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e-Book 2
Ricardo Alexandre Bontempo
LINGUAGEM VISUAL E 
ESTÉTICA
Sumário
INTRODUÇÃO ELEMENTOS DA 
LINGUAGEM VISUAL: CONCEITO E 
SIGNIFICAÇÕES ��������������������������������������������� 4
GESTALT: A TEORIA DA FORMA ������������������ 10
Proximidade ������������������������������������������������������������������������ 10
Similaridade ou Semelhança ���������������������������������������������� 11
Continuidade ����������������������������������������������������������������������� 12
Fechamento ������������������������������������������������������������������������ 12
Figura e Fundo ��������������������������������������������������������������������� 13
PONTO E AS ARTES VISUAIS: RELAÇÕES 
COM O PÓS IMPRESSIONISMO E O 
ABSTRACIONISMO ����������������������������������������18
LINHA: FORMAS NO ESPAÇO DA ART 
NOVEAU E NA ART DECÓ ����������������������������� 27
ELEMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL: 
FORMA, DIREÇÃO E MOVIMENTO ��������������� 38
Forma ����������������������������������������������������������������������������������� 39
Direção ��������������������������������������������������������������������������������� 42
FORMA E DIREÇÃO NAS ARTES 
VISUAIS: NEOPLASTICISMO E BAUHAUS �� 45
MOVIMENTO NAS ARTES VISUAIS: 
FUTURISMO E ART CINÉTICA ��������������������� 69
Movimento��������������������������������������������������������������������������� 69
Relações com o futurismo e a arte cinética ��������������������� 70
ESCALA E PROPORÇÃO - CONCEITOS E 
SIGNIFICADOS ��������������������������������������������� 89
Escada e Proporção ������������������������������������������������������������ 92
Usando a escala representativa ����������������������������������������� 98
ESCALA E PROPORÇÃO NAS ARTES 
VISUAIS: RELAÇÕES COM A ARTE 
EGÍPCIA ������������������������������������������������������ 102
ESCALA E PROPORÇÃO NAS ARTES 
VISUAIS: RELAÇÕES COM A ARTE GREGA ��� 116
Principais diferenças entre a arte egípcia e graga ���������127
ESCALA E AS ARTES VISUAIS: 
RELAÇÕES COM A ARTE ROYAL DE LUXE ���137
REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS & 
CONSULTADAS ������������������������������������������ 147
4
INTRODUÇÃO ELEMENTOS 
DA LINGUAGEM VISUAL: 
CONCEITO E SIGNIFICAÇÕES
A linguagem é parte essencial na vida dos homens, 
ela foi evoluindo ao longo da existência humana, 
desde a forma auditiva mais primitiva, até chegar 
na capacidade de criar e decodificar códigos, como 
a escrita e a leitura� É um meio que os homens 
encontraram para se comunicar� Assim também o 
é no que se refere a linguagem visual, uma forma 
de comunicação através das imagens� Podemos 
perceber que o homem é ao mesmo tempo um 
produtor e consumidor das imagens�
O questionamento que nos leva a investigar a lin-
guagem visual, compreende assim o universo que 
nos rodeia: a obra plástica, o design, a fotografia e 
o cinema, enfim as artes visuais em suas diversas 
formas� E de que maneira, a partir do estudo dos 
componentes das mensagens visuais, a sintaxe 
visual, podemos utilizar da análise dos elementos 
dessa linguagem para uma leitura e produção de 
imagens� A sintaxe visual pode ser compreendida 
como a forma e a ordem que os elementos são 
dispostos em uma composição� O conhecimento de 
tais elementos e a maneira como são organizados 
pode levar a uma compreensão mais aprofundada 
das mensagens visuais�
5
Você acha que o modo como vemos e compreendemos 
o mundo afeta aquilo que vemos?
Ler uma imagem é um processo natural, muitas vezes 
não precisamos de um estudo para identifica-las, 
mas deve-se observar que todas as mensagens 
visuais são influenciadas pela cultura, pelo estado 
psicológico e por fatores ambientais. Segundo 
a designer e professora Donis A� Dondis (1991) 
ler uma imagem é um processo muito individual, 
uma vez que nossa identidade é frequentemente 
modelada pelos nossos costumes sociais�
O ambiente também infere muito na maneira 
como vemos uma imagem� Você já parou para 
analisar quantos tons de branco você consegue 
enxergar? Os esquimós (povo que vive no Círcu-
lo Polar Artico), por exemplo, tem mais de 100 
palavras para definir as diferentes tonalidades 
de branco, para eles distinguir tais tonalidades 
pode ser uma questão de sobrevivência, entre um 
gelo consistente e um gelo fino sobre as águas. 
Na imagem abaixo, quantos tons de branco você 
consegue distinguir?
REFLITA
6
Figura 1: Mont Blanc�
Fonte: wirestock / Freepik�
Apesar dos diversos fatores que podem ser deci-
sivos na maneira como vemos as imagens, pode-
mos perceber um sistema visual, bem como as 
variações estruturais das mesmas, os elementos 
da linguagem visual�
Os dados visuais têm três níveis distintos e individuais: 
o input visual, que consiste de miríades dos sistemas 
de símbolos; o material visual representacional, que 
identificamos no meio ambiente e podemos reproduzir 
através do desenho, da pintura, da escultura e do cine-
FIQUE ATENTO
https://br.freepik.com/fotos-gratis/bela-foto-de-um-cenario-nevado-rodeado-por-montanhas-no-mont-blanc_9184051.htm#page=1&query=GELEIRA&position=34
7
ma; e a estrutura abstrata, a forma de tudo aquilo que 
vemos, seja natural ou resultado de uma composição 
para efeitos intencionais� (DONDIS, D�, 1997, p� 11)
Os símbolos, estão presentes em quase todas as 
imagens, eles identificam as ações, direções, e 
estado de espírito, vão desde as representações 
mais realistas até as mais abstratas que não pos-
suem informações visuais identificáveis e é preciso 
aprender o que eles realmente significam, como 
se aprende uma língua�
Ao analisarmos o desenvolvimento da linguagem, 
podemos perceber que os homens a partir da 
necessidade de guardar e transmitir suas expe-
riências, foram criando imagens até chegar na 
linguagem escrita� No começo as imagens foram 
utilizadas, e quando não era possível, inventavam 
um símbolo� Depois os símbolos foram se tornando 
cada vez mais sofisticados, e os sons passaram a 
ser representados pelos mesmos, criando assim 
uma linguagem escrita altamente desenvolvida�
O material visual representacional é baseado na 
maioria das vezes na experiência direta, na ob-
servação e serve também como um recurso da 
aprendizagem� Dependemos da visão como um 
elemento de sobrevivência� No entanto outras vezes 
também aprendemos coisas que não podemos ter 
experiências diretas, através dos meios visuais� 
8
Sua natureza faz com que não seja necessária 
nenhuma outra informação para decodificar a 
mensagem, basta ver a imagem para compreen-
de-la� Já a estrutura abstrata é a mais complexa 
dos níveis dos dados visuais, considerada como a 
mensagem visual pura� Analise as imagens abaixo, 
para exemplificar melhor a diferença entre esses 
dois níveis� Na Figura 2, é possível conhecer o 
lugar? Na Figura 3, você consegue compreender 
a mensagem da imagem?
Figura 2: Torre Eiffel, Paris� França�
Fonte: kstudio / Freepik�
https://br.freepik.com/fotos-gratis/torre-eiffel-de-paris-com-ponte_1074799.htm#page=1&query=torre%20eiffel%20kstudio&position=3&from_view=search
9
Figura 3: 
Fonte: Shutterstock�
O que podemos perceber em todos os níveis, 
apesar de suas diferenças é que são compostos 
por elementos visuais básicos, que possibilitam 
os diversos tipos de representações e suas sig-
nificações. É uma parte intrínseca da natureza 
da imagem, seja ela realista ou abstrata e muitos 
teóricos estudaram “como e o que as artes visu-
ais” comunicam�
10
GESTALT: A TEORIA DA 
FORMA
A Gestalt, foi uma teoria da psicologia que preocu-
pou-se em analisar os princípios da organização 
perceptiva, que analisa as peculiaridades entre 
o todo e suas partes, também conhecida como 
teoria da Forma. Criada pelos psicólogos Max 
Wertheimer, Kurt Koffka e Wolfgang Köhler, e 
posteriormente utilizada por pelo psicólogo Rudolf 
Arnheim para análise das artes visuais� Arnheim 
analisa os estímulos visuais em todos os níveis 
da inteligência visual, estuda o funcionamento da 
percepção, bem como as unidades individuais e 
sua relação com o todo� Aqui faremos uma breveintrodução aos princípios em que se baseiam essa 
teoria, pois posteriormente serão estudados mais 
profundamente no e-book 4�
PROXIMIDADE
A proximidade ocorre quando os elementos são 
colocados juntos� Eles tendem a ser percebidos 
como um grupo, como podemos perceber na aná-
lise e comparação das imagens abaixo (Figura 4)�
11
Figura 4: Proximidade�
Fonte: Elaboração própria.
SIMILARIDADE OU SEMELHANÇA
A semelhança ocorre quando os objetos se pare-
cem um com o outro� As pessoas geralmente as 
percebem como um grupo ou padrão� Conforme 
podemos analisar na imagem abaixo (Figura 5), os 
círculos que estão em preto tendem a ser obser-
vados como um grupo, e os que estão em branco 
como outro grupo distinto�
Figura 5: Similaridade�
Fonte: Elaboração própria.
12
CONTINUIDADE
A continuação ocorre quando o olho é obrigado a 
mover-se através de um objeto e continuar para 
outro objeto� Analise as imagens abaixo e perceba 
que na Figura 6A é como o objeto foi desenhado e 
na Figura 6B como vemos o objeto, ou seja temos 
a tendência de perceber os pontos como um todo 
e não apenas como partes distintas�
Figura 6: Continuidade�
Fonte: Akermariano/Wikipedia (adaptado)�
FECHAMENTO
O fechamento ocorre quando um objeto está in-
completo ou um espaço não está completamente 
fechado. Se o suficiente do formato for indicado, 
as pessoas percebem o todo preenchendo a infor-
mação faltando, como podemos ver na imagem 
abaixo (Figura 7), onde podemos ver o cubo na 
frente dos círculos�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Gestalt_Principles_Composition.jpg
13
Figura 7: Fechamento� Cubo de Necker�
Fonte: Elaboração própria.
