Apostila - Estética Musical

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UNICESUMAR EAD

Mario Cruz

21/09/2020

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Curso: Licenciatura em Música
Disciplina: Estética Musical
Professor: Ivan Veras Gonçalves
SUMÁRIO
UNIDADE 1: A Estética nas Belas Artes
1.1 - Apontamentos rudimentares .................................................................04
1.2 - Arte Paleocristã .......................................................................................07
1.3 - A arte medieval .......................................................................................07
1.4- A arte do Período da Renascença .........................................................09
1.4.1- O Maneirismo .....................................................................................13
1.5- A arte do Barroco ....................................................................................15
1.5.1- A pintura barroca ................................................................................17
1.6 – A arte na contemporaneidade ..............................................................18
1.6.1- Período Neoclássico .........................................................................18
1.6.2- Período Romântico ...........................................................................20
1.6.3- O Período Realista ..........................................................................22
1.6.4- Período Impressionista ...................................................................25
1.6.5- As Artes Plásticas no século XX .....................................................26
Resumo ..........................................................................................................27
Referências ....................................................................................................27
UNIDADE 2: A Música na Idade Média
2.1- Contextualização histórica e social .......................................................29
2.2 – O pensamento musical da Idade Média ...............................................31
Resumo ............................................................................................................34
Referências ......................................................................................................34
UNIDADE 3: O Período Barroco
3.1- Contextualização histórica e social .......................................................36
3.2- A estética musical no Barroco ...............................................................37
3.2.1- O Primeiro Barroco .........................................................................37
3.2.2- O Médio Barroco .............................................................................39
3.2.3 – A fase final do Barroco .................................................................40
Resumo ..........................................................................................................44
Referências ....................................................................................................44
UNIDADE 4: O Século XIX
4.1- Contextualização histórica e social ......................................................46
4.2- O Romantismo Musical ..........................................................................47
4.2.1- Principais Expoentes .......................................................................51
Resumo ...........................................................................................................54
Referências .....................................................................................................55
UNIDADE 5: A Música no Século XX
5.1- A música e o nacionalismo no final do Século XIX .............................56
5.2 – O panorama do Século XX ....................................................................57
5.2.1- O Modernismo .................................................................................58
Resumo ............................................................................................................61
Referências .....................................................................................................61
3
APRESENTAÇÃO
Caro(a) estudante,
A Estética, originária do termo grego aisthésis (percepção,
sensibilidade), é uma área da filosofia que tem por propósito o estudo da
beleza e das bases de sustentação da arte. Na disciplina Estética Musical,
mais do que elementos fundamentais da música em si, vamos, em um primeiro
momento, estudar os conceitos e a percepção do que se considera belo,
partindo de outra formas de expressão artística (as artes plásticas) até
chegarmos ao estudo, julgamento e percepção da Estética voltada para a
música.
Nesse e-Book vamos analisar não apenas aspectos subjetivos da
música que, para muitos, podem definir se a mesma é bela ou não, tais como:
se é agradável, se provoca um estado etéreo de êxtase etc. Vamos nos focar
em inovações surgidas na prática musical que, ao longo do tempo, provocaram
mudanças na forma de compor e fruir a música. Essas inovações provocaram e
ainda hoje afetam todos que ouvem essas composições, as ideias contidas nas
obras, as relações que a música estabelece com a sociedade do tempo em que
é produzida, enfim, uma análise detalhada das diferenças entre o belo natural e
aquele contido nas composições dos grandes mestres da música.
Bons estudos!
4
UNIDADE 1: A Estética nas Belas Artes
OBJETIVOS:
 Definir o que é a Estética e quais os axiomas dos estetas para as Belas
Artes;
 Analisar os postulados referentes à questão do belo;
 Analisar as Belas Artes de forma em passant1 da antiguidade ao século
XX, como uma grande efeméride.
1.1 Apontamentos rudimentares
O Nosso propósito com este trabalho é uma abordagem da
estética no âmbito da música e todos os postulados que foram produzidos pela
mesma. Mas para não ficarmos como pessoas com usos e/ou ideias fixas, e
imutáveis, vamos nos mover rapidamente ao longo da estética em outras
formas de expressão artística. Essas formas de arte foram os primeiros objetos
da observação filosófica, surge a noção de Belo e, por conseguinte, de
Estética, vamos incidir primeiro sobre elas até chegarmos ao começo da Idade
Média e voltarmos nossos olhos para a música.
Para o historiador Ernst Gombrich (1999), o que convencionamos chamar de
arte nem sempre foi algo material, que existiu:
Nada existe a que se possa dar o nome de Arte. existem somente
artistas. Outrora, eram homens que apanhavam um punhado de terra
colorida e com ela modelavam toscamente as formas de um bisão na
parede de uma caverna, hoje, alguns compram suas tintas e
desenham cartazes para tapumes; eles faziam e fazem muitas coisas
[...] tal palavra pode significar coisas muito diversas, em tempos e
lugares diferentes, e que Arte com A maiúsculo não existe
(GOMBRICH, 1999, p.15).
Em épocas remotas, as primeiras manifestações das artes
plásticas estavam ligadas à ocupação dos homens em construir e decorar as
suas habitações e posteriormente seus templos. Também na era greco-romana
não havia o entendimento de arte como temos atualmente, era a visão de que
era preciso haver um conhecimento que determinasse esse objeto (Arte), eles
1
Do francês, significa “de passagem”.
5

acreditavam que todas as atividades humanas podiam ser ensinadas e
aprendidas (SANTA, 2010).
Na Grécia antiga vemos as artes plásticas ligadas ao que
chamamos de arte utilitária. A pintura é encontrada na arte da cerâmica, os
vasos gregos se tornaram notórios não só por sua equilibrada forma como,
também, pela plasticidade encontrada em seus desenhos, na combinação
cromática e na harmonia dos espaços utilizados para ornamentação. Além da
função utilitária desses vasos, tais como armazenar: água, vinho, azeite e
mantimentos, eles também serviam para realização de rituais religiosos.
Já a escultura grega representa no mundo das artes plásticas o
mais alto conhecimentode igualdade contínua, o padrão de estatuária mais
elevado alcançado pelo homem. Era uma escultura essencialmente
antropomórfica2 e nesse aspecto os gregos foram imbatíveis. Eles conseguiram
imprimir à sua técnica além da harmonia e a perfeição das formas, a percepção
de movimento. Os gregos tinham predileção pelo mármore para realizar suas
esculturas.
Em Roma, o grande legado que chegou até nossos dias foi a sua
arquitetura. Os romanos sofreram em sua arte a influência dos etruscos e dos
gregos em seu último período, o período helenístico (compreendido entre o
século III e II a.C). Dos gregos sobreveio aos romanos o ideal de beleza. Mas a
mais importante contribuição, com certeza, veio dos etruscos que foi o uso do
arco e da abóbada nas construções.
Figura 1 - Arco Romano
Figura 2 - Abóbada Romana

Fonte: https://br.pinterest.com
Fonte: https://lealuciaarte.blogspot.com/2013/01/arte_romana.html

2
Esculturas de formas humanas.
https://br.pinterest.com/
6

Foi uma arquitetura que buscou uma utilidade efetiva e com
grande senso de realismo, buscavam grandeza que salientasse a ideia de força
e, ao mesmo tempo, demonstrasse sentimento. A pintura em Roma foi
essencialmente o Mosaico3, utilizados na decoração de muros e pisos dos
projetos arquitetônicos do período.
Figura 3 - mosaico romano

Fonte: www.aeje.pt

Os romanos, pela influência grega em sua cultura, produziram
muitas esculturas, mas havia uma distinção, pois, a índole dos romanos era
muito diferente. Assim, em lugar de buscar um ideal de beleza humana, uma
idealização de perfeição, os romanos na sua praticidade produziram esculturas
com a representação fiel das pessoas. Por esse detalhe, a escultura romana foi
mais exitosa no ato de retratar as pessoas.
Os romanos desenvolveram uma arte extraordinária e graças às
conquistas militares de suas legiões na Europa e Ásia, eles espalharam sua
cultura pelos quatro cantos do mundo. A chamada cultura greco-romana teve
grande importância para o mundo hodierno, pois possibilitou que o legado
grego chegasse até nós.

3
Consiste em embutir pequenas peças (chamadas tesselas) usadas para a composição dos
mosaicos. Ainda usa-se as tesselas para pavimentos, revestimentos, mosaico e marcheteria.
7

1.2 - Arte paleocristã

O que veio a ser conhecido como Arte paleocristã ou Arte cristã
primitiva, era a arte (arquitetura, pintura, escultura) produzida pelos cristãos,
era uma arte simples, repleta de simbolismos, criada por pessoas que não se
viam como artistas, que durou do século II até o final do século V.
Os primeiros indícios dessa arte foram encontrados nos lugares
de culto e de proteção dos cristãos (as catacumbas romanas)4 inúmeras
pinturas, sendo essa forma de expressão artística seu primeiro expoente. As
pinturas encontradas nesses refúgios dos cristãos eram afrescos5, havia
também esculturas. Os simbolismos encontrados nas Catacumbas perduram
até hoje. Um bom exemplo é um símbolo do Ictus6 (peixe) onde Jesus era
representado, de forma mediata, por essa simbologia. Haviam também outras
figuras bíblicas.

1.3- A arte medieval

Na Idade Média surge a arte românica, a arquitetura desse
período surgiu em fins dos séculos XI e XII e tinha semelhança com as
construções romanas, com grande uso de: abóbadas, pilares maciços para
sustentar espessas paredes, torres e arcos. Uma característica marcante
desse período era o colossal tamanho das igrejas românicas. Por esse detalhe
peculiar eram chamadas de “Fortalezas de Deus”. Atribui-se ao tamanho
imenso dessas construções, ser ele um estilo essencialmente clerical e não
fruto do gosto dos nobres ou mesmo um estilo voltado para os grandes centros
urbanos, com suas exigências arquitetônicas específicas.

