Livro Carl Jung Arte, Estética e o Cérebro e a Arteterapia

Prévia do material em texto

[Digite aqui] 
 
i 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Autores 
 
Roberto Aguilar Machado Santos Silva 
Suzana Portuguez Viñas 
Santo Ângelo, RS-Brasil 
2023 
 
 
2 
 
 
 
 
Supervisão editorial: Suzana Portuguez Viñas 
Projeto gráfico: Roberto Aguilar Machado Santos Silva 
Editoração: Suzana Portuguez Viñas 
 
Capa:. Roberto Aguilar Machado Santos Silva 
 
1ª edição 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
3 
 
Autores 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Roberto Aguilar Machado Santos Silva 
Membro da Academia de Ciências de Nova York (EUA), escritor 
poeta, historiador 
 
 
Suzana Portuguez Viñas 
Pedagoga, psicopedagoga, escritora, 
editora, agente literária 
suzana_vinas@yahoo.com.br 
 
 
 
 
 
 
 
4 
 
 
 
 
 
 
 
Dedicatória 
 
ara todos que amam as artes. 
Roberto Aguilar Machado Santos Silva 
Suzana Portuguez Viñas 
 
 
 
 
 
P 
 
5 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Quem olha para fora sonha, quem 
olha para dentro desperta. 
Carl Jung 
 
 
6 
 
 
Apresentação 
 
 característica de uma abordagem junguiana em 
arteterapia é uma ativação intencional do inconsciente 
por meio do processo criativo e do uso terapêutico de 
imagens. A arteterapia e a imagem são abordagens ativas que 
foram mencionadas por C. G. Jung. 
O mundo da imaginação pode desbloquear pensamentos e 
sentimentos com facilidade e fluir nem sempre é possível apenas 
com palavras. Permitindo resolução e mudança através do 
processamento criativo que parece natural. 
É o que abordaremos no livro. 
Roberto Aguilar Machado Santos Silva 
Suzana Portuguez Viñas 
 
 
 
 
 
 
 
 
A 
 
 
7 
 
 
Sumário 
 
 
 
Introdução.....................................................................................8 
Capítulo 1 - Arte, estética e o cérebro........................................9 
Capítulo 2 - Arteterapia Junguiana...........................................21 
Capítulo 3 - Arteterapia e nossa relação com o imaginário...31 
Epílogo.........................................................................................37 
Bibliografia consultada..............................................................38 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
8 
 
 
 
Introdução 
 
ste livro descreve a arteterapia como uma ferramenta 
prática para explorar o inconsciente, a fim de promover o 
processo de individuação conforme descrito por C.G. 
Jung. Com base num estudo de investigação sugere-se que o 
processo transformador da consciência se desenvolve através da 
função compensatória do self, operando através do processo de 
fazer artístico, seguido da exploração terapêutica da imagem 
conduzindo a uma melhoria da relação ego-self. Utilizando os 
conceitos de ego, sombra, animus/anima e self, será apresentado 
um procedimento de arteterapia combinando a psicologia 
junguiana com métodos criativos. Por fim, será apresentado um 
modelo integrativo de arteterapia clínica como um processo 
transformador que se move pelos domínios físico, psicológico, 
social e espiritual, apontando para diferentes metodologias em 
arteterapia clínica relacionadas às diferentes necessidades do 
cliente. 
 
 
 
 
E 
 
 
9 
 
 
Capítulo 1 
Arte, estética e o cérebro 
 
Na maioria das vezes, [as pessoas] esperam que uma pintura fale com 
elas em outros termos que não sejam visuais, de preferência em palavras, 
ao passo que quando uma pintura ou escultura precisa ser 
complementada e explicada por palavras, isso significa que ela não 
cumpriu sua função ou que o público é 
privado de visão. Naum Gabo (1959). 
 
egundo Semir Zeki (2023), do Wellcome Department of 
Cognitive Neurology, University College London (Reino 
Unido), muito se tem escrito sobre arte, mas não em 
relação ao cérebro visual, por meio do qual toda a arte, seja na 
concepção, seja na execução ou na apreciação, é expressa. 
 
Semir Zeki é um neurobiólogo britânico e francês que se 
especializou no estudo do cérebro visual dos primatas e, mais 
recentemente, dos correlatos neurais dos estados afetivos, 
como a experiência de amor, desejo e beleza gerados por 
entradas sensoriais no campo da neuroestética. 
 
 
Muito, embora talvez não tanto, foi escrito sobre o cérebro visual, 
mas pouco em relação a um de seus principais produtos, a arte. 
Portanto, não é surpreendente que a conexão entre as funções da 
arte e as funções do cérebro visual não tenha sido feita. A razão 
dessa omissão reside em uma concepção da visão e do processo 
visual que foi em grande parte ditada por fatos simples, mas 
poderosos, derivados da anatomia e da patologia. Esses fatos 
S 
 
 
10 
 
falaram a favor de uma conclusão, à qual os neurologistas foram 
inelutavelmente levados, e essa conclusão os inibiu, assim como 
os historiadores e críticos de arte, de fazer a pergunta mais 
importante que se pode fazer sobre a visão: 
Por que vemos afinal? 
É a resposta a essa pergunta que imediatamente revela um 
paralelo entre as funções da arte e as funções do cérebro, na 
verdade nos leva inelutavelmente a outra conclusão, que a função 
geral da arte é uma extensão da função do cérebro. 
Nessa definição estão os germes de uma teoria da arte que tem 
sólidos fundamentos biológicos e que une as visões dos 
neurobiólogos modernos com as de Platão, Michaelenagelo, 
Mondrian, Cézanne, Matisse e muitos outros artistas. 
 