FIGURA E FUNDO
O olho diferencia um objeto da sua área circun-
dante� Uma forma, silhueta ou forma é percebida 
naturalmente como figura (objeto), enquanto a 
área circundante é percebida como fundo. A figura 
e o fundo em equilíbrio podem tornar a imagem 
percebida mais clara� Uma composição simples 
pode ter apenas uma figura. Em uma composição 
14
complexa, haverá várias coisas a notar� À medida 
que olhamos de um para outro, cada um deles 
se torna figura por sua vez. Observe a imagem 
a seguir (Figura 8) conhecida como o vaso de 
Rubin, o que você vê? Um vaso ou duas pessoas 
prestes a se beijar? Qualquer umas das imagens 
está correta, o que fato é que temos a tendência a 
escolher uma imagem como figura e outra como 
fundo separadamente�
Figura 8: Vaso de Rubin�
Fonte: Elaboração própria.
15
O livro Arte e Percepção Visual: uma psicologia da visão 
criadora é uma obra pioneira na análise perceptiva das 
imagens� Foi lançado em 1954, mas até hoje é revisitado 
sendo um dos livros mais utilizados para trabalhar a per-
cepção das formas em cursos de design, comunicação 
visual e artes� Para o autor, as imagens são formas com 
conteúdo, mas seus conteúdos são influenciados pela 
importância de suas partes, que são constituídas por 
diversos elementos: a cor, o tom, a textura, a dimensão, 
a proporção e suas relações compositivas com o sig-
nificado. Ele faz uma análise dos meios visuais, como 
a pintura o desenho e a escultura� ARNHEIM, Rudolf R� 
Arte e Percepção Visual: uma psicologia da visão criadora� 
São Paulo: Cengage Learning, 2011�
Você já notou que algumas imagens são mais 
agradáveis aos olhos do que outras? Isso tem a ver 
com a maneira como são compostas e também 
de que forma são organizadas� Para compreender 
essa questão é preciso analisar os componentes 
individuais do processo compositivo em suas formas 
mais simples, ou seja, seus elementos básicos: o 
ponto, a linha, a forma, a direção, o tom, a cor, a 
textura, a escala, a dimensão e o movimento�
SAIBA MAIS
16
• “o ponto, a unidade visual mínima, o indicador e mar-
cador de espaço;
• a linha, o articulador fluido e incansável da forma, 
seja na soltura vacilante do esboço seja na rigidez de 
um projeto técnico;
• a forma, as formas básicas, o círculo, o quadrado, o 
triângulo e todas as suas infinitas variações, combina-
ções, permutações de planos e dimensões;
• a direção, o impulso de movimento que incorpora e 
reflete o caráter das formas básicas, circulares, diago-
nais, perpendiculares;
• o tom, a presença ou a ausência de luz, através da 
qual enxergamos;
• a cor, a contraparte do tom com o acréscimo do com-
ponente cromático, o elemento visual mais expressivo 
e emocional;
• a textura, óptica ou tátil, o caráter de superfície dos 
materiais visuais;
• a escala ou proporção, a medida e o tamanho relativos;
• a dimensão e o movimento, ambos implícitos e expres-
sos com a mesma frequência�” (DONDIS, A�, 1997, p� 13)
A partir desses elementos é que obtemos a matéria 
prima para composição de qualquer imagem, e 
podemos planejar e expressar as diversas mani-
festações visuais e experiências� Mas devemos ter 
SAIBA MAIS
17
em mente que o significado não se dá apenas pela 
disposição desses elementos básicos, mas em seu 
mecanismo perceptivo, que é compartilhado pelos 
sentidos humanos. Para exemplificar, podemos 
pensar no processo criativo de um design a partir 
da combinação dos elementos: cores, texturas 
e formas, relacionando esses elementos para a 
transmissão de uma mensagem com significado 
específico. O resultado é a intenção do artista, fo-
tógrafo ou designer, refletido em sua composição. 
Ver é muito importante na comunicação visual, e 
uma função compartilhada por todos os homens, 
em diferentes graus�
O ato de ver está relacionado diretamente com a 
luz, e a resposta a seu estímulo� Assim, segundo 
Dondis (1997), o elemento mais importante da 
experiência visual é de natureza tonal, uma vez 
que é a luz que nos mostra a substância que o 
homem identifica e imagina no ambiente, ou seja, 
os demais elementos visuais: o ponto, a linha, a 
forma, a direção, a cor, a textura, a escala, a dimen-
são e o movimento. No próximo tópico veremos 
os dois primeiros elementos: o ponto e a linha e 
de que maneira estes foram utilizados em alguns 
movimentos artísticos�
18
PONTO E AS ARTES 
VISUAIS: RELAÇÕES COM 
O PÓS IMPRESSIONISMO E 
O ABSTRACIONISMO
O ponto é a unidade mínima e a mais simples da 
comunicação visual� As formas circulares são as 
mais comuns na natureza� Quando um líquido cai 
em uma superfície, adquire uma forma arredonda-
da, mesmo que não seja um ponto em si� O ponto 
também pode ser uma unidade de referência no 
espaço, quando utilizado para tal fim.
Porque tem um grande poder de atração do olhar, 
como pode ser observado na imagem abaixo, 
Figura 9�
Figura 9: Ponto�
Fonte: Elaboração própria.
Quanto mais os pontos estiverem próximos um 
dos outros, maior será a sugestão de direção 
que ele proporcionará� Dois pontos podem ser 
usados para medição do espaço (Figura 10), mas 
também no desenvolvimento dos projetos visuais� 
Quanto maior a complexidade da composição de 
19
um projeto visual, maior será o número de pontos 
utilizados (Figura 11)�
Figura 10: Dois Pontos� 
Fonte: Elaboração própia.
Figura 11: Espiral em pontos�
Fonte: Elaboração própria.
No universo das artes visuais o ponto é um ele-
mento muito utilizado, como podemos ver no 
pós-impressionismo (1880-1905), termo utilizado 
no início da Arte Moderna para agrupar artista de 
20
estilos diversos, seja na técnica ou na temática, 
mas todos concentrados na visão subjetiva do 
artista� O movimento inaugurou uma era em que 
a pintura transcendeu seu papel tradicional como 
uma janela para o mundo e, em vez disso, tornou-
-se uma janela para a mente e a alma do artista�
Um dos artistas fundamental para compreender a 
utilização do ponto neste movimento foi o francês 
George Seurat (1859-1891), que percebeu essa 
atração do olhar, e desenvolveu uma técnica de pin-
tura baseada na composição através de pequenos 
pontos� Essa técnica foi chamada de Pontilhismo�
O pontilhismo é uma técnica pictórica que se orienta a 
partir de um método preciso: trata-se de dividir as co-
res em seus componentes fundamentais� As inúmeras 
pinceladas regulares de cores puras que cobrema tela 
são recompostas pelo olhar do observador e, com isso, 
recupera-se sua unidade, longe das misturas feitas na 
paleta� A sensação de vibração e luminosidade decorre 
da “mistura ótica” obtida pelos pequenos pontos de cor 
de tamanho uniforme que nunca se fundem, mas que 
reagem uns aos outros em função do olhar à distância� 
(Enciclopédia Itaú Cultural� Fonte: http://enciclopedia�
itaucultural�org�br/termo3642/pontilhismo)
SAIBA MAIS
http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3642/pontilhismo
http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3642/pontilhismo
21
O artista percebeu que quando os pontos se unem, 
são capazes de dirigir o olhar, e que em grande 
número, criam uma ilusão de tom e cor� Seurat 
explorou esse fenômeno perceptivo, utilizando ape-
nas quatro cores: amarelo, vermelho, azul e preto, 
e com pinceis pequenos e pontiagudos criou suas 
pinturas através de pontos� A divisão dos tons é 
problema central nas obras do artista, como a luz 
branca é na verdade a junção de todas as cores, a 
pintura deve ser composta, não de um tom unido, 
mas da aproximação de vários pontos que visto 
a certa distância compõe uma unidade visual, o 
princípio da Gestalt de proximidade�
A obra Domingo de Verão no Grande Jatene (1884-
86), de Seurat, retrata um dia ensolarado as margens 
do rio Sena� Composta por muitos pontos de cor 
colocados um ao lado do outro para criar figuras 
como as vemos agora (Figura 12)� O artista acredi-
tava que colocar pontos de cor pura um ao lado do 
outro permitiria que o trabalho fosse mais vibrante� 
Nós vemos a ideia de proximidade não só usada na 
escala minúscula desses pontos e na cor desses 
pontos para separar as figuras, mas também pela 
separação em larga escala das figuras enquanto 
ocupam seus lugares no parque� Seurat retrata 
muitos personagens que, embora parecem agru-
pados com base na proximidade, parecem soltos 
e sozinhos, mesmo dentro do seu agrupamento� 
22
Por exemplo, as três figuras na sombra no canto 
inferior esquerdo são posicionadas de perto, mas 
não interagem entre si, nem estão olhando umas 
para o outras� O mesmo é verdade para os dois 
agrupamentos mãe e filha no centro, e as duas 
figuras proeminentes à esquerda. As figuras com 
maior interação, de fato, parecem ser os animais 
na parte inferior da imagem - particularmente o 
macaco e o cachorro marrom que parecem estar 
deixando seu grupo de proximidade e se juntando 
ao outro cão preto�
Figura 12: George Seurat� Domingo de Verão no Grande Ja-
tene� 1884-86 Óleo sobre tela� 207�5 × 308�1 cm� Instituto 
de Arte de Chicago�
Fonte: Wikimedia�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:A_Sunday_on_La_Grande_Jatte,_Georges_Seurat,_1884.jpg
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Seurat investigou a fundo as possibilidades de 
explorar os processos de organização e contraste 
que se concretizavam no olhar do espectador, onde 
a participação no ato de ver é parte integrantes 
do significado da mensagem visual. Em sua obra, 
“a capacidade única que uma série de pontos de 
conduzir o olhar é intensificada pela maior proxi-
midade dos pontos�” (DONDIS, D�, 1997, p� 54)
Outro artista que se debruçou sobre o estudo do 
ponto de forma sistemática, foi o artista e professor 
da Bauhaus Wassily Kandinsky, sendo o precursor 
do abstracionismo na arte�
Em sentido amplo, abstracionismo refere-se às formas 
de arte não regidas pela figuração e pela imitação do 
mundo. Em acepção específica, o termo liga-se às 
vanguardas europeias das décadas de 1910 e 1920, 
que recusam a representação ilusionista da natureza� 
A decomposição da figura, a simplificação da forma, 
os novos usos da cor, o descarte da perspectiva e das 
técnicas de modelagem e a rejeição dos jogos con-
vencionais de sombra e luz, aparecem como traços 
recorrentes das diferentes orientações abrigadas sob 
esse rótulo. Inúmeros movimentos e artistas aderem à 
abstração, que se torna, a partir da década de 1930, um 
dos eixos centrais da produção artística no século XX�
SAIBA MAIS
24
É possível notar duas vertentes a organizar a ampla 
gama de direções assumidas pela arte abstrata� A pri-
meira, inclinada ao percurso da emoção, ao ritmo da cor 
e à expressão de impulsos individuais, encontra suas 
matrizes no expressionismo e no fauvismo� A segunda, 
mais afinada com os fundamentos racionalistas das 
composições cubistas, o rigor matemático e a depuração 
da forma, aparece descrita como abstração geométrica� 
As vanguardas russas exemplificam as duas vertentes: 
Wassily Kandinsky (1866-1944), representante da pri-
meira, é considerado pioneiro na realização de pinturas 
não-figurativas com Primeira Aquarela Abstrata (1910) e 
a série Improvisações (1909/1914)� Seu movimento em 
direção à abstração inspira-se na música e na defesa de 
uma orientação espiritual da arte, apoiada na teosofia. 
