Slides de Aula Unidade II História da Arte

Prévia do material em texto

Prof. Mário Caldeira
UNIDADE II
História da Arte
 A síntese da forma na obra pictórica de Paul Cézanne
 Um dos mais importantes artistas do Ocidente, e que influenciou muitas gerações 
de pintores, nas quais se incluem Pablo Picasso e Georges Braque, foi o francês 
Paul Cézanne (1839-1906). Ele não considerava que a arte tivesse como papel a 
fiel representação da realidade, nem o mero registro das impressões decorrentes 
dos sentidos, mas antes, a busca da interpretação do real. Noutros termos, 
segundo Cézanne, o artista não reproduz, mas interpreta a realidade.
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
 A Montanha Sainte-Victoire foi pintada por Cézanne em 
diversas ocasiões, como se estivesse à procura da 
descoberta da estrutura fundamental do espaço 
tridimensional representado no plano. Para Cézanne, a 
natureza deveria ser retratada pelos volumes puros, o 
cone, o cilindro, o cubo e a esfera. Essa visão antecede 
o Cubismo.
 A síntese da forma na obra pictórica de Paul Cézanne
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
Figura 1: Paul Cézanne, Mont Sainte-Victoire, 1902-04, óleo sobre tela. Philadelphia Museum of Art, EUA. 
Disponível em: <https://smarthistory.org/cezanne-mont-sainte-victoire/>. Acesso em 15 ago 2018. 
 A busca da ruptura com os padrões clássicos: pintura, design e arquitetura
 A introdução da máquina como elemento fundamental do ciclo produtivo gerou, 
em meados do século XIX, um debate exaustivo sobre a relação entre artesanato 
versus indústria. Na Primeira Exposição Universal de 1851, realizada no Palácio 
de Cristal, em Londres, ficou clara a necessidade de melhorar o design do 
produto industrial, pois os objetos industriais eram de qualidade inferior aos feitos 
artesanalmente. A partir daí, surgiram movimentos contrários e favoráveis à 
indústria. Dentro dessas iniciativas, surge o Arts and Crafts, liderado por artistas 
como William Morris (1834-1896) e John Ruskin (1819-1900), que rejeitavam a 
forma de produção industrial, e a alemã Werkbund, 
uma sociedade de artesãos e artistas com o objetivo 
de relacionar a arte e a indústria.
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
 A Art Nouveau (Arte nova)
 Mais ao final do século XIX, no entanto, surge na Europa um movimento 
antagônico ao Arts and Crafts nos seus objetivos. Com diversas denominações, a 
Arte Nova, ou Art Nouveau, pretendia avançar a questão da produção em série a 
partir dos novos materiais: o ferro e o vidro. Por isso, era necessário buscar novas 
formas, que rompessem com o clássico, já que produzir nesses padrões implicava 
no artesanato. No entanto, as formas e as referências utilizadas pela Arte Nova 
para romper com o clássico tinham forte influência da pintura oriental, com 
utilização de formas da natureza (linhas curvas e temas florais). Essa tentativa
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
não conseguiu alcançar uma solução industrializada para a 
produção em série dos objetos, acessórios da construção e 
da própria edificação. O trabalho manual continuava a ser 
necessário para obter os resultados formais pretendidos.
 Pontilhismo
 O Pontilhismo foi uma iniciativa tomada por alguns artistas europeus no final do 
século XIX, baseava-se em uma propriedade do olho e do cérebro humano de 
reunir certos elementos visuais – neste caso, um conjunto de milhares de pontos 
coloridos – e, a partir deles, construir imagens. Um dos principais artistas desse 
tipo de representação foi Georges Seurat, que influenciou muito os artistas 
chamados de impressionistas. No quadro “Tarde de domingo na ilha de Grande 
Jatte”, o artista escolheu representar as cores e formas dos elementos que 
compõem o quadro por meio do pontilhismo, e tanto as pessoas quanto
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
os animais estão representados de uma maneira 
simplificada e geometrizada, quase como bonecos. Não há 
uma preocupação em retratar fielmente, do ponto de vista 
visual, a cena de lazer e de descanso do quadro.
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
 Pontilhismo
Figura 2: Georges Seurat, Tarde de domingo na ilha 
de Grande Jatte, 1884-1886. Óleo sobre tela. Art
Institute of Chicago, Chicago, EUA. Disponível em: 
<https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
 Impressionismo
 A pintura denominada impressionista desenvolveu-se na Europa no século XIX. 
