História da Arte - Características de cada Período

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História da Arte 
 
Arte Pré- Histórica: + 5.000.000 a 3.500 a. C. 
 Divida em: 
* Paleolítico Inferior: sem atividade “artística”. 
 
* Paleolítico Superior - a principal característica dos desenhos da Idade da Pedra 
Lascada é o naturalismo. O artista pintava os seres, um animal, por exemplo, do modo 
como o via de uma determinada perspectiva, reproduzindo a natureza tal qual sua 
vista captava. Atualmente, a explicação mais aceita é que essa arte era realizada por 
caçadores, e que fazia parte do processo de magia por meio do qual procurava-se 
interferir na captura de animais, ou seja, o pintor-caçador do Paleolítico supunha ter 
poder sobre o animal desde que possuísse a sua imagem. Acreditava que poderia 
matar o animal verdadeiro desde que o representasse ferido mortalmente num 
desenho. Utilizavam as pinturas rupestres, isto é, feitas em rochedos e paredes de 
cavernas. O homem deste período era nômade. 
 Os artistas do Paleolítico Superior realizaram também trabalhos em 
escultura. Mas, tanto na pintura quanto na escultura, nota-se a ausência de figuras 
masculinas. Predominam figuras femininas, com a cabeça surgindo como 
prolongamento do pescoço, seios volumosos, ventre saltado e grandes nádegas. 
Destaca-se: Vênus de Willendorf. 
* Neolítico: neste período o homem teve de adaptar-se a uma maior dependência da 
terra e ao paulatino abandono da caça. 
 A pintura, de tendência retórica ao apresentar um conjunto narrativo com 
intenção, mostra uma certa vontade compositiva e tendem à representação do 
espaço. 
 As representações humanas são muito estilizadas e a dos animais é 
solucionada com o uso de silhuetas negras ou vermelhas, de grande exatidão. 
 Descobre a técnica da cerâmica, surgindo as primeiras manifestações de 
uma arte abstrata. 
 
Arte da Mesopotâmia (sumérios, acádios, assírios, babilônicos, caldeus, hebreus, 
caldeus): 4.000 a. C. 
 Sua arte muitas vezes celebrava a vitória nas guerras. Representavam seu 
cotidiano em paredes, placas de pedra ou argila (estelas). 
 Como era difícil encontrar pedras na região, utilizavam adobe (tijolo 
preparado com argila crua e secado ao sol). 
 Assim como a arte egípcia, faz uso do hieratismo, conceito estético onde as 
figuras representadas apresentam caráter solene, de gestos rígidos e sem expressão. 
Emprega também a lei da frontalidade e a lei da hierarquia. 
 Segundo Mª Fernanda Canal (1998, 13) 
 
Reis e demais personagens são imagens convencionais, sempre vistas 
de perfil e muito detalhadas no desenho de ornamentos e vestidos. 
Os rostos, solenes, têm o olho desenhado frontalmente. Braços e 
pernas, muito musculosos, são vistos de perfil. Torsos e ombros, 
muitas vezes, não se ajustam à frontalidade, senão que são 
desenhados de perfil. 
 
 A rigidez do naturalismo só é quebrada na representação das”obras 
animalísticas” da arte assíria, as quais revelam bastante sensibilidade ao retratar a dor 
dos animais feridos. 
 
Arte Egípcia: 3.000 a. C. a 1d.C. 
 A arte refletia a visão religiosa (culto à vida após a morte), aparecendo nas 
diversas manifestações. 
 