(Enciclopédia Itaú Cultural� Fonte: http://enciclopedia�
itaucultural�org�br/termo347/abstracionismo)
Segundo Kandisnky (1970) o ponto é um elemento 
autônomo na pintura, ele deve ser visto um o pri-
meiro elemento compositivo, que se materializa 
na superfície pictórica, suas dimensões podem 
variar de acordo com a intenção do artista� Para 
o artista, o ponto é um pequeno pedaço de cor 
colocado por ele na tela, é extensão, forma e cor� 
É a forma mais concisa, mas de acordo com sua 
colocação no plano básico, ele terá uma tonali-
dade diferente, pode ser isolado ou ressoar com 
outros pontos e linhas� Podemos ver a importância 
concedida ao ponto por Kandinsky, em sua obra 
Pontos (Figura 13)� Criou esta obra a partir dos 
http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo347/abstracionismo
http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo347/abstracionismo
25
elementos geométricos que compõem a pintura, 
o ponto e a linha, tornando-os protagonistas no 
campo da pintura� Perceba que a maneira como 
o artista compôs sua obra dá uma impressão de 
movimento e vibração, como se estes elementos 
estivessem em movimento�
Figura 13: Wassily Kandinsky� Pontos, 1920� Óleo sobre 
tela� 91�8 x 110�3 cm� Museu de Arte de Ohara�
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Wassily_Kandinsky,_1920_-_Points.jpg
26
Podemos perceber, através da análise da obra de 
Kandinsky, que o ponto pode adquirir um número 
infinito de tamanhos e cores. Sua forma ainda 
pode aproximar-se de outras formas geométri-
cas, são muitas possibilidades de criação que o 
ponto proporciona: “e é por isso que o ponto é, 
no sentido exterior e interior, o elemento primeiro 
da pintura, e especificamente, da arte gráfica”. 
(KANDISKY,W� 1970, p�41)
27
LINHA: FORMAS NO 
ESPAÇO DA ART NOVEAU 
E NA ART DECÓ
A medida que o ponto se move, seu trajeto se torna 
uma linha (Figura 14)� Tem posição e direção no 
espaço e é limitada por pontos� É ela que dá forma 
das bordas do objeto compositivo� Uma linha pode 
ser considerada como o produto de uma força 
que foi aplicada em determinada direção: a força 
exercida sobre o lápis ou pincel pelo artista� As 
formas lineares podem ser de diversos tipos: uma 
reta que resulta de uma força única aplicada em 
uma única direção; uma linha angular, resultante da 
alternância de duas forças diferentes em direções 
opostas; ou uma linha curva, produzida pelo efeito 
de dias forças atuando simultaneamente�
Figura 14: Linha�
Fonte: Elaboração própria.
Quando os pontos estão tão próximos entre si que 
se torna impossível identificá-los individualmente, au-
REFLITA
28
menta a sensação de direção, e a cadeia de pontos se 
transforma em outro elemento visual distintivo: a linha� 
Também poderíamos definir a linha como um ponto 
com movimento, ou como a história do movimento de 
um ponto, pois, quando fazemos uma marca contínua, 
ou uma linha, nosso procedimento se resume a colocar 
um marcador de pontos sobre uma superfície e movê-lo 
segundo uma determinada trajetória, de tal forma que 
as marcas assim formadas se convertam em registro� 
(DONDIS, A�, 1997, p� 55)
A linha nunca é um elemento estático, tem por sua 
natureza uma energia emsua composição� Nas 
artes visuais, ela é um meio de apresentar uma 
pré-visualização, daquilo que ainda só existe na 
imaginação do artista� É um elemento essencial 
para o processo visual. Ela é firme e decisiva, tem 
um objetivo, mas mantém sua liberdade e flexibi-
lidade de criação� A linha ainda pode servir como 
um elemento essencial dos projetos diagramáticos 
e construções da arquitetura, sendo rigorosa e 
técnica criando representações visuais de grande 
escala e precisão métrica�
O elemento linha ainda pode assumir muitas outras 
formas, para expressar uma infinidade de intenções 
visuais� Pode ser imprecisa, rabiscada, curvilínea, 
delicada, grosseira, pessoal e aparecer em todos 
os seus aspectos em uma mesma criação� Pode 
ser esboçada de forma hesitante quando explora a 
29
visualidade em busca do desenho� O efeito subjetivo 
produzido por uma linha, segundo Kandinsky (1970), 
depende da sua orientação, uma linha horizontal 
corresponde ao chão que o homem descanse e se 
move e tem uma tonalidade escura, já uma linha 
vertical corresponde à altura e não oferece suporte 
e tem uma tonalidade luminosa, enquanto a linha 
diagonal pode variarem tonalidade de acordo com 
a inclinação�
Você já pensou que a linha é também um instrumento 
para os sistemas de notação, como, por exemplo, a 
escrita? Se pararmos para analisar não somente a es-
crita, mas também a música, a criação de mapas, entre 
tantos outros sistemas simbólicos tem como a linha 
seu principal elemento�
Na arte a linha é o elemento essencial do desenho, 
um sistema de notação que, simbolicamente captura 
a informação visual e a reduz a um estado, em que 
apenas o essencial permanece, toda informação 
visual que compõe os detalhes da composição é 
eliminada� Essa utilização do elemento linha como 
o protagonista da composição visual foi utilizado 
na Arte Moderna, pelo movimento Art Noveau.
REFLITA
30
O termo Art Nouveau foi utilizado para descrever as 
criações dos arquitetos e decoradores de vanguarda 
do final do século XIX (1890) e nos primeiros anos do 
século XX (1910)� Foi um fenômeno tipicamente urbano 
e se manifestou a uma escala internacional, partindo das 
grandes cidades para o interior� O movimento logo virou 
moda, e se estendeu por toda Europa e posteriormente 
no Estados Unidos� O desejo de abandonar os estilos 
históricos do século XIX foi um ímpeto importante por 
trás da Art Nouveau, e um que estabelece a modernidade 
do movimento� Seus artistas, arquitetos e designers 
procuraram reviver o bom acabamento, e produzir um 
design genuinamente moderno que refletia a utilidade 
dos itens que estavam criando� Eles achavam que o 
design anterior tinha sido excessivamente ornamental 
e, ao desejar evitar o que eles percebiam como uma 
decoração frívola, eles desenvolveram a crença de que 
a função de um objeto deveria ditar sua forma� Esse 
foi um importante legado do estilo para movimentos 
modernistas posteriores, como Bauhaus�
Os artistas, designers e arquitetos inspiraram-se em 
formas orgânicas e geométricas, desenvolvendo 
desenhos elegantes que uniam formas fluidas e 
naturais que se assemelham às hastes e às flores 
das plantas� A linha é enfatizada e ela mostra a 
essência da criação visual� O uso de linhas sinuo-
sas, curvas e formas orgânicas representará uma 
de suas principais características� Na arquitetura 
SAIBA MAIS
31
como podemos analisar na entrada do metrô Me-
tropolitain (Figura 15), projetada pelo arquiteto e 
designer francês Hector Guimard� Ele foi contratado 
para criar o designer do portão de entrada para 
a Estação de Metrô de Paris, e tornar esse novo 
modo de transporte atraente para os parisienses� 
Inspirado nas formas naturais, as linhas e padrões 
curvilíneos tem como referência as flores e videi-
ras� As linhas da parte superior da entrada dirigem 
nosso olhar para o interior do metrô�
Figura 15: Hector Guimard� Entrada do metrô de Paris� 
Porta Delphini� 1910�
Fonte: Foto de Jean-Pierre Dalbéra/Wikipedia�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:La_station_art_nouveau_de_la_porte_Dauphine_(Hector_Guimard).jpg
32
Na Art Noveau a ênfase nos contornos lineares 
teve precedência sobre a cor, que geralmente era 
representada com matizes, tais como verdes, 
castanhos, amarelos e azuis� A obra As quatro es-
tações (Figura 16), do designer e ilustrador checo 
Alphonse Mucha mostra como estas formas foram 
utilizadas valorizando a linha e a cor� Nos quatro 
painéis o artista captura os modos das estações 
dando-lhe características humanas: a primavera 
inocente, o verão sensual, o outono frutífero e o 
inverno gelado, representando o ciclo harmonioso 
da natureza�
Figura 16: Alphonse Mucha� As quatro estações: Primave-
ra, Verão, Outono e Inverno� 1885� Litografia�
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
Litografia
Técnica de gravura que utiliza a pedra calcária como 
matriz para impressão�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Four_Seasons_by_Alfons_Mucha,_circa_1897.jpg
33
Veja que cada cenário é distinto, apesar do am-
biente natural, e transmite o clima de cada estação, 
tendo a linha como o elemento que destaca os 
demais. A primavera aparece inocente entre flores 
brancas, as linhas que a compõe são sinuosas e 
delicadas. A personificação do Verão está entre 
papoulas vermelhas e amarelas, a figura feminina 
é alongada através das linhas� O Outono descansa 
entre crisântemos e é representado por uma figura 
de formas volumosas, e seus cabelos negros real-
çam ainda mais as linhas que separam a figura do 
fundo. E o inverno é representado por uma figura 
feminina que se encolhe no frio em uma paisagem 
com neve, onde as linhas destacam ainda mais o 
frio do inverno�
O estilo da Art Noveau ficou fora de moda na Primeira 
Guerra Mundial, preparando o caminho para o de-
senvolvimento da Art Déco, que também trabalhou 
as linhas de forma diferenciada� As obras Art Déco 
são simétricas, geométricas, simplificadas, muitas 
vezes simples e agradáveis aos olhos, utilizando 
linhas retas e circulares estilizadas�
O estilo Art Deco surgiu na década de 1920 e destacou-
-se em diversas áreas das artes visuais: da arquitetura, 
pintura e escultura às artes gráficas e decorativas. Ori-
SAIBA MAIS
34
ginou-se em Paris, e influenciou a arquitetura, as artes 
e a cultura como um todo�
Os artistas criavam objetos funcionais com toques artís-
ticos, sendo assim como a Art Noveau, os precursores 
do design� Com o advento da fabricação em larga escala, 
artistas e designers desejavam aumentar a aparência de 
objetos funcionais produzidos em massa, desde relógios 
e cinzeiros até carros e edifícios� A busca artística de Art 
Deco em todos os aspectos da vida refletiu diretamente 
a novidade relativa e o uso em massa da tecnologia da 
idade da máquina, em vez de métodos de elaboração 
tradicionais para produzir muitos objetos�
Um dos designers de joias mais representativos 
da Art Déco a utilizar das formas lineares foi o 
francês René Jules Lalique� Começou seus tra-
balhos no estilo da Art Noveau (Figura 17), mas 
depois adotou a Art Déco, como podemos analisar 
na Figura 18� No ornamento de corpete, Mulher 
libélula, podemos ver as linhas mais suaves que 
dão vida às formas curvilíneas das asas, também 
para criar o padrão de detalhes das asas, com os 
diversos materiais utilizados� Já no ornamento, 
mulher alada, o designer simplifica as formas e 
retira qualquer informação visual supérflua, apenas 
utilizando a linha para compor as asas da mulher�
35
Figura 17: René Lalique� Mulher libélula� 1897-1898� Orna-
mento de corpete� Ouro, esmalte, vidro e diamante�
Fonte: Foto de sprklg por Flickr�
Figura 18: René Lalique� Mulher alada� 1900�
Fonte: Foto de Jean-Pierre Dalbéra por Flickr�
https://www.flickr.com/photos/sparklig/6129761819/
https://www.flickr.com/photos/dalbera/37066502416
36
Na arquitetura, também encontramos a linha téc-
nica e direta da Art Déco, ao analisarmos a obra 
do arquiteto alemão Walter Groupios, a escola 
Bauhaus� O design do edifíciotem uma fachada 
de vidro na estrutura de carga permite uma visão 
do funcionamento do interior� O design não ampli-
fica visualmente os cantos do edifício, o que cria 
uma impressão de transparência� Gropius projetou 
as várias seções do edifício de forma diferente, 
separando-as consistentemente de acordo com 
a função. A forma do complexo só pode ser en-
tendida movendo-se pelo prédio� Não existe uma 
visão central e as linhas projetadas conduz o olhar 
do espectador aos diferentes pontos de fuga no 
espaço, através de suas formas geométricas�
Figura 19: Escola de Arte Bauhaus�
Fonte: Hjochheim/Wikipedia�
37
Bauhaus - A Face do Século XX (Inglaterra e Irlanda 
do Norte, 1994)
O documentário é sobre a escola Bauhaus que se 
transformou em sinônimo de arquitetura, design e artes 
plásticas de vanguarda durante todo o século XX� Escrito 
e narrado pelo crítico de arte britânico Frank Whitford�
Disponível em: https://www�youtube�com/
watch?v=H4tB3ZqM1uA
Conforme podemos perceber nos estilos estudados, 
a linha é o meio indispensável para tornar visível 
o que ainda não pode ser visto, por existir apenas 
na imaginação, seja ela usada com flexibilidade e 
experimentalmente, ou com precisão e medidas 
rigorosas� É a linha que nos permite dar vida a ou-
tros elementos da linguagem visual, como forma, 
direção e movimento�
SAIBA MAIS
https://www.youtube.com/watch?v=H4tB3ZqM1uA
https://www.youtube.com/watch?v=H4tB3ZqM1uA
38
ELEMENTOS DA LINGUAGEM 
VISUAL: FORMA, DIREÇÃO E 
MOVIMENTO
Nas obras de arte, há um processo de pensamento 
para o arranjo e uso dos elementos de linguagem 
visual (forma, direção e movimento) que nos 
ajudam planejar e organizar cuidadosamente os 
elementos da composição�
A arte visual manifesta-se através de mídia, ideias, 
temas e imaginação criativa�
No entanto, tudo isso depende de elementos estru-
turais básicos que se combinam para manifestar 
à expressão artística�
Como vimos na aula anterior, os elementos da 
linguagem visual são ferramentas visuais que um 
artista usa para compor sua obra de arte, e esses 
elementos estão intimamente relacionados�
Quando você olha para um trabalho de arte, a 
primeira coisa que você notará, é a composição 
da peça� A composição refere-se ao arranjo or-
denado dos elementos e sempre encontra uma 
dessas formas de organização: equilíbrio, unidade, 
ênfase, contraste, movimento de padrões e ritmo� 
Normalmente, vários princípios são usados para 
39
criar fluxo, é o que podemos analisar no elemento 
visual Forma�
FORMA
A forma é uma área contida dentro de uma linha 
implícita, ou definida por uma mudança de cor, tom 
ou luz� Eles podem ser de forma livre e orgânica 
(assimétrica) ou de natureza geométrica (simétrica) 
podem ser, representativo amorfo, irregular�
Amorfo
Que não tem forma determinada; informe�
Formas geométricas como triângulos, quadrados, 
círculos não têm volume e são bidimensionais� Um 
círculo torna-se uma esfera em três dimensões, um 
quadrado torna-se um cubo, um triângulo torna-se 
uma pirâmide ou um cone� As formas geométri-
cas têm um volume que descreve sua densidade, 
espessura do peso, formando a sensação tridi-
mensional do objeto�
As linhas podem se fechar em torno de uma for-
ma e não ter pontos finais (contornos), ou nas 
extremidades podem ser queimados, desgastados 
arredondados, cônicos ou cortados em qualquer 
ângulo�
A forma nas artes visuais tem características 
específicas e uma variedades de significados. Po-
40
demos ter uma série de resultados dependendo do 
que queremos alcançar, associadas a percepção 
psicológica e fisiológica.
O elemento visual forma, pode ser observado nas 
formas básicas (Tabela 1) e expresso em três ele-
mentos visuais elementares: o quadrado, círculo, 
triângulo, e horizontal, vertical, diagonal e curva�
Tabela 1: Formas básicas�
Quadrado Circulo Triângulo
 y Equilíbrio y Abrangência y Ação
 y Estabilidade y Movimento y Tensão
 y Ordem y Infinito y Estabilidade
Fonte: Elaboração própria.
Quadrados e retângulos são as formas mais comuns 
em objetos artificiais, da arquitetura ao arranjo de 
texto em uma página, retângulos são familiares 
e seguros, mas sua uniformidade também pode 
criar um efeito conservador ou rígido� Elas podem 
ser usadas para sugerir estabilidade e verdade� 
Segundo (DONDIS,D.1997,p.33) “os quadrados 
são considerados uma das formas mais honestas, 
41
mais do que outros tipos de retângulos, devido à 
sua simplicidade matemática e visual”�
Os triângulos sugerem ação por causa do movi-
mento dos cantos “apontando” em uma direção. 
Os triângulos equilaterais são os mais estáveis 
das formas triangulares, porque todos os lados e 
ângulos são os mesmos� Os triângulos podem su-
gerir crescimento ou “chegar ao topo”. Os círculos 
sugerem infinito, finalização, suavidade e segurança. 
Os círculos são úteis para focar a atenção devido 
ao fechamento da forma, e porque são menos 
comuns em objetos artificiais do que formas com 
linhas retas, e uma forma identificada na natureza. 
As formas básicas são usadas em todas as áreas 
do projeto e são muito proeminentes no design 
gráfico. A forma visual, pode ser definida como 
simples ou complexa, geométrica ou natural e 
abstrata� Uma forma pode combinar diferentes 
qualidades, por exemplo, uma forma pode ser 
simples e natural, e outra forma pode ser simples, 
geométrica e abstrata�
Os elementos de artes visuais estão intimamente 
relacionados, são partes integrantes no desen-
volvimento da linguagem visual, vamos estudar o 
elemento direção e como os elementos forma e 
direção se compensam mutuamente no equilíbrio 
da composição�
42
DIREÇÃO
O peso visual é uma força exercida pela direção� Esses 
conceitos são importantes quando você deseja criar 
uma composição com equilíbrio, ritmo e hierarquia�
Uma das principais ferramentas para criação de 
mensagens visuais é o significado das direções 
visuais expressas em três direções básicas: ho-
rizontal e diagonal e círculo (Tabela 2)� Vamos 
imaginar o design gráfico de uma página na Web 
(Figura 20), com uma força visual que atrai o 
olhar do visualizador, você pode observar que a 
disposição dos planos exerce uma força visual 
direcionando e sugerindo onde você deva procu-
rar o próximo foco de luz. Elementos em primeiro 
plano carregam mais peso que segundo plano, os 
elementos mais altos em uma composição têm 
mais peso que elementos mais baixos� Elementos 
horizontais apresentam a amplitude e estabilidade, 
os elementos em diagonal apresentam instabili-
dade, curvas apresentam continuidade�
Tabela 2: Direção�
Horizontal Diagonal Circular
 y Vertical y Curva
Fonte: Elaboração própria.
43
Figura 20: Modelo de site de vetor para emrpesas�
Fonte: Shutterstock�
A referência horizontal constitui a referência primária do 
homem, em termos de bem-estar e maneabilidade� Seu 
significado mais básico tem a ver não apenas
REFLITA
44
com a relação entre o organismo humano e o meio 
ambiente, mas também com a estabilidade em todas 
as questões visuais� A necessidade de equilíbrio não é 
uma necessidade exclusiva do homem; dele também 
necessitam todas as coisas construídas e desenhadas� 
A direção diagonal tem referência direta com a ideia de 
estabilidade� É a formulação oposta, a força direcional 
mais instável, e, consequentemente, mais provocadora 
das formulações visuais. Seu significado é ameaçador 
e quase literalmente perturbador� As forças direcionais 
curvas têm significados associados à abrangência, à 
repetição e à calidez� Todas as forças direcionais são de 
grande importância para a intenção compositiva voltada 
para um efeito e um significado definidos.
(DONDIS, D�, 1997, p� 35)
Para contemplar a obra de arte, você deve entender sua 
linguagem? Então, vamos imaginar que Arte é um idioma, 
qual é a sua gramática ou estrutura? Encontraremos a 
reposta no estudo dos elementos de linguagem visual?