4
Catacumbas romanas (Catacombe di Roma), eram câmaras usadas como local do
sepultamento.
5
É uma obra pictórica sobre uma parede ou teto executada sobre uma base de gesso ou
argamassa. É a forma de pintura mural mais antiga e de grande duração que se tem notícia.
Consistia em realizar a pintura com pigmentos misturados com água feita sobre INTONACO
(uma argamassa ainda fresca de cal queimada e areia peneirada).
6
O peixe (em grego Ictus) passou a ser utilizado como símbolo de Jesus Cristo,
representando-o em vários momentos de sua vida (Última Ceia, batismo, etc) e, também, como
forma de um cristão reconhecer o outro. O mais emblemático significado, é que a palavra
“peixe” em grego é formada pelas letras “I C T U S” e que passou a representar: Iesus Christus
Ttheou Uios Soter (Jesus Cristo filho de Deus Salvador).
8

A pintura e a escultura tiveram um papel evangelizador no
período, como poucas pessoas eram alfabetizadas, essas formas de expressão
artísticas eram um recurso de que se valia a igreja para narrar histórias bíblicas
e transmitir valores religiosos aos fiéis, além de homenagear figuras
importantes da igreja. A pintura aparecia em grandes murais e os pintores
utilizavam a técnica do afresco. Como característica principal, essa pintura se
valia da deformação e do colorismo, por exemplo, a figura do Cristo era sempre
maior do que as outras que estavam na composição. Na questão do colorismo,
os pintores usavam cores fortes e chapadas, sem o uso de meios tons.
Do século XII até o XV, vemos a arte também em objetos, surgem
as iluminuras que ilustram manuscritos suntuosos e de grande valor. Nessa
tarefa cabia aos artistas a confecção das ilustrações, dos cabeçalhos, dos
títulos e das letras capitulares. Somente no século XII, a pintura começou a se
desenvolver e já prenunciava o que viria a seguir no Renascimento. Dois
nomes foram importantes no período: Giotto e Jan van Eyck. Enquanto Giotto
teve como característica marcante do seu trabalho o registro da figura dos
santos, representados por ele como seres humanos comuns, o pintor flamengo
Jan van Eyck registrou muitos aspectos da vida urbana e da sociedade de sua
época. Já se percebe em suas pinturas certa atenção com a perspectiva7,
buscando representar fielmente os detalhes e as paisagens.
Muitos artistas medievais deixaram de lado por completo qualquer
propósito de chegar a uma ilusão visual de profundidade. No entanto alguns
artistas pré-perspectivistas, como Giotto e van Eyck, passar a usar linhas
diagonais para obter espaço. Esse processo advinha da experiência sensorial
dos artistas, mas eles não haviam se dado conta ainda do Ponto de Fuga8,
esse processo ficou conhecido como Perspectiva Espinha de Peixe9.

7
Em Lato Sensu, podemos definir perspectiva como “a ciência da representação dos objetos numa
superfície, como esses se apresentam ao olho humano”. Em sentido Stricto, “é Ciência da representação
dos objetos e do espaço que os cerca e da maneira como esses objetos são percebidos pelo olhar, a
partir de um ponto de vista fixo”.
8
O Ponto de Fuga é um elemento do plano de visão, que representa a interseção aparente de duas, ou
mais, retas paralelas, segundo um observador num dado momento.
9
Também chamada de Perspectiva de Eixo de Fuga, na estrutura faz lembrar a espinha de um peixe, as
retas inclinadas, responsáveis pela criação da sensação de profundidade, convergem para um eixo
central.
9

Figura 4 - Perspectiva Espinha de Peixe

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/perspectiva_espinha_de_peixe

1.4- A arte do Período da Renascença

Para o homem do medievo10 tudo e todos os aspectos de nossas
vidas estariam ligados à vontade de Deus, eram desígnio divino, posto dessa
forma,todo o cabedal científico do período estaria subordinado ao capricho dos
religiosos. Mas, em fins do século XIII, o pensamento começa a mudar, se
voltando para uma vida onde as representações são manifestadas da forma
como se apresentam para nossa intuição sensorial, irrefutáveis. O homem
começa a se transformar em protagonista do seu destino, passou a ter
importância.
Esse ideal de humanismo acabou por caracterizar o próprio
espírito do Renascimento, lato sensu era a valoração do homem (humanismo).
Houve no período a clara intenção de evocar grandeza da cultura greco-
romana, mas por outro lado, ocorreram grandes avanços, um significativo
desenvolvimento, além de um número imensurável de realizações no campo
das artes em geral. Uma busca de conhecimento que superou a herança
clássica. Como características gerais do período temos, segundo Dias (2002,
p.17):
*Racionalidade;
*Dignidade do ser humano;
*Rigor científico;
*Ideal humanista;
*Reutilização das artes greco-romanas.

10
Referente ao período da Idade Média.
10

Figura 5 - O Homem Vitruviano - Leonardo da Vinci

Fonte: www.lucnix.com.br
Além das características, temos que elencar um conjunto de
fatores que possibilitaram o desabrochar do renascimento, além de contribuir
de forma decisiva com os avanços ocorridos. Além da postura humanista que o
homem passou a adotar, fatores políticos e econômicos foram de vital
importância. A queda de Constantinopla provocou um grande Êxodo de
intelectuais para Itália. Constantinopla foi um grande centro comercial e cultural
durante a idade média. Quando em 1434, o português Gil Eanes, navegou e
voltou ileso de uma viagem ao norte da África, onde navegou pelo Cabo
Bojador11, ele abriu caminho para as navegações portuguesas no Oceano
Atlântico (na época o Atlântico estava envolto em lendas, crendices), que era
conhecido como o “Mar Tenebroso”. Foi o período das grandes navegações
que culminou com a descoberta do Novo Mundo (Américas), que trouxe novos
avanços científicos e culturais. Essa onda expansionista produziu grandes
riquezas para os europeus.
Figura 6 - Mapa das grandes navegações

11
Também conhecido como o “Cabo do Medo”, era considerado intransponível pelos portugueses.
http://www.lucnix.com.br/
11

Fonte: https://sohistoria.com.br/efz/navegacoes

Olhando por esse viés econômico, essa riqueza vai produzir o
aparecimento dos Mecenas12, ricos senhores patrocinadores das Artes tais
como: Lorenzo de Médici (conhecido como Lorenzo ill Magnífico) em Florença;
a família Sforza em Milão; entre outros ao longo de toda a Europa. Os homens
renascentistas se sentiam como o centro do universo (antropocentrismo), esse
posicionamento se contrapunha ao teocentrismo medieval, desse modo a
pintura renascentista era uma pintura libertária, onde o artista expõe sua
personalidade em busca de equilíbrio e harmonia, tanto na vida como na arte.
Surgiram figuras exponenciais como Filippo Brunelleschi (1377-
1446), era escultor e arquiteto, tendo construído inúmeras catedrais e igrejas.
Sua mais importante contribuição foi ter descoberto as leis da Perspectiva
Central13, essa descoberta foi fundamental para o progresso da arte na Itália
durante o Renascimento. É o principal arquiteto renascentista, uma de suas
mais magnificas obras foi a cúpula de Santa Maria del Fiore (Catedral de
Florença). A pintura renascentista também foi inovadora, revolucionária. Além
do uso da perspectiva, começaram a usar o claro-escuro que colocava uma
área das figuras na sombra e outras iluminadas, o que proporciona a sugestão
de volume nos corpos, como os artistas renascentistas não viam mais o
homem como mero espectador do mundo divino, criado por Deus, imprimiram
realismo às suas pinturas. Os pintores renascentistas agora usam tela e tinta
óleo. Surgem pela primeira vez artistas com estilo próprio, o que fez do
Renascimento um período marcado pela liberdade e o individualismo.

12
Eram protetores e financiadores dos Artistas. O mecenato é um termo que indica o incentivo e o
patrocínio de artistas e literatos, e mais importante, de atividades artísticas e culturais
13
Perspectiva com um ponto de fuga, conhecida como Perspectiva Renascentista ou Perspectiva
Central, é o primeiro método de perspectiva exata, que se baseia em um ponto de fuga, situado na linha
do horizonte para o qual convergem as retas paralelas que, ao serem transformadas em diagonais no
quadro, sugerem profundidade.
12

Figura 7 - Perspectiva Central

Fonte: www.josepetri.com.br

No ramo da pintura, vemos surgir grandes nomes no período:
Sandro Botticelli (1440 – 1510), pintou as 24 figuras dos profetas na Capela
Sistina, para ele a beleza estava relacionada ao conjunto de valores cristãos,
suas figuras são belas e harmoniosas pois expressam a criação divina e ao
mesmo tempo cheias de melancolia, tédio e tristeza porque perderam o dom
divino. Rafael Sanzio (1483 1520), era chamado de o pintor de “madonas”, pois
pintou várias com meninos. Michelangelo Buonarroti (1475 – 1564), tinha uma
arte um tanto quanto atormentada, toda sua trajetória artística esteve ligada à
ideia de corrupção do mundo e da busca da redenção do homem. Além de
pintor foi também escultor, arquiteto e poeta. Leonardo da Vinci (1452 – 1519),
se constituiu em uma das figuras mais proeminentes da Alta Renascença ou
Alto Renascimento, muitos apontam que esse período se iniciou com o término
do afresco pintado por Leonardo da Vinci no refeitório dos padres dominicanos
de Santa Maria delle Grazie em Milão. As pinturas de Michelangelo e Rafael
Sanzio no Vaticano são consideradas como o ápice da Alta Renascença na
pintura. Tanto Sanzio quanto Michelangelo são, também, nomes
importantíssimos desse período. Em 1482 Leonardo foi para Milão, por ordem
de Lorenzo de Médici como um tributo a Ludovico Sforza. Sforza foi também
um grande Mecenas do período. Em Milão, ele realizou seu terceiro trabalho
mais importante, em se tratando de arte, relativo à pintura que é a “Virgem dos
13

