História da Arte - Arte Contemporânea

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Arte Contemporânea 
PROFA. NEIDE SILVA 
APRESENTAÇÃO DOCENTE 
Doutora em Educação. Líder do grupo de pesquisa Ylê-educare: educação
para questões étnico-raciais. Integrante do grupo de pesquisa Educação,
Cultura e Subjetividade. Licenciatura em História e Pedagogia.
Pesquisadora questões étnico-raciais e gênero.
CRONOGRAMA DA AULA 
Parte I: Conceito e contexto 
Modernismo X contemporâneo
Conceito 
Contexto da Arte Contemporânea
Características da Arte Contemporânea
Principais movimentos e artistas da Arte Contemporânea
CRONOGRAMA DA AULA 
Parte II: Principais movimentos sec. XX 
Pop Art
Op Art
Arte Conceitual
Instalações
Body Art e Performances
Bad painting
Arte Povera
Hiper-realismo
Fotografia e fotorrealismo
CRONOGRAMA DA AULA 
Parte III: Principais manifestações do sec. XXI 
Tecnologia, globalização e arte 
Web arte e a nova configuração da contemporaneidade.
Arte Digital 
Arte Urbana 
Principais artistas 
PARTE I 
Conceito e contexto
Em uma linha temporal, as vanguardas artísticas do início do 
século XX abriram caminhos para o desenraizamento da arte, a 
partir das novas relações entre os sujeitos no ambiente urbano. 
Na sequência, o movimento modernista propôs uma ruptura 
com a hierarquia da arte, trazendo outras materialidades para 
o campo artístico. A arte contemporânea, por sua vez, é 
caracterizada pela inovação, ao ser produzida de formas jamais 
vistas até então na história da arte. Arte Contemporânea é uma tendência artística que nasceu na
segunda metade do século XX, após a Segunda Guerra
Mundial. Também conhecida como Arte Pós-Moderna, essa
tendência teve início, sobretudo, com o advento da Por Art
do minimalismo.
Começando a 
conversa...
Mais preocupada em aliar a vida cotidiana ao
universo artístico, a arte contemporânea tende a
unir diferentes linguagens
Desmaterializando a obra de arte do fim do milênio
Faço um quadro com moléculas de hidrogênio
Fios de pentelho de um velho armênio
Cuspe de mosca, pão dormido, asa de barata torta
Meu conceito parece, à primeira vista,
Um barrococó figurativo neo-expressionista
Com pitadas de arte nouveau pós-surrealista
calcado da revalorização da natureza morta
Minha mãe certa vez disse-me um dia,
Vendo minha obra exposta na galeria,
"Meu filho, isso é mais estranho que o cu da jia
E muito mais feio que um hipopótamo insone"https://www.youtube.com/watch?v=uUQCB5F8avQ
O conceito, a atitude e a ideia da obra são mais valorizados na Arte Contemporânea do que,
necessariamente, o objeto final. As novas orientações artísticas, apesar de distintas,
compartilham um espírito comum: em suma, tentativas de dirigir a arte às coisas do mundo,
à realidade urbana e ao mundo da tecnologia.
As obras contemporâneas articulam uma diversidade de linguagens, desafiando as
classificações convencionais, pondo em questão o caráter das representações artísticas e a
própria definição de arte. Mais do que contemplar a natureza estética, a Arte
Contemporânea busca refletir de modo subjetivo sobre a obra artística.
Contexto 
 O século XX ficou marcado como um período de profundas e sucessivas
transformações sociais. Palco de duas grandes guerras, a chamada “era dos extremos”,
como a ela se referiu o historiador Eric Hobsbawn, fez surgir inúmeros movimentos
políticos, éticos e estéticos como reflexo de suas inerentes contradições: por um lado,
foi uma época de grandes avanços científicos e tecnológicos; por outro, foi aquela em
que mais se assassinaram seres humanos.
