Unidade 4

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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
 
 
História da Arte 
 
Unidade Nº 4 – Movimentos artísticos 
 
 
Ana Luisa Madeira de Toledo Serrain 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
Introdução 
Nesta unidade, iremos dar continuidade ao estudo dos movimentos 
artísticos. Buscando ampliar o saber; Durante a trajetória serão incluídos 
alguns gêneros que ficam entre a Arte e a Comunicação. 
A proposta é dar suporte ao desenvolvimento da execução de projetos 
individuais, tendo em conta a somatória dos conteúdos como condutor do 
repensar. Desta forma, transpondo a emoção e a razão das obras já neste 
período do modernismo ao contemporâneo até os dias de hoje, marcam o 
interesse dos artistas pelas cores, a sombra e a luz, ainda a natureza em toda 
sua amplitude, com suas montanhas, mata, rios e flores, além da diversificada 
espécies de animais. Vê-se nestes registros, as descobertas feitas no campo da 
óptica. 
Buscando coadunar o plano desta apresentação, alargaremos o 
horizonte explanando sobre modernismo no Brasil, com artistas que se 
destacaram e suas obras. Dentro deste roteiro na trajetória cronológica, desta 
investigação, abordaremos o mundo e a arte contemporânea. Levando em 
conta as várias possibilidades existentes frente às transformações 
tecnológicas, devido à rapidez dos meios de locomoção e comunicação. 
Feitas essas breves considerações, iniciaremos a exposição ao 
procedimento analítico deste tema. 
 
1. Considerações sobre o Impressionismo 
Por volta de 1850, alguns artistas adotaram uma abordagem moderna 
direta, desprovida de sentimentalismo, com temáticas realistas sobre o 
cotidiano campestre e seus trabalhadores de aspectos rudes. As instituições 
artísticas da época não acolheram a ideia, preferindo quadros com tema 
histórico, religioso ou mitológico. 
Contrapondo as preferências, este movimento ganha força na Arte, 
expandindo pela Europa. 
Um triunfo superando no mesmo tempo do clássico ao romântico, era o 
enfrentar da realidade com suas concepções e problemáticas, expressando-se 
 
 
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através da pintura. O movimento impressionista transpassou os conceitos 
vividos, dando condições para amplitude artística, livre de regras que a 
aprisionavam o evoluir. Aconteceu publicamente com uma exposição de 
artistas independentes no estúdio do fotógrafo Nadar em 1874. 
Vê-se o despontar da fotografia, redefine a essência perante a nova 
maneira de captar a imagem da realidade aprisionada pela forma mecânica. 
 
Naquela época artistas que se intitulavam impressionistas tinham o 
hábito de frequentarem os cafés parisienses, tornando-se os próprios salões 
temas de suas pinturas. 
No final do séc.XIX, vale ressaltar a chegada de gravuras japonesas na 
Europa, que encantaram os artistas impressionistas, principalmente pela falta 
de perspectiva e sombreamento, deixando áreas lisas de cor forte. 
Prosseguindo a esta análise, notamos cada vez mais os temas variados 
do cotidiano. Degas, por exemplo, se inspirou nos cafés e nas aulas de dança. 
Vemos bailarinas ensaiando, interiores de café e pessoas trabalhando. 
Berthe Morisot: Obra apanhador de cerejas (1891). A artista pintou 
muitos quadros com cores vivas sobre mulheres e vida doméstica. 
Camille Pisarro: Obra A Fazenda em Osny (1883). Com mais idade que 
os demais artistas, estimulou a pintura ao ar livre. 
Pierre Auguste Renoir: Obra Baile no Moulin De La Galettue (1876). 
Tipicamente impressionista, pintava pessoas espairecendo ao ar livre com a 
luz do sol por entre as arvores. Características de suas obras: Seguindo um 
estilo especifico, pintou mais de seis mil obras. 
O estilo de Mary Cassatt, pintora americana vivendo por um tempo na 
frança, se identificando com o impressionismo (1880), pintou captando 
momentos sutis e os efeitos da luz. Usando o pastel1 para as suas pinturas. 
 
 
1 Bastão colorido confeccionando com pigmento em pó misturado a um aglutinante, sendo aplicado 
diretamente no papel. Não precisando secar. 
 