ESCULTURA 
 
 Os escultores egípcios representavam os faraós e os deuses em posição 
serena, quase sempre de frente, sem demonstrar nenhuma emoção. Pretendiam com 
isso traduzir, na pedra, uma ilusão de imortalidade. Com esse objetivo ainda, 
exageravam freqüentemente as proporções do corpo humano, dando às figuras 
representadas uma impressão de força e de majestade. 
 Os Usciabtis eram figuras funerárias em miniatura, geralmente esmaltadas 
de azul e verde, destinadas a substituir o faraó morto nos trabalhos mais ingratos no 
além, muitas vezes coberto de inscrições. 
Os baixos-relevos egípcios, que eram quase sempre pintados, foram também 
expressão da qualidade superior atingida pelos artistas em seu trabalho. 
Recobriam colunas e paredes, dando um encanto todo especial às construções. Os 
próprios hieróglifos eram transcritos, muitas vezes, em baixo-relevo. 
 Para os egípcios, as esculturas do Antigo Império, “deveriam revelar as 
características do retratado, como a fisionomia, os traços raciais e a condição social” 
(Proença: 2005, 20). 
PINTURA 
 
 A decoração colorida era um poderoso elemento de complementação das 
atitudes religiosas. 
Suas características gerais são: 
* ausência de três dimensões; 
* ignorância da profundidade; 
* colorido a tinta lisa, sem claro-escuro e sem indicação do relevo; e 
* Lei da Frontalidade que determinava que o tronco da pessoa fosse representado 
sempre de frente, enquanto sua cabeça, suas pernas e seus pés eram vistos de perfil. 
* Hierarquia na representação: quanto mais importante, maior era seu tamanho, ou 
seja, nesta ordem de grandeza: o rei, a mulher do rei, o sacerdote, os soldados e o 
povo. As figuras femininas eram pintadas em ocre, enquanto que as masculinas 
pintadas de vermelho. 
Arte Grega: séc. VII a. C. a I d.C. 
Características gerais: 
*arte ligada à inteligência: RACIONALISMO; 
*reis/governantes: seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo: 
DEMOCRACIA; 
*arte volta-se para o gozo da VIDA PRESENTE; 
*artista exprime manifestações da natureza; 
*artista busca a perfeição: BELEZA; 
* arte com elaboração intelectual em que predominam: ritmo, equilíbrio, harmonia 
ideal; 
* interesse pelo homem que é “a medida de todas as coisas” 
 
PINTURA 
 A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. Os vasos gregos são também 
conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma, mas também pela harmonia entre o desenho, 
as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. Além de servir para rituais religiosos, esses 
vasos eram usados para armazenar, entre outras coisas, água, vinho, azeite e mantimentos. 
Por isso, a sua forma correspondia à função para que eram destinados: 
- Ânfora - vasilha em forma de coração, com o gargalo largo ornado com duas asas; 
- Hidra - (derivado de ydor, água) tinha três asas, uma vertical para segurar enquanto 
corria a água e duas para levantar; 
- Cratera - tinha a boca muito larga, com o corpo em forma de um sino invertido, servia 
para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro), etc. 
As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da 
mitologia grega. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias. 
 
A pintura grega se divide em três grupos: 
 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 
 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro: maior vivacidade das figuras, 
 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco 
 De acordo com Proença(2005,30), neste período “os gregos deram um 
importante passo para a compreensão de que na pintura se podem representar os 
objetos em 3 dimensões: largura, altura e profundidade”. 
 
 ESCULTURA 
 A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo 
homem. Na escultura, o antropomorfismo - esculturas de formas humanas - foi 
insuperável. As estátuas adquiriram, além do equilíbrio e perfeição das formas, o 
movimento. 
 No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir, em mármores, grandes 
figuras de homens. Primeiramente aparecem esculturas simétricas, em rigorosa 
posição frontal, com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. 
Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). 
 No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas, para 
isto, se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore, podendofixar o movimento sem se quebrar. Surge o nu feminino, pois no período arcaico, as 
figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. 
 Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres 
humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade, 
mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. O grande 
desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação 
não de uma figura apenas, mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de 
mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. 
 
ARTE ROMANA: 500 a. C. a IV d. C. 
A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e 
voltada para a expressão da realidade vivida, e a da greco-helenística, orientada para a 
expressão de um ideal de beleza. 
 Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos 
romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. 
 