Sempre há flores para aqueles que querem vê-las. 
Henri Matisse 
Henri Émile Benoît Matisse foi um artista visual francês, 
conhecido tanto pelo uso da cor quanto por seu desenho fluido 
e original. Ele foi desenhista, gravurista e escultor, mas é 
conhecido principalmente como pintor. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
11 
 
 
O conceito das funções do cérebro visual herdado pelo 
neurobiólogo moderno foi baseado em fatos derivados entre 1860 
e 1970. O principal deles foi a demonstração do neuropatologista 
sueco Salomon Henschen e seus sucessores no Japão e na 
Inglaterra de que a retina do olho não está difusamente ligado a 
todo o cérebro ou mesmo a metade do cérebro, mas apenas a 
uma parte bem definida e circunscrita do córtex cerebral, primeiro 
chamado de córtex visuo-sensorial e depois o córtex visual 
primário, área V1, que portanto constituiu "...o único local de 
entrada da radiação visual no órgão da psique". 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Essa descoberta capital levou a uma batalha prolongada entre 
seus proponentes e seus oponentes, que a consideravam "une 
localization à outrance" (localização excessiva); eles haviam 
concebido a entrada visual do cérebro como sendo muito mais 
extensa e incluindo grandes partes do córtex cerebral que 
sabidamente tinham outras funções, uma noção mais de acordo 
com a doutrina do fisiologista francês Flourens. Predecessor do 
 
 
12 
 
psicólogo americano Karl Lashley, Flourens havia imaginado que 
cada parte do córtex está envolvida em cada uma de suas 
atividades. Não foi até o início deste século que a questão de uma 
única área visual localizada em uma parte anatômica e 
histologicamente definida do córtex foi resolvida em favor dos 
localizacionistas. 
Havia muito mais para promover a ideia de V1 como o "único" 
centro visual. Ele tinha uma aparência madura ao nascer, como 
se estivesse pronto para "receber" as "impressões visuais 
formadas na retina", enquanto o córtex ao seu redor amadureceu 
em diferentes estágios após o nascimento, como se o 
amadurecimento dependesse da aquisição de experiência; isso 
compunha os últimos centros cognitivos superiores, o 
Cogitatzionzentren, cuja função era interpretar a imagem visual 
recebida por V1, ou assim imaginavam os neurologistas. Da 
mesma forma, as lesões em V1 levam à cegueira, cuja posiçãoe 
extensão são diretamente proporcionais à posição e ao tamanho 
da lesão; em contraste, as lesões no córtex circundante 
resultaram em síndromes visuais vagas, referidas primeiro como 
cegueira mental (Seelenblindheit) e depois como agnosia, 
seguindo o termo introduzido por Freud. Juntos, esses fatos 
conferiram a soberana capacidade de "ver" a V1, levando os 
neurologistas a concebê-la como a "retina cortical", órgão cerebral 
que recebe as imagens visuais "impressas" na retina, como numa 
chapa fotográfica - uma analogia comumente feita. Ver era, 
portanto, um processo passivo, enquanto compreender o que era 
 
13 
 
visto era um processo ativo, uma noção que dividia a visão da 
compreensão e atribuía uma sede cortical separada a cada uma. 
Esse conceito deixou pouco espaço para a questão fundamental 
de por que vemos. Em vez disso, ver foi aceito como um dado. 
Feita a pergunta hoje, poucos suporiam que é para nos permitir 
apreciar obras de arte; a maioria daria respostas específicas, 
embora relacionadas em geral à sobrevivência da espécie. A mais 
geral dessas respostas incluiria todas as específicas e definiria a 
função de ver como aquisição de conhecimento sobre o mundo. É 
claro que existem outras maneiras de obter esse conhecimento; 
pode-se fazê-lo através do sentido do tato, olfato ou audição. A 
visão é a maneira mais eficiente de obtê-la e existem alguns tipos 
de conhecimento, como a cor de uma superfície ou a expressão 
de um rosto, que só podem ser obtidos por meio da visão. 
Leva apenas um momento de reflexão para perceber que a 
obtenção desse conhecimento não é uma tarefa fácil. O cérebro 
só está interessado em obter conhecimento sobre aquelas 
propriedades permanentes, essenciais ou características dos 
objetos e superfícies que lhe permitem categorizá-los. Mas a 
informação que chega ao cérebro dessas superfícies e objetos 
está em fluxo contínuo. 
Um rosto pode ser classificado como triste, dando assim ao 
cérebro conhecimento sobre uma pessoa, apesar das mudanças 
contínuas nas características individuais ou no ângulo de visão ou 
mesmo na identidade do rosto visto; ou o destino de um objeto 
pode ter que ser decidido por sua direção de movimento, 
independentemente de sua velocidade ou distância. 
 