Rochedos”14. Seguiram-se tantos outros trabalhos importantes executados por
Leonardo.
Figura 8 - A Virgem dos Rochedos (versão do Louvre)

Fonte: https://pt.wikipedia.org

1.4.1- O Maneirismo
Esse movimento foi uma espécie de revisionismo dos valores
fomentados pelos humanistas do período renascentista, em especial na Alta
Renascença. Embora o Maneirismo seja mais estudado nas belas-artes, sua
influência teve desdobramentos em todas as artes, e sua ascendência se deu
sobre a cultura europeia como um todo, chegando até as colônias no Oriente e
no Novo Mundo. Etimologicamente o termo pode ser entendido de diversas
maneiras, o mais adotado é que deriva do termo italiano “maneira” (maneira), e
que sugeriria estar relacionada ao estilo pessoal do artista. Várias outras
conotações foram dadas ao estilo.
Desenvolveu-se em paralelo ao Renascimento, aproximadamente
entre 1520 e 1610, e é considerado por muitos autores um período de
transição:
Alguns historiadores consideram uma transição entre o renascimento
e o Barroco, enquanto outros preferem vê-lo como estilo,
propriamente dito. O certo, porém, é que o maneirismo é uma

14
Essa obra tem um detalhe interessante, pois possui duas versões: uma está no Museu do Louvre em
Paris (1483-1486) e a segunda versão (1495-1508) que está na National Gallery em Londres.
14

consequência de um renascimento clássico que entra em
decadência. Os artistas se veem obrigados a partir em busca de
elementos que lhes permitam renovar e desenvolvertodas as
habilidades e técnicas adquiridas durante o Renascimento (DIAS,
2002, p.19).
Para Aguiar e Silva (2000), o Maneirismo mais do que um período
de transição foi, para ele, uma escola independente:
[...] a passagem do estilo renascentista para o estilo barroco não se
apresenta de modo abrupto, manifestando-se entre dois estilos um
terceiro estilo que não se confunde com nenhum daqueles [...] A este
estilo Intermediário entre a arte da Renascença e a arte do Barroco,
atribuíram os historiadores das artes plásticas o nome de Maneirismo
(Aguiar e Silva, 2000, p.456).
O Maneirismo se deu em um momento turbulento da história
europeia, estavam ocorrendo profundas mudanças políticas, econômicas,
culturais e religiosas, houve uma radical alteração no equilíbrio de forças no
continente no final do século XV e começo do século XVI. Era um contexto
social efervescente, que levou a um grande conflito, tanto no campo espiritual
com o fim da hegemonia do catolicismo (provocado pela reforma protestante),
como no âmbito estético. O conflito estético se deu pela condenação do
luteranismo à arte sacra considerada idólatra.
O principal artista desse período foi El Greco (1541 – 1614), muito
embora sua obra não tenha sido compreendida pelos seus pares, ele tinha um
estilo dramático e expressivo que misturava as formas da iconografia bizantina
com a pintura veneziana e a religiosidade espanhola. Uma de suas obras mais
representativas é “O Enterro do Conde de Orgaz”, a meio caminho entre o
retrato e a espiritualidade mística (DIAS, 2002).

Figura 9 - O enterro do conde Orgaz - El Greco

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/O_enterro_do_Conde_de_Orgaz

1.5- A arte do Barroco
Esse é um período que se estendeu do final do século XVI até a
primeira metade do século XVIII, tendo seu início se dado na Itália e
posteriormente se propagou por toda a Europa católica, chegando até as
colônias do Novo Mundo, antes de chegar à sua forma modificada por
influência dos protestantes. O seu surgimento não foi um processo
homogêneo, o estilo surgiu em épocas diferentes nos diversos países onde se
instaurou. Foi um estilo intimamente ligado ao poder da nobreza e a
contrarreforma.15
Com uma imponência lauta, o Barroco foi um prolongamento da
arte da renascença, pois tanto os artistas do Renascimento como do Barroco,
dedicavam-se ao estudo da antiguidade clássica, mudando apenas o
entendimento, ressignificando os elementos dessa antiguidade. No entanto
com a convocação do Concílio de Trento16, estabeleceu-se por parte da Igreja
Católica uma nova perspectiva do conceito de Deus, moralizou-se o clero e,
principalmente, buscou-se regulamentar a arte sacra que era produzida para
utilizá-la como auxiliar, para se colocar a serviço do proselitismo. Essa tarefa
foi confiada à ordem dos jesuítas que gozavam de fama dentro da igreja por
possuírem grande preparo intelectual, teológico e artístico (Wikipedia, 2020).

15
Foi o movimento criado pela Igreja Católica na metade do século XVI como resistência à Reforma
Protestante.
16
Concílio de Trento (1545-1563), foi convocado pelo Papa Paulo III para garantir que houvesse unidade
da fé e disciplina eclesiástica no contexto do que veio a ser conhecido como reforma da Igreja Católica
(contrarreforma), que foi uma reação à divisão então vivida na Europa em virtude da Reforma
Protestante.
16

Nesse contexto, a contrarreforma deu uma atenção especial a
estatuária destinada ao culto sagrado, partindo de um hábito ratificado pela
prática histórica de que as imagens dos santos eram intermediárias para
comunicação dos homens com esses santos e, por conseguinte, com Deus.
Esse período foi extremamente paradoxal, mesmo tendo surgido na Itália, a
abertura de novas rotas comerciais deslocou rapidamente o fulcro para o oeste
europeu, as novas potências marítimas do continente (Portugal, Espanha,
França, Inglaterra e Holanda), foram de vital importância para a arte desses
países, por conta dessa enorme influência de capital. Assim, a contrarreforma
foi irradiada dos estados pontifícios tentando combater a Reforma Luterana e,
em contrapartida, tínhamos algumas das novas potências marítimas que eram
adversários do papado.
Esse período colocou o homem em uma coexistência com dois
princípios opostos, um profundo maniqueísmo que bem caracterizou o período,
rompeu-se a paridade, a harmonia entre razão e sensibilidade, entre a arte e os
conhecimentos baseados em relações verificáveis, na ciência. Segundo Dias
(2002, p.21) foi uma época em que o homem estava em um processo de
escolha entre dois polos distintos:
*O Pagão e o Cristão;
* O espiritual e o material.
A pesquisadora também aponta como características gerais do
Barroco:
 Emocional sobre o racional;
 Busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas, contracurvas,
colunas retorcidas;
 Entrelaçamento entre arquitetura e escultura;
 Violentos contrastes de luz e sombra;
 Pintura com estilos ilusionistas, dando às vezes a impressão de ver o
céu, tal a aparência de profundidade conseguida. (ibidem, p.22).

1.5.1- A pintura barroca
É uma pintura que resume-se a seus pontos essenciais, tais
como: a disposição da pintura na tela (pintura em diagonal), acentuado
contraste do claro-escuro (expressão dos sentimentos), realista ( não tratava
apenas da nobreza, ela agora abrange todas as camadas da população)
(PROENÇA, 2007, p.104). Podemos citar três dos mais importantes pintores
italianos do período: Tintoretto, Caravaggio, Andrea Pozzo.
Figura 10 - Flagelação de Cristo-Caravaggio

Fonte: www.culturagenial.com
Vamos ver surgir em outros países, em especial aquele que já
citamos com o novo eixo econômico, alguns dos grandes nomes da pintura
barroca. Entre eles: Diego Velázquez, Espanha; Peter Paul Rubens, Antuérpia
(atual Bélgica). No período, o grande escultor, cuja obra ornamentou inúmeras
igrejas como a Basílica de São Pedro no Vaticano, foi Gian Lorenzo Bernini ou
só Bernini.
Figura 11 - O extase de S. Teresa - Bernini

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/O_%C3%8Axtase_de_Santa_Teresa
No Brasil teve seu ápice entre os séculos XVIII e XIX, a riqueza
da colônia nos levou a um acervo fenomenal de obras do estilo Barroco. Como
havia acontecido na Europa, em especial na Itália, o “nosso” Barroco foi
fortemente associado à Igreja Católica, com isso tivemos um imenso conjunto
de igrejas barrocas. O nome mais importante do Barroco no Brasil foi sem
18

dúvida Antônio Francisco Lisboa (1730 – 1814), conhecido como “Aleijadinho”.
Seu trabalho incluía madeira entalhada, estátuas em pedra-sabão, etc. A obra
de Aleijadinho era colorida e retratava as cenas de forma simplória e com
dinamismo.
Figura 12 - Os profetas - Aleijadinho

Fonte: www.iarq.com.br

1.6 – A arte na contemporaneidade
1.6.1- Período Neoclássico
Em um período de 50 anos, que foi dos últimos vinte anos do
século XVIII e nos trinta primeiros anos do século XIX, surgiu uma nova
tendência estética na Europa. Esse novo modismo que estava influenciando as
novas criações artísticas ficou conhecido como Academismo ou
Neoclassicismo. Ele exprimia os valores próprios de uma nova e fortalecida
burguesia (DIAS, 2002). Essa nova corrente artística foi chamada de
neoclássica, pois buscava reproduzir de modo exato os modelos greco-latinos
antigos, os artistas se sujeitavam aos cânones e regras ensinadas nas
academias de Belas Artes. Os artistas do período eram defensores da mimésis
aristotélica com reprodução e/ou representação da natureza que, para
Aristóteles, era o fundamento de toda arte. Nas construções, tanto nas laicas
como nas igrejas, buscavam seguir os modelos dos templos greco-romanos.
A pinturabuscou seguir o estilo que os gregos empregavam em
suas esculturas e nos estilos da renascença italiana. Era uma pintura formal
em sua composição, buscava contornos perfeitos e um profundo equilíbrio
tonal (cores harmônicas). Um dos grandes nomes da pintura neoclássica foi o
francês Jacques-Louis David.

