Arte, cultura e estética - Disciplina EAD - Tópico 03

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ARTE, CULTURAARTE, CULTURA
E ESTÉTICAE ESTÉTICA
Me. Thais Kawamoto Amarães
IN IC IAR
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introdução
Introdução
Nesta unidade, destacaremos que a arte dos séculos XIX e XX é marcada pelo
grande dinamismo das relações econômicas e sociais. Durante esses dois
séculos, a história da humanidade passou por diversas revoluções sociais,
con�itos e guerras. O desenvolvimento industrial e suas consequências
imediatas in�uenciaram não apenas o modo de vida e o modo de produção,
mas também a dissociação entre arte e artesanato.
Assim, se no passado o artista estava vinculado à pro�ssão de artesão, no
século XIX, assume o status de intelectual. Diante disso, ele passa, cada vez
mais, a estar alinhado às correntes �losó�cas de sua época.
Desse modo, analisaremos a arte produzida pelos estilos Realismo, Art
Nouveau, Impressionismo, Neoimpressionismo, Pós-Impressionismo,
Expressionismo, Cubismo, Dadá e Futurismo.
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O século XVIII foi marcado pelos estilos Neoclássico e Romantismo. As
convicções do Iluminismo in�uenciaram o estilo Neoclássico. Já a visão do
Romantismo propôs uma ruptura com a estética neoclássica e seu modo
racionalista, pregando o recolhimento do artista para o seu eu interior.
Durante o século XIX, destacamos dois principais estilos que irão se contrapor
ao Romantismo e ao Neoclassicismo, cada um à sua maneira: o Realismo e o
Art Nouveau. Enquanto o Realismo propunha o enfrentamento direto e
imediato da realidade, o Art Nouveau adere à sociedade industrial e ao ritmo
acelerado da vida moderna.
Realismo
O termo “realismo” é usualmente empregado para de�nir formas de
representações objetivas da realidade. O movimento conhecido como
Realismo está alinhado a tais modos de representação. Durante a primeira
metade do século XIX, esse estilo começou a aparecer lentamente no cenário
europeu.
Realismo e Realismo e Art NouveauArt Nouveau
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É importante lembrarmos que esse período foi marcado pela Revolução
Industrial e que o homem europeu, diante desse processo, acreditava que
deveria ser mais realista, inclusive em suas criações artísticas. Nesse sentido,
as obras do Realismo tendem a um cienti�cismo, com a valorização do objeto
e a expressão da realidade e dos aspectos descritivos.
Temas como �guras mitológicas, deuses e heróis não eram retratados pelos
artistas desse estilo. O enfrentamento direto da realidade descartava
qualquer tipo de ilusionismo nas técnicas de representação. O artista não
tinha pretensão de captar sentimentos, pois buscava-se a superação das
tradições do Romantismo.
Um dos principais artistas do Realismo foi o pintor francês Gustave Courbet
(1819-1877). As telas de Courbet são indiscutivelmente sinceras, pois o pintor
queria chocar a burguesia ao protestar contra as convenções aceitas de seu
tempo. Em suas pinturas, Courbet retratava temas da vida cotidiana,
principalmente das classes populares (ARGAN, 2006).
Para esse artista, a pintura deveria representar a realidade tangível das coisas,
tanto com relação aos temas quanto ao modo de trabalhar as formas e cores.
Figura 3.1 – Autorretrato, por Courbet
Fonte: Gustave Courbet / Wikimedia Commons.
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Vale ressaltar que o Realismo se apresentou como um estilo sóbrio no qual as
coisas eram representadas da forma como eram vistas.
Art Nouveau
O termo Art Nouveau signi�ca Arte Nova. Trata-se de um estilo que surgiu na
Bélgica e manifestou-se entre 1890 e 1920, tanto na Europa quanto nos
Estados Unidos.
Os poetas e escritores ingleses John Ruskin e William Morris sonhavam com
uma reforma completa das artes, com a substituição da produção em massa
por um artesanato mais signi�cativo. Nesse cenário, diversos artistas
ansiavam por uma nova arte baseada em uma nova sensibilidade para o
desenho e para as possibilidades inerentes em cada material (ARGAN, 2006).
saiba mais
Saiba mais
Gustave Courbet foi um dos pintores mais
expressivos dentro do Realismo, sendo,
inclusive, um dos primeiros artistas desse
estilo. A sua exposição individual,
denominada Le Realisme, que signi�ca "O
Realismo", determinou o nome desse estilo.