PINTURA: com caráter decorativo em paredes internas, como Pompéia e Herculano. 
Através do uso do mosaico em pedra ou em mármore, misturaram realismo e 
imaginação. 
MOSAICO : cores vivas, com possibilidade de colocação sobre qualquer superfície, 
durabilidade. Muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. 
A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de 
Pompéia e Herculano, que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a.C. 
Nos séculos seguintes, tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras 
igrejas cristãs. 
 ESCULTURA: recebe influência 
• do realismo e praticidade dos etruscos; 
• da beleza humana ideal, dos gregos. 
 Os romanos eram grandes admiradores da arte grega, mas por 
temperamento, eram muito diferentes dos gregos. Por serem realistas e práticos, suas 
esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza 
humana, como fizeram os gregos. Retratavam os imperadores e os homens da 
sociedade. 
 
 Mais realista que idealista, a estatuária romana teve seu maior êxito nos 
retratos. 
 Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e 
poucos monumentos foram realizados pelo Estado. Era o começo da decadência do 
Império Romano que, no séc. V - precisamente no ano de 476 - perde o domínio do 
seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. 
 
ARTE PALEOCRITÃ: 
*também chamada arte cristã primitiva; 
*arte simples e simbólica, executada por pessoas que não eram artistas; 
* 1ª fase: arte das catacumbas; 
*temática: Jesus, passagens bíblicas. 
 
 Para entender melhor a simbologia: 
Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe, pois a 
palavra peixe, em grego ichtus, forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho 
Salvador". 
Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é 
o Bom Pastor" e também, o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". 
 Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas, por exemplo: Arca de 
Noé; Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões (....) 
 O mosaico, muito utilizado pelos gregos e romanos, foi o material escolhido 
para o revestimento interno das basílicas, utilizando imagens do Antigo e do Novo 
Testamento. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos 
feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de 
passagens bíblicas. 
 
ARTE BIZANTINA: ramo oriental da arte paleocristã. 
 O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos 
primeiros séculos de nossa era.Por volta do século IV, começou a invasão dos povos 
bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio, 
cidade grega, depois batizada por Constantinopla.A mudança da capital foi um golpe 
de misericórdia para a já enfraquecida Roma; facilitou a formação dos Reinos Bárbaros 
e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã - Arte Bizantina. 
 Graças a sua localização (Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências 
de Roma, Grécia e do Oriente. A união de alguns elementos dessa cultura formou um 
estilo novo, rico na técnica e na cor. 
Características gerais: 
*arte dirigida pela religião; 
*artistas: meros executores; 
*regime político: TEOCRÁTICO: imperador tem poderes administrativos e espirituais; 
* rei: representante de Deus, por isso a representação com uma auréola na cabeça; 
 
MOSAICO: 
*expressão máxima da arte bizantina; 
* função: decoração de paredes e abóbodas; instrução dos fiéis; 
* temática: cenas da vida de Cristo, dos profetas e dos imperadores; 
*convenções utilizadas: as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para 
criar certa espiritualidade; a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é 
demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o 
ouro. 
 
