
artista criou praticamente tudo, incluindo a famosa poltrona Egg, o
sofá Swan e a série 3300. Para Leo Mangiavacchi, diretor da Escola de
Design do Instituto Europeu de Design e conhecedor do trabalho do
artista, o que conhecemos hoje como design não teria sido possível
sem Jacobsen. "A funcionalidade já é comum no design escandinavo,
mas ele deu forma e vida a esses projetos". Segundo Mangiavacchi, a
principal fonte de inspiração do designer foi a natureza e suas formas
(vide a cadeira Ant). "Com isso, ele conseguiu criar um estilo limpo,
funcional e elegante, com formas simples, que lembram o
minimalismo. E suas obras estão aí, sendo copiadas e inspirando
profissionais e projetos por todoo mundo", diz.
Arne Jacobsen além de design 
imobiliário também criou peças 
como taças de cristais garrafas 
térmicas e talheres.
Royal SAS Hotel Copenhagen
Poltrona Egg
Sofá Swan
Edifício Banco nacional da Dinamarca
Cadeira Formiga
Casa de Boneca
Charles e Ray 
Eames
Charles Eames nascido em 1907 em St. Louis,
Missouri, estudou arquitetura na Washington University em St.
Louis e abriu seu próprio escritório, juntamente com Charles M.
Gray em 1930.Em 1935, fundou outra empresa de arquitetura com
Robert T. Walsh. Depois de receber uma bolsa de estudo em 1938
na Academia de Arte de Cranbrook, ele se mudou para Michigan e
assumiu um cargo de professor no departamento de design do ano
seguinte. Em 1940 e Eero Saarinen ganhou o primeiro prémio para
a sua entrada conjunta no concurso "Organic Design de Mobiliárioa sua entrada conjunta no concurso "Organic Design de Mobiliário
Home", organizado pela New York Museum of Modern
Art. Durante o mesmo ano, tornou-se Eames chefe do
departamento de design industrial em Cranbrook, e em 1941
casou-se com Ray Kaiser.
Ray Eames, née Bernice Kaiser 
Alexandra, nasceu em Sacramento, Califórnia em 
1912. Ela frequentou a Faculdade de maio Amigo Bennet em 
Millbrook, Nova York, e continuou seus estudos em pintura com 
Hans Hofmann e 1937. Durante este ano, ela apresentou seu 
trabalho na primeira exposição do grupo Abstract Artists
americana noMuseu Riverside, em Nova York.Ela se matriculou americana noMuseu Riverside, em Nova York.Ela se matriculou 
na Academia de Arte de Cranbrook, em 1940 e se casou com 
Charles Eames no ano seguinte.
Eames "1946 A cadeira 
de madeira-moldadas de 
desenvolvimento das 
cadeiras Saarinen e 
Charles entrou no Museu 
de Arte Moderna de 1940 
do projeto" Orgânicos 
"competição em que 
conquistou o primeiro 
lugar.
La Chaise foi 
criado para o 1948 
"Concurso 
Internacional de 
Low-Cost Furniture 
Design". O nome 
"La Chaise" era ao 
mesmo tempo uma 
referência ao referência ao 
escultor Gaston 
Lachaise e um 
trocadilho com seu 
nome. Vitra AG 
produziu a 
presidência desde 
1990. 
Charles Rennie
Mackintosh
Charles Rennie Mackintosh
nasceu em Glasgow, (Escócia) 07/06/1868 e faleceu em Londres,
10/12/1928; foi um arquiteto e designer escocês, que se baseou
na tradição escocesa, juntando elementos de inspiração japonesa e
de Art Nouveau. Foi assistente dos arquitetos Honeyman & Keppie
e fez intercâmbio para Itália e França antes de começar a exercer
sua profissão. Em 1890 ganhou uma bolsa de estudos que lhe
permitiria conhecer a Itália, França e Bélgica.
Já em 1886 desenhou móveis para a Guthrie & Wells e expôsJá em 1886 desenhou móveis para a Guthrie & Wells e expôs
formando o grupo The Four, com France, Margaret Macdonald e
MacNair. Em 1887 seu protejo foi escolhido para construção da
Escola de Arte de Glasgow, e ainda no mesmo ano faria a
decoração dos Tea Rooms de Miss Cranston na Buchanan Street e
na Argyle Street, sendo que neste último também desenhou os
móveis.
Logo depois, expondo seus móveis na Secessão de Viena em 1900
e na Exposição Internacional de Turim, em 1901, Mackintosh
adquire subitamente fama europeia. Em 1901, o editor alemão A.
Koch organiza um concurso para o projeto de uma casa para um
amante da arte que é vencido por Baillie Scottt, mas os desenhos
de Mackintosh, publicados juntamente com os demais, em 1902,
são os mais discutidos e comentados. Nesse ínterim, ele constrói
duas villas nos arredores de Glasgow, uma das quais, chamada Hill
house, tendo sido conservada com uma boa parte dos móveis e
objetos, é o principal documento do gosto de Mackintosh naobjetos, é o principal documento do gosto de Mackintosh na
decoração doméstica, uma vez que quase todas as suas outras
arrumações foram dispersadas.