Para saber mais sobre os primeiros
momentos do Realismo, assista ao vídeo
Courbet e a tela que marcou o começo do
realismo na arte.
ASS I ST IR
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Desse modo, o Art Nouveau se inseriu na sociedade moderna contrapondo-se
aos estilos desenvolvidos anteriormente no século XIX. A nova arte tinha
como objetivo dialogar diretamente com a produção industrial em série.
Dessa forma, materiais industrializados, por exemplo, ferro e vidro, eram
empregados de modo lógico e racional.
Na arquitetura, é possível perceber experimentações de novos tipos de
materiais e de ornamentos. As novas tecnologias desenvolvidas nesse período
permitiam essa ruptura radical. As principais características do estilo Art
Nouveau foram a exuberância decorativa e as formas ondulantes e elegantes.
Um dos mais expressivos artistas desse estilo foi o austríaco Gustav Klimt
(1862-1918).
praticarV P ti
Figura 3.2 – Retrato de Adele Bloch-Bauer I, por Klimt
Fonte: Gustav Klimt / Wikimedia Commons.
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praticarVamos Praticar
O estilo conhecido como Realismo iniciou-se na primeira metade do século XIX, na
Europa. Nessa época, a Revolução Industrial já havia consolidado o pensamento
realista e cienti�cista na sociedade. Desse modo, é correto a�rmar que as pinturas
do Realismo
Representavam os sentimentos do artista.
Traziam composições com representações abstratas.
Trouxeram como temas as cenas do cotidiano.
Exploravam a ilusão de ótica.
Tinham como temas as histórias sagradas.
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Não existe um consenso sobre onde e quando se iniciou a Arte Moderna. Para
a historiogra�a, a Idade Moderna teve início em 1453, estendendo-se até
1789. Isso signi�ca que a Arte Moderna, ao contrário do que podemos pensar
em um primeiro momento, não está inserida na Idade Moderna, mas sim na
Idade Contemporânea, que se iniciou em 1789 e perdura até hoje.
Independentemente de tais divergências em relação às denominações, a Arte
Moderna é associada à transição entre século XIX e XX. Segundo Argan (2006),
com a industrialização, a produção artesanal entrou em crise, sendo a Arte
Moderna a própria história dessa crise. Desse modo, o cenário social,
econômico e político da Europa não foi apenas um pano de fundo para a
produção artística, mas fator fundamental para a arte da época.
Impressionismo
O Impressionismo surgiu na França, em 1860, e manifestou-se por toda
Europa até 1880. O nome desse estilo remonta à exposição, em 1874, na qual
Claude Monet apresentou sua obra Impressão: Nascer do Sol. O crítico Louis
Arte Moderna IArte Moderna I
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Leroy referiu-se a todo o grupo como impressionistas, de modo pejorativo,
com a intenção de dizerque tais pintores não trabalhavam na base de um
sólido conhecimento (ARGAN, 2006).
A partir disso, é possível imaginar o quanto a arte impressionista chocou em
um primeiro momento. As obras incomodaram não apenas os críticos, mas
também o público da época. As primeiras reações ao Impressionismo foram
negativas, porém é importante lembrar que, nesse momento, o observador
ainda estava habituado aos princípios acadêmicos da pintura.
A arte impressionista rompeu com as formas de representação do passado e
abriu caminho para a pesquisa artística moderna, dando início às tendências
que iriam se manifestar posteriormente no século XX. Os artistas desse estilo
levaram a fundo o programa desenvolvido por Gustave Coubert no Realismo.
Para os impressionistas, o modo como a natureza vinha sendo representada
era baseado em uma concepção errônea (ARGAN, 2006).
Quando observamos um objeto sob a luz natural, fora de um estúdio, é
possível perceber que as sombras produzidas são diferentes daquelas
geradas em um ambiente com iluminação controlada. Esse fator foi
questionado pelos impressionistas, visto que, para eles, a arte tradicional
representava as �guras sob condições muito arti�ciais.