ESCULTURA 
 Toda essa atração por decoração aliada à prevenção que os cristãos tinham 
contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano, afasta o gosto 
pela forma e consequentemente a escultura não teve tanto destaque neste período.O 
que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. 
 A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI, durante o reinado do 
Imperador Justiniano. Porém, logo sucedeu-se um período de crise chamado de 
Iconoclastia.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito 
entre os imperadores e o clero. 
 A arte bizantina não se extinguiu em 1453, pois, durante a segunda metade 
do século XV e boa parte do século XVI, a arte daquelas regiões onde ainda florescia a 
ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina. E essa arte extravasou em 
muito os limites territoriais do império, penetrando, por exemplo, nos países eslavos. 
ARTE ROMÂNICA: ramo ocidental da arte paleocristã. (princípios do séc. X até séc. 
XIII) 
Características gerais: 
* Teocentrismo: Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas ; Igreja é o 
representante de Deus na Terra; 
* arte com influências híbridas e complexas trazidas pelos bárbaros; 
* temas religiosos: histórias bíblicas; 
* o nu só aparece em relatos bíblicos e com desenhos anatômicos irreais, mais 
imaginados do que conhecidos; 
* Só a Virgem, os apóstolos e os santos são considerados dignos de figurar na 
decoração do templo; 
* As miniaturas são o principal documento gráfico do mundo românico; 
* uso de bestiário com seres fantásticos; 
*uso de mosaicos. 
* predomínio da HORIZONTALIDADE 
 
PINTURA E ESCULTURA associadas à arquitetura; 
* temas: religiosos, cenas bíblicas; 
* pintura de murais, através da técnica do afresco; 
*características essenciais da pintura: deformação, imobilidade e colorismo (uso de 
cores chapadas); 
* Cristo tem dimensão maior do que os outros que o cercam; 
* pintura expressa idéias teológicas através de símbolos e fórmulas iconográficas 
características. 
 
Escultura: 
* imitação de formas rudes, curtas e alongadas, ausência de movimentos naturais; 
* mais utilizada no “tímpano” (parede semicircular logo abaixo dos arcos que rematam 
o vão superior da porta). 
 
ARTE GÓTICA: séc. XIII a XV 
* Desenvolvimento do comércio (a partir do séc. XII) propicia o surgimento das 
cidades; 
* predomínio da VERTICALIDADE : pluralidade de torres, presença de arcos ogivais ou 
angulares, vitrais coloridos, abóbodas e nervuras; 
* temas: religiosos predominantemente, 
* concepção de mundo: criação divina real, devendoser estudado, admirado e 
imitado; 
* representação naturalista: figuras são humanizadas pouco a pouco 
 
ESCULTURA : 
* ligada à arquitetura; 
* formas exageradamente alongadas, com feições caracterizadas para reconhecimento 
do público; 
* função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. 
PINTURA: séc. XIII e XIV, início do XV (quando iniciam mudanças) 
* Realismo: busca retratar de “forma mais fiel possível” o que é visto. Giotto 
preocupava-se em retratar os santos como pessoas de aparência comum, embora em 
posição de destaque. 
ILUMINURA: trabalho decorativo feito em folhas de velino, as quais formariam um 
livro. 
 
RETÁBULOS: conjunto de painéis que podem ser fechados uns sobre os outros. 
 
GÓTICO INTERNACIONAL OU ARTE FLAMENGA, fim do séc. XIV 
Características: 
* período de transição entre Gótico e Renascimento 
* arte com narrativa marcante e elegância cortês; 
* detalhamento do naturalismo com precisão; 
* refinamento decorativo; 
* realismo das superfícies (predomínio do “desenho”) 
* uso de cores exuberantes; 
* uso da pintura a óleo 
 
ARTE RENASCENTISTA: séc. XV a meados do séc. XVII. 
Características: 
* Valorização do homem (Humanismo) e da natureza 
* Racionalidade 
* Dignidade do Ser Humano 
* Rigor Científico 
* Reutilização das artes greco-romana 
* Pintura e escultura tornam-se manifestações artísticas independentes 
* Surgimento de artistas com estilo pessoal independente 
 
PINTURA: 
* Perspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as diversas distâncias e 
proporções que têm entre si os objetos vistos à distância, segundo os princípios da 
matemática e da geometria. 
 * Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na sombra, esse jogo 
de contrastes reforça a sugestão de volume dos corpos. 
 * Realismo: o artista do Renascimento não vê mais o homem como simples 
observador do mundo que expressa a grandeza de Deus, mas como a expressão mais 
grandiosa do próprio Deus. E o mundo é pensado como uma realidade a ser 
compreendida cientificamente, e não apenas admirada. 
 * Inicia-se o uso da tela e da tinta à óleo. 
 