45
FORMA E DIREÇÃO 
NAS ARTES VISUAIS: 
NEOPLASTICISMO E 
BAUHAUS
Em vez de representações de formasnaturais, o 
neoplasticismo baseou-se nas relações mais básicas 
da pintura: cor, linha e forma, o uso da geometria, 
justapõe linhas horizontais e verticais, juntamente 
com as cores primárias de vermelho, amarelo e 
azul, mas também com cores neutras, branco e 
cinza para produzir um equilíbrio intemporal�
As linhas são as bordas e fazem os formulários 
abertos ou fechados� As linhas também são usadas 
para criar certo espaço� A borda da pintura não é o 
fim da pintura. Ao usar apenas as cores primárias, 
o artista pode criar um efeito tridimensional� As 
cores atraem atenção imediata e o resto da pintura 
parece ir ao fundo� Parece que as formas brancas 
estão mais atrasadas do que as formas coloridas� 
Portanto, os artistas criaram uma frente e uma 
volta em suas pinturas gerando movimento e dire-
ção� Essa característica de composição pode ser 
observada no uso de forma e cor do pintor, design 
gráfico e arquiteto holandês, Theo Van Doesburg, 
em Composition XXII (Figura 21) estão de acordo 
com os pontos de partida do neoplasticismo� Os 
seguidores deste movimento se esforçaram para 
expor valores universais de harmonia e o equilíbrio�
46
Figura 21: Theo Van Doesburg Composição XXII� 1922� 
Óleo sobre tela� 45�5 × 43�3 cm� Museu Van Abbe�
Fonte: Wikipedia�
O movimento neoplasticismo teve como objetivo: 
tornar a arte tão simples e tão básica quanto pos-
sível, procurou expressar um novo ideal utópico 
de harmonia e ordem espiritual� Eles defendiam a 
pura abstração e universalidade por uma redução 
aos fundamentos da forma e da cor, simplificaram 
as composições visuais para as direções vertical 
e horizontal�
https://pt.wikipedia.org/wiki/Ficheiro:Theo_van_Doesburg_Composition_XXII.jpg
47
“O neoplasticismo cria harmonia através de dois extre-
mos: o universal e o individual� O primeiro pela revela-
ção, o último por dedução� A arte dá expressão visível 
à evolução da vida: a evolução do espírito e na direção 
inversa a da matéria”�
MONDRIAN, Piet C� Citação de Piet Mondrian, publicada 
no ensaio do filosofo Leonce Rosenberg, Paris: Revista 
L’effort Moderne, 1920�
Piet Mondrian pintor holandês, um dos principais 
artistas do movimento neoplasticismo, não iniciou 
suas pinturas com figuras geométricas retangulares. 
No início de seu trabalho como artista, em 1917, 
pintou de acordo com os princípios de pintura 
naturalista, também conhecidos como realistas 
ou figurativos, influenciada pela abordagem das 
cores impostas pelo impressionismo, mais im-
portante ainda, pelos artistas pós-impressionistas 
como Vincent Van Gogh e mostram um grau de 
abstração, mas estão em na maioria dos casos 
marcados como naturalistas e se enquadram 
em uma categoria de pinturas de paisagem� Sua 
obra foi um processo de evolução transforman-
do a arte de representar a realidade por meio da 
pintura, quando Mondrian explorava a natureza 
em sua própria maneira, gradualmente começou 
a simplificar e abstrair as cores e as formas que 
ele observava, esse processo de simplificação e 
REFLITA
48
redução continuaria até que ele nem sequer pin-
tasse da natureza� Podemos analisar o processo 
da simplicação das formas nas Figura 22, 24 e 25�
Figura 22: Piet Mondrian� Noite árvore vermelha� 1908-10� 
Óleo sobre tela� 70x99cm� Gemeentemuseum Den Haag� 
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
Figura 23: Piet Mondrian� Árvore cinzenta� 1908-10� Óleo 
sobre tela� 79�7x109� 1 cm� Gemeentemuseum Den Haag�
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
https://pt.wikipedia.org/wiki/A_%C3%81rvore_Vermelha#/media/Ficheiro:Piet_Mondrian,_1908-10,_Evening;_Red_Tree_(Avond;_De_rode_boom),_oil_on_canvas,_70_x_99_cm,_Gemeentemuseum_Den_Haag.jpg
https://pt.wikipedia.org/wiki/A_%C3%81rvore_Cinzenta#/media/Ficheiro:Piet_Mondrian,_1911,_Gray_Tree_(De_grijze_boom),_oil_on_canvas,_79.7_x_109.1_cm,_Gemeentemuseum_Den_Haag,_Netherlands.jpg
49
Figura 24: Piet Mondrian� Composição No. XVI, Composto 
1 (Árvores)� 1912-13� Óleo sobre tela� 85,5 x 75 cm� Funda-
ção Beyeler Riehen�
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
Nas composições de Mondrian as formas horizon-
tais representam os símbolos da natureza, e as 
formas verticais simbolizam o homem� O tronco 
constituiria, assim, uma metáfora da consciência 
unificadora do homem, abordando a infinita va-
riedade do mundo aqui simbolizada pelos ramos�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Piet_Mondriaan_-_Composition_No._XVI,_Compositie_1_(Arbres),_1912_-_1913_-_Fondation_Beyeler.jpg
50
A evolução cubista da árvore pode ser resumida 
da seguinte forma: A relação entre horizontal e 
vertical quevemos expressa de forma bastante 
unívoca e estática na árvore naturalista (Figura 22) 
se multiplica (Figura 23) e assume combinações 
sempre em mudança (Figura 24)� Parece que o 
pintor deseja expressar agora todas as relações 
possíveis entre os opostos, orgânico e geométrico, 
na tentativa de evocar em uma única imagem�
Unívoca
Que só tem um significado, uma interpretação; não 
ambíguo�
Uma das principais características do neoplasti-
cismo é somente a utilização das formas geomé-
tricas, o movimento ignora a forma orgânica e as 
cores naturais�
Principais elementos de composição são linhas 
retas ou áreas retangulares� As superfícies devem 
ser planas ou retangulares, sem curvas, sem dia-
gonais, sem círculos, trabalhando apenas cores 
primárias (vermelho, azul, amarelo), ou pretas, 
cinzas e brancas (Figura 25)� Sem simetria: em 
vez disso, procura uma assimetria forte, o quilíbrio 
é alcançado pelas relações entre motivos geo-
métricos� Além disso, as cores em negrito devem 
equilibrar as linhas diretas ousadas� Mondrian não 
usou linhas diagonais e as linhas azuis horizontais 
51
representam as coisas flexíveis e calmas, também 
não utilizou a cor verde (embora alguns artistas 
do neoplasticismo fizessem, como Doesburg). 
Nas linhas verticais utilizando a cor amarela repre-
senta movimento, o centro do universo, expansão 
os raios da luz solar, a cor vermelha representa o 
movimento da vida, a não mistura, ao definir os 
blocos coloridos em meio aos brancos, criou uma 
composição fortemente entrelaçada e unida�
Figura 25: Piet Mondrian� Composição em vermelho, ama-
relo, azul e preto� 1921� Óleo sobre tela� 59,5 x 59�5 cm� 
Gemeentemuseum Den Haag�
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Piet_Mondriaan,_1921_-_Composition_en_rouge,_jaune,_bleu_et_noir.jpg
52
Na arquitetura e design o neerlandês Thomas Gerrit 
Rietveld, manipulou volumes retilíneos e exami-
nou a interação de planos verticais e horizontais� 
Schroder House, 1924, Holanda (Figura 26), é um 
dos exemplos de arquitetura no estilo do Neoplas-
ticismo, observe as linhas verticais e horizontais 
são posicionadas em camadas ou planos que não 
se cruzam, permitindo que cada elemento exista 
independentemente e desobstruído por outros 
elementos, projetados para refletir os princípios 
e conexão do abstrato e a arquitetura funcional� 
No projeto da poltrona (Figura 27) Rieltveld cria 
uma estrutura de sustentação que desenvolve 
forças proporcionais ao peso, não é apena uma 
peça arquitetônica mas a representação do novo, 
e abolição dos elementos ornamentais�
Figura 26: Thomas Gerrit Rietveld� Casa Rietveld Schroe-
der� 1924�
Fonte: Shutterstock�
53
Figura 27: Thomas Gerrit Rietveld� Poltrona com elemen-
tos em negro, vermelho e azul� Madeira laqueada� Amster-
dã Stedelijk Museu� 1917�
Fonte: Wikipedia�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Rietveld_chair_1b.jpg
54
No neoplasticismo as diretrizes rígidas levam a 
obras ponderadas em sua estrutura composicional, 
obras produzidas como abstração “pura” e não re-
presentacional e não devem ser confundidos com 
o movimento Expressionista Abstrato posterior� 
Mondrian e outros artistas neoplásticos uniram 
as formas elementares de composição e a fusão 
da pintura arquitetura e design para transformar a 
sociedade mudando a forma como as pessoas viram 
e experimentaram seu ambiente� Eles pretendiam 
que esta visão utópica,proveniente do “equilíbrio 
dinâmico” procurado em pinturas neoplásticas 
espelhasse para o interior do estúdio, para a casa, 
para a rua e para a cidade e, eventualmente, para 
todo o mundo� Levaram a uma linguagem artís-
tica que se manteve forte e influenciou muitos 
ao longo dos tempos, como na moda e design 
tipográfico de produto, arquitetura e arte visual 
no final do século XX. O estilo de design gráfico 
de Doesburg (Figura 28) representou um alfabeto 
modular, que é constituído inteiramente de traços 
uniformemente pesados, não havia curvas, cada 
letra estava inscrita dentro de um quadrado ou 
retângulo, e a uniformidade visual era assegurada 
pelo uso invariável de letras maiúsculas�
55
Figura 28: Theo Van Doesburg� Design para um cartaz 
para a exposição seção d’Or�1920� 65 x 62�5 cm�
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
Neo significa “novo” e o plasticismo se refere à “forma” 
que a arte leva� De Stijl simplesmente significa “The 
Style” e foi tirado do nome de uma revista publicada 
por Doesburg sobre Neo-Plasticism�
De Stijl, em holandês, tradução para o inglês “The Style”, 
também conhecido como Neoplasticismo, foi um movimento 
REFLITA
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Theo_van_Doesburg_Design_for_a_poster.jpg
56
artístico holandês fundado em 1917, articulado principal-
mente por Mondrian� O movimento de o neoplasticismo cria 
uma utopia baseada em uma ordem harmônica humana, 
que eles acreditavam que poderia renovar a Europa após 
a devastação da primeira guerra mundial, novas formas, 
em sua opinião, eram essenciais para esta reconstrução�
O movimento neoplasticismo foi além de um estilo, foi 
uma escola do pensamento que visava desenvolver uma 
linguagem universal, um processo de evolução que trans-
formou radicalmente a arte de representar a realidade 
que gradualmente deu origem ao modernismo� Em vez 
de explorar os detalhes ilimitados do mundo material, o 
neoplasticismo foi concebido para explorar as dimen-
sões internas mais essenciais da experiência humana� 
Não tratavam de árvores, colinas e formas humanas, 
mas com conceitos como espaço, movimento, ordem e 
padrões� Com isso em mente, precisamos considerar a 
importância não só em seu legado de pinturas e concei-
tos de design, mas, mais importante ainda, movimento 
artístico metafísicos do nosso tempo� Além de ser visto 
como um dos mais inventivos dos pintores do século XX, 
ele também é considerado o pai do design gráfico, que 
foi fundado em sua estrutura básica de estilo de grade�
Conheça o acervo online com obras do artista Piet Mon-
drian e outros artistas do Movimento do Neoplasticismo�
www�piet-mondrian�org
vanabbemuseum�nl
SAIBA MAIS
http://www.piet-mondrian.org
http://vanabbemuseum.nl
57
Na Web Site, online design teacher, o estudante 
pode consultar coleções de tipografias de alguns 
movimentos artísticos da história da arte. No campo 
pesquisar digite a palavra-chave: Graphic Design Styles, 
selecione o período do estilo que deseja visualizar� 
https://www�onlinedesignteacher�com/2016/05/
graphic-design-styles�html#arts-and-crafts
Ao tratar ou criar forma na arte, o artista pretende 
criar uma nova forma expressão, ou seja, transmite 
alguma sensação ou significado em si mesmo. A 
forma na linguagem visual é determinada não ape-
nas pelas qualidades físicas de um material, mas 
também pelo estilo de representação de uma cultura�
No movimento artístico Bauhaus, fundado em 
1919 pelo arquiteto Walter Gropius, a forma no 
design visual se se caracterizou por um design 
econômico, geométrico severo e por seu res-
peito pelos materiais mostrando um profundo 
amor pela geometria simples� Eles começaram a 
romper os objetos em suas formas geométricas 
mais estranhas, pois consideravam essa técnica 
como a melhor maneira de criar itens novos e 
mais modernos� As formas limpas, abstratas e 
geométricas foram constantemente usadas para 
produzir novas ferramentas comuns que poderiam 
destacar a diferença das velhas tendências do Art 
Nouveau. A “Forma segue a função” é uma frase 
divulgada pelo arquiteto americano Louis Sullivan, 
https://www.onlinedesignteacher.com/2016/05/graphic-design-styles.html#arts-and-crafts
https://www.onlinedesignteacher.com/2016/05/graphic-design-styles.html#arts-and-crafts
58
nos primeiros anos do século XX, que queria ex-
pressar a futilidade em ornamentação excessiva 
e era fundamental para pensar os elementos das 
artes visuais, tornando um princípio do design fun-
cionalista. A ideia de que a forma devia refletir a 
função do produto e nenhuma mensagem deveria 
ser sacrificada em favor de escolhas de design. 