 
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1.1 A realidade e a consciência: Fotografia 
A partir da exposição fotográfica, a transformação estrutural de 
manifestações sociais, política e religiosa ficam nítidas quanto ao início do 
progresso técnico decorrente do alcance de um registro com grande precisão 
de imagens e diversificados significados. Dando um novo significado ao 
direcionamento e finalidade da pintura, inclusive abrangendo várias vertentes 
ligadas ao impressionismo. Até então, trabalhos sociais executados pelos 
pintores passaram a ser procedimento dos fotógrafos, como retratos, 
reportagens, ilustrações, imagem da natureza, entre outras atividades. 
No caso em pauta, a fotografia é considerada uma arte? Não temos 
uma resposta universal, na verdade, se pensarmos profundamente, teremos 
que analisar o que torna algo ser uma arte. Obviamente há várias formas de 
abordarmos o fato, um dos aspectos é que a fotografia precisa de criatividade 
envolvendo a imaginação. É necessário que o fotógrafo faça um registro 
mental antes de fotografar. Sua visão do mundo não é livre da emoção e 
sentimentos inerentes ao ser humano. Não é uma interpretação neutra, 
embora a imagem seja uma reprodução realista, é produto da somatória da 
reinterpretação de quem a faz. 
1.2 Fotografia Romântica 
Com o passar do tempo e aprimoramento da técnica, notamos o cunho 
artístico das fotos. 
A Arte Romântica, voltada para a classe média, satisfaz as exigências 
ávidas de imagens variadas. A fotografia como retrato teve aceitação logo de 
início, aumentando a quantidade de estúdios fotográficos, expandindo por 
todos os lugares. 
Portanto, ao longo dos anos, a fotografia se tornou mais acessível a 
classes menos abastadas. 
 
 
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Figura 1– Nadar, Sarah Bernhardt. 1859. Museu Internacional da Fotografia, George 
Eastman House, Rochester, Nova York. 
 
 
Todavia, o ofício de pintores é atingido, direcionando a pintura a uma 
atividade de elite, exigindo uma produção extremamente qualificada. Diante 
deste novo prisma, vemos a importante função fotográfica se destacando, pois 
permite a percepção e a atenção visual que humanamente não é percebido. 
 
2. Após o Impressionismo 
O impressionismo foi importante na Arte Ocidental, permitindo aos 
artistas expressarem com liberdade e exatidão a sua individualidade, reagindo 
ao mundo por meio da arte. 
As inovações e descobertas seguem com vitalidade de novas técnicas 
industriais, fortalecem a ideia de que a palavra não é válida sem um contexto 
gerador significativo. 
O Neo-Impressionismo teve um período curto, mas mesmo assim 
influência alguns artistas. Começam a enxergar as pinturas não só de 
maneiras formais e muito bem acabadas, inserindo inovações pessoais. 
Alguns dos estilos que despontaram na época, foram: 
 
 
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 Art Nouveau: Movimento decorativo popular, que não durou 
muito tempo. Utilizavam motivos florais estilizados e curvilíneos. 
Em 1895, o tcheco Alphonse Mucha ficou conhecido quando 
criou um pôster de Sarah Bemhardt, famosa atriz parisiense. 
 Simbolismo: Surge em contrapartida ao realismo e 
impressionismo. Era explorado a fantasia e metáforas, criando 
um ar de mistério. 
 Fauvismo: Utilizavam a cor forte com pinceladas muito ousadas e 
temas simples. Também pinceladas curtas equebradas. 
 Futurismo: Não retorna ao passado, surge na Itália, enaltecendo 
a tecnologia, vislumbrando um futuro promissor. Começam a 
perceber a velocidade. Nas obras sinuosas e quebradas. 
 Cubismo: Picasso revolucionou com esta forma de pintar, 
utilizando vários ângulos e temas fragmentados. 
 Expressionismo: Um movimento com intenção de provocar 
emoção a quem observa a obra. Esta destituída da realidade, 
expressa confusão e movimentação emocional interna dos 
artistas. 
 Realismo: Inicia-se na França uma arte com temas cotidianos 
retratados o mais perto da realidade possível. O americano 
Edward Hopper se destaca nesse tipo de arte, pintando imagens 
impressionantes da vida comum nos Estados Unidos. 
 Construtivismo: Desenvolve-se este movimento logo em seguida 
a alteração da estrutura política da Rússia. A Arte é vista como 
um legado de mudança social, referência para o futuro. 
Dando prosseguimento, discorreremos sobre alguns artistas: 
 Henri Matisse: Um artista encantado com as cores quebrou as 
“regras” estipuladas pela época sobre a representação das cores 
relacionadas ao mundo real. Dizendo que a utilização do verde 
não quer dizer que está fazendo referência à grama, assim como, 
a utilização do azul, não quer dizer que representa o céu. 
 
 
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 Ele transmitia em suas obras a alegria da vida. O cromatismo 
uniforme das suas pinturas, contornando ondulações e dando 
um ar primitivo. Matisse consegue com esse novo estilo, o 
retorno ao equilibro, apresentando uma aparência bidimensional 
e tridimensional em suas pinturas. 
Neste caso, vale à pena comentar sobre a Arte deste artista utilizando o 
papel. Com base em suas obras, nesta modalidade, ele simplesmente 
desenhava com tesoura, compondo uma imagem com os pedaços, colando-os 
em uma superfície plana, fazendo o que chamamos de colagem. 
Cada artista tem seus instrumentos de observação e inspiração, Matisse 
inspira-se nas obras de Paul Cézanne, também admirador da arte islâmica, 
aonde pode vislumbrar padrões, cores, e usos decorativos desta arte. 
 