Essa denominação tem a sua origem em uma famosa tela, de autoria de Claude 
Monet, intitulada “Impressão, nascer do Sol”, de 1872. Os artistas vinculados a 
esse movimento desprenderam-se da preferência por temas da mitologia greco-
romana e puseram de lado a preocupação com a reprodução fiel (mimese) da 
realidade. Conferiam maior relevância aos próprios quadros, considerados 
importantes em si mesmos como obras de arte. O seu interesse central era a 
exploração dos efeitos de movimento e de luminosidade, obtidos a partir de 
pinceladas soltas, sem traço de desenho. 
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
 Impressionistas
 Em geral, os impressionistas pintavam em meio à natureza e nos espaços abertos 
das cidades, visando observar melhor as variações decorrentes das mudanças da 
luz incidindo sobre pessoas e objetos durante o dia e a noite.
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
Figura 3: Claude Monet, Impressão, nascer do 
Sol, 1872. Óleo sobre tela. Museu Marmottan, 
Paris, França. Disponível em: 
<https://upload.wikimedia.org/wikipedia/comm
ons>. Acesso em 15 ago 2018. 
 Considerando que a luz solar é a fonte de 
todas as cores, os artistas buscam mostrar as 
variações de tonalidade decorrentes das 
mudanças no modo como objetos e pessoas 
são iluminados ao longo do dia.
Outras das características do impressionismo são:
 O traço do desenho que conferia nitidez de contorno às imagens não é 
empregado, mas apenas largas pinceladas, que geram manchas, 
as quais criam a impressão de retratarem objetos e pessoas;
 Os artistas também representam sombras, porém estas são coloridas 
e plenas de luminosidade; 
 Ruptura com o academicismo, por exemplo, no abandono do claro-escuro;
 Os artistas não misturam tintas em suas paletas, utilizam apenas cores puras, 
sendo o próprio observador quem, por meio do olhar, 
realiza a combinação das mesmas.
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
 Fauvismo
 O Fauvismo (também chamado de Fovismo) nasceu em 1905, em Paris, a partir 
da exposição no Salão de Outono. Naquela ocasião, certos artistas expuseram 
obras em que empregavam as cores puras de forma muito intensa e, por esse 
motivo, passaram a ser denominados fauves (feras, em português). Como 
propostas do Fauvismo temos que a obra de arte não é um produto intelectual, 
nem um produto da sensibilidade, pois, no ato de criação, o pintor deve seguir os 
impulsos instintivos, os seus sentimentos primários. Na pintura, devem-se exaltar 
as cores puras e tanto as linhas do desenho como o colorido das tintas devem
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
surgir de modo impulsivo, expressando em sua maior 
pureza as sensações do artista. Para esses artistas, a 
obra de arte deve ser marcada por pinceladas abruptas, 
arrematadas em um colorido intenso de grandes manchas 
de cores puras.
 Fauvismo
 Observe que na obra abaixo as cores são muito intensas e não correspondem ao 
que se vê no mundo real.
As novas formas de representação na segunda metade do século XIX
Figura 4: André Derain, Ponte sobre o 
Riou, 1906, óleo sobre tela, 82,5 cm x 
1021,5 cm. MoMA, Nova York, EUA. 
Fonte: FARTHING, S. Tudo sobre arte. 
Rio de Janeiro, Sextante, 2011.
Interatividade
O título “impressionismo” pertence ao movimento artístico que se baseia em uma 
relação entreo observador e a maneira como o artista coloca o tema no quadro. 
Essa relação é realizada de que maneira?
a) Pelo uso de cores e pinceladas que impressionam o olhar do observador, sem 
detalhar muito a representação do tema.
b) Pela aplicação de uma representação detalhista e precisa do tema.
c) Pelo uso de cores muito intensas e por um grande contraste entre o claro e o 
escuro.
d) Pelo desenvolvimento de pinturas feitas dentro de 
estúdios.
e) Pela preocupação em representar pessoas comuns, 
mostrando a sua luta por condições melhores.
Resposta
O título “impressionismo” pertence ao movimento artístico que se baseia em uma 
relação entre o observador e a maneira como o artista coloca o tema no quadro. 