Em 1903, foi contratado para construir a Hill House, em
Helensburg, para o editor W.Blackie. Em 1904 desenhou móveis
para a Tea Room da Willow Street para Miss Cranston, sendo que
alguns dos móveis criados para esse projeto estão entre suas
criações mais conhecidas. Após uma tentativa sem sucesso de
produção autônoma, se dedicou a pintura de paisagens. Retornou
a Inglaterra em 1927 para tratar um câncer na língua, faleceu em
Londres no ano seguinte. Sua casa-estúdio em Glasgow foi
reconstruída e tornou-se um museu
O mobiliário criado para a Hill House perdura como um clássico do 
design de móveis, sendo a Mackintosh Hillhouse Chair uma de suas 
cadeiras mais conhecidas.
Os seus trabalhos em Glasgow, seja na biblioteca, ou na escola que 
projetou naquela cidade, mostram sua preocupação em criar 
ambientes bastante arejados e iluminados para a época vitoriana 
em que foram feitos. Particularmente neste último, soube, embora 
não tivesse tido filhos, criar um ambiente leve e claro, para as 
crianças que ali estudavam.
Embora as reproduções atuais de seus móveis sejam, de um modo 
geral, na cor preta, deve-se salientar que muitos desses móveis geral, na cor preta, deve-se salientar que muitos desses móveis 
foram projetados na cor branca, com detalhes em rosa ou azul. A 
sua própria casa possuía o interior todo branco, desde móveis, 
tecidos, paredes e piso.
A cadeira Hill House p.e. foi desenhada para o quarto branco da 
Hill House. A cadeira original foi projetada branca, era mais 
decorativa, com o assento muito baixo. As mesas com pés em 
estrutura quadriculada, bem como a cadeira foram projetadas para 
a sala de jantar de W.J. Basset ou num desenho para o The Dug 
Out, em 1917. Nunca foram produzidos na época em que viveu.
Campana 
(irmãos)
Humberto Campana,nasceu no
Rio Claro no dia 17 de março de 1953, e
Fernando Campana em Brotas no
dia 19 de maio de 1961 . Eles são artistas plásticos e
designers brasileiros. Os irmãos Fernando e Humberto
Campana são hoje conhecidos por suas inigualáveis
qualidades técnicas e sofisticadas: o design de arte.
Os materiais que utilizam em seus produtos são fiosOs materiais que utilizam em seus produtos são fios
emaranhados ou entrelaçados, algodão, plástico, cobre,
retalhos coloridos e estampas em formas exuberantes que
transformam uma cadeira numa obra de arte.
A história dos Campana começou em uma feira, onde
Fernando, 45 anos, e Humberto, 53, compraram um rolo de
cordas. Este elemento popular ganhou forma nas mãos dos
designers e se transformou na peça Vermelha, cadeira
responsável pela projeção internacional da dupla e hoje
pertencente ao acervo do Museu de Arte Moderna de Nova
York (MoMA).
Do design aos materiais, todas as peças têm um ar
transformador. Sarrafos, cordas, bonecas de pano e
reciclados trazem novas interpretações para móveis e
objetos.A seguir cadeira,poltrona, banquete, cartoon, mesa,
mobiliário, luminária, sushi-armchair e panda.
A cadeira Favela, composta por centenas de lascas de
madeira, coladas sobre uma estrutura de metal é um dos
maiores ícones do trabalho dos irmãos Campana.
São pioneiros em criar um estilo contemporâneo usando
em conjunto fibras naturais e materiais artificiais, com a
luminária Bambu.luminária Bambu.
A mesa Brasília, dos irmãos Campana, é uma homenagem a
Oscar Niemeyer. Os irmãos Campana arregaçaram as
mangas e trabalharam com o vidro. O tampo da peça é
realizado com pedaços de espelhos, cortados um a um, de
desenhos e tamanhos irregulares. Juntos eles formam um
mosaico de reflexos.
O que eles fazem é design-
arte. Realmente partem do
zero, sem se deixar
influenciar por paradigmas,
materiais convencionais ou
aspectos comerciais. Para
se ter uma idéia suas
primeiras cadeiras tinham o
nome nada convidativos de
“Desconfortáveis”. Feitas
em ferro bruto, eram obrasem ferro bruto, eram obras
de arte, sem a intenção de
que fossem utilizadas como
cadeiras convencionais.Viajam pelo mundo todo,
fazendo exposições
pessoais e coletivas,
workshops, palestras,
cursos, ganharam inúmeros
prêmios, tem suas obras
expostas nos principais
museus do mundo.
Poltrona Vermelha
Cadeira Favela. 
Poltrona Sushi Cadeira panda 
Mesa Fitas (1993) - Tiras de alumínio 
Mobiliário zig zag (2001) - Fios de PVC e ferro 
Cadeira Wing (2000) 
Papelão corrugado e policarbonato 
Cadeira Jenette Fruteira jabuticaba. 
- Assinam uma das sandálias da Grendene, 
inspirada no próprio trabalho que transforma 
fios de PVC em design.
mesa Brasília
Abaixo o ateliê dos artistas. 