 Em uma sociedade marcada pelo avanço da globalização, pela cultura de massa e pelo 
desenvolvimento das novas tecnologias e mídias, a arte possibilitou novas 
experiências baseadas nos processos artísticos em detrimento do objeto.
 Desse modo, a passagem da arte moderna para a contemporânea, proporcionou 
mudanças significativas no campo da cultura e das artes, emergindo uma tendência 
artística que priorizava a ideia, o conceito e a atitude acima do objeto artístico final
Principais 
características 
Abrindo espaço para uma diversidade de estilos, perspectivas e
técnicas, a Arte Contemporânea, abandonou diversos paradigmas
da Arte Moderna, trazendo valores para a constituição de uma nova
mentalidade artística.
Diferente dos movimentos artísticos anteriores, o contemporâneo 
buscou se aproximar do cotidiano, ampliando o seu alcance de
produção e de recepção. Logo, qualquer temática pode inspirar as
criações, que também questionam o conceito de “beleza” no
universo da arte, gerando impacto no espectador. Diminuindo a
distância entre a obra e o público.
Mensagens questionando a ditadura 
em garrafas de coca-cola que 
voltavam à circulação (Cildo Meireles)
Em plena ditadura militar, o artista plástico Cildo
Meireles aplicava decalques em silk-screen em
garrafas retornáveis de Coca Cola que, então,
voltavam à circulação com mensagens que
questionavam o regime milico ou mesmo com
instruções para fazer um coquetel molotov.
Nas garrafas vazias as mensagens ficavam
praticamente invisíveis. Quando as garrafas voltavam
à circulação, traziam as mensagens bem visíveis, em
contraste com o líquido escuro, para os
consumidores do produto.
A ideia era usar a própria estrutura consumista para
denunciar o regime apoiado por esse sistema de
consumo.
 Abandono dos padrões habituais;
 Fusão de arte e vida;
 Uso de novas tecnologias e mídias;
 Junção de estilos artísticos;
 Interatividade das obras;
 Questionamentos da definição de arte;
 Aproximação da cultura popular;
 Uso de materiais diferentes para a produções artísticas;
 Liberdade e efemeridade artística.
Principais características 
intitulada Bastidores (1997 - Rosana Paulino), são apresentadas 
fotografias de mulheres negras em bastidores de madeira. Suas bocas 
e olhos são costurados, fazendo alusão à impotência e silenciamento 
das vítimas de violência doméstica e, em um sentido mais amplo, da 
opressão social.
Principais características 
A obra Parangolés, feita nos anos 60 por
Hélio Oiticica, é bastante representativa
da arte contemporânea
Hélio inovou também ao unir o corpo à obra de arte. Um
exemplo clássico são os famosos Parangolés, esculturas
coloridas em tecido que as pessoas vestiam.
 A ideia é o elemento fundamental do trabalho artístico. As
emoções geradas no criador e no espectador são mais
importantes que a materialidade do produto final;
 Experimentação, efemeridade e hibridismo;
 Interação dos artistas e das obras com o espaço e os
espectadores;
 Novos tipos de relação entre o espectador e a obra de arte. O
espectador sai da condição de passividade para a de
interação e de transformação da obra;
 Trabalhos visualmente fortes e teoricamente complexos
Principais características 
Escadaria Selaron, de Jorge Selaron, feita em 2013 no 
Rio de Janeiro, é um exemplo de street art
Andy Warhol, Bansky, Damien Hirst, Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Richard Serra, Bill Viola, Jeff Koons, Marina 
Abramovic, Gerhard Richter, Takashi Murakami, Lucian Freud, Keith Haring.
No Brasil, a Arte Contemporânea começou a se desenvolver a partir da década de 1950, com o movimento vanguardista 
conhecido por Neoconcretismo. Desde então, alguns artistas se tornaram conhecidos por uma arte inovadora, viva e 
autoral.