Essa relação é realizada de que maneira?
a) Pelo uso de cores e pinceladas que impressionam o olhar do observador, sem 
detalhar muito a representação do tema.
b) Pela aplicação de uma representação detalhista e precisa do tema.
c) Pelo uso de cores muito intensas e por um grande contraste entre o claro e o 
escuro.
d) Pelo desenvolvimento de pinturas feitas dentro de 
estúdios.
e) Pela preocupação em representar pessoas comuns, 
mostrando a sua luta por condições melhores.
 Os movimentos transformadores da arte: os ismos
 Entre as principais mudanças ocorridas no campo das artes no início do século 
XX estão as denominadas vanguardas artísticas. A denominação de vanguarda 
deve-se ao caráter ideológico e político do período pré-guerra e entreguerras, ao 
longo dos quais as mudanças sociais foram bastante acentuadas (como a 
Revolução Bolchevique, na Rússia, em 1917, por exemplo). Os artistas 
pretendiam e entendiam que as transformações sociais seriam possíveis a partir 
da arte, que, neste sentido, deteria função civilizatória. 
O caráter urbano e industrial da vida cotidiana alimentou as 
temáticas predominantes no qual a máquina tem papel 
fundamental: a velocidade, a energia, o tema da reprodução 
em série e a própria guerra constituíram assuntos 
recorrentes nas obras dos artistas.
A era da máquina e as vanguardas artísticas
 O Expressionismo desenvolveu-se na Europa entre o final do século XIX e o início 
do século XX. Os artistas que tomaram parte nesse movimento privilegiavam os 
aspectos internos do processo de produção artística, em detrimento de suas 
manifestações exteriores. Por esse motivo, conferiam às suas obras uma forte 
carga de subjetividade, tornando-as expressão direta dos seus universos 
interiores.
 Embora tenha se manifestado em diferentes campos das artes, foi na pintura que 
se inaugurou o movimento expressionista, tendo constituído, ao lado do 
Fauvismo, o início das vanguardas históricas. Devido às suas próprias
Expressionismo
características, que conduziam a uma supervalorização da 
individualidade artística, o Expressionismo figurou-se por 
uma heterogeneidade de estilos, o que fazia mais do que 
um movimento, uma postura perante as artes.
 O caráter subjetivo da cena é bastante explícito, sobretudo 
por não ser demonstrado com exatidão o que o quadro 
efetivamente representa. A sua interpretação depende do 
envolvimento do espectador.
 A imagem abaixo reproduz a tela intitulada O Grito, de autoria do pintor 
norueguês Edvard Munch (1863-1944). Esta é uma das mais significativas obras 
do Expressionismo. Nela, um ser cujo gênero não é facilmente discernível 
aparece atormentado nas docas de Oslofjord, na cidade de Oslo, ao anoitecer e, 
como sugerido pelo título do quadro, solta um grito.
Expressionismo
Figura 5: Edvard Munch, O grito, 1893. Óleo sobre tela, têmpera e 
pastel sobre cartão. Galeria Nacional, Oslo, Noruega. Disponível em: 
<https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
 A arte cubista teve início em 1907 e influenciou diferentes gerações de artistas no 
transcorrer das primeiras décadas do século XX. Os iniciadores do Cubismo, 
Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963), contribuíram de forma 
decisiva para uma das mudanças mais significativas ocorridas na arte ocidental.
 Efetivamente, o Cubismo rompeu com os padrões de representação artística do 
real, ao empregar, predominantemente, figuras geométricas que representavam 
seres e objetos em todas as suas partes em um único plano, sem preocupação 
com perspectiva ou tridimensionalidade. Assim, nas obras cubistas, representar o 
mundo não mais significava apresentá-lo de acordo com sua aparência real,
Cubismo
conforme vista a olho nu. A realidade se via simplificada 
às formas geométricas: triângulos, losangos, trapézios, 
cubos etc.
 A obra Les demoiselles d’Avignon (1907) é de autoria 
de Picasso. Essa pintura é considerada como aquela 
que deu início ao Cubismo. Nela, podem-se observar 
influências da arte tribal africana, bem como de Paul 
Cézanne. Obra-prima das artes plásticas do Ocidente, 
é perceptível nela a ruptura com todas as convenções 
e tradições da arte ocidental. As cinco mulheres do 
quadro são apresentadas à maneira cubista, com seus 
corpos reduzidos a formas geométricas. Observe
Cubismo
Figura 6: Pablo Picasso, Les demoiselles d’Avignon, 
1907. Óleo sobre tela. The Museum of Modern Art, Nova 
York, EUA. Disponível em: 
<https://upload.wikimedia.org>. Acesso em 15 ago 2018. 
ainda a mulher sentada no 
canto direito, que é vista por 
nós ao mesmo tempo pela 
frente e pelas costas.