Exposição Antibodies (Anticorpos) que 
aconteceu no Museu Vitra Design na 
Alemanha. Que foi aberta no dia 28 de 
fevereiro de 2010, mostrava uma verdadeira fevereiro de 2010, mostrava uma verdadeira 
linha do tempo dos artistas com obras de sua 
fase inicial até os dias de hoje. 
Eero Sarinen
Eero Saarinen, arquiteto finlandês naturalizado
americano, nasceu em 1910, em Kirkkonumi, Finlândia. Ganhou
um concurso de design em 1922 quando tinha apenas 12 anos.
Após a graduação em Arquitetura pela Universidade Yale
(Connecticut) em 1934, estudou por um período na Europa com o
auxílio de uma bolsa de estudos.
Desenvolveu produtos que utilizavam inovadoras matérias-primas
para o ramo do mobiliário da época como resinas plásticas e
fibras de vidro, até então só utilizadas em áreas industriais. Essa
antevisão de profissionais como Saarinen acerca das novasantevisão de profissionais como Saarinen acerca das novas
tecnologias foi diretamente responsável pela grande revolução do
design de produtos no século 20.
Saarinen tornou-se mais conhecido pelo seus mobiliários do que
pelos seus edifícios. Ele trabalhou no atelier de seu pai até a
morte do mesmo em 1950. Com a leveza de um traço simples, a
coleção Tulipa, um dos maiores exemplos do design intemporal, é
presença constante nos mais variados ambientes de interior
contemporâneos. Quanto ao design, seus trabalhos mais
conhecidos são os desenhos para a Knoll International, a coleção
Womb (1947-1948) e a coleção Pedestal (1955-1956) com a famosa
cadeira Tulipa.
Cadeira Tulipa
Cadeira Tulipa
Mesa Tulipa
Mesa Tulipa
Cadeira Grasshopper
Cadeira Womb
Cadeira Saarinen
Banqueta Tulipa
Puff Saarinen
FRANK LLOYD 
WRIGHT
Frank Lloyd Wright foi
a figura chave da arquitetura orgânica, desdobramento da
arquitetura moderna que se contrapunha ao International style
europeu. Foi o líder da Prairie School, movimento da arquitetura
ao qual pertencem os projetos da Robie House e a Westcott
House, e também desenvolveu o conceito de Usonian home do
qual a Rosenbaum House é um exemplo. Sua obra inclui
exemplos originais e inovativos de edifícios dos mais diferentes
tipos, incluindo escritórios, templos, escolas, hoteis e museus.tipos, incluindo escritórios, templos, escolas, hoteis e museus.
Frequentemente detalhava também os elementos a serem
empregados no interior de suas construções, tais como mobília e
vitrais. Um dos conceitos centrais em sua obra é o de que o
projeto deve ser individual, de acordo com sua localização e
finalidade.
Considerado um dos arquitetos mais importantes do século 20,
acreditava que a arquitetura não era só uma questão de
habilidade e criatividade, mas deveria transmitir felicidade.
Frank Lloyd Wright visitou o Brasil em 1931, com sua
companheira Olgivana, com quem se casara em 1928.
Permaneceram três semanas no Rio de Janeiro e publicou, em
diversos jornais cariocas, artigos em prol da nova arquitetura.
Wright escreveu vinte livros e muitos artigos, era um palestrante
popular nos Estados Unidos e Europa e grandemente
reconhecido ainda em vida.
Em 1887 vai para Chicago trabalhar como desenhista. Associa-se, 
reconhecido ainda em vida.
Em 1887 vai para Chicago trabalhar como desenhista. Associa-se, 
no ano seguinte, ao arquiteto Louis Sullivan e, em breve, torna-
se independente. Desenvolve o estilo conhecido por Prairie, de 
casas com telhados baixos.
Em 1904 desenha o edifício Larkin Building, em Nova York, e, em
1906, o Unity Temple, em Oak Park. Visita o Japão, onde
desenha o Hotel Imperial, em Tóquio (1916), e a Europa. Apesar
da Depressão nos anos 30, Wright cria a Taliesin Fellowship,
escola onde os alunos trabalham e avaliam os problemas da
construção, mesmo ano em que publica sua autobiografia,
ampliada em 1943.
A partir de meados dessa década e até a II Guerra Mundial
desenvolve seus trabalhos mais importantes: Fallingwater, uma
luxuosa casa na Pensylvannia, o S.C. Jonhson and Son
Administration Building, a primeira casa Jacobs e uma série de
luxuosa casa na Pensylvannia, o S.C. Jonhson and Son
Administration Building, a primeira casa Jacobs e uma série de
outras do tipo faça-você-mesmo, chamadas Usonian.
Ganha a medalha de ouro pelo Royal Institut of British Architects
em 1941 (prêmio similar recebido apenas em 1949 pelo Instituto
Americano de Arquitetura).