Entre os principais artistas brasileiros que fomentaram a arte contemporânea estão: Hélio Oiticica (1937 -
1980); Romero Britto (1963); Ferreira Gullar (1930 - 2016); Amilcar de Castro (1920 - 2002); Lygia Clark (1920 - 1988); 
Lygia Pape (1927 - 2004); Aluísio Carvão (1920-2001; Franz Weissmann (1911-2005); Hércules Barsotti (1914-2010); 
Willys de Castro (1926 - 1988); Cildo Meireles (1948-); entre outros.
Principais artistas 
 Pop Art
 Op Art
 Body Art
 Arte Conceitual
 Arte Digital
 Fotografia
 Instalação
 Arte Urbana
 Arte povera
 Arte de Novas Mídias
 Hiper-realismo
 Fotor-realismo
 Arte cinética
Os principais movimentos 
PARTE II
Principais 
movimentos sec. 
XX 
Sem título (Boxeador) (1982)
PopArt
Pop Art é um movimento artístico que se
caracteriza pela utilização de cores vivas
e a alteração do formato das coisas.
Muitas vezes, as obras são representadas
de forma repetida e seguida com cores
diferentes.
Também chamada de Popular Art, surgiu
durante a década de 1950, na Inglaterra,
e se difundiu durante os anos de 1960.
Atingiu seu auge em Nova York.
A pop art não deve ser considerada um fenômeno de
cultura popular (apesar de estar muito interligada a
ela), mas uma interpretação de seus artistas da cultura
dita popular e de massas.
Características da pop art
 Aproximação da arte com a vida cotidiana;
 Utilização de cores intensas e vibrantes;
 Reproduções de peças publicitárias;
 Inspiração na cultura de massa;
 Uso da serigrafia;
 Imitação da estética industrial;
 Reproduções em série do mesmo tema;
 Uso da imagem de celebridades;
 Inspiração no universo das histórias em quadrinhos.
06/08/1928 22/02/1987
Marilyn Monroe
Warhol também representou a impessoalidade dos objetos.
Coca-cola, 1962
Sopa Campbell, 1962
Hora da indicação 
Netflix 
Diários de Andy Warhol, uma série documental que retrata a
vida pública e íntima do ícone pop que trabalhou como artista,
diretor, publicitário, produtor e empresário de bandas.
A produção artística de Roy Lichtenstein é conhecida por fazer
referência a personagens da cultura de massa e por ter um
estilo similar ao encontrado nas histórias em quadrinhos.
Durante a década de 1960, nos Estados Unidos, juntou-se a
Andy Warhol, Jasper Johns e James Rosenquist e figurou como
um dos líderes do movimento pop art. Ele descreveu a pop art
como "pintura não 'americana', mas na verdade industrial".
Two nudes
Produzida em 1994, o trabalho acima pertence a um conjunto
de pinturas e gravuras de nus femininos que Lichtenstein criou
durante os anos 1990. É interessante observar que apenas na
maturidade da carreira o pintor norte-americano resolveu
investir nesse tema tão caro para a história da arte.
Boa parte das imagens foram feitas com inspiração na história
Girls Romance. Nos quadrinhos as personagens aparecem
vestidas, Lichtenstein despiu as protagonistas que o
interessavam, converteu as imagens em traços mais simples e
usou a sua característica técnica pontilhista.
Keith Haring
American
Music Festival
Artista : Lobo
Op art
Op Art foi um movimento artístico que teve início,
simultaneamente, nos Estados Unidos e na Europa na
década de 1960. Também conhecido como Arte Óptica, o
movimento utiliza da ilusão óptica para criar movimento
nas produções, com grafismos e estampas que se
modificam conforme os olhos percorrem a figura.
Baseado em recursos visuais, sobretudo na ilusão de
ótica, esse movimento que expressa a mutabilidade do
mundo e suas ilimitadas possibilidades, é fundamentado
no mote “menos expressão e mais visualização”.