 Contrários a toda tendência moralista e passadista, os futuristas foram artistas 
que enalteceram, em suas obras, as conquistas tecnológicas do início do século 
XX e as mudanças velozes que estas imprimiam na sociedade europeia da 
época, tendo também exaltado, no início do movimento, a própria guerra e a 
violência. Em decorrência de seu apreço pela novidade, propunham inclusive a 
destruição dos museus e das antigas cidades.
 Devido ao seu caráter agressivo, o Futurismo repercutiu internacionalmente, 
tendo influenciado artistas modernistas de outros continentes.
Futurismo
 A obra intitulada Raionismo, floresta azul e verde, é de 
autoria de Natalia Goncharova. Nela acham-se explicitados 
alguns dos principais elementos definidores da pintura 
futurista: a tendência ao cubismo e à abstração, o emprego 
de cores fortes, a simulação de ação, de movimento, a 
demonstração de que os diferentes aspectos dos objetos 
interpenetram-se simultânea e permanentemente. A obra de 
Goncharova sugere figuras movimentando-se velozmente 
num determinado espaço, sem a preocupação com a 
representação figurativa bem 
definida em seus contornos.
Futurismo
Figura 7: Natalia Goncharova, 
Raionismo, floresta azul e verde, 
1913, óleo sobre tela, 54,5cm x 
49,5cm. MoMA, Nova York, EUA.
Dadaísmo
 O Dadaísmo (ou simplesmente Dadá) foi um movimento artístico de vanguarda 
que se iniciou no Cabaret Voltaire, localizado na cidade de Zurique, capital da 
Suíça, no ano de 1916. A liderança coube ao escritor alemão Hugo Ball (1886-
1927) – autor do Manifesto Dada, publicado em 1916 –, ao poeta romeno Tristan 
Tzara (1896-1963) e ao pintor e poeta alemão Hans Arp (1886-1966). O emprego 
da palavra dada para representar o movimento visa indicar tanto o caráter 
antirracionalista do mesmo (o termo parece não ter um significado, pois trata-se 
de uma palavra que lembra o balbuciar de um bebê), quanto evidenciar que a 
linguagem pode não fazer sentido ou mesmo remeter a múltiplos sentidos.
 A figura abaixo reproduz a obra Roda de Bicicleta, produzida no ano de 1912, e 
foi o primeiro ready-made de autoria de Marcel Duchamp, um dos mais 
importantes artistas dadaístas. A peça é formada por uma roda de bicicleta 
equilibrada sobre o tampo de um banco.
Dadaísmo
Figura 8: Marcel Duchamp. Roue de bicyclette (Roda de bicicleta), 1951 
(terceira versão, segundo o original perdido de 1913). Roda de metal, 64 
cm de diâmetro, montada em um banco de madeira pintada, 60 cm de 
altura. The Museum of Modern Art, Nova York, EUA. Disponívelem: 
<https://criticadeartebh.files.wordpress.com>. Acesso em 15 ago 2018. 
 Com esta obra, Duchamp pretendeu discutir o próprio 
conceito de arte, demonstrando que esta é mais definida pela 
atitude do artista, que modifica a própria natureza do objeto, 
ao usá-lo não mais como produto industrial utilitário, mas 
como obra artística.
No Cubismo, a maneira de representar os objetos, ambientes e figuras humanas 
modifica-se radicalmente em relação à representação tradicional, baseada na 
perspectiva racionalista. Qual é uma das principais mudanças na representação 
usada pelos cubistas?
a) O uso de uma representação muito fiel à realidade que observamos.
b) O uso de volumes muito simplificados, sem depender da perspectiva.
c) Uma forma de perspectiva baseada em um ponto de fuga.
d) A transformação das formas em volumes geométricos 
simplificados, representados em uma perspectiva 
tradicional.
e) O uso de linhas muito complexas para desenhar formas 
muito simples.