Outra frase que representa bem os conceitos da 
Bauhaus “Menos é mais” publicada em Berlim na 
revista na revista de Vanguarda G�, em 1923, pelo 
arquiteto alemão Mies van der Rohe, reflexões sobre 
os dispositivos artísticos que deveriam ser usados 
para aumentar a utilidade do trabalho� Com esse 
conceito, o designer Bauhaus realizou trabalhos 
lineares e geométricos evitando o uso de decora-
ções florais ou curvilíneas consideradas inúteis. 
No que diz respeito aos aforismos arquitetônicos, 
a frase parece descrever sucintamente a ética mo-
dernista, referindo-se a seus esforços para reduzir 
e destilar edifícios e seus componentes em que 
formas simples em que arte e técnica geometria 
e matéria - foram integradas de forma mais persu-
asiva expressão da arte construtiva arquitetônica� 
Para Mies a orgulhosa técnica moderna é posta a 
serviço da beleza de uma forma racional e poética, 
o racionalismo significava idealismo.
59
Na tipografia a Bauhaus concentrou-se em fontes 
simplificadas e evitando tratamento mais pesadas 
(Figura 29), no que se refere ao elemento de lin-
guagem visual direção os designers começaram 
a envolver texto em torno de objetos, e também 
aprenderam a organizar o tipo horizontal, vertical 
e mesmo em diagonal� Eles também se recusaram 
a combinar tipos de letra maiúsculos e minúscu-
los em um mesmo trabalho e preferiram o uso de 
fontes simples mais enxutas e retas
Herbert Bayer, pintor austríaco-americano, fotó-
grafo e tipógrafo. Foi diretor do departamento de 
impressão e publicidade�
Em 1925, Bayer criou uma nova fonte (Figura 29), 
ele começou a trabalhar na criação de um novo 
“Tipo Unive rsal”. Não era um tipo de letra projetado 
apenas para aparências escolares: Bayer realmen-
te queria torná-lo útil para toda a sociedade� Até 
hoje, ele ainda parece nítido e impossivelmente 
moderno, é vintage e mostra todas as caracterís-
ticas do tipo Bauhaus da classe fonte, veio junto 
com a simplicidade e linearidade das caracterís-
ticas geométricas e caracterizou-se pela falta de 
sans-serif e sem adornos� Mesmo se o trabalho 
de Bayer permanecesse incompleto, lançou as 
bases para o tipo de letra “Bauhaus”, publicado 
na segunda metade do século XX�
60
Vintage
Algo antigo e de ótima qualidade, clássico. Qualquer 
coisa pode ser considerada vintage quando há um 
forte retorno a épocas passadas, ou seja, referência ou 
imitação a um estilo anterior�
Figura 29: Herbert Bayer, Exemplo do tipo de papel 
Architype�1925
Fonte: Fred the Oyster/Wikipedia�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:ABayer.svg
61
Wassily Kandinsky, pintor russo que se juntou à Bauhaus 
em qualidade de professor em 1922, lecionou aulas de 
design, bem como na pintura� Em 1926, ele publicou 
o livro “Ponto, Linha e Plano”. Em seu livro, ele explica 
alguns elementos geométricos importantes� Ele propôs 
elemento cor em uma tela assumisse diferentes signi-
ficados, dependendo da sua posição no plano, um con-
ceito radical para o tempo� Kandinsky também mostrou 
a crença de que um bom design só poderia surgir da 
cooperação mútua de formas e cores� Ele demonstrou 
que algumas formas podem ser completadas por cores 
particulares: o dinamismo de um triângulo, por exemplo, 
deveria ser acompanhado pela energia do amarelo� Por 
outro lado, o círculo é uma forma maçante e deve ir com 
um azul calmante� Ele expandiu a teoria também para 
linhas,curvas e ângulos: ângulos agudos precisavam 
de cores fortes, enquanto os ângulos obtusos eras 
melhores com tonalidades suaves�
KANDINSKY, Wassily� Ponto Linha Plano: Contribuição 
para a análise dos elementos picturais� Lisboa: Edições 
70, 1970
No início do século XX, a Bauhaus revolucionou a 
arte e o design usando cores e formas simples� 
Wassily Kandinsky estava especialmente interes-
sado na relação destas duas correspondências 
visuais e postuladas a fundamentais entre cor e 
FIQUE ATENTO
62
forma: triângulo amarelo, quadrado vermelho e 
círculo azul (Figura 30)�
Alguns designers hoje ainda discutem sobre a vali-
dade de tais combinações básicas do Movimento 
Bauhaus que ainda são ensinadas em escolas, 
faculdades e universidades até os dias atuais, 
baseando-se na educação do design modernista 
desde a década de 1940�
Figura 30: Wassily Kandinsky� A equação do triângulo 
amarelo, quadrado vermelho e círculo azul� 1920� Escola 
Bauhaus�
Fonte: Elaboração própria.
Kandinsky, a ordem racional e geométrica da com-
posição VIII é um oposto polar da composição ope-
rística da composição VII (1913)� Pintado enquanto 
ensinava na Bauhaus, este trabalho ilustra como 
Kandinsky sintetizou elementos do Suprematismo, 
Construtivismo e o próprio caráter da escola. Ao 
combinar aspectos de todos os três movimentos 
chegaram aos planos de cor e à qualidade clara e 
linear observada neste trabalho� O vocabulário geo-
métrico parece consistir em poucos componentes 
63
comparativos, como círculos, semicírculos, ângulos, 
retângulos e linhas� O formulário, em oposição à 
cor, estruturou a pintura em um equilíbrio dinâmi-
co que pulsa em toda a tela� Este trabalho é uma 
expressão das ideias esclarecidas de Kandinsky 
sobre arte moderna e não objetiva, particularmente 
o significado de formas como triângulos, círculos 
e tabuleiro de xadrez. Kandinsky confiou em um 
estilo duro para comunicar o conteúdo mais pro-
fundo de seu trabalho para o resto de sua carreira�
Figura 31: Wassily Kandinsky� Composição VIII�1926 Óleo 
sobre tela� 140x201cm� Museu Guggenheim, Nova York�
Fonte: Domínio Público/Wikipedia�
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Vassily_Kandinsky,_1923_-_Composition_8,_huile_sur_toile,_140_cm_x_201_cm,_Mus%C3%A9e_Guggenheim,_New_York.jpg
64
László Moholy Nagy, pintor e fotógrafo húngaro 
que começou a ensinar na escola da Bauhaus 
em 1923� Ele costumava ter uma visão unitária 
da arte e pensava que todo trabalho artístico de-
veria influenciar várias disciplinas como pintura, 
tipografia, arquitetura ou escultura. Moholy Nagy 
também foi atraído por fotografia, como meio de 
estudar tempo e espaço� Ele foi capaz de misturar 
palavras e imagens criando o que é chamado de 
“typophoto”, que considerou ser uma nova maneira 
de comunicar conceitos e mensagens de massa 
instantâneas�
De fato, ele se referiu “typophoto”, como “A nova 
literatura visual”, conforme podemos analisar na 
Figura 32� Essa técnica tornou-se muito popular e 
foi a base para a ideia moderna de publicidade, e 
designers� Ele prevaleceu no desenvolvimento de 
uma tipografia assimétrica que era clara e convin-
cente, estava muito intrigado com novas técnicas, 
tais como: fotomontagem, distorção, técnica de 
manipulação e fusão de imagens fotográficas 
que permitiu ao artista capturar um padrão claro e 
escuro em uma folha de papel sensível à luz sem 
uma câmera�
65
Figura 32: Moholy Nagy Laszlo� Olly e Dolly irmãs� 1925� 
Impressão de prata de gelatina� 37�5 × 27�5 cm�
Fonte: Imagem de WMHART por Flickr�
https://www.flickr.com/photos/53598312@N00/3823133305/sizes/o/
66
A Bauhaus é uma palavra alemã que significa “casa 
de construção”, era uma escola fundada em 1919, em 
Weimar, na Alemanha, pelo arquiteto Walter Gropius a 
escola que foi considerada a primeira escola de design 
do mundo acabou se transformando em seu próprio 
movimento�
O que foi revolucionário sobre o seu conceito foi à com-
binação de uma grande variedade de artes, arquitetura, 
escultura e pintura com artesanato e engenharia� Gropius 
combinou elementos de ensino relacionados tanto com 
as artes plásticas como com a educação de design, 
através da simplificação dos volumes geometrização das 
formas, predomínio das linhas reto e sólido geométrico.