14 
 
Um objeto pode ter que ser categorizado de acordo com a cor, 
como ao julgar o estado de maturação de uma fruta comestível. 
Mas a composição do comprimento de onda da luz refletida de um 
objeto nunca é constante; em vez disso, muda continuamente, 
dependendo da hora do dia, sem acarretar uma mudança 
substancial em sua cor. A capacidade do cérebro de atribuir uma 
cor constante a uma superfície ou uma forma constante a um 
objeto é geralmente chamada de cor ou constância do objeto. 
 
Energia e intensidade das cores como 
ferramentas de expressão 
 
Sou tão curioso sobre cores quanto alguém que visita um novo país, porque nunca me 
concentrei tanto na expressão das cores. Até agora esperei nos portões do templo. – 
Henrique Matisse 
 
Henri Émile Benoît Matisse nasceu em 31 de dezembro de 1869 
na França. Entre 1887 e 1889, Matisse estudou direito e trabalhou 
como escriturário em um escritório de advocacia em Saint-
Quentin. Ele acabaria por abandonar a carreira de advogado 
depois de ter aulas de desenho e descobrir sua paixão pela 
pintura enquanto convalescia após um grave ataque de 
apendicite. 
No início de sua carreira, Matisse explorou vários meios, 
abrangendo escultura e gravura. Em 1891, Matisse, de 22 anos, 
voltou a Paris e se matriculou na Académie Julian. Ele deixou a 
escola um ano depois para estudar no atelier do pintor simbolista 
Gustave Moreau na École des Beaux-Arts. Foi sob a tutela de 
 
15 
 
Moreau que Matisse descobriu sua individualidade e começou a 
experimentar técnicas de pintura impressionista e pós-
impressionista. 
Em 1896, Matisse foi apresentado às obras de Paul Gauguin e 
Vincent van Gogh. O trabalho de Van Gogh, que dependia 
profundamente de colorismo intenso e formas distorcidas, 
influenciou fortemente Matisse. E em 1900, Matisse era um líder 
reconhecido dos fauvistas, o movimento artístico caracterizado 
por sua ênfase em cores ousadas, pinceladas agressivas e 
representações abstratas. Em 1904, Matisse começou a estudar a 
roda de cores e o texto da teoria das cores desenvolvido pelo 
cientista francês Michel-Eugène Chevreul. O contraste de cores 
de Chevreul foi um dos estudos pioneiros de percepção e design 
de cores. Matisse aplicou a roda de cores e os princípios de 
Chevreul em seu trabalho, observando e demonstrando relações 
de cores e efeitos visuais de luz e contraste. 
Em uma entrevista de 1941, Matisse falou extensivamente sobre 
seu processo de conceituação de cores para cada uma de suas 
obras. O artista “passou a considerar as cores como forças, a 
serem montadas conforme a inspiração ditar”. Ele escolheu 
paletas de cores de forma ponderada e proposital, entendendo 
como uma cor poderia ser transformada ao colocá-la ao lado de 
outra cor. Cada pintura que Matisse criou começou com uma 
paleta composta especificamente. E, em vez de adotar uma 
abordagem neo-impressionista que envolvia dominantes criando 
reações de cores, Matisse misturou cores para que as 
intensidades e reações estivessem “no mesmo nível”. 
 
16 
 
Todas as cores cantam juntas; sua força é determinada pelas necessidades do coro. É 
como um acorde musical. – Henrique Matisse 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Henrique Matisse. “A sobremesa: harmonia em vermelho (A sala vermelha)”, 1908 
. 
 
Mas a constância perceptiva é um fenômeno muito mais amplo. 
Aplica-se também, por exemplo, a rostos que são reconhecíveis 
quando vistos de diferentes ângulos e independentemente da 
expressão. desgastado. Há também o que chamarei de 
constância situacional, quando o cérebro é capaz de categorizar 
um evento ou uma situação como festiva ou triste, e assim por 
diante, independentemente do evento em particular. 
 
 
 
 
17 
 
Existe até uma constância narrativa quando, por exemplo, o 
cérebro consegue identificar uma cena como a Descida da Cruz, 
independentemente das variações de detalhes ou do estilo da 
pintura. 
 
O cérebro, em cada caso, extrai da informação em constante 
mudança que chega até ele apenas o que é necessário para que 
ele identifique as propriedades características do que vê; tem que 
extrair características constantes para poder obter conhecimento 
sobre elas e categorizá-las. 
A visão, em resumo, é um processo ativo que depende tanto das 
operações do cérebro quanto do ambiente externo, físico; o 
cérebro deve desconsiderar grande parte da informação que 
chega até ele, selecionar dessa informação apenas o que é 
necessário para que ele seja capaz de obter conhecimento sobre 
o mundo visual e comparar a informação selecionada com seu 
registro armazenado de tudo o que viu. 
Um neurobiólogo moderno deve aprovar entusiasticamente a 
afirmação de Matisse de que "Voire, c'est déja une operation 
créatrice, qui exige un effort" ("Com efeito, já é uma operação 
criativa, que exige um esforço"). 
Como o cérebro consegue esse feito notável permanece um 
enigma, na verdade a questão só foi seriamente abordada nos 
últimos trinta anos, que testemunharam uma produção prolífica de 
trabalho no cérebro visual. Entre as principais descobertas está o 
fato de ser composto por muitas áreas visuais diferentes que 
cercam a V1. 
 