Interatividade
Resposta
No Cubismo, a maneira de representar os objetos, ambientes e figuras humanas 
modifica-se radicalmente em relação à representação tradicional, baseada na 
perspectiva racionalista. Qual é uma das principais mudanças na representação 
usada pelos cubistas?
a) O uso de uma representação muito fiel à realidade que observamos.
b) O uso de volumes muito simplificados, sem depender da perspectiva.
c) Uma forma de perspectiva baseada em um ponto de fuga.
d) A transformação das formas em volumes geométricos 
simplificados, representados em uma perspectiva 
tradicional.
e) O uso de linhas muito complexas para desenhar formas 
muito simples.
 Constituiu o Construtivismo Russo um movimento artístico de forte conotação 
político-ideológica e que teve origem na extinta União Soviética, em 1919. 
Contrariamente à noção de pureza artística, o Construtivismo Russo enfatizava as 
vinculações entre a produção artística e a realidade cotidiana.
 A denominação de arte construtivista foi elaborada pelo artista plástico russo 
Kazimir Malevich (1878-1935), referindo-se à obra do seu compatriota, o pintor e 
fotógrafo Alexander Rodchenko (1891-1956). Estendendo-se até meados da 
década de 1930, o Construtivismo Russo, caracterizado sobretudo pelo recurso à 
abstração geométrica, influenciou importantes movimentos das artes plásticas e 
do design moderno, como o De Stijl, a Bauhaus e o 
Suprematismo.
Construtivismo Russo
 Na figura ao lado, observa-se a reprodução do 
quadro intitulado Pintura Suprematista, de Kazimir
Malevich, um dos principais expoentes do 
Construtivismo Russo. Esse quadro é 
representante do extremo abstracionismo a que 
chegaram os construtivistas, denominado 
suprematismo, caracterizado pelo uso de figuras 
geométricas e cores primárias.
Construtivismo Russo
Figura 9: Kazimir Malevich, Pintura suprematista, 
1916. Óleo sobre tela. Stedelijk Museum, Amsterdã, 
Holanda. Disponível em: 
<https://www.historiadasartes.com>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
 O movimento denominado De Stijl ou Neoplasticismo teve origem na Holanda e 
contou, entre os seus mais importantes expoentes, com o artista plástico, 
designer, poeta e arquiteto Theo Van Doesburg (1883-1931), o pintor Piet
Mondrian (1872-1944) e o designer de produtos e arquiteto Gerrit Rietveld (1888-
1964). O movimento teve sua origem na revista intitulada De Stijl (em português, 
O Estilo), fundada no ano de 1917 por Doesburg e outros artistas, inclusive 
Mondrian e Rietveld, que nela publicavam textos a favor de uma nova estética 
para a poesia, a arquitetura e as artes plásticas. O De Stijl supervalorizava as 
cores primárias e as formas geométricas, conduzindo ao abandono de toda 
representação figurativa, por meio da adoção do 
completo abstracionismo.
De Stijl: o Neoplasticismo holandês
 A total abstração da pintura de Mondrian foi obtida por 
meio de um longo trabalho de pesquisa plástica que 
começa ainda com o figurativismo em seus primeiros 
quadros. Posteriormente, o autor foi criando uma forma 
de representação que se volta para si mesma, sem 
buscar referências externas, baseando-se na 
composição das cores básicas, reveladas pela ciência 
da ótica e da física. Esse tipo de plasticidade também 
se estendeu com muita intensidade à arquitetura, tanto 
de edifícios quanto de interiores.
De Stijl: o Neoplasticismo holandês
Figura 10: Piet Mondrian, Composição em vermelho, azul, amarelo, 1930. Óleo sobre tela. Kunsthaus
Zürich, Zurique, Suíça. Disponível em: <https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
 O movimento surrealista abrangeu a literatura, as artes plásticas, o teatro e o 
cinema e teve sua origem em Paris, na década de 1920, a partir da publicação, 
em 1924, do Manifesto Surrealista, de autoria do poeta André Breton (1896-1966).
 Essa vanguarda artística foi bastante influenciada pelas teorias do pai da 
Psicanálise moderna, o austríaco Sigmund Freud (1856-1939). Vem daí a ênfase 
dada pelos artistas surrealistas ao papel do inconsciente na representação da 
realidade, o que valia por uma crítica ao extremo racionalismo vigente na 
condução da política e das relações socioeconômicas da época. Por esse motivo, 
os surrealistas buscavam apresentar em suas obras o 
real de maneira não racionalista, o qual se podia 
captar, principalmente, nos sonhos, quando o 
inconsciente se encontra liberado da repressão 
racionalista do consciente.