Design Op Art
Principais Características
Tridimensionalidade
Efeitos óticos e visuais
Movimento e contraste de 
cores
Tons vibrantes 
(principalmente preto e 
branco)
Formas geométricas e linhas
Observador participante
Estilo abstrato
O4 NN-2, Victor Vasarely
Principais Artistas e 
Obras
 Victor Vasarely (1908-1997): artista húngaro considerado o “Pai da Op Art”. Foi influenciado pela arte
cinética, construtivista e abstrata bem como ao movimento de Bauhaus, donde destaca-se sua obra
“Zebra” (1938).
 Alexander Calder (1898-1976): Conhecido por Sandy Calder, o artista estadunidense é famoso pelos
“mobiles”, objetos compostos pela associação de formas geométricas (sobretudo retangulares) ao
movimento do ar. Suas obras mais representativas são: Sem título (1931), Cone de Ébano (1933) e A
Espiral (1958).
 Luiz Sacilotto (1924-2003): principal representante da Op Arte e da arte concreta no Brasil, produziu
esculturas e pinturas das quais se destacam: Estruturação com Elementos Iguais (1953) e Concreção
7553 (1975)
 Adolph Frederick Reinhardt (1913-1967): conhecido com Ad Reinhardt, foi um artista estadunidense que se
aproximou do movimento do expressionismo abstrato, da arte conceitual e minimalista. Muito famoso por
suas pinturas "negras" na década de 60.
 Jesús-Raphael Soto (1923-2005): artista venezuelano famoso pelos seus “penetráveis”, obra destinadas a
penetração do público como forma de interagir com o produto artístico; destacam-se Estrutura
cinética (1957), Volume suspendido (1967) e Paralelas vibrantes (1969).
 Kenneth Noland (1924-2010): pintor estadunidense, destacou-se com suas obras abstratas com vibração
ótica unidas ao estilo denominado “Color Field”, intimamente ligado ao expressionismo abstrato.
 Richard Allen (1933-1999): pintor britânico explorou a arte cinética, a op art, o minimalismo e a arte
geométrica abstrata. Das obras da Op Art destacam-se os “Estudos para pinturas de Op de preto e branco”
(1963-1972).
Arte Conceitual 
Na arte conceitual, a ideia que embasa a obra é mais relevante que as
questões estéticas e o uso de materiais tradicionais no campo das artes. Assim,
o conceito utilizado para a criação da obra se sobrepõe à materialidade dela.
Nesse movimento, os artistas buscavam provocar reflexões nos espectadores
com o choque frente às produções (questionando a natureza da arte) e a
própria indagação sobre os padrões estipulados para a arte.
Capa para Jovens cerejeiras protegidas
contra lebres (1945), de Marcel
Duchamp. Fonte: WikiArt
A arte conceitual, embora não tenha valor financeiro
intrínseco, pode transmitir uma mensagem poderosa e,
portanto, servir de veículo para questões sociopolíticas.
Principais características da arte conceitual
Rompimento com os valores tradicionais artísticos de valorização da forma
(estética)
O conceito / ideia por trás da obra é mais importante que a obra em si
Desmaterialização da arte — redução do objeto artístico ao mínimo absoluto
 Forte influência dos ready-mades de Marcel Duchamp
Joseph Kosuth. Uma e Três Cadeiras (1965) | MoMa
Uma cadeira fica ao lado de uma fotografia
de uma cadeira e uma definição de
dicionário da palavra cadeira. Talvez todos
os três sejam cadeiras ou códigos para
uma: um código visual, um código verbal e
um código na linguagem dos objetos
As três diferentes representações sobre o
mesmo conceito (cadeira), estimulam
diferentes visões do espectador sobre o
mesmo objeto artístico.
Body art
 body art usa justamente o corpo como suporte para a arte. O
corpo do artista é a obra “viva” que se relaciona com o
tempo/espaço em que está inserido e com o público. Por vezes,
em um contexto de “ritual” ou “apresentação pública”, o que
liga essa manifestação ao happening e à performance. Na body
art, o corpo é metafórico e propõe novas leituras sobre si e
seus artefatos.