18 
 
Cada grupo de áreas é especializado para processar um atributo 
particular do ambiente visual em virtude dos sinais especializados 
que cada um recebe de V1. Células especializadas para um 
determinado atributo, como movimento ou cor, são agrupadas em 
compartimentos anatomicamente identificáveis dentro de V1, 
diferentes compartimentos conectando-se com diferentes áreas 
visuais fora de V1, conferindo assim suas especializações nas 
áreas relevantes.V1, em resumo, age como uma agência postal, distribuindo 
diferentes sinais para diferentes destinos; é apenas o primeiro, 
embora essencial, estágio de uma elaborada maquinaria 
projetada para extrair as informações essenciais do mundo visual. 
O que agora chamamos de cérebro visual é, portanto, V1 mais as 
áreas visuais especializadas com as quais ele se conecta, direta e 
indiretamente. Falamos, portanto, de sistemas paralelos 
destinados a processar simultaneamente diferentes atributos do 
mundo visual, um sistema que compreende as células 
especializadas em V1 mais as áreas especializadas para as quais 
essas células se projetam. Visão, em resumo, é modular. As 
razões para desenvolver uma estratégia para processar em 
paralelo os diferentes atributos do mundo visual têm sido 
debatidas, mas parece plausível supor que elas estão enraizadas 
na necessidade de descontar diferentes tipos de informações ao 
adquirir conhecimento sobre diferentes atributos. Com a cor, é a 
composição precisa do comprimento de onda da luz refletida de 
uma superfície que deve ser descontada, enquanto com o 
 
19 
 
tamanho é a distância de visualização precisa e com a forma o 
ângulo de visualização. 
Evidências recentes mostraram que os sistemas de 
processamento também são sistemas perceptivos em que a 
atividade em cada um pode resultar em uma percepção sem 
referência aos outros sistemas; cada sistema perceptual de 
processamento termina sua tarefa perceptiva e atinge seu ponto 
final perceptivo em um momento ligeiramente diferente dos 
outros, levando assim a uma assincronia perceptiva na visão - a 
cor é vista antes da forma que é vista antes do movimento, a 
vantagem da cor sobre movimento sendo da ordem de 60-100 
ms. Assim, a percepção visual também é modular. 
 
Em resumo, o cérebro visual é caracterizado por um conjunto de 
sistemas perceptivos de processamento paralelo e uma hierarquia 
temporal na percepção visual. 
 
A abordagem que adotamos aqui pode parecer desagradável para 
alguns. A arte, eles podem dizer, é uma experiência estética cuja 
base é opaca e de fato deveria permanecer assim. Deriva muito 
de seu valor da maneira diferente como desperta, satisfaz e 
perturba indivíduos diferentes e profanar fisiologicamente os 
segredos da fantasia dessa maneira implica que o que acontece 
em um cérebro é muito semelhante ao que acontece em outro 
cérebro quando nós ver obras de arte. Há substância nesse 
argumento. Mas devemos considerar que, pelo menos em um 
nível elementar, o que acontece em cérebros diferentes quando 
 
20 
 
vemos obras de arte é muito semelhante, o que é uma das razões 
pelas quais podemos nos comunicar sobre arte e por meio da 
arte, sem a necessidade da escrita ou da fala. palavra. E 
nenhuma compreensão profunda do funcionamento do cérebro 
provavelmente comprometerá nossa apreciação da arte, assim 
como nossa compreensão de como o cérebro visual funciona 
provavelmente não comprometerá o sentido da visão. Pelo 
contrário, uma abordagem dos fundamentos biológicos da estética 
provavelmente aumentará o senso de beleza - da beleza biológica 
do cérebro. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
21 
 
 
Capítulo 2 
Arteterapia Junguiana 
 
emos certeza de que todos já ouvimos falar de Carl Jung, 
grande psicólogo e fundador da Psicologia Analítica. No 
entanto, você sabia que Jung era um terapeuta artístico 
por direito próprio? Jung realmente apreciava a mente imaginativa 
e a expressão através da arte. Ele acreditava na importância das 
artes na criação de arte, mitos, sonhos e imaginação ativa. Jung 
descobriu através de seu trabalho que imagens, metáforas e 
símbolos não apenas ofereciam cura para os clientes, mas 
também para si mesmo em tempos difíceis. 
Jung acreditava na capacidade do ego (nosso eu interior!) de 
processar materiais inconscientes, imagens na arte. Ele 
acreditava que os símbolos que vêm de nossos egos fornecem e 
auxiliam no processo de cura de nossas próprias feridas 
emocionais e autodescoberta. 
 
O que é Arteterapia Junguiana? 
 
A Arteterapia Junguiana é fundamentada na Psicologia Analítica. 
A teoria de Jung afastou-se das ideias freudianas sobre a 
repressão nas emoções. Jung considerava o inconsciente uma 
ferramenta poderosa para entender a atitude de nossos egos. 
Embora haja conflito que causará tensão psicológica interna 
T 
 
22 
 
(palavras bonitas para ansiedade, estresse, depressão), há um 
relacionamento energético que flui entre nossas mentes 
consciente e inconsciente. Ele chamou a ponte entre o 
inconsciente e o consciente de função transcendente. 
 