Surrealismo
 O quadro Aparição de rosto e fruteira numa praia (1938) é de autoria de Salvador 
Dalí (1904-1989), um dos principais expoentes da pintura surrealista, ao lado de
Surrealismo
Figura 11: Salvador Dalí, Aparição de rosto e fruteira numa praia, 1938. Óleo sobre tela. Wadsworth
Atheneum, Hartford, Connecticut, EUA. Disponível em: <http://pt.wahooart.com>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
René Magritte (1898-1967). Essa obra de Dalí 
apresenta a mais importante característica da arte 
surrealista: o mundo é percebido como se 
estivéssemos em meio a um sonho, cercados por 
imagens de seres e objetos transfiguradas pela 
ação do inconsciente, quando este se acha 
liberado do rígido controle da racionalidade.
 A Bauhaus (1919-1933) foi a mais conhecida escola alemã de formação de 
arquitetos, técnicos e artífices especializados da primeira metade do século XX. 
Ela começou com uma definição utópica: a construção do futuro deveria 
combinar todas as artes em um ideal único. Isto requeria um novo tipo de artista, 
além da especialização acadêmica. Para atingir este objetivo, o fundador, Walter 
Gropius (1883-1969), sentiu a necessidade de desenvolver novos métodos de 
ensino e estava convencido de que a base para qualquer arte estava no 
artesanato: “a escola se transformara gradualmente em um workshop”. Assim, 
artistas e artesãos dirigiram aulas e produção juntas na Bauhaus. Isto pretendia
A arte abstrata e a Bauhaus
remover qualquer distinção entre artes puras e artes 
aplicadas. Ou seja, o conceito de novo tipo de artista 
estava vinculado à ideia de que, somente unindo todas as 
artes, seria possível formar um novo profissional, voltado 
para o futuro.
 A cadeira Cesca, de 1928, é de autoria do arquiteto 
alemão Marcel Breuer (1902-1981). Esse projeto é 
característico da visão da escola Bauhaus, que 
buscava aliar tecnologia e estética.
A arte abstrata e a Bauhaus
Figura 12: Marcel Breuer, cadeira Cesca, 1928. Disponível em: 
<https://www.knoll.com/product/cesca-chair-armless>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
Entre os vários ismos que fazem parte das vanguardas artísticas, há um movimento 
que se apoia nos estudos psicanalíticos de alguns pesquisadores. O próprio nome 
desse movimento revela a sobreposição do mundo real, em busca de uma 
representação dos sonhos. Qual o nome desse movimento artístico?
a) Cubismo.
b) Surrealismo.
c) Fauvismo.
d) Humanismo.
e) Realismo.
Interatividade
Resposta
Entre os vários ismos que fazemparte das vanguardas artísticas, há um movimento 
que se apoia nos estudos psicanalíticos de alguns pesquisadores. O próprio nome 
desse movimento revela a sobreposição do mundo real, em busca de uma 
representação dos sonhos. Qual o nome desse movimento artístico?
a) Cubismo.
b) Surrealismo.
c) Fauvismo.
d) Humanismo.
e) Realismo.
 O papel do artista e a crise da modernidade
 O denominado Expressionismo Abstrato ou Action Painting constituiu um 
movimento artístico de grande originalidade e forte repercussão que modificou a 
cena artística norte-americana no final dos anos 40. Sua principal característica 
era o emprego de largas massas coloridas, com o predomínio de manchas, não 
de traços. Ao contrário do Expressionismo europeu, diretamente envolvido em 
debates ideológicos, os expressionistas norte-americanos excluíam totalmente 
os temas políticos e sociais de suas obras, privilegiando questões existencialistas 
como a miséria humana, por exemplo, buscando expressar emoções de forma
intensa e espontânea. 
Para tanto, destruíram os meios tradicionais de pintura, 
pintando diretamente no chão, na parede, por vezes sem 
uso de pincéis.
As realizações da arte pós-vanguardas
 Jackson Pollock (1912-1956), maior nome do Action Painting, empregava 
verdadeiros jatos de tinta sobre a superfície de telas deitadas no chão, sem 
emprego de cavalete. Por meio dessa ação, Pollock cobria totalmente a tela e 
eliminava qualquer possibilidade de percepção figurativa ou de perspectiva por 
parte do espectador. Desse modo, criava obras de arte cheias de instintividade e 
emoção.