O grande mestre da arquitetura americana e teórico da
“arquitetura viva” também foi um designer de mobiliário de
primeira linha. Amante da fluidez formal nos seus projetos
arquitetônicos seguia também o mesmo conceito formal no
mobiliário e nesse aspecto, foi original. Frank Wright: projetava
para o lugar, sem seguir uma linha formal única; o local, a
cultura, os materiais e o ambiente eram o que importava.
Baseado nesse conceito, Wright desenvolvia os seus projetos
que ficaram conhecidos como “orgânicos”.
Os seus móveis eram feitos para o projeto, para a edifição e para
o uso no local, não para ser industrializado ou cultuado; não era
Os seus móveis eram feitos para o projeto, para a edifição e para
o uso no local, não para ser industrializado ou cultuado; não era
geral, era particular. Para uma empresa ele desenvolvia móveis
específicos de trabalho; para um hotel no Japão as sua cadeiras
seguiam formas típicas do país e para um cliente em particular,
os móveis refletiam o caráter da edificação e as necessidades, o
modo de vida e a personalidade do cliente.
Nunca vinha de graça, criar por criar. Conforme levantamentos
feitos após a sua morte, Wright projetou mais de 1000 peças de
mobiliário e mais de 600 projetos arquitetônicos. Wright é
atemporal! Por isso, ainda vive!
Os seus primeiros trabalhos em mobiliário datam do final do
século XIX e suas cadeiras seguiam o conceito de espaldar alto,
tipo Mackintosh, mas eram de desenho simples e
predominantemente vertical, sem os adereços formais da Escola
de Glasgow
Cadeira 
desenvolvida 
para sua 
residência 1895.
Para ser usada de 
desenvolveu cadeiras de escritório para a empresa larkin, buffalo, ny. 
Para ser usada de 
forma mais geral, a 
cadeira fixa era pesada 
e formalmente rígida
Cadeira Larkin – desenvolvida 
para a empresa larkin
buffalo,n.y.
Cadeira de rodízios que 
originou todas as outras 
posteriormente. 
Revolucionou o trabalho 
nos escritórios – 1904. 
cadeira em ferro para o 
Midway Gardens
Fugindo da madeira como 
material principal e já 
mostrando a presença das 
formas arredondadas, com 
arremates naturais – 1914.
Hotel Imperial de Tóquio 
Wright se definiu como um Wright se definiu como um 
designer que integra a cultural 
local com o desenvolvimento 
formal e projetou uma das 
cadeiras mais interessantes da 
história do Design – 1922.
poltrona Barrel
As formas arredondadas 
atendem perfeitamente o 
corpo humano ao sentar, numa 
perfeita combinação de forma 
e função – 1937.
cadeira de tubo Jonhson Waz
Uma construção arquitetônica, 
exemplo maior do conceito 
orgânico de Wright – 1939.
Poltrona Origami
O grande arquiteto e 
designer,a partir da década 
de 1940, se permitiu a 
devaneios formais, se perder 
a sua paixão pelas formas 
geométricas – 1949. 
Aparador Aurora
Escrivaninha Jonhson Waz
Mesinhas Robie
Poltrona Imperial Hotel
Gerrit
Rietveld
Guerrit Rietveld, Nacionalidade 
Neerlandês Nascido em 24 de junho de 1888, faleceu em 1964. (com 
77 anos)
Exposição trouxe obras do holandês de (1888-1964), um dos gênios 
da arquitetura e do design do século XX. Foram 76 maquetes de 
móveis projetados por ele, na escala 1:3. Construídas com os 
materiais originais com os quais foram criadas, as maquetes 
proporcionaram ao público a oportunidade de ver a clareza no uso da 
geometria e das cores de suas composições tridimensionais em linhas geometria e das cores de suas composições tridimensionais em linhas 
muito simples.
A cadeira “vermelha e azul” faz parte do design desenvolvido 
neste período. Apresenta forte influência cubista, inovando em 
sua inspiração nas formas geométricas puras e nos planos em 
ângulos retos. 
O pavilhão holandês na Bienal de Veneza (1954), o pavilhão da 
escultura no Museu Kröller-Müller, em Otterloo, e o Museu 
Van Gogh em Amsterdam (1955). 
�
Exposição trouxe obras do holandês de (1888-1964), um dos gênios 
da arquitetura e do design do século XX. Foram 76 maquetes de 
móveis projetados por ele, na escala 1:3. Construídas com os 
materiais originais com os quais foram criadas, as maquetes 
proporcionaram ao público a oportunidade de ver a clareza no uso da 
geometria e das cores de suas composições tridimensionais em linhas 
muito simples.
A cadeira “vermelha e azul” faz parte do design desenvolvido 
neste período. Apresenta forte influência cubista, inovando em 
sua inspiração nas formas geométricas puras e nos planos em sua inspiração nas formas geométricas puras e nos planos em 
ângulos retos. 
O pavilhão holandês na Bienal de Veneza (1954), o pavilhão da 
escultura no Museu Kröller-Müller, em Otterloo, e o Museu 
Van Gogh em Amsterdam (1955). 