Onde entra a Arteterapia? 
 
Em 1900, Jung estava no Hospital Psiquiátrico do Centro de 
Psicanálise na Suíça, onde trabalhou com pessoas com 
esquizofrenia e dissociação. Ela considerou as palavras de seus 
pacientes, geralmente descartadas como divagações sem sentido 
de psicose, como propositais e tendo um significado único sendo 
comunicado. 
A experiência inspirou Jung a explorar suas próprias experiências 
pessoais de imagem, símbolo e seu inconsciente em seu famoso 
Livro Vermelho. Ele usou a arte para explorar e equilibrar seu 
mundo interior com o exterior. 
Entra Margaret Naumburg, uma pioneira da Arteterapia e seu 
desenvolvimento, que passou por Análises Junguianas. 
 
Margaret Naumburg foi uma psicóloga, educadora, artista, 
autora e uma das primeiras grandes teóricas da arteterapia. Ela 
chamou sua abordagem de terapia de arte orientada 
dinamicamente. Antes de trabalhar com arteterapia, ela fundou 
a Walden School of New York City. 
 
 
Ela reconheceu que a psicologia analítica e a arteterapia são uma 
companheira natural uma da outra. 
 
 
23 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Ela incentiva os clientes a criarem suas próprias interpretações da 
obra de arte simbólica que criaram. Naumburg concentra-se 
fortemente na relação artística entre o cliente e sua obra de arte, 
incentivando o diálogo semelhante à imaginação técnica ativa de 
Jung. (Não se preocupe, isso está chegando.) Por meio da 
Arteterapia Junguiana, Naumburg buscou a cura espontânea por 
meio da criação. 
Jung é famoso por usar Mandalas, uma ferramenta popular da 
Arteterapia no arsenal de muitos terapeutas. A palavra Mandala 
significa “círculo mágico ou sagrado” em sânscrito. As mandalas 
não são apenas meditativas e relaxantes, mas fornecem um 
espaço ritualístico contido para expressão e reflexão detalhadas. 
Jung usou a estrutura da mandala para desenvolver um diálogo 
entre sua mente e ele mesmo, e acreditava que os distúrbios 
emocionais poderiam ser identificados na mandala. 
Na Arteterapia, o círculo da mandala fornece uma estrutura e uma 
fronteira para a criatividade sem começo ou fim discerníveis. Está 
conectado ao passado, futuro e tem uma estrutura arquetípica 
inerente. A essência da mandala explora um coletivo inconsciente 
 
 
24 
 
que pode apontar para a totalidade interior, pensamento e 
espiritualidade. 
 
 
 
 
 
 
Diagnóstico psicológico de Carl Jung 
usando mandalas 
 
As mandalas têm sido usadas em muitas culturas antigas, como o 
budismo, o hinduísmo, o nativo americano, o aborígine australiano 
como um símbolo do universo e da totalidade. 
Literalmente falando, mandala é uma forma geométrica – um 
quadrado ou um círculo – abstrata e estática, ou uma imagem 
vívida formada por objetos e/ou seres. É um diagrama cósmico 
que nos lembra nossa conexão com o infinito. 
Carl Jung explorou as mandalas como uma ferramenta para 
estudar a psique humana 
Carl Jung refere-se à mandala como “a expressão psicológica da 
totalidade do eu”. 
Curiosamente, Carl Jung, o psiquiatra suíço, explorou os efeitos 
psicológicos das mandalas, enquanto estudava a religião oriental. 
Segundo Jung, “Nestes casos é fácil ver como o padrão severo 
imposto por uma imagem circular deste tipo compensa a 
desordem do estado psíquico – nomeadamenteatravés da 
 
 
25 
 
construção de um ponto central ao qual tudo se relaciona, ou por 
uma disposição concêntrica da multiplicidade desordenada e dos 
elementos contraditórios e inconciliáveis. Esta é evidentemente 
uma tentativa de autocura por parte da Natureza, que não brota 
de uma reflexão consciente, mas de um impulso instintivo.” 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Jung usou mandalas em sua psicoterapia, fazendo com que 
pacientes, que não tinham conhecimento disso, criassem 
mandalas individuais. Isso o capacitou a identificar distúrbios 
emocionais e trabalhar em direção à integridade da 
personalidade. 
Ele percebeu que havia muita semelhança nas imagens que eles 
criaram. “Em vista do fato de que todas as mandalas mostradas 
aqui eram produtos novos e não influenciados, somos levados à 
conclusão de que deve haver uma disposição transconsciente em 
cada indivíduo que é capaz de produzir os mesmos símbolos ou 
símbolos muito semelhantes em todos os momentos e em todos 
os assentos. 
 
 
26 
 
Como essa disposição geralmente não é uma posse consciente 
do indivíduo, chamei-a de inconsciente coletivo e, como base de 
seus produtos simbólicos, postulo a existência de imagens 
primordiais, os arquétipos. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Mandala é como um desenho que aciona algo dentro de nós, uma 
geometria sagrada na qual reconhecemos nosso eu e nosso lugar 
no cosmos. 
É uma relação antiga e fundamental da qual nos afastamos e a 
mandala é a chave que pode nos ajudar a voltar a ela. 
 