Figura 13 - O Juramento dos Horácios - Jaques - Louis David

Fonte: www.pt.wikipedia.org/wiki/Historia_da_arte_ocidental
No Brasil, o Neoclassicismo chegou em 1816 por iniciativa da
família real portuguesa, que havia chegado no Brasil em 1808, vieram para o
Rio de Janeiro um grupo de artistas franceses contratados por Dom João VI,
que ficaram conhecidos como Missão Artística Francesa, para instalar a Escola
Real de Ciências, Artes e Ofícios. O grupo chegou ao Rio de Janeiro em 26/03/
1816, e era formado por Joachim Lebreton, líder do grupo; Jean Baptiste
Debret, pintor histórico; Nicolas – Antoine Taunay, pintor de paisagens e cenas
históricas; Auguste Henri Victor Grandjean de Montigny, arquiteto; Auguste
Marie Taunay, escultor; Charles - Simon Pradier, gravador; entre outros.
Lebreton foi o responsável pela elaboração da metodologia de
ensino da nova escola de Belas Artes, com disciplinas sistematizadas e
graduadas. Posteriormente iria propor o ensino de música. Os artistas da
missão implantaram o estilo neoclássico no Brasil, ainda uma colônia
portuguesa, deixando sua marca indelével principalmente em nossa
arquitetura, com obras belíssimas que sobrevivem até hoje.
Figura 14 - Palácio dos Leões, exemplo de arquitetura neoclássica. São Luís/MA

Fonte: https://oimparcial.com.br/cidades/2017/07/conheca-as-belezas-do-palacio-dos-leoes/
Outro artista que marcou o Brasil com sua passagem por aqui foi
Debret que registrou cenas curiosas, agradáveis e dignas de registro.
20

Figura 15 - O enterro da mulher negra - Debret

Fonte: www.bn.gov.br

1.6.2- Período Romântico
O século XIX foi um período da história humana muito intenso, ao
mesmo tempo em que surgiam grandes inovações, grandes invenções e
descobertas que lançaram as bases tecnológicas do século XX, foi um século
de profundas agitações nos campos sociais, políticos, culturais e artísticos.
Toda essa efervescência foi fruto da Revolução Industrial e da Revolução
Francesa. É nesse contexto que surgiu o Romantismo, seus artistas buscavam
se expressar livremente em detrimento das regras rígidas do academicismo,
visavam manifestar pensamentos e/ou sentimentos que evidenciassem a
personalidade do artista. Os artistas românticos valorizavam os sentimentos e
a imaginação, eram racionalistas, atribuíam grande valoração à natureza como
nascedouro da criação artística e o sentimento do imediato, do atual.
Na arquitetura, os românticos voltam suas atenções para o estilo
gótico que eles consideravam como estilo genuinamente europeu. Na pintura
os românticos tinham como características, segundo (DIAS, 2002, p.25):
*Aproximação das formas barrocas;
*Composição em diagonal;
*Valorização das cores e do claro-escuro;
* Dramaticidade.
21

Com essas características os pintores do Romantismo
trabalhavam com fatos nacionalistas e com a vida moderna, pintavam a
natureza buscando revelar as emoções, bem como temas gregos. O pintor
espanhol Francisco de Goya (1746 – 1828) foi, talvez, o mais representativo do
período, tendo explorado os mais diversos temas queridos dos românticos.

Figura 16 - Os fuzilamentos de 3 de maio- Goya

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya

Outro nome que vale a pena destacar é o de Eugene Delacroix
(1799 – 1863), com uma pintura que abusa do uso das cores, da iluminação
bem como do uso de sombras, em sua obra “A Agitação de Tânger”, vemos o
uso de todos esses elementos gerando alvoroço e uma percepção de
movimentação, “importante pelos elementos pictóricos que prenunciam o
Impressionismo: o céu transparente, a luz intensamente refletida nas casas, em
oposição às áreas de sombra” (PROENÇA, 2007, p.128).
Figura 17 - A Agitação de Tânger - Delacroix

Fonte: www.oromantismo.wordpress.com
22

1.6.3- O período realista
A partir da segunda metade do século XIX e prolongando-se até o
começo do século XX, o universo artístico da Europa (em especial na França)
tomou conhecimento de um novo modismo estético conhecido como Realismo,
que para alguns estudiosos “se desenvolveu ao lado da crescente
industrialização das sociedades” (Proença, 2007). Com o hábito crescente do
homem nesse período de utilização dos conhecimentos científicos que
surgiram no século XX, conhecimentos esses que impactaram todas as formas
de expressão artística (música, teatro, dança etc.), esse homem se convence
de que a partir de agora ele precisa ser realista, não sendo mais concebível
uma atitude dramática, com a emoção como afeto dominante do ser, nem é
mais aceitável que o artista aponte as coisas como ele vê, sente e pensa a
respeito de algo, expressando seu ponto de vista pessoal.
No caso da arquitetura, ela se torna mais científica, isso significa
que tantos os arquitetos como os engenheiros começam atender a demanda
daquilo que se faz necessário para cidades, uma urbanização necessária
devido às enormes demandas criada pelo ritmo acelerado de industrialização.
Com isso surgem fábricas, ferrovias e estações ferroviárias, escolas, hospitais,
moradia etc. Assim, forma-se um aglomerado urbano contínuo que visava
atender tanto a nova burguesia quanto a imensa massa operária. Acelera-se
sobremaneira o processo de conurbação das grandes cidades.
A escultura realista não mais buscava idealizar a realidade,
passou, outrossim, a representar os seus humanos como eles são. Os
escultores desse período passaram a assumir seus posicionamentos políticos
e, para isso, passaram a abordar temas contemporâneos. O mais
representativo escultor desse período foi o francês Auguste Rodin (1840 –
1917), foi um escultor além de emblemático, extremamente polêmico no que
tange à sua obra. Para alguns historiadores da arte, até mesmo a classificação
da sua obra como realista já gera uma contestação. Como exemplo temos sua
escultura de Honoré de Balzac que chegou a ser recusada pelos contratantes.

Figura 18 - Balzac - A. Rodin

Fonte: www.moma.org
O realismo foi um período centrado no: cientificismo,
reconhecimento do objeto, metódico e rigoroso, focava na expressão do real e
nos aspectos descritivos.
1.6.4- Período Impressionista
Foi um movimento revolucionário e que abriu caminho para os
movimentos artísticos do século XX, em especial na pintura. “Os pintores
impressionistas procuraram, a partir da observação direta do efeito da luz solar
sobre os objetos, registrar em suas telas as constantes alterações que essa luz
provoca nas cores da natureza (PROENÇA, 2027, p.140).
Não havia uma teorização sobre o trabalho que era elaborado por
esses artistas, era uma prática constante, um processo de tentativa e erro
ininterrupto seguindo apenas algumas considerações genéricas na busca de
obter um produto, uma obra que caracterizasse a pintura impressionista. Entre
os argumentos feitos pelos artistas, Proença (2007, p.140), destaca como
pontos principais:
*Os pintores deveriam registrar as tonalidades que os objetos
adquirem ao refletir a luz do sol num determinado momento, pois as cores
mudam dependendo da incidência da luz solar;
*As figuras devem ter contornos nítidos;
*As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a
impressão visual que nos causam;
24

*Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com
a lei das cores complementares;
*As cores e tonalidades não deveriam ser obtidas pela mistura
das tintas na paleta do pintor.
Em abril de 1874 aconteceua primeira exposição impressionista.
Entre os pintores que participaram da exposição estavam: Renoir, Degas
Pisarro, Cézanne, Sisley, Monet e Marisot. Essa exposição teve péssima
recepção de público e crítica. Muitos apontam que o quadro “Impressão,
nascer do sol” (1828) de C. Monet, é a obra que iniciou o movimento
impressionista.
Figura 19 - Quadro Impressão, nascer do sol - C. Monet

Fonte: www.pt.wikipedia.org
É, também, de autoria de Monet uma série de pinturas sobre um
mesmo tema, no caso a Catedral de Rouen, na Normandia (França), em
diversos momentos do dia com incidência de luz solar diferente, essa série
demonstra bem a visão que os pintores impressionistas pregavam.
Figura 20 - Série sobre a Catedral de Rouen- C. Monet

Fonte: www.historiadasartes.com

1.6.4 – Período expressionista
O Expressionismo, enquanto arte, pode ser entendido como um
impulso inato, natural. É uma pintura cuja narrativa é capaz de emocionar e de
teor comovente, é subjetiva que revela os sentimentos humanos. Essa
vanguarda artística europeia surgiu no início do século XX e abrangeu uma
constelação de pintores dos mais diversos em todos os sentidos como: Paul
Gauguin (1848-1903), Paul Cèzane (1839-1906), Vincent Van Gogh( 1853-
1890), Edvard Munch(1863-1944), entre outros.
Como principais características do expressionismo, facilmente
identificáveis na obra de importantes expoentes do movimento temos: cores
brilhantes, trêmulas, fundidas ou separadas; tinta grossa, rugosa e regular;
técnica enérgica, os pintores faziam e fazem tudo, cores aplicadas pelo toques
grossos; preferência por temas tristes, amargurados temperamentais, Beirando
a loucura.