ESCULTURA: 
* Buscavam representar o homem tal como ele é na realidade 
 * Proporção da figura mantendo a sua relação com a realidade 
 * Profundidade e perspectiva 
 * Estudo do corpo e do caráter humano 
 
RENASCIMENTO FORA DA ITÁLIA: 
 Devido às influências comuns italianas e flamencas, o Renascimento 
europeu possui características estilísticas bastante uniformes. Na Espanha, foi muito 
influenciado por Rafael. Na França o caráter decorativo esteve dominado por pintores 
italianos e franceses como Jean Pousin e François Clouet, havendo grande demanda 
para a arte do retrato. Já na Alemanha, nunca se desprendeu totalmente da tradição 
gótico-flamenca. 
RENASCIMENTO NÓRDICO: 
* Inspirado pela Reforma Protestante e pela difusão da gravura (Gutemberg); 
* interesse na representação da imagem humana, 
* representação realista do mundo visível; 
* temas: mundo físico, cenas de interiores, paisagens, natureza-morta e estudos da 
fisionomia humana; 
*artistas reconhecidos pela habilidade de retratar detalhes microscópicos. 
 
MANEIRISMO: termo aplicado aos discípulos de Miguelangelo e Rafael 
* predomínio do gosto pelo detalhe, dinamismo das formas, indumentárias luxuosas e 
espaços arquitetônicos de grande magnificência; 
* abordagem dissimulada, envolve algum tipo de estranhamento (algo fora do 
comum); 
*uso de cores fortes; 
* El Greco: alongamento intencional dos corpos; 
 
 
ARTE BARROCA: 
Predominante na Europa nos fins do séc. XVI, apresenta-se até 1ª metade do séc. XVIII. 
O termo barroco vem da palavra baros (peso). Para a Idade Medida significava algo 
obscuro e defeituoso, para os renascentistas: pérola defeituosa. 
Tem suas origens em fatos ocorridos no séc. XVI, dentre eles a Reforma Protestante. 
Originada na Itália, apresentou características bem diferentes nos vários países onde 
aconteceu, inclusive na América. É uma época de conflitos espirituais e religiosos. O 
estilo barroco traduz a tentativa angustiante de conciliar forças antagônicas: bem e 
mal; Deus e Diabo; céu e terra; pureza e pecado; alegria e tristeza; paganismo e 
cristianismo; espírito e matéria. 
Na pintura e escultura não seguia as regras de proporção estabelecidas no momento 
artístico anterior. Há uma grande valorização do modo de realização do artista. 
*Ambiente sociopolítico: Absolutismo e o Mercantilismo. 
Características gerais: 
* intensidade dramática e teatralidade na expressão; 
* instabilidade e ritmo dinâmico presentes na composição; 
* excesso de detalhes e ornamentos; 
* domínio de curvas e contracurvas; 
* nervosismo nos traços e nas formas; 
* pinceladas pastosas; 
* veemência de colorido; 
* na pintura: gosto pela composição em diagonal que comunica sensações de 
instabilidade e movimento; 
* valorização de entalhes; 
* colunas retorcidas (salomônicas); 
* decoração luxuosa com policromia e aplicação de ouro; 
* exploração de formas aladas; 
* utilização de efeitos ilusionistas, como o da profundidade espacial que amplia as 
possibilidades de percepção estética; 
 
* Temas são variados, abrangendo desde temas religiosos, mitológicos, cotidianos – 
abrangendo todas as camadas sociais. As cenas são escolhidas no seu momento de 
maior dramaticidade. 
 