Com a Revolução Industrial (1870-1914) também conhe-
cido como a revolução tecnológica transformou a vida 
comercial, doméstica e agrícola de milhões de pessoas 
com o aumento de máquinas esses avanços gerou a 
produção industrial em massa de bens de consumo 
sem qualidade e sem valor estético�
Contra esse modo de produção surgiu na Inglaterra 
na segunda metade do século XIX o movimento Arts 
& Crafts que defendia a produção artesanal e criativa 
com design de objetos ornamentais�
Embora a divergência de estilo o movimento Arts & 
Crafts e a Bauhaus se uniram como resposta a esse ao 
modo de produção industrial� O arquiteto Walter Gropius 
afirmou que todos os ofícios, incluindo arte, arquitetura e 
design geométrico, poderiam ser reunidos refletir o novo 
período da história (após a Primeira Guerra Mundial) e 
SAIBA MAIS
67
se adaptarem à era da máquina, a Bauhaus surgiu da 
unificação da Art Noveau com Arts & Crafts, marcando 
o nascimento do design industrial�
O museu de Arte de Harvard� É o acervo de uma das 
maiores coleções dedicado à Bauhaus, e mais de 32�000 
objetos relacionados à Bauhaus de uma variedade de 
mídias agora são pesquisáveis por palavra-chave, título, 
artista, médio e data� www�harvardartmuseums�org
O forte foco da Bauhaus na tipografia, tornando-se um 
estilo favorito para sequências de títulos de filmes. A 
maioria das sequências clássicas de título dos anos 60� 
Realizadas por Saul Bass (1920-1996), designer gráfico 
e cineasta, talvez mais conhecido por seu design de 
cartazes de filmes e sequências de títulos, influenciados 
pelo seu interesse no movimento Bauhaus�
O filme do diretor Alfred Hitchcock, North by Northwes, 
1959� https://www�youtube�com/watch?v=ek7T9Gyl_J4
Este vídeo mostra uma series de vinhetas de títulos para 
o cinema realizado pelo design gráfico de Saul Bass para 
cinema� https://www�youtube�com/watch?v=qqM3McG4-LE
Os filmes mais recentes de ‘Catch Me If You Can’ (2002) 
direção de Steven Spielberg, design gráfico de Kuntzel 
and Deygas, desenvolveu a identidade do crédito no 
inicio e final do filme inspirado nas obras de Saul Bass.
https://www�youtube�com/watch?v=eRfbXjV_eMw&t=22s
SAIBA MAIS
http://www.harvardartmuseums.org
https://en.wikipedia.org/wiki/Alfred_Hitchcock
https://www.youtube.com/watch?v=ek7T9Gyl_J4
https://www.youtube.com/watch?v=qqM3McG4-LE
https://pt.wikipedia.org/wiki/Steven_Spielberg
https://www.youtube.com/watch?v=eRfbXjV_eMw&t=22s
68
O neoplasticismo avançou a abstração na forma, 
representando a arte a partir dos componentes 
básicos estudados da forma; quadrado, retângulo e 
componente básicos da direção: linhas horizontais 
e verticais� Alcançou uma expressão, de uma arte 
inovadora e harmoniosa, influenciando o movimento 
Bauhaus, que representou com predominância os 
componentes de linguagem visuais forma e direção 
no uso de linhas retas e elementos geométricos 
sólidos revolucionando a arte com surgimento do 
design industrial�
Vamos estudar o elemento de artes visuais movi-
mento e suas relações com a componente forma 
e direção�
69
MOVIMENTO NAS ARTES 
VISUAIS: FUTURISMO E 
ART CINÉTICA
MOVIMENTO
O movimento é criado na arte pela forma como o 
artista usa os elementos de design é geralmente 
criado pelo arranjo de formas, pode ser sugerido 
visualmente de várias maneiras: através do uso de 
linhas diagonais, gestuais e direcionais; repetição, 
posição e tamanho dos objetos; da posição ou a 
linha implícita de uma figura, e da representação 
simbólica do movimento.
O uso de linhas, cores, valores, texturas, formas e 
espaço são utilizados para transportar ou direcionar 
o olho do visualizador de uma parte do design da 
imagem para outro é chamado de movimento� Por 
exemplo, umarepetição de linha pode causar um 
padrão, e sugerir movimento, ou uma sequência 
de tempo e ritmo� Isso pode ser uma repetição 
regular ou irregular e pode formar um padrão� O 
ritmo cria uma sensação de movimento em um 
padrão, a relação das partes com o todo�
O movimento também pode ser criado por ação� 
Em obras de arte bidimensionais, a ação deve 
70
estar implícita, criando vida e atividade, o artista 
controlar o olhar do espectador dentro da sua obra�
O componente visual é dinâmico, este tipo de mo-
vimento pode ser mais previsível e limitado do que 
o movimento através de propriedades naturais, ou 
pode parecer interminável, dependendo da comple-
xidade do sistema que move a arte� O sistema de 
movimento pode ser propositalmente revelado ou 
pode estar oculto, ou fluido, dependendo do efeito 
desejado pela artista�
RELAÇÕES COM O FUTURISMO E A 
ARTE CINÉTICA
O movimento artístico futurista surgiu no início 
do século XX, suas composições expressavam a 
ideia do dinamismo, da energia e do movimento� 
Eles queriam descrever visualmente a percepção 
do movimento, velocidade e mudança� Para conse-
guir isso, os pintores futuristas adotaram a técnica 
cubista (esse movimento será analisado mais 
detalhadamente no e-book 3) de usar superfícies 
planas fragmentadas e cruzadas e contornos para 
mostrar várias visualizações simultâneas de um 
objeto� As obras apresentam extremo contraste em 
cores e sombras e usando linhas cruzadas para 
mostrar movimento, a pintura tem cores vibrantes 
e brilhantes e revelam composições dinâmicas e 
71
agitadas em que as formas ritmicamente turbu-
lentas criam um movimento violento�
Era preciso adicionar uma nova forma de beleza 
para o mundo, este é exatamente a beleza da 
velocidade� Os artistas futuristas louvaram e 
aceitaram claramente o valor da nova era trazida 
pela civilização mecânica� A característica desta 
nova era foi a tecnologia, e o correspondente ao 
movimento, velocidade e força� Essa mudança 
fez o mundo se tornar mais radiante e magnífico. 
Então, os artistas tentaram expressar o que eles 
sentiram sobre a nova beleza da velocidade e do 
movimento derivado da mecânica moderna� Eles 
negaram toda a arte tradicional do passado e 
rompeu o passado com as abordagens mais fortes 
para velocidade expressa na tecnologia futurista�
Os futuristas ficaram fascinados com a nova tec-
nologia visual, em particular a cronofotografia, um 
antecessor de animação e cinema que permitiu 
que o movimento de um objeto fosse mostrado 
na sequência de quadros� Esta tecnologia foi uma 
influência importante na sua abordagem para 
mostrar o movimento na pintura, incentivando uma 
arte abstrata com qualidades rítmicas e pulsantes�
Em suas mãos, a linguagem do cubismo assumiu 
novos significados. Enquanto os cubistas usavam 
formas fragmentadas como forma de analisar o 
72
objeto, os futuristas usavam a fragmentação para 
indicar “linhas de força”, que marcavam padrões 
de energia e não um objeto físico real� O efeito se 
assemelha a múltiplas exposições fotográficas de 
um objeto em movimento�
Um exemplo desse dinamismo é a pintura de 
Giacomo Balla, O cão e uma cólera (Figura 33), na 
qual as patas do cachorro são retratadas como um 
borrão de imagens múltiplas� O trabalho mostra 
uma mulher caminhando com um pequeno cão 
preto, o movimento entrou em colapso em um 
único instante exibindo um foco dos pés, Balla 
articula a ação em processo combinando formas 
opacas e semitransparentes resultando em uma 
sensação incomum do movimento�
Ele cria uma visão quadro a quadro, o trabalho 
ilustra o princípio da simultaneidade� Isto é, a 
representação do movimento, mostrando muitos 
aspectos de um objeto em movimento, sem dúvida 
vinculado ao interesse de Balla pela tecnologia da 
fotografia.
73
Figura 33: Giacomo Balla� O cão e uma cólera� 1914� Óleo 
sobre tela� 95 ×115�6 cm�
Fonte: Domónio Público/Wikipedia�
Uma das principais pinturas do italiano Umberto 
Boccioni em 1914, realizadas com movimento 
dinâmico (Figura 34), com suas luzes prateadas e 
seu vórtice de cones, A representação do ciclista 
de corrida pode ser considerada como um símbolo 
futurista, característico do homem de vida dinâmico 
e moderno que se move rapidamente através do 
tempo e do espaço pela propulsão de suas pernas 
reforçada pela tecnologia moderna�
Boccioni fez inúmeros desenhos preparatórios para 
o Dinamismo de uma Bicicleta, em que uma rede 
https://en.wikipedia.org/wiki/Dynamism_of_a_Dog_on_a_Leash
74
de linhas arqueadas que domina a construção das 
formas fragmentadas e conectadas� Representando 
um ciclista de corrida com a cabeça para baixo, 
arqueado sobre a bicicleta, atravessando o ar, seu 
movimento é indicado pelas características de 
“linhas de força” futuristas resolvidas em planos 
curvos animados por pincelada, Boccioni captura 
não apenas a velocidade, mas também o processo 
de uma reação física constante� A pintura é, por-
tanto, uma tentativa de representar a sensação 
dinâmica de um ciclista movendo-se através do 
tempo e do espaço em vez de um instantâneo de 
um momento específico no tempo.
Figura 34: Umberto Boccioni� Dinamismo de uma bicicleta� 
1913� Óleo sobre tela (70x95cm)�
Fonte: Wikipedia�
https://en.wikipedia.
org/wiki/Dynamism_of_a_
Cyclist
75
A arte gráfica dos futuristas foi verdadeiramente 
revolucionária na reinvenção da noção de forma 
na comunicação visual� Os futuristas praticamente 
redefiniram a própria noção de forma. Em resposta à 
convenção estática de uma composição equilibrada, 
eles introduziram os princípios de dinamismo e veloci-
dade e do formalismo, transmitiu uma representação 
conceitual dos princípios da energia cinética, duração 
e simultaneidade� Eles expressaram uma energia 
poderosa pela ruptura das formas e pela representa-
ção dos traços de movimento deixados na memória. 
Introduziu uma estética Futurista divertida e dinâmica 
em publicidade comercial e política, descartando os 
tipos clássicos em favor de letras excêntricas sim-
plificadas que simbolizavam a velocidade.