Para Proença (2007), o expressionismo pode ser considerado um
Pós-Impressionismo, pois muitos deles ainda estariam ligados ao
Impressionismo, de alguma forma, em suas obras.
Figura 21 - O Grito- E. Munch

Fonte: www.pt.wikipedia.org

Figura 22 - Céu estrelado- Van Gogh

Fonte: www.pt.wikipedia.org
No Brasil o grande nome do Expressionismo é Candido Portinari,
ele sofreu grande influência da obra de Pablo Picasso e buscou mostrar o
universo de operários, agricultores e trabalhadores em geral.
1.6.5- As Artes Plásticas no século XX
Na primeira década do século XX, surge um movimento que não
ficou restrito apenas às artes plásticas, tendo chegado até a poesia de
Maiakovski, e a literatura de John dos Passos, esse movimento foi o Cubismo.
A fase inicial do Cubismo é fortemente influenciada pela arte africana (as
máscaras) e pela obra de Paul Cèzanne. Para muitos historiadores, o quadro
“Les demoiselles d'avignon” (1907) é o marco inicial do movimento, foi pintado
por Pablo Picasso (1881-1973), que junto com Georges Braque (1882 – 1963)
são apontados como os fundadores do Cubismo.
Figura 23 - Les demoiselles d´avignon - P. Picasso

Fonte: https://pt.wikipedia.org
Outro movimento importante do século XX foi o Abstracionismo, a
arte abstrata tinha a propensão de extinguir toda e qualquer conexão entre o
real e a obra de arte em si, entre as linhas e os planos, ao mesmo tempo em
que suprimia qualquer interpretação que a mente humana pudesse dar aos
27

elementos. Para alcançar seu intento, os pintores romperam todas as ligações
entre suas obras e o mundo real visível. Os grandes nomes do período foram
Wassily Kandinsky (1866-1944) e Paul Klee (1879-1940).
Figura 24 - Composição - Kandinsky

Fonte: www.pt.wikipedia.org

Figura 25 - Balão vermelho

Fonte: www.historiadasartes.com

Resumo
Nesta Unidade, fizemos um resumo dos movimentos estéticos nas Belas Artes
da arte grega até o século XX, embora de forma resumida, dado que a
quantidade de informações é imensa, buscando enunciar as informações mais
relevantes sobre períodos e/ou estilos, que de certa forma serão importantes
no decorrer deste trabalho.
*Referências
ARISTÓTELES. Poética. Lisboa: Imprensa Nacional-Casa da Moeda,2003.
ARISTÓTELES. Retórica. Lisboa: Imprensa Nacional-Casa da Moeda,2005.
BOÉCIO, A. M. T. Severino. Consolação da Filosofia. Tradução de Luís M. G.
Cerqueira. Lisboa: Fund. Calouste Gulbenkian,2011.
28

BUORO, Anamélia B. O olhar em construção: uma experiência de ensino e
aprendizagem da arte na escola. 4. ed. São Paulo: Cortez,2000.
COMPANHIA DE JESUS. In: wikipedia: a enciclopédia livre. Disponível em
https://pt.wikipedia.org/wiki/Companhia_de_Jesus Acesso em: 16 jun.2020.
DIAS, Solange Irene S. História da Arte. Cascavel-PR: CAU-FAG,2002.
Disponível em: www.historiadaarte.com.br/linhadotempo.html. Acesso em: 20
Jun. 2020.
DICIONÁRIO MICHAELIS ON-LINE. Belo. Disponível em:
https://michaelis.uol.com.br/moderno-português/busca/portugues-
brasileiro/belo. Acesso em: 20 jun. 2020.
EBOLI, J. C. de Camargo. Pequeno Mosaico do Direito Autoral. São Paulo:
Irmãos Vitale,2006.
GOMBRICH, E. H. A História da Arte. 16. ed. Rio de Janeiro: LTC-Livros
Técnicos e Científicos Editora S/A,1999.
MICHAELIS. Dicionário Escolar - Língua Portuguesa. São Paulo: Ed.
Melhoramentos, 2016.
PROENÇA, Graça. História da Arte. 7. ed. São Paulo: Ática,2007.
SUASSUNA, Ariano. Iniciação à Estética. 12. ed. Rio de Janeiro: José
Olympio Editora,2012.

https://pt.wikipedia.org/wiki/Companhia_de_Jesus
http://www.historiadaarte.com.br/linhadotempo.html
https://michaelis.uol.com.br/moderno-português/busca/portugues-brasileiro/belo
https://michaelis.uol.com.br/moderno-português/busca/portugues-brasileiro/belo
29

UNIDADE 2: A Música na Idade Média
OBJETIVOS:
 Analisar de forma rápida a sociedade medieval;
 Definir como a Estética foi vista no medievo;
 Analisar os postulados referentes à questão da Estética;
 Analisar a obra dos estetas medievais.

2.1- Contextualização histórica e Social.
A música na antiguidade, dentro do conjunto de circunstâncias em que
era produzida - espaço-tempo, a cultura de quem a reproduzia e de quem
recebia - nas sociedades aletradas, teve uma importância vital para esses
povos. Essa música estabeleceu os princípios, premissas, para todo o
progresso da música nas eras subsequentes. Se faz necessária essa breve
contextualização histórica da música antiga, muito embora quase não se tenha
dados confiáveis e precisos de como essa música se dava. Essas “civilizações
musicais” encontravam-se na Ásia Central (aldeias do Vale do Jordão),
Mesopotâmia, Índia, Egito e China. Pesquisas arqueológicas encontraram
nessas regiões a representação visual de símbolos e imagens relativos à
música e que aligava à magia, saúde etc. (Wikipédia, 2018).
Em especial, temos a música grega, que se configurou como a base da
música no ocidente, o filósofo e matemático Pitágoras tinha a convicção de que
a música deveria ser investigada pela ótica da Matemática, ele partiu do
princípio de que a música poderia conduzir a alma humana a um estado de
harmonia.
Pitágoras estabeleceu as bases matemáticas para consolidação de
uma importante escala musical; hoje conhecida como escala
pitagórica ou justa. Esta escala tem 12 notas e é gerada pelos modos
naturais de vibração de uma corda, retesada, dadas na razão
aritmética das proporções entre as frequências fundamentais das
notas que a compõem; de 2 para 1 (representando uma oitava) e de 3
para 2 (representando uma quinta justa) (FORNARI, 2019, p.01).
Outros filósofos gregos importantes como Platão e Aristóteles
também viam na música um importante elemento tanto para o ser humano
como para o meio social, sendo essa música vista como essencial para
educação do homem. Ambos os filósofos tinham a convicção do poder da
30

música na alma humana, de poder penetrá-la e afetá-la vigorosamente, de
modo a interferir em como esse homem irá se comportar no seio social. Platão,
inclusive, acreditava que amúsica possuía poderes curativos sobre o
organismo, ele é seguido nesse pensamento tanto por Aristóteles como o
antecessor deles, Pitágoras. Aristóteles foi mais além e atribuiu à música
outros objetivos que ele considerava fundamentais que eram: gerar prazer;
inspirar virtudes e proporcionar satisfação intelectual (FORNARI, 2019, p.04).
Gráfico 1 - Princípios aristotélicos

Absorção, Catarse, Resolução

Fonte: Adaptado de Lelouda Stamou

Esse gráfico acima é uma representação das muitas formulações
aristotélicas sobre os efeitos da música no organismo humano e como sua
filosofia via o fenômeno musical. No século 4 a.C, Aristóxeno teve como suas
bases de formação desde a tradição pitagórica até seus estudos com
Aristóteles, via a música tanto como ciência e como arte e, portanto, a análise
de todo o arcabouço musical deveria ser feito de forma empírica (audição) e
não como sugeriria Pitágoras, apenas focando nas medidas matemáticas. Da
obra de Aristóxeno muito pouca coisa sobreviveu ao tempo, tendo chegado aos
nossos dias apenas o seu “Elementos da Harmonia”. Esse seu trabalho é
considerado a obra fundante do estudo musical focado na prática (GIBSON,
2014). Ele é considerado o pai da Musicologia.
excitação reflexão nostalgia pesar
Ruminação
31

Aristóxeno vislumbrou a existência de fatores psicofisiológicos que
modelam e modulam, através da audição, a percepção da realidade
sonora que compõe a música. Sua proposta de adoção de uma
abordagem empírica através de dados auditivos, para o entendimento
do fenômeno musical, ratificou as bases daquilo que, mais de 20
séculos depois, veio a ser chamado de “musicologia sistemática”; que
trata do estudo empírico e interdisciplinar da música através da coleta
e análise de dados (FORNARI, 2019, p.5).
O grande hiato de mais de 2.000 anos para o incremento da
musicologia sistemática foi provocado pela inexistência de recursos
tecnológicos que permitissem reunir informações e fazer as análises desses
dados sonoros que só começaram a ser realizados na segunda metade do
século XX, com a evolução dos computadores (PEREIRA,1995).
2.2 – O pensamento musical da Idade Média
A Idade Média foi o período da história humana que se estendeu
de 476 (queda do Império Romano do Ocidente) até meados do século XV
(aproximadamente 1453 que marca a transição para a Idade Moderna). Esse
foi um período em que se destacou um estudioso do fenômeno musical; Boécio
(480 – 525) foi filósofo e teólogo, considerado como um dos fundadores da
Escolástica17, que teve grande destaque como teórico da música da
antiguidade clássica. Ele é o autor de “De institutione música” (A instituição da
música), uma obra focada em antigos textos gregos. “Ele acreditava nas
proporções matemáticas e universais contidas e expressas pela música”
(FORNARI, 2019), conforme já havia sido preconizado por Pitágoras 1.200
anos antes. Ele inicia essa obra mostrando toda influência que a obra de
Pitágoras teve em seus estudos musicais:
Boécio apresenta sua teoria de inspiração pitagórica, postulando que
a harmonia que rege as leis universais é a mesma que rege a música.
Assim, ele classifica três tipos de Harmonia: mundana; humana e
instrumental (FORNARI, 2019, p.06).
Esses três tipos de música que Boécio descreve no Livro 1 do “De
institutione música” foram descritos por outros teóricos da música, segundo
Castanheira (2009, p.66) “é possível encontrar, por exemplo, referências à
música cósmica (mundana) em vários escritores da antiguidade como Platão,
Cícero, Plínio, Pseudo-Plutarco, Macróbio, Nicômano, entre outros”. Ele definiu