Nesse sentido, Manet e seus seguidores desenvolveram técnicas de
representação nas quais uma mistura de matizes era combinada para formar
uma imagem. Na pintura, as �guras surgem sem contornos nítidos. O
aparente esquematismo das formas não tinha relação com falta de técnica ou
desleixo. Os quadros impressionistas deveriam ser observados a uma
distância maior para que as manchas ganhassem vida aos olhos do
espectador.
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Segundo Argan (2006), o Impressionismo contou com o suporte de dois
importantes aliados no processo de sua aceitação por parte do público: a
fotogra�a e a cromoterapia japonesa.
A fotogra�a surgiu no século XIX, no entanto, foi apenas no século XX que a
máquina fotográ�ca portátil foi desenvolvida. Graças a essa tecnologia, o
encanto da cena casual e do ângulo inesperado passou a ser mais bem aceito
pelo espectador. Outro ponto proporcionado pela fotogra�a foi o seu uso em
substituição à pintura de retrato. Desse modo, os artistas se viram obrigados
a procurar novos campos e a explorar regiões nas quais a fotogra�a não
representaria uma concorrência.
Durante o século XIX, o Japão entrou em relações comerciais com os
continentes europeu e americano. Dessa forma, os artistas europeus
passaram a ter contato com as gravuras produzidas no Japão, já que muitas
dessas estampas eram usadas como invólucros para os produtos
comercializados. O artista impressionista viu nessas pinturas uma arte que
não estava “contaminada” pelas regras e clichês da arte acadêmica. As
gravuras japonesas ajudaram, então, a re�etir até que ponto as convenções
europeias persistiam na arte, mesmo que eles não notassem (ARGAN, 2006).
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Entre os principais artistas desse período, destacamos Édouard Manet (1832-
1883) e Edgar Degas (1834-1917), ambos pintores franceses. As obras de
Manet se caracterizam pelas pinceladas rápidas, cuidando menos dos
detalhes e mais do efeito geral como um todo. Na obra de Degas, é possível
notar que esse artista valorizava o desenho, e não apenas a cor. Degas
buscou realçar a impressão de espaço, movimento e de formas sólidas, vistos
de ângulos inesperados.
praticarVamos Praticar
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O estilo impressionista foi marcado pela crítica com relação ao modo como as
�guras vinham sendo representadas pelos estilos acadêmicos. Dessa forma, o
Impressionismo buscou trazer novas formas de registro. Com base nisso, assinale a
alternativa correta.
O Impressionismo criticava as técnicas de pontilhismo e divisionismo.
O Impressionismo defendia a criação de composições monocromáticas.
O Impressionismo propunha a representação abstrata das formas.
O Impressionismo a�rmava que a arte, até então, representava as �guras sob
circunstâncias muito arti�ciais.
O Impressionismo pregava o resgate aos temas sagrados.
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O Impressionismo foi um movimento experimental que abriu caminhos para
o desenvolvimento de novos estilos. Desse modo, analisaremos o Pós-
Impressionismo, o Neoimpressionismo e o Fauvismo. Perceba que, embora
tais correntes tenham uma proximidade temporal, os resultados obtidos
serão bastante diversi�cados.
Pós-Impressionismo e
Neoimpressionismo
O Pós-Impressionismo e o Neoimpressionismo não foram movimentos
homogêneos, inclusive, diversos autores não os consideram como estilos
propriamente, mas sim como desdobramentos do Impressionismo.
O termo Neoimpressionismo foi usado pela primeira vez em 1886, pelo crítico
Félix Fénéon. Esse movimento criticava a improvisação impressionista. Desse
modo, os artistas neoimpressionistas levavam a cor à tela por meio de
Arte Moderna IIArte Moderna II
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pequenos toques controlados, resultando em novas técnicas de pintura,
como o pontilhismo e o divisionismo.
O principal artista dentro desse movimento foi o pintor francês Georges
Seurat (1859-1891). Em suas obras, as cores nascem da justaposição de tons,
o olho passa a recompor o conjunto de pontos e traços formando a imagem
�nal.
No Pós-Impressionismo encontram-se as obras que exploraram as
possibilidades abertas pelo Impressionismo, sobretudo aquelas produzidas
entre 1880 e 1890. Entre os artistas que seguiram tais caminhos, destacamos
Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890) e Paul Gauguin
(1848-1905) (ARGAN, 2006).