 Para além da performance, a “arte do corpo” é um
movimento que atravessa os limites entre o artista e
sua obra, transformando o próprio corpo do artista na
ferramenta para sua criação. O francês Yves Klein é
considerado um grande representante desse estilo.
Untitled Anthropometry, Yves Klein
Do ponto de vista estilístico, várias culturas, do presente e do 
passado, foram precursoras no cultivo da arte corporal. Na 
fotografia vê-se Elaine Davidson e suas intervenções corporais 
com os piercings.
A Body Art aproxima-se
nos seus fundamentos,
ideias e manifestações
(que geralmente
ultrapassam os limites
físicos das galerias), da
Land Art e da Performance
Art e da Arte Conceptual,
pois a carga ideológica
normalmente prevalece
sobre os aspetos materiais.
Performance arte
A performance arte é uma vertente
artística de expressão corporal que
contempla o teatro, a música e as artes
visuais. O artista ou performer coloca o
seu corpo em ação, em uma relação com
o espaço e o espectador que envolve o
improviso e o improvável.
Rio do Fundamento (2014), de Matthew Barney. Fonte: WikiAr
Instalação artística: 
obras e artistas
Na arte, chamamos de instalação um tipo de obra que
utiliza o espaço como elemento fundamental.
É uma linguagem relacionada à arte contemporânea e,
na maior partedas vezes é montada em espaços de
arte, como museus e galerias. Entretanto, pode
também ser realizada ao ar livre.
A palavra instalação surgiu nos anos 60, quando a arte de
maneira geral passava por grandes transformações. Mas
anteriormente, artistas já produziam obras que buscavam
trabalhar em cima dos ambientes, criando novos cenários e
provocando o público a interagir com as obras.
Tropicália (1967), de Hélio Oiticica
Tropicália é o nome de uma instalação feita em 1967 pelo artista carioca
Hélio Oiticica (1937-1980).
Nessa obra, Oiticica constrói um lugar que concentra várias referências
do que ele acreditava ser o retrato da brasilidade.
Assim, ele cria um percurso labiríntico
cheio de biombos, plantas tropicais,
areia, pedras, frases escritas e música.
O trabalho é considerado ícone de uma
geração, tanto que deu nome ao
Movimento Tropicália, ocorrido nos anos
70, com expressão principalmente na
música.
Desvio para o vermelho (1967), de Cildo
Meireles
A instalação Desvio para o vermelho foi
montada pela primeira vez em 1967. A
obra do brasileiro Cildo Meireles, se
encontra hoje no museu Inhotim (MG).
O trabalho se constitui de três
ambientes, no qual o primeiro é uma
sala em que todos os objetos são
vermelhos, criando uma espécie de
fascínio e, ao mesmo tempo incômodo.
Aqui, o artista trabalha sentimentos
como a paixão, a revolta e a violência
relacionadas à ditadura militar.
Principais 
características da 
instalação artística
 Trabalhos em grandes formatos;
 Utilização necessariamente do espaço como parte da 
obra;
 Interação do público;
 Obras “não-colecionáveis”
O banquete (1974-1979), de Judy Chicago
A obra O banquete, intitulada originalmente como The Dinner Party,
é uma criação da artista norte-americana Judy Chicago (1939-)
A instalação, feita na década de 70, é uma das mais lembradas
quando se fala em arte feminista.
Isso porque a artista criou um ambiente que propõe um jantar em
homenagem a diversas mulheres importantes da história.
São 39 lugares dispostos em uma mesa triangular, sendo que o
triângulo simboliza a igualdade. Os pratos são de porcelana e
pintados à mão com temas que remetem às convidadas, que tem
seus nomes bordados em dourado na toalha de mesa.