A residência Schröder (1924), em Utrecht, tem formas 
geométricas, porém assimétricas. Foi inscrita no Património
Mundial, pela UNESCO 
�
Casa Schröder 
• Sua fama como arquiteto se concretizou em 
1925, quando a casa Schorder, construida em 
sua cidade natal, Utrech apareceu em uma 
publicação.publicação.
• Em 1964 quando faleceu Gerrit Rietveld 
morava na casa Schroder.
Joaquim 
tenreiro
� Joaquim Tenreiro (1906-1992) foi
o "pai" do mobiliário moderno no Brasil.
� Elaborar um móvel brasileiro ainda não era um hábito comum na
primeira metade deste século. E a tarefa, numa dessas
curiosidades da vida, coube a um português.
� Radicado no país, Tenreiro se dedicou a explorar todas as 
possibilidades da madeira (principalmente o jacarandá) e das 
matérias-primas nativas (como a palhinha), para criar um 
mobiliário limpo e elegante
� O artista nascido em Portugal, mas radicado no Brasil, atuou 
como designer, pintor e escultor.
� Entretanto, ficou famoso pela sua capacidade de transpor para a 
realidade do agitado modernismo brasileiro, os móveis de 
madeira.
� Pode-se dizer que Joaquim Tenreiro foi o verdadeiro criador do 
móvel moderno.
� Sua preocupação não era só com a beleza, mas também com o 
conforto e a funcionalidade dos móveis.
� Com um desenho simples, mas de linhas harmoniosas e 
extremamente refinadas, Tenreiro utilizava materiais de 
qualidade para criar móveis leves e arejados.
� Apaixonado pelas madeiras brasileiras, soube aproveitar como 
poucos suas belezas.
� Usou jacarandá, perobinha do campo, pau marfim, amendoim, 
cedro, entre outras madeiras nobres.
� Tenreiro foi o primeiro a romper com a influência dos 
móveis portugueses e franceses, impróprios para o clima
tropical do Brasil.
JOAQUIM TENREIRO
JOAQUIM TENREIRO
JOAQUIM TENREIRO
JOAQUIM TENREIRO
JOAQUIM TENREIRO
John graz
John Graz foi pintor, decorador, escultor, artista 
gráfico., decoração e desenho da Escola de Belas artes. Ingressa no 
curso de arquitetura de Genebra em 1908.
O suiço chegou ao Brasil em 1920, acompanhado da namorada,
Regina Gomide, e do amigo Sérgio Milliet, então seus colegas na
escola de Belas Artes de Genebra. Apaixonou-se pelo país, casou-se
com Regina e só voltou à Europa a passeio. No decorrer da década de
20 faz visitas freqüentes a Paris, com Regina, freqüentando os artistas
brasileiros da primeira geração modernista. Ambos se interessambrasileiros da primeira geração modernista. Ambos se interessam
pelas tendências cubistas e orientais, na arte e decoração, que
acabariam por eclodir em 1925 com o estilo Art Déco. Em São Paulo,
mergulhou no clima festivo e revolucionário dos modernistas e
acabou participando da Semana de Arte Moderna de 1922, quando
expôs sete telas no saguão do Teatro Municipal de São Paulo. Em
virtude dos trabalhos como decorador, Graz afastou-se da pintura -
retornando somente em 1969. Tentou algumas experiências com a
abstração geométrica, mas rapidamente retomou a figuração.
Entretanto, não se pode esquecer sua importância no Modernismo
Brasileiro, em especial por ter sido o responsável por levá-lo para
dentro das casas, nos objetos de uso cotidiano.
•É apelidado 'Graz, o futurista'.
•Introduziu inovações na arquitetura de
interiores, como a iluminação indireta de
ambientes,
•o uso de materiais diferenciados - metal,
cobre, tubos, chapas de aço e superfície
cromadas e revolucionou usando aço tubular
no desenho do mobiliário.
•além de realizar afrescos, em geral com
motivos históricos.
•Regina completava a decoração com
tapeçarias, almofadas, cúpulas de luminárias e
tapetes.tapetes.
• Detalhista e rigorozo, 
gostava de desenhar todo o 
interior da residência: do 
rodapé à luminária, de 
mesas e cadeiras ao tapete mesas e cadeiras ao tapete 
- o que nem sempre era 
bem aceito pelos clientes.
• Nos anos 90, algumas 
de suas cadeiras foram 
reeditadas pela 
Teperman com base 
em uma cuidadosa em uma cuidadosa 
pesquisa promovida 
por Délia Beru, hoje 
dona da Casa21
Exemplo de ambiente projetado por John Graz.
John Graz no seu atelier de Genebra antes de 1920, em foto retirada do 
livro John Graz, vida e obra, de Cândida Arruda Botelho, p. 43
MOBILIÁRIO
MOBILIÁRIO
MOBILIÁRIO
MOBILIÁRO
MOBILIÁRIO
TELAS
Oscar 
niemeyer
Oscar Ribeiro de 
Almeida Niemeyer 
Soares Filho, nascido em 15 de 
Dezembro de 1907 no Rio de Janeiro.
Graduado pela Escola Nacional de Belas Artes em 1937.