O papel do artista e a crise da modernidade
Figura 13: Jackson Pollock, N° 5, 1948. Óleo sobre tela, 243.8 x 121.9 cm. 
Coleção particular. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/wiki/No._5,_1948>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
 A Pop Art constituiu um movimento artístico que ocorreu predominantemente nos 
Estados Unidos e na Inglaterra, entre a segunda metade dos anos 1950 e 1960. 
Influenciada pelo Dadaísmo, a Pop Art contribuiu também para revolucionar o 
próprio conceito de obra de arte, uma vez que incluía em seus temas objetos 
tipicamente comerciais e de consumo de massa. Os artistas representativos 
desse movimento incorporaram ao seu repertório objetos emblemáticos da 
indústria cultural e do universo da propaganda, como a Coca-Cola 
e as imagens de artistas populares como Marilyn Monroe.
 De certo modo, por incluir imagens plenamente 
identificáveis de pessoas e objetos, a Pop Art marcou 
também um retorno ao figurativismo, contrapondo-se ao 
Expressionismo, dominante desde o fim da Segunda 
Grande Guerra (1939-1945).
A Pop Art
 Andy Warhol (1927-1987) foi o mais renomado representante da Pop Art. Tornou-
se internacionalmente conhecido por suas séries de retratos de ícones da música 
e do cinema, como, por exemplo, Marilyn Monroe e Elvis Presley. Warhol 
empregou em suas obras sobretudo a técnica da serigrafia, representando, além 
dos ídolos pop, objetos de consumo de massa, como garrafas de Coca-Cola, 
latas de sopa Campbell’s, carros etc.
A Pop Art
Figura 14: Andy Warhol, Latas de sopa Campbell, 1962. Tinta de
polímero sintético sobre tela. MoMA, Nova York, EUA. Disponível em:
<https://upload.wikimedia.org/wikipedia/pt/1/1f/Campbells_Soup_Cans
_MOMA.jpg>. Acesso em 15 ago 2018.
 A Op Art ou Optical Art foi um movimento artístico caracterizado pelo emprego de 
formas geométricas que induzem o olhar do espectador a uma espécie de ilusão 
de ótica, gerando sensações de movimento, de tridimensionalidade, de vibração e 
de mudança de sentido. A Op Art parece querer significar a permanente mudança 
a que está submetido o mundo contemporâneo, seu caráter sempre passageiro, 
mesmo fugaz. Artistas desse movimento são Alexander Calder (1898-1976) e 
Victor Vasarely (1908-1997). Trata-se de uma arte feita com bastante rigor, 
científica, dado o seu caráter sistemático.
A Op Art
 A Op Art é feita intencionalmente para 
interferir na percepção daquilo que se vê, 
fazendo referências à ilusão de ótica e à 
maneira como nossos órgãos de percepção 
da realidade funcionam.
A Op Art
Figura 15: Bridget Riley, (1931- ). 
Quadrados em movimento, 1961. 
Disponível em: 
<https://www.wikiart.org/pt/bridget-
riley/movement-in-squares-1961>. 
Acesso em 21 ago. 2018. 
 As esculturas abstratas de Alexander Calder nos remetem às quatro dimensões 
da realidade: altura, profundidade, largura e tempo, uma vez que elas se 
movimentam, revelando-se ao espectador lentamente. Acrescente-se que os 
primeiros móbiles eram movimentados pelos próprios espectadores. 
A Op Art
Figura 16: Alexander Calder, Antena com pontos vermelhos e azuis, c. 1953. Metal pintado. Tate Gallery, 
Londres, Inglaterra. Disponível em: <https://www.tate.org.uk/art/images/work/T/T00/T00541_10.jpg>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
 Posteriormente, Calder decidiu suspendê-los, 
movimentando-se sozinhos, pela ação do vento. A 
construção dos móbiles demanda rigor na criação 
de um sistema equilibrado de pesos, a fim de que o 
movimento seja mantido ritmado e prolongado.