O banquete (1974-1979), de Judy Chicago
Fotorrealismo
O Fotorrealismo ou Realismo Fotográfico é uma escola
artística contemporânea surgida no final da década de
60, nos Estados Unidos que trabalha por meio do
conceito de verossimilhança associado à arte
fotográfica.
O termo “fotorrealismo” foi cunhado em 1969, pelo
estudioso das artes Louis K. Meisel.
Segundo a definição de Meisel sobre o movimento
fotorrealista: “o fotorrealismo usa a câmera e a
fotografia para coletar informação; (...) usa recursos
mecânicos ou semi-mecânicos para transferir a
informação para a tela”.
a arte fotorrealista, que inclui pinturas, desenhos, esculturas e
artes gráficas, propõem a fidelidade às reproduções da
realidade, de forma que muitas delas, quando vistas, podem
ser confundidas com a arte fotográfica, gerando confusão.
Atualmente, o termo é utilizado no campo da computação
gráfica, sobretudo dos videogames.
Além de Meisel, outros artistas estão associados a
fundação da escola fotorrealista: John Baeder, Ralph
Goings, Chuck Close, Duane Hanson, dentre outros.
Ricardo André Frantz: A Fronteira Final, acrílico 
sobre tela, 300 x 145 cm, 2011
CONCEITO DE HIPER-REALISMO
 Hiper-Realismo é o nome dado ao movimento artístico
que tem como objetivo criar pinturas e esculturas com
efeitos muito semelhantes ao que pode ser visto nas
fotografias em alta resolução.
 Basicamente o hiper-realismo consiste na utilização de meios
mecânicos para que o artista possa reproduzir em uma tela, ou
criar uma escultura, os mínimos detalhes presentes na
fotografia, que a olho nu poderiam acabar passando
despercebidos.
 Os temas mais dos trabalhos que seguem essa linha são
totalmente voltados para coisas reais, como paisagens, animais,
pessoas, e suas imagens são tão perfeitamente reproduzidas
que muitas vezes é difícil distinguir a pintura da fotografia.
Emanuele Dascanio
Os principais artistas
 Ron Mueck;
 Richard Estes;
 Denis Peterson;
 Edward Hopper;
 Alyssa Monks.
Ron Mueck
Giovani Caramelho - brasileiro
A dupla Jamie Salmon (britânico) e Jackie K. Seo (coreana) atualmente vivem e trabalham no
Canadá. Ambos são autodidatas e começaram sua carreira na indústria comercial e
cinematográfica. São especializados em esculturas hiper-realistas.
Arte Povera
Surgido na Itália, a “arte pobre” utiliza elementos não
convencionais, como lixos e objetos da natureza, para
criar obras que despertam no espectador a reflexão
sobre a efemeridade da arte, destacando o seu aspecto
marginal. Busca a quebra do “glamour”, produzindo
uma crítica sobre a sociedade de consumo. Destacou-
se principalmente nas instalações e esculturas de
Mario Merz.
Wandering Songs I, Mario Merz
Street Art/ Arte Urbana 
Símbolo máximo da democratização
da arte, a arte de rua, também
conhecida como arte urbana,
rompe com a tradição institucional
das galerias e leva a composição
artística para os espaços públicos da
cidade, ocupando paredes, muros,
postes e outros elementos típicos
do cenário urbano. O grafite é um
dos seus maiores expoentes.
Banksy
Basquiat
Basquiat foi um artista negro que trabalhou numa 
indústria predominantemente branca e eurocêntrica.
Nascido na Nova York de 1960, Jean-Michel Basquiat se tornou
um amante das artes desde muito jovem. Costumava desenhar
caricaturas e reproduzir personagens de filmes e programas
que assistia na televisão, além de visitar os diversos museus
espalhados pela cidade junto com a mãe durante a infância.