Iniciou sua carreira no escritório de Lucio costa, onde participou Iniciou sua carreira no escritório de Lucio costa, onde participou 
de diversos projetos de grande expressão, entre eles o Ministério da 
Educação e Saúde, no Rio de Janeiro e do projeto da construção de 
Brasília.
Teve por influente em seu estilo o arquiteto Le Corbusier, porém 
em pouco tempo criou seu estilo próprio, o das curvas. Expresso em 
um poema – slide 2 - escrito pelo próprio Niemeyer. 
Sua trajetória é marcada por muitas grandes obras ao redor do 
mundo e reconhecida internacionalmente.
"Desejávamos, minha filha Anna Maria e eu, encontrar um novo desenho 
de mobiliário que permitisse, com o uso da madeira prensada, imaginar 
coisas diferentes dos móveis tradicionais. E como essa idéia se aproximava 
da técnica arquitetural, procuramos reduzir apoios, integrando-os nas 
formas curvas adotadas." Oscar Niemeyer 
A entrada no design mobiliário se deu em 1971, onde junto com sua 
filha, a designer Anna Maria Niemeyer, desenvolveu a “Poltrona Alta 
com Banqueta”.
formas curvas adotadas." Oscar Niemeyer 
O primeiro protótipo da poltrona 
alta com banqueta não utilizoumadeira e tinha sua estrutura feita 
de lâminas de aço e ângulos retos –
aquele mesmo pelo qual, em seu 
poema, Niemeyer afirmava não se 
atrair ("não é o ângulo reto que me 
atrai...”).
Não à toa, Niemeyer introduz as curvas no projeto, o que fez com 
que o móvel tivesse de ser produzido na França, visto que no Brasil a 
tecnologia que permite a curvatura do aço ainda não era popular. Até 
por isso, as primeiras experiências do arquiteto na área de mobiliários 
foram inicialmente mais conhecidas na Europa.
Poltrona Alta com 
Banqueta
O móvel foi produzido com 
couro no encosto e 
estofado, e lâminas de 
madeira na estrutura –
material que não era 
utilizado no Brasil.
Inovador
De acordo com o arquiteto e pesquisador Júlio Katinsky, Niemeyer fez parte de um grupo de arquitetos 
pioneiros na prática do design de móveis no Brasil, cujo trabalho foi importante para "a animação do 
movimento de modernização do móvel e para a introdução do desenho industrial no País".
Assim como na arquitetura, Niemeyer instigou o uso de novos materiais (ou novos usos para os mesmos 
materiais) e, levando em conta os problemas da produção mobiliária no País, iniciou o estudo de produtos 
como a madeira prensada, muito utilizada nos móveis suecos naquele período. O material proporcionava 
simplicidade construtiva. Diferentemente dos suecos, porém, o arquiteto optou por projetar em 
superfícies mais largas, de formas completamente variadas. 
Chaise Marquesa de 1974, também 
foi desenvolvida com estrutura de 
laminado de madeira prensada, 
pintura laqueada preta e assento de 
palha de Viena.
O mobiliário
Ao explicar o porquê do interesse em projetar mobiliário - considera-os parte fundamental da composição 
arquitetônica, diz:
"O problema que encontrei no equipamento dos edifícios é que, muitas vezes, o mobiliário, o arranjo 
interno, prejudica completamente a arquitetura", diz o arquiteto no livro, Móvel moderno no Brasil, de 
Maria Cecilia Loschiavo dos Santos. 
Cadeira de Balanço: A 
produção desta peça foi 
entre 1977 e 1978, entre 1977 e 1978, 
desenvolvida com 
estrutura de laminado 
de madeira prensada, 
ganhou pintura 
laqueada preta e 
assento de palha de 
Viena. 
Na mesma publicação, Niemeyer revela ainda que prevê em seus projetos os espaços 
destinados aos grupos de móveis e, se colocados de maneira indevida, todo o projeto é 
prejudicado. "Às vezes eles não estão de acordo com a arquitetura, e o ambiente se faz 
sem a unidade que a gente gostaria. Por isso é que eu comecei", diz, e segue, "todos os 
móveis estão presos ao princípio de que são complemento da arquitetura e devem ser 
atualizados e modernos como a própria arquitetura".
Mesa RedondaMesa Redonda
1985
E segue, "todos os móveis estão presos ao princípio de que são complemento da 
arquitetura e devem ser atualizados e modernos como a própria arquitetura".
Escrivaninha, Poltrona e Cama
Feitas em 1990 para um projeto particular. Na 
época, a obra acabou não saindo do papel.
Ambientação do 
showrrom Casa BR, showrrom Casa BR, 
com mesa no centro, 
criada em 1985, 
poltrona desenhada 
em 1990. E ao fundo, 
repodução de um 
croqui de Oscar 
Niemeyer para o 
projeto do Parque 
Ibirapuera, em São 
Paulo
"Deve haver uma adequação do móvel e o interior, dependendo do tipo de prédio. 
Numa residência, por exemplo, os móveis devem acompanhar a maneira de viver do 
homem de hoje; eles são mais simples, menos austeros", diz. 