 
Figura 2– Obra de Henri Matisse, Le Lanceur de Couteaux. Fonte: MoMA (2019). 
 
 
 
 Pablo Picasso: Falaremos de Picasso como um dos nomes mais 
importantes da modernidade. Ousado, original e inventivo. 
Experimentou inúmeras técnicas, inclusive em colagem e 
cerâmica. Além de temas pessoais em suas obras, inseriu amor, 
violência, nascimento e morte. 
 
Você sabia que na Espanha, o povoado de Guernica, em 26/04/1937 foi 
atacado por 28 aviões bombardeiros? O artista se sensibilizou de tal maneira 
pelo fato ocorrido que utilizou a imagem do seu trabalho para demonstrar a 
angústia do povo e dos animais que a guerra causou. 
 
 
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Figura 3– Obra Pablo Picasso, Guernica Fonte: Museu nacional centro de arte – Reina 
Sofia. Disponível em: https://www.museoreinasofia.es/en/collection/artwork/guernica 
 
 Joan Miró: Conforme iremos observar, o artista Joan Miró, com 
uma imaginação bastante vigorosa nos seus desenhos fluidos e 
curvilíneos criava imagens vindas do seu inconsciente liberto de 
regras. Embora tenha iniciado com cubismo, não continua 
seguindo o formato geométrico. 
 
“Concreção Biomórfica” é o nome mais conveniente para designarmos 
as suas obras; à medida que entendemos a força e a vivacidade contidas 
nelas. 
Miró aplicava a técnica de utilizar inúmeras cores vivas sobre um fundo 
liso. Em 1956, muda-se para Maiorca, aonde reside até o final de sua vida 
(1983). No seu ateliê haviam várias esculturas e muitas pinturas com 
características fantasiosas. 
Vale ressaltar que ainda hoje podem ser vistas manchas de tinta preta 
no chão do seu ateliê. 
 
Figura 4– Obra Carnaval de Arlequim, pintada por Joan Miró. Fonte: wahooart (2019). 
https://www.museoreinasofia.es/en/collection/artwork/guernica
 
 
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3. O Surrealismo 
O Surrealismo é uma corrente da época organizada, podemos pensar 
no sentido “mais que real”, criando o impossível, identificando-se como um 
sonho. Formata o inconsciente através da arte. Dando uma nova dimensão de 
expressão, sendo a projeção imagética do inconsciente. Permitindo o artista 
fugir da representação real, considerando apenas o desvendar da capacidade 
imaginativa. 
Este questionamento da realidade foi uma reação aos horrores da 
primeira Guerra Mundial, tendo grande impacto sobre as emoções mais 
profundas. 
3.1 Características do surrealismo: O inconsciente e o automatismo 
Automatismo defende a expressão artística sem a limitação ou controle 
da razão, dando autonomia para o artista de qualquer modalidade 
transcender ao controle estético ou preocupação moral. Era a tentativa de 
quebrar regras estabelecidas tanto na arte, levando também na esfera social. 
Dando autenticidade as obras que foram surgindo. 
A principal ideia era desenvolver a espontaneidade no desenho ou na 
escrita, não era tão difícil. Mas já para pintura havia necessidade de regras 
mais complexas. 
 
Você sabia? 
A técnica Frottage (passando o lápis sobre uma superfície rugosa, criando 
forma de suporte para então desenvolver a obra). Outro exemplo é a 
Decalcomania (colocavam uma quantidade de tinta no papel ou na tela que 
depois era dobrado ao meio, o resultante deste processo era uma nova cor de 
tinta, utilizadas pelos artistas ao criar a obra). 
 
 
 
 
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4. Urbanismo, Arquitetura e Escultura Modernista 
Sobre o termo modernismo pensamos no impulso artístico decorrente 
do progresso econômico-tecnológico da civilização industrial. Na dimensão do 
percurso histórico, percebemos as transformações e construções de 
pensamento de acordo com cada época, observando à temática e o estilo. 
Com as constantes inovações do ser humano, vemos novas formas de 
aplicação quanto à funcionalidade decorativa, o esforço de interpretar a 
espiritualidade, ainda, assumir o industrialismo acelerando. 
Diante deste fato, a estrutura de progresso industrial vem após a 
consciência em não só modernizar, mas também de radicalmente revolucionar 
o mundo social, político e religioso. 
Surge então o urbanismo, uma ciência moderna que é mistura da 
sociologia, economia e arquitetura. O rápido crescimento demográfico gera 
uma situação de necessidade de estruturação qualitativa, encontrando 
soluções para uma tendência reformadora, pensando na adequação frente a 
uma determinação devida a revolução industrial. 
Temos o interesse de um pensamento voltado para a comunidade 
contrastando a uma história aonde a burocracia já faz parte, fazendo a sua 
reivindicação. 
No início, a pesquisa urbanista, meramente continha teor humanitário. 
Persistindo em atender as necessidades habitacionais de inúmeras pessoas 
que abandonaram os campos atrás de trabalho remunerado nas indústrias 
urbanas. Nitidamente vemos a extinção das velhas formas das classes sociais. 
O progresso enfatiza o aperfeiçoamento das máquinas e exigindo mão-
de-obra qualificada. Desta forma evolução da arquitetura tradicional para o 
urbanismo acaba interferindo no processo da pesquisa artística. 
Como o elemento Arte apresenta-se resultante de todas as mudanças 
vinculadas ao desenvolvimento humano, consequentemente a forma de 
expressão construtiva modifica-se. Modelando nova forma arquitetônica com 
a mesma liberdade e fantasia, que um escultor trabalha com a argila e todos 
os outros estilos de arte se manifestam nessa nova forma. 
 