 
 
27 
 
Especialmente quando o eu interior é desafiado pelo ego, a 
harmonia deve ser restaurada. 
Nesses momentos, as mandalas podem orientá-lo a ouvir a voz 
interior e a se encontrar. 
Como Jung declarou: “Tornou-se cada vez mais claro para mim 
que a mandala é o centro. É o expoente de todos os caminhos. É 
o caminho para o centro, para a individuação.” 
Uma mandala também pode ser usada para nos guiar a um 
estado hipnótico ou superior de consciência. Com seus desenhos 
esteticamente agradáveis, um pensamento irritante não será 
capaz de se insinuar na consciência da pessoa, pois ela está 
focada apenas na beleza hipnótica dos designs da mandala. 
Através deste estado hipnótico a pessoa é capaz de alcançar uma 
consciência mais elevada e uma melhor compreensão de si 
mesma. Aprenda a criar mandalas para manifestar suas 
intenções. 
 
Psicologia da mandala 
 
O desenho de mandala foi praticado pela primeira vez por 
budistas tibetanos e depois desenvolvido por Carl Gustav Jung, 
que tinha certeza de que o desenho de mandala tinha a função de 
integrar a divisão psicológica, aumentar a harmonia psicológica e 
preservar a integridade da personalidade. Estudos anteriores 
sobre desenho de mandala se concentraram principalmente em 
aliviar as emoções negativas das pessoas, como ansiedade e 
depressão. Portanto, este estudo explorou o efeito e o mecanismo 
 
28 
 
do desenho de mandala na melhoria do bem-estar subjetivo 
(SWB, do inglês Subjective Well-Being), mindfulness e 
espiritualidade do ponto de vista da psicologia positiva e 
comparou os diferentes efeitos do desenho de mandala 
cooperativo (CMD, do inglês Cooperative Mandala Drawing) e 
desenho de mandala individual (IMD, do inglês Individual Mandala 
Drawing) sobre mindfulness, espiritualidade e SWB. Um total de 
76 estudantes foram recrutados da Universidade Chang Gung, e 
as três variáveis principais acima mencionadas foram medidas 
antes e depois do experimento de coloração. Os resultados 
indicaram que tanto o TMC quanto o IMD aumentaram 
significativamente a espiritualidade dos sujeitos. Este estudo 
destaca o mecanismo de desenho de mandala e a compreensão 
teórica da relação entre mindfulness e bem-estar subjetivo (SWB 
subjective well-being). O desenho da mandala, especialmente o 
CMD, tem um efeito positivo na espiritualidade e no SWB, o que 
pode fornecer aos indivíduos um método simples e fácil de 
melhorar sua felicidade. 
 
 
Imaginação ativa 
 
Jung usou um método chamado imaginação ativa em suas obras 
de arte. É um método em que você se volta para dentro para ter 
uma conversa com imagens e símbolos internos e interpretá-los 
com significado pessoal e coletivo para chegar a novos 
entendimentos de si mesmo. 
 
29 
 
Ele usou a imaginação ativa com a criação de arte para explorar 
seu inconsciente. A produção de arte fornece uma maneira de 
símbolos e imagens passarem da mente inconsciente para a 
consciência e permite uma reflexão mais profunda que pode ser 
retornada e examinada ainda mais. 
Com esse conhecimento, Jung destacou o instinto criativo na 
Psicologia Analítica, incluindo-o nos instintos básicos da mente, 
sendo os demais (fome, sexo, reflexão e ação). 
 
Arteterapia junguiana em ação 
 
Através do uso de materiais artísticos, os arteterapeutas podem 
costurar uma psique que foi separada de seus instintos e conexão 
com o eu. A pintura espontânea ou colagem ajudará no processo 
de construção de conexões internas e descoberta do que é não-
verbal ou oculto na psique. Os arteterapeutas buscam 
associações e amplificações, para que as metáforas e os 
símbolos se tornem acessíveis ao self e proporcionem mais 
conhecimento ao indivíduo. Em outras palavras, a Arteterapia 
torna visível a transformação dentro de nós. 
 
Exercício de mandala na imaginação 
ativa 
 
Usando qualquer material artístico de sua preferência, desenhe 
um círculo e preencha-o com a forma como você se sente usando 
linhas, formas e cores. 
 
30 
 
Permita-se liberdade para criar sem julgamento. 
Depois de concluir o desenho, examine-o em busca de símbolos 
ou formas que possam aparecer para você. Reflita sobre esses 
símbolos e veja qual é a sua associação imediata com eles! 
Pergunte ao símbolo o que ele gostaria de comunicar a você. 
Anote essas reflexões e veja no que dá! Praticar isso com 
frequência fortalece a habilidade de dialogar consigo mesmo. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
31 
 