Mesa Tavolo
Os móveis assinados por Niemeyer já foram expostos no Centro George Pompidou, 
em Paris, no Chiostro Grande, em Florença, na sede da Organização das Nações 
Unidas (ONU), em Nova York, no salão de Paris, no Salone del Mobile, em Pádua, na 
Feira Internacional de Colônia, na Alemanha, no Salão Internacional do Móvel de 
Milão e em diversos museus brasileiros. 
Sofás 3 lugares
Fontes:
Site da Revista aU Arquitetura e Urbanismo 
www.revistaau.com.br
Blog Margareth Avila Interiores
margarethavila.blogspot.com/.../mveis-de-mestre.html
“A arquitetura não me interessa, o que me interessa é a vida”. Oscar Niemeyer
Verner panton
Verner Panton, é sinônimo de 
vanguarda, há 50 anos atrás o dinamarquês nascido na cidade de 
Gamtofte produziu peças que ainda hoje têm como principal 
característica a inovação. Tendo iniciado seu trabalho na segunda 
metade do século passado, foi expert em criar um mobiliário 
lúdico e novo numa época em que o mundo atravessava a era 
pré-tecnológica.
Formado em Arquitetura pela Academy of Art de Copenhagen, 
entre 1950 e 1952 trabalhou com Arne Jacobsen, outro entre 1950 e 1952 trabalhou com Arne Jacobsen, outro 
importante nome do design, contribuindo com a criação da 
conhecida cadeira "The Ant". Como designer suas criações foram 
produzidas por muito tempo à mão pela Plus-Linje, tendo ficado 
conhecidas mundialmente.
De característica "flamboyant" (ramificação do gótico) em sua 
linguagem e possuindo um grande interesse por tudo que fosse 
vanguarda, Panton foi o precursor da revolução pop no mobiliário 
cool da época.
O designer utilizou como matéria 
prima para seu trabalho 
materiais como o plástico, o 
poliuretano e a espuma. 
Queria quebrar a frieza e 
rigidez do ferro e tornar o rigidez do ferro e tornar o 
mobiliário mais engraçado. 
Para ele, era "inconcebível 
sentar num sofá bege e 
quadrado".
Algumas de suas peças, como a cadeira 
"Cone" e a conhecida "Panton
Chair", desafiaram a lei da gravidade Chair", desafiaram a lei da gravidade 
e ainda hoje causam admiração e 
espanto. 
Esta foi a primeira cadeira produzida em plástico, sendo ela uma peça inteira,
contínua. Unidade em forma e material.
Heart Chair - 1958
Highback Amoebe Chairs
"sentar poderá vir a ser uma experiência tão 
excitante e divertida quanto brincar".Panton
DRAKE 1998
Visiona II 1970
“A maioria das pessoas gastam sua vida 
vivendo em uma deprimente conformidade 
bege, com medo mortal de usar cores. O 
principal objetivo do meu trabalho é provocar 
as pessoas a usarem sua imaginação e as pessoas a usarem sua imaginação e 
fazerem tudo a sua volta mais excitante”
Walter 
gropius
Walter Gropius, considerado um dos 
principais nomes da Arquitetura do século 20, Gropius foi 
fundador da escola vanguardista de arte e arquitetura Bauhaus. 
Estudou em Berlim e em Munique, onde completou sua 
formação.
Em 1910, montou seu próprio escritório. Influenciado por Behrens 
(arquiteto prenunciador do modernismo), seu primeiro grande 
projeto, para a Fábrica Fagus, em 1911, já apresentava elementos 
que caracterizariam sua obra: estrutura metálica e vidro.que caracterizariam sua obra: estrutura metálica e vidro.
Ao final da Primeira Guerra Mundial, para a qual Gropius foi 
recrutado, o grão-duque de Saxônia, Weimar, nomeou-o diretor 
da Escola de Artes Aplicadas e da Academia de Belas Artes da 
Saxônia. Cada uma das instituições representava uma visão das 
artes: a primeira ensinava artes aplicadas, atividades artesanais 
consideradas de nível inferior; e a segunda lecionava belas artes, 
considerada de nível superior. 
Gropius unificou as duas áreas e, com o apoio de colegas 
arquitetos e de um grupo de artistas de vanguarda, fundou a Das 
Staatliche Bauhaus (casa estatal de construção).Ele defendia que 
um projeto deveria envolver todas as escalas humanas, do manual 
ao urbano, considerando à função que viria a ter. Negando as 
características históricas na arquitetura e nas artes, a Bauhaus 
lançou as bases do modernismo. 
Armchair and Sofa
Shiro
Kuramata
Shiro Kuramata
• Nascido em 1934 Hongo,Tóquio
•1950 Entra no departamento do Alto woodcraft Tokyo School of
Industrial Art.•Estudou arquitetura na Escola Politécnica de Tóquio em 1953.
Em seguida, trabalhou durante um ano para os japoneses como
fabricante de mobiliário Teikokukizai. 
Até 1956, estudou design de interiores no Instituto de Design em Até 1956, estudou design de interiores no Instituto de Design em 
Tóquio. 