 
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Vemos duas vertentes decorrentes do urbanismo: A Comunidade e O 
Indivíduo. Sendo importante a haver harmonia e não oposição. Dessa forma, o 
vértice da escala de valores modifica-se e a civilização industrial gera uma 
sociedade consumista. 
Podemos vislumbrar a situação cultural através das obras que vem de 
todas as partes do mundo, se existem objetos de arte, pressupõe que são 
necessárias as técnicas. 
A Arte pode ter uma função ou ser também meramente decorativa 
desprovida da finalidade monetária. Portanto, pode ser uma simples ação sem 
função, arte por si só ou produções que intervêm na forma do viver. 
 
4.1 Modernismo no Brasil 
De grande importância o legado deixado pelo modernismo em relação 
a Arte no Brasil. Surtiu grandes transformações nas mais variadas expressões 
artísticas, incluindo a literatura. A temática então, inseriu uma linguagem que 
falasse do Brasil aos brasileiros, já não mais influenciada com temas europeus. 
Em 1922, na cidade de São Paulo, realiza-se a semana da Arte Moderna. 
Esta representa uma marca registrada para a nossa cultura. Representantes 
de artistas brasileiros inovam, trazendo a tona propostas nacionalistas. 
 
Figura 5 – Convite da Semena da Arte Moderna (1922). Fonte: Só literatura (2019). 
 
Os prismas de abordagem deixavam um ar de renovação em vários 
campos (literatura, música, arquitetura e escultura), angariando rica cultura na 
troca de ideias e técnicas. 
 
 
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A partir do desenvolvimento de fatos sociais e artísticos, estabelece o 
modernismo no Brasil. 
 1912: Oswald de Andrade divulga o manifesto do futurismo de 
autoria de Marinetti assim que retorna da Europa; 
 1917: Anita Malfatti, artista em destaque, expõe seus quadros, 
gerando vários comentários. Uma vertente a favoreceu com 
elogios, dizendo que era uma pintora moderna, ousada e com 
grande expressão criativa. Também contrapondo, outros não 
reconheciam seu trabalho como arte de grande relevância. 
 Tarsila do Amaral (1886 – 1973): Pintora e desenhista brasileira 
de grande talento, conseguiu fama tanto no Brasil quanto no 
exterior. Paulista de família rica e tradicional. Estudou no colégio 
Sion, aonde teve a oportunidade de pintar seu primeiro quadro. 
Também estudou modelagem em barro do ateliê de William 
Zadig, escultor sueco que vivia em São Paulo. Tarsila teve 
oportunidade de aprimorar escultura e pintura em Paris, 
possibilitando sua convivência com renomados artistas desta 
época. 
Embora tivesse acesso a viagens para Europa, encanta-se com a 
cultura popular brasileira. 
Seus trabalhos transmitiam força, pureza, simplicidade, críticas, 
alegria e muita cor. 
Principais obras de Tarsila do Amaral: 
 Abaporu (1928). Presenteou o seu marido da época 
Oswald de Andrade (1890 – 1954), na data de seu 
aniversário 
 Operários; 
 O Pescador; 
 A Negra. 
 
 
 
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4.2 A pintura nos Estados Unidos 
A Arte americana é um grande fato que marca a história da arte nos 
meados do século. Os primeiros a adquirirem a obra são capitães da indústria 
e figurões das finanças. Por iniciativa de colecionadores nascem fundações e 
galerias públicas. Uma contribuição totalmente moderna. 
Um evento imponente aconteceu em 1913, em Nova York: O Armory 
Show, uma grande exposição. Exprime um pouco de tudo, com vários pintores 
americanos, evidenciando Matisse e Picasso, considerados mestres modernos 
da Europa. 
O grande poder econômico americano propicia a construção de 
universidades, museus e centros de pesquisas. Os museus, por sua vez, além 
do propósito de conservar obras, proporcionam informações, guardando 
grande fonte de cultura artística. 
Em consequência, surgem escolas de arte acessíveis ao público 
admirador da pintura. Estas inicialmente se inspiram no Romantismo, 
Realismo e Impressionismo Francês. Incentivando os americanos a terem 
interesse pela configuração figurativa de seu país. 
Com o tempo, os artistas americanos desenvolvem seus próprios 
modelos artísticos, distanciando dos estilos europeus. 
Winslow Homer foi o primeiro pintor americano independente. 
Expressando em seu denso e forte trabalho, tal energia plástica beirando ao 
trabalho de um arquiteto, como Richardson. Com impetuosidade realista 
contrária a musicalidade cromática de Whistler, ainda somado ao primor do 
retratista de Sargent. 
 