17
Escolástica é um método ocidental de pensamento crítico e de aprendizagem, com origem nas escolas
monásticas cristãs, que une a fé cristã e um sistema de pensamento racional
32

esses três tipos como sendo: a música mundana (ou cósmica), era a música
do Cosmos, relacionada com a movimentação dos planetas e pelas relações
numéricas que essa movimentação produzia, ou seja, na harmonia ordenada
de tudo no mundo (estações do ano, fases da lua etc.). Boécio afirma ser a
música cósmica impossível de ser ouvida pelo homem pois era uma música
perfeita e o homem em sua imperfeição não poderia percebê-la. É também
conhecida como música das esferas.
Já a música humana tem um conceito interessante, pois mesmo
sendo imperceptível aos ouvidos, era espelhada pela alma, pois nós somos
parte da Natureza e por isso capazes de refletir as proporções do Cosmos,
mas era também inaudível aos nossos ouvidos. “A música humana, por sua
vez, é a harmonia que ocorre no homem, no equilíbrio ou consonância entre
seu corpo e sua alma, razão e sensibilidade” (BERGONSO, 2013, p.38).
Com relação à música instrumental, esta seria a música como a
conhecemos, produzida pela voz ou por instrumentos, mas, apesar de
diferenciar os três tipos de música, Boécio afirmava que se corpo e alma eram
regidos pela harmonia do Cosmos, o mesmo acontecia com a música
instrumental. Tanto que ele afirmava no capítulo 20 do “De institutione música”,
que as consonâncias que os instrumentos de corda produziam estavam de
acordo com a harmonia do Cosmos (BERGONSO, 2013). Cabe ressaltar que
para Boécio a música instrumental, por ter a sua produção ligada a processos
manuais, teria uma importância menor que a música cósmica e a música
humana.
Analisando sob este ponto de vista, uma música produzida por
instrumentos, mas em desacordo com a harmonia cósmica, poderia
ter a capacidade de influir negativamente na alma humana, o que não
aconteceria se a música instrumental fosse produzida com a
harmonia do universo (BERGONSO, 2013, p.41).
E continua Bergonso (ibidem, p.42):
Explica Boécio, pois, neste sentido, que nós buscamos a música
sonora que mais nos agrada devido ela ser semelhante à nossa
harmonia interior. A música instrumental pode influenciar o caráter de
um indivíduo tornando-o corajoso ou lânguido, ou ainda enobrecendo-
o ou corrompendo-o, pois como a alma humana possui uma harmonia
musical, ela automaticamente buscará sons a semelhança que lhe
cabe, seja ela virtuosa ou viciosa.
33

Essa ideia de Boécio mostra claramente a sua ligação com os
pitagóricos e a Doutrina do Ethos (GROUT; PALISCA, 2007).
Essa associação, que já se encontrava nas narrativas mitológicas e
que fora desenvolvida e firmada por Pitágoras, se justifica com base
na convicção de que a música exerce uma influência profunda e
direta sobre os espíritos, e consequentemente, na sociedade em seu
conjunto. Esse poder da música se fundamenta na crença de que
cada harmonia provoca no espírito um determinado movimento, pois
cada modo musical grego era associado a um éthos específico, ou
seja, a um caráter particular de ser (TOMÁS, 2005, p.17).
A Idade Média foi uma era essencialmente cristã, o
desenvolvimento da música acompanhou de forma simultânea o
desenvolvimento litúrgico e o novo culto, ao mesmo tempo em que buscava a
justificativa teológica e filosófica, exigindo uma música nova, rica e elaborada
(FONTERRADA, 2008).
Na Idade Média, a música passou a ser considerada parte do
quadrivium, a mais alta divisão das sete artes liberais, compartilhando
o seu espaço com a aritmética, a astronomia e a geometria, e essa
organização revela a influência das escolas gregas de pensamento
Por influência dos neoplatônicos e neopitagóricos, a aceitação da
música como parte de uma estrutura cognitiva de base numérica e
não-verbal fez que sua função se ampliasse, indo além de sua
missão de servir à moral e aos bons propósitos (FONTERRADA,
2008,p.32).
Os pontos de vista defendidos por Boécio sobre a música, que
dominaram o período inicial e intermediário da Idade Média, é um
entendimento individual, seu modo subjetivo de entender a música, mas que
acabou por justificar sua presença no quadrivium(FONTERRADA, 2008, p.33
apud LANG, 1941, p.60). Contudo, seus estudos e escritos foram essenciais
para que teóricos como Guido D´Arezzo (século XI) promovessem uma
transformação basilar na música, demarcando o fim de um período e o início de
uma época onde se começa a detalhar acontecimentos importantes. É o
período onde teremos o desenvolvimento da polifonia.
As primeiras composições de caráter polifônico datam do século
XII que, embora sofrendo contestação e gerando muitos debates no seu início,
foi aos poucos se firmando, sua prática se acentuou e logo se transformou na
ocupação principal dos teóricos. Um grande número de vozes passou a ser a
marca identitária da música europeia. Essa mudança estética trouxe com ela
uma mudança de postura da audiência, ela demandava do ouvinte uma forma
34

diferente de apreender essa nova música, nessa multiplicidade não se
estabelece uma relação íntima entre o ouvinte e o cantor (FONTERRADA,
2008).
Passa a ser uma audição seletiva, o ouvinte escolhe o que mais
lhe agrada, o bloco de melodia, o que é da sua preferência ouvir. E isso,
circunstancialmente, leva o ouvinte a ter uma boa formação para que possa
seguir a composição. Essa passou a ser uma prática instituída e admitida no
que se referir à música e que foi retratada em vários tratados musicais da
época.
Resumo
Nesta Unidade, fizemos uma preparação para o que está por vir nos períodos
seguintes, tudo o que se desenvolveu na Idade Média serviu de base para que
os teóricos dos séculos seguintes levassem a música a um desenvolvimento
avassalador, fazendo com que se aproximasse do desenvolvimento em termos
técnicos, filosóficos e estéticos das outras formas de arte.
REFERÊNCIAS
BERGONSO, M. C. C. Número, som e beleza: A Estética musical em Boécio.
Curitiba-PR: Dissertação (Mestrado em Música), UFPR,2013.
CASTANHEIRA, C. P. De Institutione Musica, de Boécio-Livro I: Tradução e
Comentários. Belo Horizonte – MG: Dissertação, UFMG,2009. 154 f.
FONTERRADA, M. Trench de O. De tramas e Fios - um ensaio sobre
música. 2. ed. São Paulo: Ed. UNESP,2008.
FORNARI, José. Musicologia na Grécia Antiga e na Idade Média. Campinas
–SP: Unicamp, 2019. Disponível em:
https://www.blogs.unicamp.br/musicologua/2019/01/09/2. Acesso em: 30 jun.
2020.
FUBINI, E. Estética da Música. Lisboa: Edições 70,2008.
GIBSON, S. Aristóxeno de Tarentum e o Nascimento da Musicologia.
Londres-UK: Estudos Clássicos, Routledge Ed., 2014.
https://www.blogs.unicamp.br/musicologua/2019/01/09/2
35

GROUT, D; PALISCA, C. V. História da música ocidental. 5. ed. Lisboa:
Gradiva,2007.
PEREIRA, Aires R. A estética musical em Aristóxeno de Tarento. Coimbra-
PT: Revista Humanitas, Vol. XLVII,1995.
STAMOU, L. Plato and Aristotle on Music and Music Education: Lessons
from Ancient Greece. California – EUA: SAGE Journals, Revista Internacional
de Educação Musical,2002.
TOMÁS, L. Música e filosofia: estética musical. São Paulo: Irmãos
Vitale,2005.