 
Capítulo 3 
Arteterapia e nossa relação 
com o imaginário 
 
m elemento importante que diferencia a arteterapia da 
arte como terapia tem tudo a ver com nosso 
relacionamento e engajamento com a imagem e a 
imaginação. 
Fazer arte não é terapêutico por si só? E o que é "O Imaginal 
(relativo à imaginação p. ex.: atitude imaginal; capacidade 
imaginal; mundo imaginal)?" 
Talvez você tenha tido experiências em que fazer arte, ou criar de 
outras maneiras, foi benéfico, você pode ter se sentido “na zona” 
e como se fosse uma experiência terapêutica de algumas ou 
muitas maneiras. Podemos nos referir a essas experiências como 
arte ou terapia, e elas certamente nos ajudam a entender o poder 
do que é nos envolvermos na criatividade e seu papel em nosso 
bem-estar. 
Talvez você também tenha tido experiências com a imaginação e 
com a exploração de imagens dentro de você. Um bom exemplo 
seria lembrar e se perguntar sobre um sonho. E que tal a 
experiência de tentar puxar gentilmente o fio de um sonho, 
tentando trazê-lo para sua vida desperta de onde estava 
acontecendo em outro estado, tentando ajudá-lo a atravessar o 
“espaço” entre dormir e acordar para que você pode se lembrar e 
U 
 
32 
 
se perguntar sobre isso em seu estado de vigília? Esta é uma 
experiência com o imaginal. E são essas formas particulares de 
nos envolvermos com a imagem e a imaginação que diferenciam 
a arteterapia da arte como terapia. 
 
Então, o que é Arteterapia? (E por 
que continuo usando palavras de 
“imagem” dessa maneira?) 
 
A arteterapia é um campo profissional de saúde mental e serviços 
humanos. Ele integra a teoria psicológica aplicada com a criação 
de imagens dentro de um relacionamento terapêutico. A 
arteterapia é facilitada por um arteterapeuta treinado e oferece 
maneiras de explorar e aprofundar sua compreensão de si mesmo 
por meio da criação e do trabalho com imagens e imaginação.A arteterapia é uma terapia de profundidade e, como outras 
terapias de profundidade, envolve nosso relacionamento com o 
material inconsciente e como o encontramos, encontramos 
significado com ele, criamos com ele e o processamos em nossas 
vidas conscientes. 
A base teórica psicológica aplicada para meu próprio estudo e 
prática de arteterapia é a psicologia arquetípica. Ao explicar a 
psicologia arquetípica, James Hillman escreve: “O dado com o 
qual a psicologia arquetípica começa é a imagem”. Ele faz 
referência à posição de Carl Jung de que a imagem e a psique 
 
33 
 
são uma, e relata que a psique é principalmente uma atividade de 
imaginação. 
 
 
 
James Hillman foi um psicólogo americano. Ele estudou e 
depois orientou estudos para o Instituto C.G. Jung em Zurique. 
Ele fundou um movimento em direção à psicologia arquetípica 
e se aposentou em consultório particular, escrevendo e 
viajando para dar palestras, até sua morte em sua casa em 
Connecticut (EUA). 
 
 
 
A psicologia arquetípica nos faz entender que as imagens “são a 
própria psique em sua visibilidade imaginativa”; e que uma 
imagem “é dada pela perspectiva imaginante e só pode ser 
percebida por um ato de imaginação”. 
A psicologia arquetípica convida e nutre um profundo respeito 
pelas imagens como elas se apresentam a nós e como 
interagimos com elas, em sonhos, poemas, obras de arte, 
devaneios ou mesmo nas palavras que usamos. Isso o torna um 
lar teórico ideal para a arteterapia com seus processos enraizados 
na imagem e na imaginação através da criação e exploração 
imaginativa. 
 
O Sublime Interim – por que 
trabalhar com imagem e 
imaginação em terapia? 
 
 
 
34 
 
Nosso “sentido imaginal” é como frequentemente me refiro à parte 
de nós que imagina – como um sentido, tão ativo e importante 
quanto nossos outros sentidos. O imaginal é REAL, não deve ser 
confundido com a forma como o termo “imaginário” passou a 
conotar “não real”. Muitas vezes não temos consciência de nosso 
senso imaginal e de quão regularmente apreendemos nossa 
realidade em termos de imagem. 
Às vezes também nos referimos ao imaginal como uma espécie 
de “lugar” ou “espaço”, uma experiência de “territórios” 
metafóricos que incluem um entremeio, onde as imagens vivem, 
vêm e vão, ou passam, entre partes inconscientes. de nós 
mesmos e mais partes da consciência. 
John O'Donohue escreveu que apenas a imaginação "pode 
navegar no sublime ínterim..." Ele chama a imaginação de “o 
espelho mais reverente do mundo interior” e escreve que “a 
imaginação funciona no limiar que corre entre a luz e a escuridão, 
o visível e o invisível, a busca e a pergunta…” A arteterapia pode 
nos levar a qualquer lugar onde a imaginação esteja trabalhando 
ou brincando, inclusive onde ela está navegando no meio. 
 
 
 
John O'Donohue foi um poeta irlandês, autor, padre e filósofo 
hegeliano. Ele era um falante nativo de irlandês e, como autor, 
é mais conhecido por popularizar a espiritualidade celta. 
 