 
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Figura 6 – Obra de Winslow Homer, The Gulf Stream, 1899. Fonte: Artsy (2019). 
 
4.3 Relacionando a cultura europeia com a 
americana 
A discussão entre essas suas duas cultuas é principalmente influenciada 
quando uma Europa desassossegada pela guerra leva intelectuais literatos, 
artistas e estudiosos procurarem refúgio na América. 
Na identidade de ser um país aonde a democracia gera valores 
inerentes a liberdade modifica a concepção conservadora da Europa, 
eliminando a ideologia e polêmica de outrora. 
Novamente essa transformação gera amplitudes de correntes da 
mistura de conceitos e conteúdo. Mesmo os arraigados esquemas e trabalhos 
geométricos e do abstracionismo europeu, inserem em novas obras o 
cromatismo intenso na pintura. 
Alguns pintores importantes para o período foram: 
 Arshile Gorky: Pintor de origem Armênia, anteriormente 
surrealista, fez parte ao decorrer do tempo do movimento 
expressionista abstrato, viveu muito tempo da sua vida nos 
Estados Unidos. Em suas obras nitidamente observamos o 
sofrimento e perda vivida por conta do genocídio armênio. 
 
 
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 Willem de Kooning: Pintor de origem holandesa faleceu aos 92 
anos (em NovaYork). O pintor se destacou pelas obras aonde o 
expressionismo abstrato fez parte. Embora sofresse desde dos 
80 anos o mal de Alzheimer, Kooning tem em seu portfólio a obra 
contemporânea mais cara do mundo: “Interchange”. Vendida pela 
Sotheby’s de Nova York, em 1989 por US$ 20,6 milhões. 
O pintor era admirador de Pollock, criador do expressionismo 
abstrato. Popularizou “action painting”, estilo de pintura aonde 
notamos ação e não somente representação. Teoricamente, 
referindo-se ao ato de criar e não apenas finalizar o produto. 
 Sidney Nolan: Pintor de grande expressividade originário da 
Austrália, com capacidade criativa, deu ao seu trabalho um 
cenário desenrolando dramaticidade incluindo na história heróis 
nacionais. Sua inspiração veio da vida de Ned Kelly, conhecido 
por ser fora da lei. 
 
Você sabia? 
Ned Kelly, herói popular e destemido, enfrentava a polícia e inclusive com sua 
gangue, matavam policiais. O artista Nolan se colocava no patamar de fora de 
lei, pois largou o exército. 
 
5. O debate artístico na guerra 
Como elemento guerra é abordado em diversas posições analíticas, 
localizamos várias obras de artes, aonde os artistas pintam a estrutura exata 
de sofrimento, ação ou ainda tornando alguns atos heroicos. Este padrão, 
recheado de dramaticidade denuncia a consciência de uma agressividade 
destruidora da vida individual e urbana. 
 
 
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Obviamente a dificuldade de recompor uma bagagem cultural causa 
uma amarga crise, infelizmente muitos valores são perdidos juntamente com 
fatos e obras históricas. O aspecto da destruição atinge inclusive 
geograficamente, levando a identidade social ao extermínio. 
Contradizendo a essência dos sentimentos entendido como linguagem 
humana. 
 
Figura 7 – Obra de Luca Giordano, "alegoria da guerra". Fonte: wahooart (2019).Em essência, os artistas pós-guerra fazem uma análise artística para 
procurar e novamente revalorizar os conceitos perdidos. O cubismo foi 
considerado importante, inserido novamente na arte, unindo esse estilo com 
outras formas existentes que são expressivas. 
Embora a forma figurativa não fosse tão usada, não foi excluída a 
essência das emoções refletidas pelas cores. Uma obra tem um caráter 
linguístico, servindo de legado para a pesquisa. 
Surge uma discussão sobre a arte entre Realismo e Formalismo. O 
Realismo segue por um caminho aonde as obras são comemorativas ou 
propagandistas, mas além destas imagens artísticas, o problema real do 
partido permanece. Nesse confronto, os artistas se questionam quanto à 
liberdade artística de criação, já que a arte se torna comunicação política, tira a 
autonomia de expressão, tornando uma escolha ideológica. Alguns 
movimentos são favoráveis a arte puramente política, como forma de intervir 
na construção social. 
O teor artístico retorna então a questionar a funcionalidade da arte. Em 
uma nova fase, apazigua essas posições, buscando dimensão estética acima 
do conteúdo e formalismo. Se a arte não vista como linguagem, então ela se 
torna poética 
https://pt.wahooart.com/Art.nsf/Art_PT?Open&Complex&Query=((%5bChamp1%5d=%22Luca%20Giordano%22)%20AND%20(%22%22,%22S%C3%ADmbolos%22,%22guerras%22,%22@Landscape@%22,%22%22,%22555555%22))
 