UNIDADE 3: O Período Barroco
Objetivos:
* Apresentar uma breve contextualização do período barroco;
* Definir o pensamento estético do período ;
* Analisar os principais autores e os principais postulados sobre música.
3.1- Contextualização histórica e social
Os séculos XVII e XVIII foram de grande efervescência na
Europa, por mais de 150 anos o continente viveu em constante conflito, a
guerra mais emblemática do período foi a Guerra dos Trinta Anos (1618 –
1648) que envolveu nove países e que começou com a contenda entre
católicos e protestantes, mas logo evoluiu para disputas dinásticas e
nacionalistas. Ao mesmo tempo houve grandes mudanças econômicas: criação
de um mercado internacional18, aprimoramento do sistema bancário, novas
práticas comerciais e incremento da importação de produtos das colônias do
novo mundo, que influenciaram a cultura e a culinária europeia.
A grande quantidade de metais preciosos (ouro prata e
diamantes), provocou um grande enriquecimento do continente que influenciou
decisivamente o florescimento artístico. No aspecto cultural considera-se esse
período como pragmático e nessa época a virtude era regida pela razão, o
homem passaria a agir com conhecimentos profundos visando o bem comum
de todos. Essa era a maior das virtudes a serem adquiridas. Muitos políticos,
religiosos e moralistas viam essa forma de agir como a melhor maneira de
manter a ordem social em um mundo conturbado, em frenética mutação.
Mesmo com a grande ingerência da religião sobre a vida das
pessoas, com o avanço do pragmatismo e do racionalismo, essa hegemonia
começa a entrar em declínio graças à revolução científica19. Mesmo assim,

18
Esse mercado foi criado com base no sistema colonial e podemos dizer que é uma grande pecha na
história das nações europeias pois se baseava no comércio escravagista.
19
Chamamos de revolução científica ao período entre os séculos XVI e XVIII. Os conhecimentos eram
considerados corretos se confirmados pela experiência e a razão. Surgiu o método experimental ou
científico.
37

alguns conflitos se revelaram homéricos como a condenação de Galileu Galilei
pela Inquisição, um grande embate entre ciência e religião.
Em relação à música foi um período revolucionário, o barroco
musical levou um certo tempo para ser assimilado pelas pessoas. Foram
necessários, além de um novo glossário, que fosse conhecido e utilizado pelas
pessoas, uma expansão na técnica (centrada na música vocal). Em termos
estritamente musicais, uma das mudanças mais significativas foi o desuso dos
modos gregos ainda dominantes desde século XVI e a adoção do sistema tonal
construído sobre apenas dois modos (Maior e menor), cuja expressão mais
característica foi o Baixo Contínuo.
3.2- A estética musical no barroco
3.2.1- O primeiro barroco
Esse período é tratado por muitos estudiosos como pré-barroco,
devido ao fato que ainda existiam muitos vestígios dos estilos praticados na
renascença. Contudo algumas iniciativas, bem como novas práticas (uma
monodia acompanhada com a oposição entre soprano e baixo contínuo que
prenunciavam um pré-tonalismo), que já anunciavam um novo período.
Entre as iniciativas surgidas em fins do século XVI, temos a
Camerata Fiorentina (também conhecida como Camerata Bardi, devido ao
seu líder e fundador Giovanni de Bardi, Conde de Vernio), era composta por
um grupo de humanistas que realizavam reuniões onde eram discutidos
assuntos como: literatura, ciências, artes e se executava muita música
(Wikipédia 2020). Os membros do grupo eram diametralmente contra os
excessos da polifonia (uma prática muito usada), esse uso descomedido
segundo os intelectuais da camerata prejudicava a capacidade de perceber e
compreender o texto cantado.
A fórmula encontrada pelos membros da camerata para opor-se a
esse modismo foi incorporar elementos da tragédia e da retórica (cultura grega)
à prática musical. Isso, inclusive terá reflexo no Barroco tardio ou última fase do
Barroco. Grandes intelectuais helenistas foram membros da Camerata Bardi
tais como: Giulio Caccini, Vicenzo Galilei e Girolamo Mei. Com a retomada da
38

monodia (acompanhada por um único instrumento e com poucos acordes),
essa prática da monodia acompanhada resgatou de certa forma o ethos grego (
FUBINI, 2008, p.103).Toda essa discussão sobre a música, o retorno da ideia
do ethos, gerou a ideia de que a função principal da música era expressar os
afetos.
Essa postulação da Camerata Bardi, na transição do
Renascimento para o Barroco, originou uma importante teoria da estética
musical que foi a Doutrina dos Afetos20. Partindo da interpretação de
postulados platônicos, eles buscaram resgatar o pensamento musical da
Grécia e lançaram as bases para ópera. Essa “doutrina florentina” afirmavaque
uma idealização, uma concepção musical, mais que a manifestação de um
afeto, representava sua concretização.
Vários teóricos do Barroco, em especial Johann Mattheson
(1681-1764), catalogaram e ordenaram os elementos dessa doutrina.
Mattheson escreveu uma das obras mais importantes do século XVIII que foi o
“Der VollkommenCapellmeister” (O Perfeito Mestre de Capela -1739). Neste
trabalho ele afirmava que intervalos longos despertaram alegria e os curtos
tristeza. Segundo Fonterrada (2008, p.53), Mattheson:
[...] descreveu a teoria com grande riqueza de pormenores,
enumerando mais de vinte as afeições e o modo pelo qual deveriam
ser expressas na música: a tristeza deve ser expressa por melodias
de movimento lento e lânguido e quebrada por saltos. O ódio é
representado por uma harmonia repulsiva e rude, e por uma melodia
semelhante.
O texto acima mostra que é difícil colocar em modelo, produzir
uma perfeita elaboração da Doutrina dos Afetos, mas muitos compositores
alemães usaram esse conjunto de princípios estéticos, que serviram de base
para seus trabalhos.
Uma outra doutrina surgida no mesmo período, a Doutrina das
Figuras, via a música como semelhante à retórica.
A ideia de empregar, em música as figuras da retórica era conduzida
a partir de um elaborado sistema de recursos estandizardos,

20
Para conhecer mais o assunto, pesquise sobre a Doutrina dos Afetos. Disponível em:
http://www.teatrodomundo.com.br/a-doutrina-dos-afetos/

http://www.teatrodomundo.com.br/a-doutrina-dos-afetos/
39

estabelecido desde Quintiliano, diferente dos da fala comum, com a
finalidade de tornar oratória mais expressiva e impressiva
(FONTERRADA,2008, p.55).
Muitos compositores do período, entre eles o próprio Mattheson,
se valeram dessa doutrina em suas composições. Mas podemos encontrar em
compositores da última fase do Barroco, esse uso da retórica como J. S. Bach,
que em seus estudos superiores e na Lateinshule (Escola Latina) cursou entre
outras disciplinas filosofia e retórica.
3.2.2- O Médio Barroco
Com o desaparecimento gradual das escalas que tínhamos no
Renascimento, vamos nos aproximando da música que temos hoje, com
algumas inovações importantes para o período e que persistem até hoje. Neste
ponto vamos encontrar importantes colaborações feitas pelo compositor italiano
Cláudio Monteverdi (1567-1643), considerado como o compositor da primeira
ópera L´Orfeo (1607), nesta obra ele já apresentava inovações tanto nas
formas composicionais, estilísticas e estéticas.
Colaboração importante de Monteverdi neste período foi em relação
ao estabelecimento da tonalidade e do uso do acorde sétima menor.
No período Barroco, a variedade de escalas no Renascimento vão,
gradativamente, desaparecendo, até o momento no qual se utiliza
apenas a escala maior (antigo modo jônio) e a escala menor (antigo
modo eólio) (NASCIMENTO; SILVA, 2016, p166).
Muitos teóricos do século XIX afirmaram que esse acorde de
sétima menor apareceu pela primeira vez na obra de Monteverdi.
Figura 26 - Acorde de 7ªm em L`Orfeo de Monteverdi

Fonte: NASCIMENTO; SILVA,2016, p.166
40

Esse acorde atuando como acorde de tensão dentro de um
campo harmônico, alterou a forma de compreendermos um discurso musical.
Se tornou um acorde de tensão harmônica até os dias atuais, tanto no modo
maior quanto menor.
Na segunda metade do século XVII, com Veneza se tornando um
grande centro operístico, surge o fenômeno do público frequentador dos teatros
e isso, logicamente, impactou o gosto e a produção musical. Com um grande
número de produções, vemos uma diminuição na qualidade na sua qualidade,
em especial nos libretos. Deixa-se de produzir obras épicas em detrimento da
adaptação de romances, com melodias simples e agradáveis. Um paralelo
seriam as novelas de televisão atuais.

3.2.3 – A fase final do Barroco
Para a maioria dos historiadores esse é um período que vai de
1700 a 1750 (ano da morte de Bach), para efeito neste trabalho vamos
considerar como a data derradeira o ano de 1759 (ano da morte de Häendel, o
último grande mestre do Barroco). Nesta fase, a Ópera tem a sua forma
plenamente consolidada, mas o que vemos surgir nesse período é uma música
instrumental de qualidade. Diferente do período anterior, o predomínio agora é
de compositores austríacos e alemães e não mais os italianos e franceses.
No campo estético, é possível afirmar que o Barroco nesse
período fixa as bases da música atual e instrui muito dos usos ainda em voga.
Pela primeira vez na história vimos música e instrumento em equilíbrio, a
instrumentação atinge o seu mais alto grau de amadurecimento e
florescimento. O sistema tonal alcança seu apogeu, vemos os tons dissonantes
servindo de alicerce para as modulações em uma peça musical, houve uma
remodelagem essencial no sistema de notação, desenvolvem-se novas
técnicas de execução dos instrumentos e, por conseguinte, surge uma geração
de novos instrumentos.
41