 Minimalismo
 O Minimalismo constituiu um movimento artístico iniciado no decênio de 1960, 
nos Estados Unidos, cujos representantes buscavam expressar-se por meio do 
recurso aos elementos fundamentais – mínimos – das artes visuais. Nas artes 
plásticas, os minimalistas opuseram-se ao Expressionismo abstrato norte-
americano. Efetivamente, julgavam a Action Painting extremamente personalista e 
carente de substância. Para os minimalistas, caberia à arte expressar apenas a si 
própria e não a qualquer elemento extra-artístico, não visual. Por esse motivo, 
pode-se considerar a Minimal Art (arte minimalista) como o ponto culminante do 
reducionismo nas artes plásticas, tendência que vinha se 
manifestando em diferentes campos artísticos no 
transcorrer do século XX.
A pós-modernidade e as perspectivas da arte no século XXI
 Minimalismo
 Abaixo, reprodução de parte da obra do minimalista norte-americano Dan Flavin
(1933-1996), um dos principais expoentes da Minimal Art. A obra é uma escultura 
composta por tubos luminosos coloridos. Nela, é possível notar as mais 
importantes características do Minimalismo, ou seja, o reducionismo formal, 
a despretensão, a simplicidade e o forte cunho geométrico.
A pós-modernidade e as perspectivas da arte no século XXI
Figura 17: Dan Flavin, Instalação para um lugar 
específico, 1996. Menil Collection, Houston, Texas, 
USA. Coleção particular. Disponível em: 
<https://upload.wikimedia.org/wikipedia>. 
Acesso em 15 ago 2018. 
 Arte conceitual
 O movimento artístico denominado Arte Conceitual desenvolveu-se, 
particularmente, nos Estados Unidos, a partir da década de 1960. Diferentemente 
do Minimalismo, na Arte Conceitual a crítica está presente, embora não de forma 
explícita, mas em reflexões filosóficas e linguísticas. Nesta linha de pensamento 
das artes plásticas, as ideias e os conceitos são considerados mais importantes 
do que os meios e materiais empregados na sua representação. Noutros termos, 
na Arte Conceitual, as ideias são mais relevantes do que os próprios objetos 
artísticos.
A pós-modernidade e as perspectivas da arte no século XXI
 Arte conceitual
 Temos aqui a obra One and Three Chairs, do norte-americano Joseph Kosuth
(1945), que ilustra bem as principais características da Arte Conceitual. Nesta 
obra, Kosuth expõe, conjuntamente, uma cadeira real, uma foto dessa mesma 
cadeira e um texto contendo a definição do que seja uma cadeira. Ao proceder
A pós-modernidade e as perspectivas da arte no século XXI
Figura 18: Joseph Kosuth, One and Three
Chairs, 1965. Cadeira dobrável de madeira, 
fotografia de uma cadeira e uma ampliação em 
fotografia da definição da palavra “cadeira do 
dicionário”. Coleção particular. Disponível em: 
<https://www.moma.org/learn/moma_learning/jos
eph-kosuth-one-and-three-chairs-1965>.Acesso 
em 15 ago 2018. 
assim, o artista pretende provocar a reflexão 
sobre a própria realidade do objeto, ou seja, uma 
discussão sobre o próprio ser das coisas.
A Pop Art, apesar de acontecer depois do surgimento do abstracionismo (imagens 
criadas a partir da imaginação humana), também pode ser chamada de uma arte 
que volta a ser figurativa (representa as imagens que vemos no mundo real). 
Por que esse movimento artístico pode receber essa classificação?
a) Porque ela se baseia na ilusão de ótica, causada por formas estranhas.
b) Porque ela usa da perspectiva tradicional para representar as formas.
c) Porque ela usa referências formais baseadas nas vanguardas.
d) Porque as formas utilizadas nas obras de arte desse 
movimento são de origem cubista.
e) Porque os artistas desse movimento utilizam, entre 
outras, imagens de produtos industrializados reais.
Interatividade
A Pop Art, apesar de acontecer depois do surgimento do abstracionismo (imagens 
criadas a partir da imaginação humana), também pode ser chamada de uma arte 
que volta a ser figurativa (representa as imagens que vemos no mundo real). 
Por que esse movimento artístico pode receber essa classificação?
a) Porque ela se baseia na ilusão de ótica, causada por formas estranhas.
b) Porque ela usa da perspectiva tradicional para representar as formas.
c) Porque ela usa referências formais baseadas nas vanguardas.
d) Porque as formas utilizadas nas obras de arte desse 
movimento são de origem cubista.
e) Porque os artistas desse movimento utilizam, entre 
outras, imagens de produtos industrializados reais.
Resposta
ATÉ A PRÓXIMA!