 
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Enveredando pelo caminho de uma arte poética ou informal, o artista 
demonstra a incerteza do próprio ser, questionando o que é estipulado pela 
sociedade. Tudo aquilo que é vivido se torna memória, tanto que nas pinturas 
percebemos fragmentos dela. 
A incerteza da consciência de se estar vivo, participando da 
sobrevivência comunitária, idealizando um viver que não concede o existis 
simplesmente. Esse medo assomasse quando a ocupação alemã nega ao 
homem o direito de ser homem. 
Nesse momento não mais satisfaz ao artista somente a pintura, a 
escultura também se faz necessária, voltando então ao construtivismo. O 
espanhol Gonzales, iniciando a partir da ideia cubista já havia modificado a 
matéria da escultura, utilizando metal em vez de bronze. 
Vemos então a influência surrealista neste segmento. Alguns artistas 
utilizam fragmentos quebrados ou abandonados transformando-os em objeto 
(o que hoje em dia estamos debatendo sobre a reciclagem de material).É uma 
adequação a uma nova técnica, utilizando restos de blocos ou materiais que 
seriam utilizados a fundição. 
6. Novos aspectos das produções artísticas 
A extensão dos fatos geradores da Arte não rompe as relações com o 
passado, simplesmente prossegue se identificando com a tecnologia industrial 
com bases cientificas, com meios de comunicação mais rápidos e uma estética 
autônoma. A indagação que surge é em relação ao impossível e possível, 
inseridos da percepção psicológica somada ao racional, com interferência dos 
conhecimentos adquiridos. 
6.1 Pop Art Americana 
A ideia é não se prender na hereditariedade dos aprendizados dados 
como certo. É uma vontade de libertar, deixando imune o ser humano em um 
conceito histórico social que condiciona a valorização da consciência e o 
interesse na pesquisa visual. 
Andy Warhol, artista que mais se destacou neste movimento, usando 
imagens do meio de comunicação de massa, como anúncios e televisão. As 
 
 
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obras que se tornaram conhecidas são aquelas com retratos de estrelas de 
cinema, demonstrando o glamour da fama e beleza. Ele conseguiu diminuir os 
limites sobre as ideias da arte e cultura popular. Chamou seu estúdio de 
factory porque fez quadros em massa. 
Não eram pôsteres, e sim obras feitas a mão, únicas e impressas por ele 
seus assistentes. 
6.2 Arte de rua 
São as manifestações da arte feita nos espaços públicos de caráter 
institucional ou empresarial, também pode ser mero vandalismo. Inicialmente 
surge esta expressão artística diferente dos padrões comerciais até então 
utilizados. Expor uma obra no espaço público a torna visível a muito mais 
pessoas do que em uma galeria. Por ser uma arma independente, provoca 
controvérsia. Os artistas fazem sua intervenção em muros e construções de 
modo ilegal. 
No Brasil, temos destaque das obras de Nina Pandolfo. Essa artista teve 
a honra de ser uma das pessoas que grafitaram o Castelo Kelburn, em 
Glasgow, na Escócia, em 2007. 
Em várias obras, desde primórdios visualizamos pinturas aonde expressa 
pessoas trabalhando ou em movimento. No Brasil temos Tarsila do Amaral. 
6.3 A escultura 
É a expressão artística que cria figuras e obras tridimensionais; Eles se 
mantêm sozinhos ou servem para decorar paredes. Não há restrição quanto 
ao uso de materiais, sejam estes industriais ou cotidianos. Além de técnicas 
tradicionais, podem ser de pedra ou a fundição do bronze. 
Para entendermos o processo de desenvolvimento desta modalidade 
até o dia hoje, é importante conhecer um pouco da história como um 
conteúdo ilustrativo a parte. A mais de 26 mil anos atrás temos relatos das 
primeiras esculturas feitas na pedra. Com tamanho de grande dimensão, com 
finalidade de impressionar. 
 