De ascendência haitiana e porto-riquenha, ele entendia
espanhol e gostava de ler poesia simbolista francesa, de onde
tirou inspiração para sua futura carreira. Mas a maior delas veio
das imagens do livro “Anatomia de Gray”, um presente que sua
mãe lhe deu após ter sido atropelado por um carro aos oito
anos de idade. Desde então, as formas e partes do corpo
humano passaram a ser recorrentes em seus trabalhos
artísticos.
Basquiat conheceu o também artista Andy Warhol, que ficou impressionado com seu talento. Os dois se 
tornaram amigos e firmaram uma parceria de 1982 a 1985. Durante esses anos, colaboraram em uma 
série de pinturas que misturavam serigrafia e as técnicas de cada um. A mais famosa delas foi “Olympic 
Rings” (1985).
Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat em 1985.
O estilo artístico de Basquiat seguia uma tendência
neoexpressionista, podendo ser chamado de “primitivismo
intelectualizado”. Baseando-se na anatomia humana e em
imagens repetitivas, retratava rostos afundados em
formato de caveira com olhos grandes e bocas abertas.
Prédios, carros, policiais e outras cenas da vida urbana
também faziam parte das composições, repletas de cores
fortes, rabiscos e colagens.
O uso da palavra como elemento artístico era um ponto
importante para Basquiat. Ele gostava de escrever nas telas
terminologias médicas, termos de significado implícito ou
simplesmente riscar frases para destacá-las de uma forma não
convencional. Segundo o artista, “o fato de estarem obscuras
dá vontade de lê-las”.
Ironia do Policial Negro (1981).
Pássaro no Dinheiro (1981).
Sem título (Caveira) (1981).
Dispensador de Pez (1984).
Hora da indicação 
Filme: BASQUIAT
Realizador: JULIAN SCHANABEL
Argumento: JULIAN SCHNABEL
Actores: JEFFREY WRIGHT / DAVID BOWIE / DENNIS 
HOPPER / GARY OLDMAN / CLAIRE FORLANI / BENICIO 
DEL TOROA
PARTE III
Cavalgando com a Morte (1988)
Arte no séc XXI: arte 
digital 
Mapa da UE (2021), de Gretchen Andrew. Fonte: WikiArt
O desenvolvimento dos computadores no século XX
trouxe novas possibilidades de experimentação no
espaço digital. Logo, a arte digital é a manifestação
produzida a partir de meios eletrônicos, como o
computador e seus programas para o desenho, a
edição e a manipulação de imagens e sons. As artes
digitais são variadas, dentre elas se destacam: web art,colagem, pintura, fotografia, animação e vídeos 2D ou
3D.
Categorias da arte digital
Através do aumento da realidade virtual, a arte digital possibilitou
uma maior interatividade com o público, uma vez que a internet
modificou a maneira de comunicação entre as pessoas.

As palavras foram substituídas por emojis; as redes sociais, a
exemplo do Instagram estão voltadas para o compartilhamento
de fotos; o YouTube tornou-se um grande centralizador de
conteúdo e propaganda. Saiba mais sobre os principais tipos de
artes digitais.
Edição de fotos e vídeos
O uso de programas, a exemplo do popular Photoshop e tantos outros mais específicos permitem
modificar imagens com a proposta de realçar ou ocultar detalhes, acrescentar elementos, mesclar e
outros.
Por isso, essa área é considerada a mais popular da expressão visual digital. Os resultados podem
variar de simples fotografias até verdadeiras obras de arte produzidas digitalmente.
Vídeo e áudio
O avanço da internet permitiu que os artistas de áudio e vídeo pudessem expandir os seus trabalhos
para uma quantidade maior de pessoas. As animações, interferências visuais, videodesign, pinturas e
artes sonoras são alguns exemplos dessa expansão.
Arte em 3D
Um dos modelos de ciberart mais valorizado atualmente
é o 3D, por ser uma arte que permite ao espectador maior
aproximação com a realidade. O artista das três
dimensões utiliza programas, tais como o “ZBrush” e o
“3DS” para esculpir as obras digitalmente e criar
composições únicas. Geralmente, esse tipo de trabalho
se transforma em um material tão real, chegando a ser
comparado com uma fotografia.