Para Cézanne, pintor francês, cada forma se destaca nitidamente e podemos
visualizá-la como um corpo sólido e �rme, nada era casual ou vago. Embora
Cézanne admirasse as descobertas no campo da cor e da forma
proporcionadas pelo Impressionismo, queria pintar suas próprias impressões,
de modo ordenado. Os quadros impressionistas eram brilhantes, mas
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também confusos, o que causava desagrado em Cézanne. Em suas pinturas,
buscou formas lúcidas e intensas para transmitir os tons ricos da natureza.
Já o holandês Van Gogh desejava que suas telas tivessem o efeito direto e
forte das gravuras japonesas. Ele absorveu as características do
Impressionismo e do Pontilhismo de Georges Seurat. Desse modo, em suas
obras aplicava a cor pura através de pontos e pinceladas únicas. Ao
observarmos as pinturas de Van Gogh, é possível notar que, ao contrário dos
impressionistas, ele não esteve tão interessado na representação correta,
mas sim em usar cores e formas para transmitir o que sentia e despertar tais
sentimentos no observador.
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Gauguin, pintor francês, passou grande parte da vida recluso no Taiti,
episódio que re�etiu em sua obra. As pinturas de Gauguin são marcadas pela
simplicidade e intensidade, o que chocou o público da época, que chamava
tais obras de “bárbaras” e “primitivas”. O artista criava formas com contornos
simpli�cados e áreas de cores puras e planas.
Embora em um primeiro momento possa parecer que esses três artistas
tinham pouco em comum, é possível notar que, na busca artística de
representar a natureza como a vemos, um tanto se perdeu daarte, que era o
que tais pintores tentavam resgatar. Esse sentimento de insatisfação levou à
criação das vanguardas europeias. A solução de Cézanne guiou o Cubismo; a
de Van Gogh, o Expressionismo; e a de Gauguin culminou em várias formas
de primitivismo, como a Arte Naïf (ARGAN, 2006).
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Fauvismo
O Fauvismo foi um estilo que se manifestou entre 1904 e 1907. Ao contrário
de outras vanguardas europeias, o Fauvismo não apresentou teorias,
manifestos e programas de�nidos. Alguns críticos, inclusive, defendem que o
Fauvismo não representava um movimento propriamente dito, mas sim um
processo de testes e descobertas a partir das possibilidades sugeridas pelos
pintores pós-impressionistas (GOMBRICH, 1999).
Artistas como Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) e Maurice
Vlaminck (1876-1958) encabeçaram um grupo de estudo de arte, que trouxe a
eles o apelido de Les Fauves, ou seja, "As feras". A arte fauvista é
caracterizada pela presença de elementos da arte não europeia. Os artistas
desse estilo tinham como princípio seguir os instintos primários. Desse modo,
linhas e cores nasceriam impulsivamente.
O uso da cor era libertador e estimulante, por esse motivo as pinturas
fauvistas trazem cores puras e intensas. As formas são simpli�cadas e
construídas com pinceladas espontâneas. O Fauvismo foi um dos grupos mais
experimentais do período, trazendo consigo grande liberdade de expressão e
exagero do desenho e da perspectiva.
Entre os principais pintores desse estilo, destaca-se o francês Henri Matisse.
Para esse artista, tudo aquilo que não era útil ao quadro era prejudicial. Nesse
sentido, suas pinturas apresentam contornos simples e cores vivas, o
equilíbrio das cores não deveria vir da simples cópia da realidade, mas sim da
expressão do modo de pensar (ARGAN, 2006).
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a os at ca
Paul Gauguin (1848-1905) foi um pintor francês que passou grande parte da sua
vida no Taiti, tema recorrente em suas pinturas. Muitas de suas obras foram
duramente criticadas, pois o público acreditava que eram primitivas. Considerando
a obra de Gauguin, assinale a alternativa correta.
A obra de Gauguin apresentava contornos simples e falta de
tridimensionalidade.
Gauguin desconhecia as técnicas de perspectiva matemática.
A obra de Gauguin é marcada pela paleta monocromática.
Entre os temas mais recorrentes na obra de Gauguin, destaca-se a mitologia.
A obra de Gauguin serviu como referência para o Expressionismo na
Alemanha.
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Quando falamos em estilos de Arte Moderna, logo associamos esse período
aos movimentos de vanguardas europeias. A expressão vanguarda deriva do
termo francês avant-garde, que signi�ca guarda avançada. Desse modo, os
estilos de vanguarda serão caracterizados pela ruptura com os modelos
vigentes e a busca pelo novo.