O poema, Zang Tumb Tuuum (Figura 35) é uma 
obra do poeta Filippo Tommaso Marinetti, que 
foi um dos principais artistas futuristas, publicou 
esta composição em 1914� O texto é inspirado 
pelo cerco de Adrianópolis durante a guerra búl-
garo-turca, é composto de palavras em liberdade, 
eliminando artigos, advérbios e conjunções� Além 
de caracteres de diferentes tamanhos a forma e 
o arranjo tipográfico nada convencional, existem 
também muitas onomatopeias na composição, na 
forma de poesia ao mesmo tempo verbal e visual 
evoca os sons de bombardeios mecanizados de 
artilharia de guerra, bombas e explosões�
76
Poema narrativo que não é o caminho da propagan-
da para guerra ou um convite para um espetáculo 
puramente estético� É uma tentativa amplamente 
bem-sucedida de envolver o leitor em uma experiência 
sensorial integrada (intelectual, visual e oral) que 
o mergulha em um mundo de percepções simul-
tâneas sem perder de vista o fio narrativo básico.
Figura 35: Filippo Tommaso Marinetti� Zang Tumb Tuuum, 
1914� Poema publicado na revista L’Intransigeant�
Fonte: Wikipedia�
https://en.wikipedia.org/wiki/Zang_Tumb_Tumb#/media/File:ZangTumbTumb-1914.jpg
77
Já o cinema futurista cria o movimento através de 
uma série de imagens estáticas, o que é impossível 
no meio da pintura. Agora que a fotografia não só 
conseguiu retratar a realidade, mas também o mo-
vimento, a arte não era mais necessária para pintar 
apenas figuras e objetos realistas, assim surgiu a 
ascensão do futurismo� Como o Futurismo é capaz 
de retratar o movimento em um único quadro, pode 
desafiar a nova forma de entretenimento, não só 
de forma estética, mas também temática� As expe-
riências dos futuristas no campo cinematográfico 
podem ser ligadas à necessidade de compreenderem 
a dinâmica dos tempos modernos, o movimento 
pode ser assumido como o próprio emblema da 
“simultaneidade”, “velocidade”, do “ritmo” do qual 
a vida contemporânea é impregnada�Através 
do cinema, as linguagens artísticas tradicionais 
(estáticas) podem ser renovadas, capturando e 
representando o dinamismo do mundo moderno�
Filme de Anton Giulio Bragaglia, O fumante em 1913� A 
primeira fotografia experimental das vanguardas euro-
peias. A fotografia sendo vista como uma forma de arte 
foi o chamado Fotodinamismo Futurista� Os artistas do 
grupo, seduzidos pela nova era da máquina, buscaram 
representar o movimento e a própria sensação dinâmica.
https://www�youtube�com/watch?v=OLJ1nlamRos
REFLITA
https://www.youtube.com/watch?v=OLJ1nlamRos
78
O Futurismo, movimento artístico do início do século 
XX, centrado na Itália, que enfatizava o dinamismo, a 
velocidade, a energia e o poder da máquina, a vitalidade, 
a mudança e a agitação da vida moderna� Durante a se-
gunda década do século XX, a influência do movimento 
irradiou para fora em toda a Europa, mais significati-
vamente para a vanguarda russa� Os resultados mais 
significativos do movimento foram nas artes visuais e 
na poesia�
Os futuristas exploraram todos os meios de arte, incluindo 
pintura, escultura, poesia, teatro, música, arquitetura� O 
poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti foi o primeiro 
entre eles a produzir um manifesto de sua filosofia ar-
tística em seu Manifesto do Futurismo (1909), lançado 
pela primeira vez em Milão e publicado no jornal francês 
Le Fígaro (20 de fevereiro)
O movimento glorificou a guerra e foi a favor do cres-
cimento do fascismo por grande parte dos artistas� É 
uma lição objetiva sobre como a arte e a política podem 
se tornar inextricavelmente ligadas�
Os futuristas ficaram fascinados com os problemas 
de representar a experiência moderna e se esforçaram 
para que suas pinturas evocassem todos os tipos de 
sensações e não apenas as visíveis aos olhos, mas 
também ideológicos. No seu melhor, a arte futurista traz 
à mente o barulho, o calor e até o cheiro da metrópole.
SAIBA MAIS
79
A Arte cinética tem suas origens nos movimentos 
dadaístas e construtivistas que emergiram na 
década de 1910� Com a vinda do século XX, os 
artistas se sentiram insatisfeitos com as pintu-
ras tradicionais e esculturas e começou a pensar 
sobre como expressar movimento real sobre as 
obras artísticas�
Na exposição histórica Le Mouvement na Galerie 
Denise Rene, em Paris, em 1955, atraiu um grande 
seguimento internacional para nova tendência das 
artes� No seu coração estavam artistas fascina-
dos pelas possibilidades do movimento na arte e 
seu potencial para criar relacionamentos novos 
e mais interativos com o espectador e as novas 
experiências visuais� Mas o grupo estava dividido 
entre aqueles como Jean Tinguely, que estavam 
interessados em empregar o movimento real, e 
aqueles como Victor Vasarely, interessados em 
efeitos ópticos e a ilusão de movimento e passaram 
a estar intimamente associada ao movimento de 
arte óptica arte.
Com o avanço industrial moderno, e os produtos de 
tecnologia (ou seja, novas máquinas, ferramentas 
e materiais) continuaram a ser desenvolvidos, e 
esta mudança proporcionou uma nova oportuni-
dade para a arte�
80
A arte cinética combina conhecimento científico 
e tecnologia, e começou a se tornar o foco de 
pesquisa de design, impulsionará a representação 
da arte cinética a um estado de prosperidade sem 
precedentes� Nesse caso, o estado do movimento 
torna-se o principal conteúdo da representação, 
sendo a estrutura dos trabalhos como secundária� 
O movimento foi criado por artistas que empurra-
ram os limites das formas de arte tradicionais e 
estáticas para introduzir experiências visuais que 
envolvessem o público e mudassem profundamente 
o curso da arte moderna�
Após uma explosão na década de 1960, os artistas 
que trabalham no campo desenvolveram obras 
criando o movimento gerado por eletricidade ou 
elementos naturais, a arte cinética desafiando 
constantemente nossas percepções�
Considerado um dos primeiros artistas cinéticos 
modernos, Marcel Duchamp, em sua obra, Roda de 
bicicleta, 1913 (Figura 37), é o primeiro exemplo de 
“readymade” (Curiosamente, foi o termo escolhido 
por Duchamp para descrever sua nova abordagem 
à arte é por si só, um “readymade”). No final do 
século XIX, o termo “readymade” estava sendo 
usado para descrever objetos que foram fabricados 
industrialmente em oposição aos feitos à mão, um 
objeto de arte composto por peças comuns não 
fabricadas pelo artista�
81
A obra Roda de Bicicleta (Figura 36), também foi 
visto como o primeiro trabalho da arte cinética, pelo 
fato da roda estar fixada ao banco e ter movimento. 
Para Duchamp, esse movimento era essencial para 
o efeito do objeto, a roda gira quase sem sentido 
fixa em um ponto e não vai a lugar nenhum. Mes-
mo que a peça fosse feita fora do contexto do 
movimento artístico cinético da década de 1950, 
os artistas da época a consideravam um precursor 
importante, que justificava sua afirmação de que 
havia uma tradição de arte cinética ao longo do início 
do século XX� Enquanto alguns artistas cinéticos 
estavam otimistas em relação à tecnologia, outros 
eram céticos e se inspiraram em obras como esta�
O futurismo teve somente uma forma de expressar o 
movimento conceitual dos princípios da energia cinética, 
duração e simultaneidade e nenhum movimento real 
foi produzido nas obras de artes, os espectadores só 
podiam sentir o movimento via “visão” unidirecional.
Na arte cinética o movimento pode ser compreendido 
em duas categorias�
A primeira a categoria refere-se à modelagem com o 
movimento real� A outra categoria é que a modelagem é 
estacionária, e seria o fenômeno de ilusão na percepção, 
que cria o movimento na retina� Arte Cinética contém o 
movimento perceptível pelo espectador ou que depende 
do movimento para seu efeito�
REFLITA
82
Duchamp criou mais tarde uma série de trabalhos 
dinâmicos alimentados por motores como uma alter-
nativa ao fenômeno científico presente. A revolução 
de Duchamp contra gostos artísticos tradicionais e 
negação de padrões fixos estéticos, significa novas 
regras de jogo artístico. Reformas ideológicas que 
afetam profundamente os desempenhos artísticos 
subsequentes da Arte Moderna e Contemporânea�
Figura 36: Marcel Duchamp� Roda de Bicicleta� 1913� Me-
tal montado na roda� 1,3 m x 64 cm x 42 cm�
Fonte: Giuseppe Castellucci/Flickr�
https://www.flickr.com/photos/giuseppecastellucci/5719394388/sizes/l
83
Outro artista que utilizou do movimento como 
parte integrante de suas obras de arte foi o ame-
ricano Alexander Calder, em sua obra Arco das 
Pétalas, de 1941 (Figura 37), o artista pioneiro 
no desenvolvimento da arte cinética, criou uma 
composição nas quais componentes equilibra-
dos se movem, impulsionados pela ação das 
correntes de ar� A forma, o tamanho, a cor, o 
espaço e o movimento se combinam em relações 
equilibradas� A composição é organizada como 
uma cascata antigravitacional, em que formas 
grandes, pesadas balançam serenamente no 
topo, enquanto pequenas, indiferenciadas, agi-
tadas, balançam na parte inferior� Calder deixou 
uma folha sem pintar, revelando a superfície de 
alumínio e sublinhando a sensação de variedade 
e desigualdade na forma, movimento e cor que 
é considerava vital para o sucesso de sua obra�
84
Figura 37: Alexander Calder� Arco das Pétalas� 1941� Folha 
de alumínio pintada e não pintada, fio de ferro, aproxima-
damente 214 cm de altura� Coleção Peggy Guggenheim, 
Veneza�
Fonte: Foto de Jules Antonio por Flickr�
Victor Vasalery um pintor e design gráfico Húngaro 
começou a superar as aplicações técnicas ineren-
tes à arte aplicada no estilo Bauhaus e focou na 
https://www.flickr.com/photos/julesantonio/32430869820/sizes/l
85
abstração geométrica de artistas como o pintor 
Russo Kazimir Malevich e o pintor Holandês Piet 
Mondrian�
Vasalery experimentou vários estilos diferentes 
antes de compor representações na arte óptica, 
Op Art� Depois de se mudar para Paris em 1930, 
Vasarely tornou-se um designer gráfico bem-su-
cedido, explorando sistematicamente