 
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Podemos destacar algumas esculturas e artistas através da história, são 
eles: 
 Buda Gigante de Leshan, está estatua é de um Buda sentado. Foi 
entalhada em um penhasco na China. As orelhas do Buda foram 
feitas de madeiras e presas na cabeça. 
 O exército de Terracota (246 a.c). O primeiro imperador da China 
contratou mais de 700 mil trabalhadores para construir um 
elaborado cemitério. 
 Figura de um Obá, estátua de bronze fundida a partir de um 
molde de argila. Obá (700-900 d.C.), governante do reino ife, 
oriundo da Nigéria; 
 Escultura em mármores, entre 480 a.C. e 300 a.C. Escultores 
gregos apresentaram estilo realista, hoje denominado clássico. 
Fidias, considerável escultor grego, projetou e supervisionou a 
construção do Partenon. 
 August Rodin. Obra A Tempestade. Com seu estilo inacabado e 
bastante excêntrico. 
 Michelangelo Buonarroti. Embora fosse pintor, é considerado 
também um escultor. Finalizou a escultura bíblica de Davi em 
1504. Ele fez um desenho que serviu como inspiração. 
 Frédéric-Auguste Bartholdi, de origem francesa, pintor e 
arquiteto que marcou com seus trabalhos na categoria de 
escultura. Obras: Entalhado em arenito, O Leão de Belfort. Ainda 
projetou a estátua da liberdade que foi construída por Gustave 
Eiffel, que mais tarde construiu a torre Eiffel em Paris, na França. 
A escultura permanece como arte visual até os dias de hoje, 
atravessando longa data da história humana, exercida essa atividade em 
diversificadas culturas. Uma arte bastante versátil e durável, merecedora de 
um segmento direcionado a esta técnica. 
Em nossos dias, os escultores introduziram novos materiais como aço, 
tecido, objetos reciclados e inclusive manterias inusitados. 
 
 
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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
Falaremos sobre alguns artistas e suas obras inovadoras: 
 Donald Judd: seu trabalho segue a ideia da arte minimalista. O 
conceito defendido é que a arte tem a sua existência própria e 
mais nada. Interferindo o espaço, podendo ser utilizado 
processos industriais em sua confecção. 
 Anish Kapoor. Obra Portão de Nuvem, com 10 metros de altura, 
recebe este nome, pois 80% do seu reflexo é produzido pelo céu. 
 Magdalena Abakanowicz. Artista polonesa que usou cordas, 
aniagem e metais. Obra: Hurma (multidão). 
 Damien Hirst. De origem inglesa. Obra: A impossibilidade física da 
morte na mente dealguém vivo. Foi feita com vidro, aço, silicone, 
solução de formaldeído e tubarão. Obcecado pela morte, sendo 
o tema central de suas artes. 
6.4 Cinema 
Transpondo nesse trabalho a linha do tempo histórico da História da 
Arte, com intuito de inserir o despertar do interesse do desenvolvimento inicial 
até aos dias de hoje, para possibilitar comparação entre as descobertas, 
transformando pensamentos e construções urbanas frente à investigação da 
participação construtiva e funcional dos artistas e suas obras. 
As várias fases são objetos de grande dimensão no espaço temporal 
conferido a condições de vida no planeta. 
Não poderíamos deixar de mencionar a arte do cinema. Nos dias de 
hoje, o cinema é bastante habitual, não devemos esquecer a importante 
história do seu desenvolvimento através do tempo. 
Os irmãos Louis e Auguste Lumiére são inventores desta arte, devido a 
invenção da fotografia. Um invento importante quanto esse não acontece sem 
ter havido inúmeros experimentos, como a projeção. Leonardo da Vinci, no 
séc. XV Inventou a câmera escura, que era uma caixa preta com um furo 
fechado por uma lente, por onde passava a luz dos objetos que estavam fora. 
A imagem refletida no interior dessa caixa era exatamente o inverso do que 
era visto por fora. 
 
 
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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
Até então, as academias de arte consideravam 6 tipos de arte: Pintura, 
escultura, música, literatura, arquitetura e teatro. Com a nova invenção, o 
cinema ganha o sétimo posto, se tornando a sétima arte. Teóricos e críticos 
franceses foram os primeiros a designar esta modalidade como algo artístico 
em si. 
Atualmente, a indústria cinematográfica é frequentemente utilizada 
como forma de merchandising de grandes marcas, ela consegue divulgá-las 
em diferentes países, e em muitas vezes, de uma forma natural. Focada em 
uma área mais comercial, se preocupa em estudar os assuntos que estão em 
alta e transmitir e ditar a moda. 
 
6.4.1 Cinema no Brasil 
Apesar das dificuldades e oscilações, o Brasil consegue formatar a sua 
história. Tivemos repercussão de maneira internacional com os seguintes 
filmes: Carandiru, Central do Brasil, Cidade de Deus, entre outros. 
Na pintura, os movimentos são segmentados em estilos, já na arte do 
cinema por gêneros de aventura, mistérios, romance, terror, suspense, 
documentário, curta-metragem, etc. 
Da primeira forma de cinema que foi a lanterna mágica, uma caixa com 
fontes de luz e lente, podemos vivenciar inclusive em 3D a 4D esta arte de 
filmes. 
 