Um dos motivos para o desenvolvimento da música instrumental
nesse período foi o crescente aperfeiçoamento dos instrumentos da
época e o surgimento das escolas de instrumentos, nas quais as
técnicas instrumentais foram se consolidando. Muitas dessas escolas
de construção e execução de instrumento floresceram na Itália,
especialmente, no que diz respeito aos instrumentos de corda
(NASCIMENTO; SILVA, 2016, p.175).
Esse desenvolvimento na construção e na execução propiciou um
grande avanço na estética das composições, no avanço da música
instrumental e na facilidade de os compositores materializarem suas ideias.
Tivemos três famosos construtores de instrumentos de corda no período:
Nicolo Amati (1596-1684), Antonio Stradivari (1644-1747) e Bartolomeu
Guarnieri (1698-1744). A partir desses avanços, vemos a música instrumental
do Barroco sendo compostas para grandes orquestras, grupo de câmera, etc.
As orquestras Barrocas contam com violinos, violas, violoncelos, flautas doces,
flautas transversais barrocas21, fagotes, viola da gamba22, cravo, alaúde,
trompetes e tímpanos.
Quando falamos de música instrumental para solistas, quase
todas as composições eram destinadas para Alaúde, Cravo e Órgão. Nesse
período os instrumentos de teclas começaram a ganhar mais e mais espaço na
produção dos compositores e, graças aos recursos desses instrumentos,
ocorre uma evolução estética na música do período.
Junto com toda a gama de estilos do período Barroco que a
história da música enumera, temos dois tipos de concertos instrumentais que
ganharam destaque: a Sonata e a Trio Sonata. Até por volta de 1560, o termo
Sonata era 100% instrumental (sem textos), mas em meados do século XVII,
as Sonatas de Corte, que se ouviam nos salões da nobreza, passaram a se
chamar Sonatas de Câmara (compostas muitas vezes com uma sequência de
danças estilizadas) e sempre começavam com uma introdução
(NASCIMENTO; SILVA, 2016).
A Trio Sonata tinha esse nome pela formação de grupos de três
instrumentos, sendo que o Baixo Contínuo era sempre executado por um

21
A flauta transversal barroca não possuía mecanismo de chaves.
22
Viola da Gamba é um instrumento com sete cordas (viola francesa) ou 6 cordas (viola inglesa, usada
para estudo) afinada por sucessão de duas quartas justas. Desenvolvida no século XV, tem indicado no
espelho as distâncias intervalares de semitom (os chamados trastes).
42

instrumento grave. Os compositores que se destacaram nesse estilo foram
Arcângelo Corelli (1653 -1713) e Georg Friedrich Häendel (1685- 1759).
Uma outra forma musical surgida no Barroco que se estendeu
para os períodos seguintes da música foi o Concerto,23 para Grout e Palisca
(2007, p.331), “a palavra vem do italiano concertareque significa chegar a um
acordo”.
No período barroco, a seriedade com que as partes instrumentais da
Ópera Francesa e, especialmente as suas aberturas eram
construídas, colaboraram para o surgimento da forma concerto.
Nesse período há três tipos de concerto: o orquestral, o grosso e o
solista (NASCIMENTO; SILVA, 2016, p.179).
Outro detalhe importante nesse período foi a produção de uma
grande quantidade de música, em especial nos países luteranos. Podemos
destacar dessa produção a obra de Häendel e de Johann Sebastian Bach
(1685 – 1750), com relação a Bach, ele ainda será citado em outros períodos
da música, inclusive porque o resgate e a valorização de sua obra como um
todo só se darão no século XIX24. Podemos destacar como informação
complementar, que os dois grandes gêneros sacros do período foram o Choral,
que é o primeiro gênero luterano e tem espaço importante na música religiosa
do período e foi um estilo que todos os compositores protestantes
compuseram.
O Oratório foi outro importante estilo sacro do período, se
assemelha a uma ópera, mas diferente desta a ênfase se dá no coro. Esse
estilo foi uma alternativa à proibição de representação dentro da Igreja. Embora
surgida nas igrejas protestantes, esse estilo foi incorporado pela Igreja
Católica. É uma composição dramática e sacra que combina recitativos, árias,
coros, conjunto vocal e instrumental. Difere da Ópera pela presença de um
narrador. A grande diferença entre os dois estilos Ópera e Oratório fica bem
mais claro na atuação dos cantores, no oratório (vedado à representação

23
O nome se originou na virada do Renascimento para o Barroco: estilo concertato. Era a prática de
escrever partes, que não se confundiam umas com as outras, tanto para vozes como para instrumentos.
Não havia dobramento de vozes.
24
Felix Mendelssohn apresentando a obra vocal de Bach por um de seus professores, se tornou um dos
grandes divulgadores da obra dele. Em 1829 Mendelssohn regeu em Berlim a primeira audição
completa da Paixão segundo São Mateus 100 anos da estreia dessa peça.
43

dramática) não há cenários. Um dos oratórios de mais notoriedade do período
Barroco é “O Messias” (1742) de Häendel.
Segundo Nascimento e Silva (2016, p.185), podemos destacar
como características principais dos Oratórios de Häendel:
*A grande habilidade na escrita Coral;
*Dramaticidade;
*Menor ênfase na virtuosidade vocal dos solos;
*Utilização de recitativo de maneira similar à Ópera.
Essas características estéticas foram bastantes exploradas por
Häendel. Junto com Häendel, cujo o Hallelujah do Messias é conhecido
mundialmente, Bach compôs "A Paixão segundo São Mateus (BWV 244)” e a
“Paixão segundo São João (BWV 245)", dois de seus oratórios mais
conhecidos. Outro gênero surgido no Barroco que foi muito explorado
principalmente por Bach, que escreveu mais de 200 obras, foi a Cantata. Esse
gênero inclusive quase não foi explorado a partir da segunda metade do século
XVIII até fim do século XIX, só voltando a ser explorado por compositores do
século XX25.
Um grande compositor do período Barroco, e que é apontado por
alguns historiadores da música (GROUT; PALISCA, 2007) como grande
expressão, também do classicismo, foi Jean-Philippe Rameau (1683-1764). Foi
um dos maiores teóricos da música tendo escrito 24 trabalhos entre tratados e
pequenos textos sobre teoria musical. Duas de suas obras: “Traité de
L'Harmonie” (Tratado de Harmonia) e o “Traité de Musique: Theorique et
Pratique (Tratado de Música: Teórico e Prático), ainda são estudados pelos
pesquisadores da área de Harmonia. A obra de Rameau é de grande
importância para estética musical, ele estabeleceu a ligação entre os graus I-V-
IV (tônica, dominante e a subdominante), partindo de duas séries de quintas
(ascendente e descendente), considerando a tônica como origem da
dominante, e a segunda a origem da subdominante (ABDOUNUR, 2006). Ele

25
Uma famosa Cantata escrita no século XX foi “Carmina Burana” de Carl Orff.
44

chegou a propor a construção de instrumentos, baseados nos princípios por ele
propostos, mas algumas de suas proposições não eram verdadeiras, como a
de que os acordes existiam devido a “elasticidade do ar”.
O período seiscentista na música, lançou as bases estilísticas,
teóricas e estéticas de tudo o que veríamos nos períodos seguintes: a teoria
musical que conhecemos atualmente, elementos expressivos, a
instrumentação anotada de forma precisa, a escrita idiomática (aquela em que
a linha melódica é escrita para um determinado instrumento), o
desenvolvimento lauto da tonalidade (escala maior e menor), a modulação
tonal se tornou algo frequente, a dinâmica da música barroca se voltou para a
habilidade performática em termos da articulação, intenso contraponto etc.,
tudo isso é fruto desse período.
É um dos períodos da música mais extensos, que produziu
avanços em abundância. Foi revolucionário e é um dos que mais contribuiu
para a mudança dos paradigmas adotados até então. Esse novo cânone será
usado, revisado e ampliado pelos teóricos das eras seguintes.

Resumo
Nesta Unidade, analisamos os avanços e novos paradigmas criados pelos
compositores do Barroco, em especial os compositores alemães, e que
fundamentaram as bases dos períodos posteriores, possibilitando, com seus
avanços teóricos, que os pensadores da música levassem a mesma a um
desenvolvimento, em termos estéticos e estilísticos, que mudaria a forma de
vermos a música.

Referências
FONTERRADA, M. Trench de O. De tramas e Fios - um ensaio sobre
música. 2. ed. São Paulo: Ed. UNESP,2008.
45

FUBINI, E. Estética da Música. Lisboa: Edições 70,2008.
GROUT, D; PALISCA, C. V. História da música ocidental. 5. ed. Lisboa:
Gradiva,2007.
NASCIMENTO, J. P. Costa do. SILVA, M. G. História e Crítica Musical: Da
Antiguidade ao Barroco. Batatais-SP: Claretiano,2016.

UNIDADE 4: O Século XIX
OBJETIVOS:

*Fazer um breve comentário do Classicismo como preparação para o
Romantismo;
*Identificar os primeiros estetas do Romantismo;
*Analisar as propostas estéticas de grandes compositores;
*Analisar as propostas de vanguarda do século XIX que culminaram com a
implosão do sistema tonal.

4.1- Contextualização histórica e social

Para a historiografia musical, convencionou-se que em meados
do século XVIII (época da morte de Bach-1750 e morte de Häendel-1759) tem-
se o fim do período Barroco. Alguns historiadores falam no Rococó musical
como um breve período de transição para logo em seguida determinarem o
início do classicismo.
O Período Clássico na música ocidental, situado entre a metade
do século XVIII e início do século XIX, se caracterizou pelo: equilíbrio, simetria
e pela claridade em sua estrutura. Essas características foram de importância
crucial para os compositores do período. O estilo musical perde toda aquela
ornamentação (como havia no Barroco) e passou a ter uma estrutura mais
simplória. Essa claridade e a simplicidade das composições foi uma reação à
densidade que o estilo Barroco possuía. Os compositores do Classicismo
fizeram uma ordenação lógica das ideias, formando um sistema conexo que
demonstra a preocupação deles com um equilíbrio entre a apresentação de um
trabalho intelectual e a expressividade. Por isso, em termos estéticos esse
trinômio é a marca indelével do classicismo.
No classicismo apenas três nomes ganharam destaque, mais por
sua inventividade e talento do que por propostas estéticas inovadoras: Joseph
Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) e Ludwig van
Beethoven (1770-1827), foram alcunhados pelos compositores que vieram
depois deles de “Trindade Vienense”. Haydn aprendeu composição