Expressionismo
O Expressionismo foi um estilo que se manifestou entre 1905 e 1930,
sobretudo na Alemanha. Toda arte é expressiva, no entanto, essa corrente
artística buscou impressionar o observador por meio de gestos visuais que
transmitissem emoções, em oposição ao Impressionismo francês (STANGOS,
1991).
Esse estilo proporcionou a descoberta de que as composições abstratas
poderiam ser tão efetivas quanto os quadros temáticos e �gurativos. As
pinturas desse movimento tinham como característica as cores vibrantes e o
Vanguardas IVanguardas I
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dinamismo improvisado. Os temas recorrentes estavam relacionados ao
domínio psicológico, ao trágico e ao sombrio.
Um dos mais importantes artistas do Expressionismo foi Wassily Kandinsky
(1866-1944), que reduziu o naturalismo em sua arte e ampliou o seu poder
liricamente expressivo. Ele desenvolveu uma arte sem tema, na qual
empregava cores brilhantes e pinceladas intensas.
O Expressionismo apresentou elevado grau de individualismo, uma vez que o
estilo nada mais era do que a transmissão de uma experiência pessoal, na
qual a personalidade do artista era explorada.
Cubismo
O início do Cubismo está relacionado ao quadro Les Demoiselles d´Avignon,
de Pablo Picasso, em 1907. Essa pintura representou uma ruptura nas formas
de representação, uma vez que o Cubismo recusa a arte enquanto imitação
da natureza. É importante destacarmos que o Cubismo não pretendia abolir a
representação, mas sim reformá-la.
Certamente, Pablo Picasso (1881-1973) é um dos nomes mais famosos dentro
desse estilo. Picasso passou por diversas fases artísticas em sua vida, sendo
que, após descobrir a arte primitiva e africana, começou a desenvolver a
estética cubista. As obras desse estilo são marcadas pela geometrização, a
renúncia da perspectiva e a utilização de cores austeras, muitas vezes criando
composições monocromáticas. Desde o início do Renascimento até esse
período, os artistas se guiavam a partir da perspectiva matemática quando
tinham a intenção de representar a tridimensionalidade. Em suas pinturas
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cubistas, Picasso fragmentou o todo em diversas impressões e retratou todas
em uma única imagem (STANGOS, 1991).
O Cubismo é dividido em duas fases, o Cubismo Analítico, a primeira fase, que
teve como característica a desestruturação da obra em todos os seus
elementos; e o Cubismo Sintético, a segunda fase, na qual os pintores
começaram a fazer uso de recursos para rea�rmar o realismo de sua visão.
Uma das técnicas empregadas neste processo de tornar as formas abstratas
novamente reconhecíveis foi o papier collé, desenvolvido por Georges Braque
(1882-1963).  O papier collé é uma técnica especí�ca de colagem, na qual
papéis são aplicados à superfície da pintura para garantir a sensação de
relevo e reintroduzir cores à composição.
Dadá
O Dadá ou Dadaísmo teve início em 1916, em Zurique, como um movimento
literário. Ao contrário das demais correntes artísticas, o Dadaísmo
apresentou-se como um movimento de crítica cultural amplo, não se
limitando apenas ao campo artístico.
As obras dadaístas foram transitórias por sua própria natureza e produzidas
para entretenimento, agiam como isca para o público, já que o objetivo era
provocar e chocar o observador. A arte dadaísta pode ser compreendida
como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra
(STANGOS, 1991).
Nas artes visuais, uma das maiores preocupações do Dadaísmo foi a não
superioridade dos artistas como criadores, sendo que as ligações entre objeto
e autor foram rompidas. A arte se tornou livre do racionalismo e passou a ser
entendida como o resultado do automatismo psíquico, no qual elementos
eram selecionados e combinados ao acaso.
Entre os artistas desse estilo, destaca-se Marcel Duchamp (1887-1968) que
criou o conceito de ready-made, que criticava o sistema da arte. Os ready-
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mades consistiam em objetos escolhidos ao acaso que, após uma
intervenção, adquiriam a condição de objeto de arte.