 
A arteterapia em sua melhor forma, acredito, é muito mais do que 
auto-expressão simbólica e a subseqüente conversão dessa 
expressão em algo lógico por meio de uma operação de 
 
 
35 
 
interpretação. A pergunta “o que isso significa?” (que tantas vezes 
perguntamos da arte e dos sonhos), é, penso eu, a porta de 
entrada bem viajada para o lugar onde provavelmente 
continuaremos descobrindo apenas o que já sabemos; o lugar 
onde esperamos persuadir o material da psique a se conformar 
com nossas sensibilidades lógicas com sua tendência para o 
literal. 
Acreditamos que a melhor arteterapia é um envolvimento com a 
imaginação, com o imaginal, onde a linguagem é de imagem e 
metáfora, não da razão, e onde o pedido da psique é permanecer 
como uma testemunha engajada da imagem e da metáfora. , 
permanecer curioso e ver e ouvir de novas maneiras. Isso 
significa não extrair um “significado” de uma imagem para que 
possamos reprimir nossa curiosidade ou satisfazer nossa 
preferência pelo sentido lógico sobre a percepção imaginal. 
Podemos perguntar: “o que está sendo comunicado dentro de nós 
em uma linguagem que nunca foi feita para ser literal?” 
Da mesma forma que um sonho se torna um convite para nos 
envolvermos com a psique na linguagem da psique, também o 
desenho, a pintura, a imagem criada de qualquer maneira na 
arteterapia nos estende o mesmo convite. Na arteterapia, 
podemos explorar não apenas o que pode ser criado por meio de 
atos de imaginação, mas também o que percebemos por meio de 
atos de imaginação. 
A arteterapia nos ajuda a tolerar o aparentemente contraditório, o 
incongruente, a presença de material às vezes estranhamente 
vestido e com comportamento estranho, passando de nosso 
 
36 
 
inconsciente para nossa consciência. A arteterapia nos ajuda a 
conviver com esse material e esses eventos e a apreciar as 
nuances de sua complexidade. 
A arteterapia nos dá veículos e motivação para explorar além do 
terreno regular da razão, da lógica e da narrativa. Com ela, temos 
novos meios de ver, sentir e ouvir o que não pode ser, ou não é, 
falado. Com a arteterapia, temos novas passagens para o nosso 
mundo interior e acesso a experiências psicológicas profundas, 
por vezes surpreendentes. 
A arteterapia nos ajuda a cultivar nossa vida imaginal e a 
aprender como cuidar dela, respondendo à imagem com a 
imagem. E cuidar do imaginal é cuidar da psique. 
Então, quão criativos podemos ser com isso? 
Por muitos anos, nós gostamos de projetar e facilitar experiências 
de arteterapia para indivíduos e grupos. Os grupos de arteterapia 
têm como foco vários temas terapêuticos/metafóricos. 
Se você está intrigado com isso, sobre como cultivar seu 
relacionamento com seu senso imaginal e como a arteterapia 
pode beneficiá-lo, seja como um único empreendimento 
terapêutico ou como um complemento à terapia que você já está 
buscando. 
 
 
 
 
 
 
37 
 
 
Epílogo 
 
m arteterapeuta exalta as artes como uma ferramenta 
poderosa na psicoterapia, descrevendo como ativar a 
imaginação pode curar a mente, o coração e a alma 
A medicina do artista, como a do xamã, surge de sua relação com 
os “familiares” – os temas, métodos e materiais que interagem 
com o artista através do processo criativo. 
Sempre que a doença está associada à perda da alma, as artes 
surgem espontaneamente como remédios, remédios para a alma. 
A Arte como Medicina demonstra como a imaginação se cura e se 
renova por meio desse processo natural. 
 
 
 
 
 
 
 
 
U 
 
 
38 
 
 
Bibliografia consultada 
 
E 
 
ENODIATHERAPIES. What is Jungian Art Therapy? Disponível 
em: < https://www.enodiatherapies.com/blog/what-is-jungian-art-
therapy#:~:text= 
Jung%20truly%20appreciated%20the%20imaginative,also%20him
self%20during%20difficult%20times. > Acesso em: 06 jul. 2023. 
 
G 
 
GABO, N. Of divers arts. The A.W. Mellon Lectures in the Fine 
Arts, National Gallery of Art, Washington, Pantheon Books, 
Bollingen Foundation, New York. 1959. 
 
L 
 
39 
 
 
LIFE CHANGE THERAPY. Art therapy and our relationship with 
the imaginal. Disponível em: < https://lifechangetherapy.net/art-
therapy-and-our-relationship-with-the-imaginal/ > Acesso em: 06 
jul. 2023. 
 
R 
 
RODRIGUES, F. V. Fisiologia sensorial. Revista da Biologia, v. 
5, dezembro, p. 24-32, 2010. 
 
ROSENBERG, R.; KLEIN, C. The moving eye of the beholder: eye 
tracking and the perception of paintings. In: Art, Aesthetics, and 
the Brain. Edited by Joseph P. Huston, Marcos Nadal, Francisco 
Mora, Luigi F. Agnati, Camilo J. Cela-Conde. Oxford University 
Press. 2014. 
 
Z 
 
ZEKI, S. Art and the brain. Dædalus, v. 127, n. 2 p. 71-103. 
Disponível em: < 
 
40 
 
https://www.researchgate.net/publication/233603316_Art_and_the
_Brain/link/549d57bd0cf2b803713a74fa/download > Acesso em: 
06 jul. 2023.41