•1957-1963 trabalhou no departamento de loja de Tokyo Maysuya. 
•Em 1965, seu próprio escritório de design. 
•1972 Recebe o Prêmio Mainichi Design Industrial
•1981 o primeiro prêmio de design
•1990 Recebe o francês Ordre des Arts et des Lettres
•1991 Em 01 de fevereiro, morre aos 56 anos de idade
Exposições Póstumas
2008 "trabalhos iniciais", Galeria CLEAR, Tokyo
2.007 Zone "libertado", Galeria CLEAR, Tokyo
1997-1999 "Shiro Kuramata 1934-1991", World Wide exposição 1997-1999 "Shiro Kuramata 1934-1991", World Wide exposição 
itinerante
1996 A exposição "Shiro Kuramata 1934-1991" Hara Museum of
Contemporary Art, Tokyo
1991 A exposição "A vedação dos Sonhos" 
Galeria MA, Tokyo
INOVAÇÃO
Vocabulário: 
o efêmero,
a sensação de flutuação, 
a liberação da gravidade e da transparência 
e da construção da luz
Durante os anos 1970 e 80, kuramata, alerta para o revolucionário. Apresenta 
possibilidades das novas tecnologias e materiais industriais, utiliza materiais 
como: acrílico, 
vidro, 
alumínio e 
malha de aço para criar objetos que aparecem 
como para se libertar da gravidade nos reinos da arejada transparência e 
leveza. leveza. 
Reavalia a relação entre forma e função. 
Impõe sua própria visão do surreal e do minimalista ideais em objetos do 
quotidiano. 
Algumas fotos de exposição
móveis com gavetas, 1967 
Uma mobília tradicional japonesa 
com funções múltiplas: cozinhar, 
aquecer e manter os objetos em 
gavetas. 
cadeira de vidro, 1976
Manipulação das placas de vidro 
minimizando todas as emendas de 
unir, que kuramata considerados 
"impurezas visual. 
Pyramid Furniture(1968)
Pyramid furniture foi concebida como uma estrutura em pirâmide de resina acrilica 
transparente, onde encaixam 17 gavetas com tamanhos diferentes de cor preta. Shiro 
Kuramata detinha uma enorme obsessão, fascinio e paixão por peças com gavetas
"Blanche miss '
Trabalho criado para a semana Kagu designer de Tóquio '88 
foi inspirado pelo jogo de Tennessee Williams "Um Bonde Chamado 
desejo ". Rosas vermelhas flutuando em acrílico. 
"Gabinete de Curiosité", 1989
Trabalhando com acrílico colorido, que delineou forma, criando uma ilusão 
de espaço líquido.
kuramata não falava muito, mas ele 
gostava de fazer as pessoas rirem. e 
queria fazer surpresa e subverter o
"Senso comum". Para ele, a função 
Forma irregular de móveis 1970
"Senso comum". Para ele, a função 
não precisa definir a forma 
de mobiliário, nem a utilidade de um 
objeto, necessariamente, derivar 
de sua função racional. Neste 
sentido de humor libera uma 
cômoda de sua forma tradicional. 
Estas cómodas foram feitas em duas 
variações preto-e-branco e 
vermelho-e-branco. 
"Cadeira luminosa", 1969
kuramata quis projetar a própria luz e ter pessoa a sentar-se em 
luz, com uma cadeira. 
Para ele a coisa mais importante da vida era o sol
Mesa luminosa", 1969 
Folha de plástico branco translúcido com iluminação elemento dentro, 
sobrepondo um aspecto da iluminação interna nascente para a função 
primária do objeto. 
"How high the moon", W 1986 
kuramata queria estar livre da gravidade, ele queria nos levar até o ponto de 
fuga onde a matéria torna-se imaterial. Velocidade foi um vetor na sua busca de 
leveza e transparência, utiliza o metal expandido. 
Mesa de vidro e estante criada por Kuramata na década de 70.
LaputaLaputa
Quarto para a exposição "dolce stil novo", realizada em Florença. 
Laputa" é uma cama com armação de metal, cama de hospital. 
kuramata transforma em uma cama um dispositivo existencial. 
Banquinho de acrílico com plumas", 1990
Concebido para a galeria em espiral da loja, em Tóquio, a sutil dança das penas introduz o 
elemento de tempo, sugerindo um objeto em movimento. 
Apesar da sua aparente luminosidade, é extremamente pesado. 
Sedia Seduta , 1984
Uma reflexão do sentido kuramata 
de ironia: 
Mesmo uma cadeira quer assento 
em uma cadeira, às vezes . 
Frasco de perfume, 1991
Um cubo de vidro transparente com uma esfera interna, onde a essência 
L'Eau d'Issey é depositada. A jóia de Shiro Kuramata para Issey Miyake .
Vasos de flores, 1989
Mostrado numa exposição em Paris. Em seus últimos anos depois 
da criação de "miss blanche”. 
"Copacabana", 1988
Bolsa para a exposição "petites arquiteturas Nomades" 
galerie Yves em Paris. O menor trabalho de arquitetura que 
pode viajar livremente.