Futurismo
O Futurismo foi um movimento que nasceu na Itália, em 1909, com o
Manifesto Futurista de Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Nesse
primeiro manifesto, Marinetti declara a ruptura com o passado, exaltando a
identi�cação do homem com a máquina. Segundo o poeta, as artes deveriam
demolir o passado e exaltar a velocidade e a energia das máquinas(STANGO,
1991).
Apesar da sua duração efêmera, o Futurismo propagou suas ideias de modo
rápido por toda a Europa, caracterizando-se como um dos estilos mais
radicais da época. Para os artistas do Futurismo, a tecnologia e o
desenvolvimento da sociedade exigiam expressões artísticas mais audaciosas.
As obras desse estilo apresentavam a ruptura com a tradição, a valorização
do industrial e da tecnologia, o uso de cores vivas e contrastantes, a
sobreposição de imagens, as deformações para retratar a ideia de movimento
e dinamismo. A exaltação da máquina e da velocidade aparece associada à
valorização da técnica e da ciência.
Um dos principais artistas dentro do Futurismo foi Giacomo Balla (1871-1958).
Em suas obras, ele procurou registrar o dinamismo das formas, exaltando os
avanços cientí�cos e técnicos da época.
praticarVamos Praticar
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O Cubismo surgiu na França, em 1907, e contou com grandes nomes, como Pablo
Picasso e Georges Braque. Esse estilo é dividido em dois momentos, o Cubismo
Analítico e o Cubismo Sintético. Considerando a fase do Cubismo Sintético, assinale
a alternativa correta.
Consistiu na desestruturação da forma e abstração dos modelos.
Foi a primeira fase do estilo cubista.
Empregou a técnica papier collé, que consiste em colar papel sobre a tela.
Aplicou técnicas como a perspectiva matemática para a construção das
formas.
Baseou-se no estudo da anatomia humana para a representação das formas.
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indicações
Material
Complementar
LIVRO
Dadaísmo
Dietmar Elger
Editora: Taschen do Brasil
ISBN: 3836514028
Comentário: Por meio da leitura indicada, você poderá
aprofundar os seus conhecimentos sobre a arte
produzida pelo estilo Dadaísmo. Nessa obra, o autor
nos convida a conhecer exemplos do Dadaísmo que
vão além do famoso mictório de Duchamp,
apresentando-nos artistas como Max Ernst, Johannes
Baader, Tristan Tzara, entre outros.
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FILME
No portal da Eternidade
Ano: 2019
Comentário: O �lme sugerido conta a história de
Vincent van Gogh (1853-1890), um dos grandes pintores
do século XIX. Como vimos em nossas análises, Van
Gogh desenvolveu uma estética pós-impressionista
particular que serviria de base para as futuras
vanguardas europeias do século XX, sobretudo o
Expressionismo desenvolvido na Alemanha. Na obra
indicada, você poderá conhecer um pouco mais sobre a
vida e a trajetória conturbada desse grande artista.
Para conhecer mais sobre o �lme, assista ao trailer.
T R A I L E R
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conclusão
Conclusão
Ao �nal desta unidade, percebemos que a Arte Moderna é caracterizada pela
ruptura com os modelos acadêmicos de representação. Desse modo, as
vanguardas europeias apresentaram críticas aos caminhos que a arte havia
tomado, modi�cando o panorama da época.
No entanto, a partir de nossas investigações, foi possível notar que essa
ruptura não ocorreu de um dia para o outro, mas sim como resultado de um
longo processo de transição que teve início ainda no século XIX.
Por �m, analisamos que os artistas e, consequentemente, as obras
produzidas por eles passaram, cada vez mais, a se relacionar com a cultura,
os anseios e os problemas de sua época. Por meio de nossas análises,
percebemos que arte, cultura e sociedade converteram-se em conceitos cada
vez mais vinculados, tornando-se indissociáveis.
referências
Referências
Bibliográ�cas
31/08/2020 Ead.br
https://uniritter.blackboard.com/bbcswebdav/institution/laureate/conteudos/DEM_ARCUES_19/unidade_3/ebook/index.html#section_1 27/27
ARGAN, G. C. Arte Moderna: do iluminismo aos movimentos
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GOMBRICH, H. A História da Arte. 16. ed. Rio de Janeiro: LTC, 1999.
STANGOS, N. Conceitos de Arte Moderna. 2. ed. Rio de Janeiro: Jorge Zahar
Editor Ltda., 1991.
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