Pixel Art
 Esse tipo de arte digital é formado pela criação dos ícones de computador. Os ícones 
são pequenas imagens ou símbolos, clicadas em uma tela de computador ou de celular 
para acessar programas e aplicativos. 
 As imagens são apresentadas em mapas de pixels desenvolvidas através de uma 
ferramenta digital, conhecida como lápis. Cada pixel é colocado num lugar específico e 
definido com cor e intensidade específica, pois a intenção é melhorar a representação 
iconográfica da imagem, quando ela for reduzida. 
 Portanto, a seguinte técnica é fundamental no desenvolvimento dos ícones das 
interfaces gráficas dos softwares. 
Arte Fractal
A arte fractal é constituída por imagens digitais acompanhadas de complexas equações matemáticas,
que utilizam programas específicos para estes fins. Tais programas são dedicados as fórmulas
descritas pela geometria fractal. As imagens fractais representam a auto repetição. Elas podem ser
aumentadas ou diminuídas por várias vezes sem perder a forma original.
Desenho vetorial
O desenho vetorial classifica as imagens que podem ser redimensionadas conforme a necessidade do
artista ou programador. Isso é possível, pois os programas gráficos que permitem esse tipo de criação
registram uma informação matemática para cada item desenhado.
Diante disso, cada item desenhado pode se reproduzir toda vez que for aberto novamente em outro
computador. Os gráficos vetoriais, portanto, são mais versáteis, porque permite que os desenhos
produzidos sejam alterados, sem causar maiores perdas de qualidade.
Ilustração e pintura digital
As ilustrações, desenhos e pinturas digitais permitem a criação de artes
para livros, quadrinhos e sites. Essa técnica é a que mais se aproxima das
clássicas pinturas em óleo sobre tela, aquarela, baixo relevo, montagem,
etc. O uso de softwares, como o photoshop e o ilustrador permite a
produção de peças para identidades visuais, propagandas, apresentações
e infográficos.
O segmento natural-media é um exemplo de pintura digital feita com
softwares bastante específicos. Eles procuram simular as condições
naturais de um artista real, como as tintas e pinceis, por exemplo.
Fotos futuristas
Outra melhoria advinda do avanço tecnológico desse novo século são os diversos programas digitais que
permitem a obtenção de grandes resultados com os efeitos que podem ser aplicados ao resultado final das
fotografias. Ficou para trás a era onde só era permitido admirar aquilo que era capturado instantaneamente,
agora já podemos dar uma nova cara a uma fotografia modificando-a completamente, alterando paisagens,
modificando tonalidades e formas, incorporando novos elementos e eliminando outros.
Esculturas do novo século
Outra transformação no mundo das artes decorrente do emprego de novas tecnologias é a escultura.
Estávamos acostumados as esculturas de mármore ou gesso que vemos nos grandes museus (que são
obras primas feitas a partir desses materiais), no entanto, hoje em dia, podemos contar algumas obras de
escultura que fazem uma ruptura com tudo o que conhecíamos até o momento presente; com a chegada do
“Cinetismo”, já conseguimos criar obras móveis no centro de grandes cidades e adornando as melhores
praças de muitos países.
Arte urbana sec. xxi
Crédito: Divulgação/ Secretaria Municipal de Cultura de São PauloLocalizada na Vila 
Itororó está a obra “Esperança”, do artista Enivo
Referências 
ARTE CONTEMPORÂNEA. Disponível em: https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/arte-
contemporanea
ARTE CONTEMPORÂNEA. Disponível em: https://comalma.com.br/movimentos-arte-contemporanea/
COLI, Jorge. O que é Arte. 11ºed. São Paulo: Brasiliense, 1990. (Col. Primeiros passos)
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