6.4.2 Televisão 
Grande forma de comunicação com introdução informativa e 
educacional em entretenimento e cultura no mundo todo. Para sua 
transmissão é necessário trabalho em equipe, gerando funções e 
departamento com pessoas especializadas na área. No Brasil destacamos 
ainda as telenovelas como arte de entretenimento, atualizando surgem os 
realities shows. 
 
 
 
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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
6.5 Mundo digital 
Expressando mais comumente, sua história presente na nossa vida 
decorre da história da informática, a qual consideramos sofisticada. A 
exposição se torna bastante acessível e popular, temos computadores, os 
scanners e os celulares como exemplo. 
Internet: Pesquisas que desenvolvem uma rede de comunicação que 
possibilita rapidez no compartilhamento de todas as áreas de conhecimento. 
Web designer: Em decorrência da internet surge a necessidade de 
projetos específicos de designer. Artistas utilizam esta forma para criar arte, 
inserindo sentimentos e ideias tal quais os pintores inseriam em suas obras 
artísticas. Neste caso temos fotos, animação e efeitos especiais, trilhas sonoras 
como alguns exemplos. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
 
Síntese 
Perante as construções analíticas desenvolvidas nesta unidade, 
percebemos a extensão dos procedimentos da arte inicial e historicamente 
chegando aos movimentos modernos. 
Na dimensão de tantas indagações, formatos políticos, sociais, religiosos 
e culturais, que nos leva a pensar nos ensaios dos primórdios de um sistema 
produtivo, que nada mais é uma tentativa de tornar confortável a 
sobrevivência de todas as espécies do planeta. 
Para não nos perdemos em divagações, é propostos classificações e 
denominações, uma estratégia que possibilita a ampliação para novas 
criações. O levantamento histórico progressivo defina claramente o 
desaparecimento de culturas decorrente da desenfreada ânsia de conquista e 
abuso de poder, levando a guerras tão retratadas em algumas obras no teor 
dramáticas impresso relatado pelos artistas. 
No entanto chama a atenção o poder de recomeço e somatória. 
Observamos então uma vibração cromática e profundidade demonstrada em 
novas artes. O domínio ao meio ambiente e espaço vem da observação da 
realidade humana apresentada na natureza e no ambiente. 
Surgem nomenclaturas classificando as cores para relacioná-las a 
sentimentos e emoções até então consideradas abstratas. O subjetivo se 
torna objetivo real. O conhecimento das várias facetas de uma identidade 
humana possibilita um equilíbrio paralelo entre razão e emoção, 
desenvolvendo o empenho ao fazer. 
Símbolos como a escrita foram facilitador da comunicação oral e visual, 
superestrutura o pregresso tecnológico e situam valores ideológicos. 
Estas considerações poderão ser suportes como pano de fundo para 
instigar o conhecimento. Esta leitura, aonde fatos históricos e sociológicos são 
apresentados pode fortalecer a interpretação do produto Arte. 
Esta experiência no terreno da invenção e da imaginação, que não vai 
parar e que está em constante mudança. É esperado que você sinta a 
 
 
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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
necessidade de continuar descobrindo a arte e seu relacionamento com a 
cultura que circunda o nosso atual contidiano. 
Servindo de parâmetro, obviamente para abarcar novos aspectos serão 
necessários a busca de linhas teóricas. Servindo este estudo como referência 
constituída de esclarecimento. 
Neste capítulo você teve a oportunidade de aprender sobre os seguintes 
assuntos: 
 Considerações sobre o Impressionismo; 
 Após o Impressionismo; 
 O Surrealismo; 
 Urbanismo, Arquitetura e Escultura Modernista; 
 Modernismo no Brasil; 
 A pintura nos Estados Unidos; 
 Relacionando a cultura europeia com a americana; 
 O debate artístico na guerra; 
 Novos aspectos das produções artísticas; 
 A escultura; 
 Cinema; 
 Mundo digital; 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Título da disciplina – Unidade nº 4 –A modernidade rumo ao contemporâneo, seguindo até 
os dias de hoje 
Bibliografia 
 
KINDERSLEY,Dorling. Children's Book of Art: An Introduction to the World's 
Most Amazing Paintings and Sculptures. Dorling Kindersley, 2019 
 
JANSON, H.W.; JANSON, Anthony F. Iniciação à História da Arte. 2ª Ed. São 
Paulo: Martins Fontes,1996. 
 
ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna: Do Iluminismo aos movimentos 
contemporâneos. 6ª Ed.São Paulo: Companhia das Letras, 1992. 
 
BRIOSCHI GABRIELA. Arte Hoje. São Paulo: Editora FTD S.A., 2003. 
 
CANTELE, Angela Anitta; CANTELE Bruna Renata. Arte e Habilidade. 2ª Ed. São 
Paulo:IBEP,2013