Barroco Italiano: 
Destacam-se na Pintura: Caravaggio, Tintoretto e Andréa Pozzo. 
*Caravaggio: utiliza a luz para direcionar atenção do observador, seus modelos são 
pessoas comuns (músicos ambulantes, vendedores, ciganos, etc). 
*Tintoretto: deixou sua marca pela expressividade que dá ao corpo (mais de do que ao 
rosto), e intensidade da luz e da cor. Ver o quadro no todo e depois buscar os detalhes. 
*Andréa Pozzo: utiliza a perspectiva de forma audaciosa na pintura de tetos das igrejas 
( recurso muito utilizado no barroco). 
 
ESCULTURA: exprime emoções (alegria, dor, sofrimento); grupo de esculturas 
compondo cenas dramáticas. As formas sugerem movimento e efeitos decorativos. 
 
Barroco Espanhol: 
* Pintura muito influenciada pelo Barroco italiano, através do uso expressivo de luz e 
sombra; 
* Conservou realismo e domínio da técnica; 
*El Greco: sua pintura é marcada pela verticalidade, as figuras são alongadas e esguias. 
Velázquez: trabalhou contraste de luz e sombra. Famoso por retratar a corte 
espanhola do século XVII. 
 
Barroco nos Países Baixos: 
* Bélgica: manteve linhas movimentadas e a forte expressão emocional. 
* Holanda: apresenta aspectos mais próximos do espírito prático e austero do povo 
holandês. Descreve cenas da vida doméstica e social com muito realismo. 
*Rembrandt: destaca-se pela gradação da luz geradas no contraste entre luz e 
sombra. 
*Vermeer: oposto de Rembrandt trabalha os temas em plena claridade. Cotidiano é o 
tema preferido. 
 
Barroco Brasileiro: séc. XVIII até duas 1ªas décadas do Séc. (100 anos depois do 
Barroco na Europa) 
 
Características: 
*mistura elementos do barroco português, francês, italiano e espanhol; 
* difundido através das oficinas laicas. Mestres portugueses ensinavam filhos de 
europeus nascidos no Brasil 
* um Brasil, “vários” barrocos; 
*nas regiões ricas (Minas Gerais, Rio de Janeiro, Bahia e Pernambuco): igrejas com 
talhas douradas e esculturas refinadas; 
* regiões mais pobres (São Paulo, Goiás): igrejas com trabalhos modestos de artistas 
menos experientes; 
*Expressões do barroco brasileiro: igrejas, fontes, prédios públicos, moradias; 
*Talhas (ornamentos esculpidos em madeira, mármore ou marfim): presentes nos 
arcos, altares, tetos e janelas. Podem ter motivos florais, figuras de anjos ou espirais. 
* Azulejos: em azul e branco; formando painéis. Temas: religiosos, figuras mitológicas 
oucenas históricas da literatura. 
* Uso de linhas curvas lembrando as linhas de elementos da natureza (plantas, 
conchas, flores) 
* Aleijadinho: esculturas em pedra-sabão; 
 
ROCOCÓ: termo originado da palavra francesa rocaille (concha), início do século XVIII 
na França e depois por toda a Europa. 
* Arte requintada, aristocrática e convencional. 
* Preocupada em expressar sentimentos agradáveis e dominar técnica da execução 
perfeita. 
* Uso de linhas que lembram linhas de uma concha em elementos decorativos. 
* Cores suaves e tons pastéis (verde-claro e rosa-claro); 
* Expressão humana representada através de formas mais suaves e delicadas 
* Enquanto arte para o prazer da aristocracia, se manifestou na produção de quadros 
pequenos e estatuetas de porcelana para uso doméstico. 
 
PINTURA: 
*Temas: mundanos, ambientados em parques e jardins ou em interiores luxuosos; 
* Personagens: membros da aristocracia ociosa 
 
Watteau: considerado mestre da pintura rococó. 
* Cenas amorosas, com personagens joviais, parecem dedicados ao gozo das coisas 
boas da vida, à busca de uma cultura perfeita e da alegria de um viver tranqüilo. 
* Toque de melancolia nos personagens. 
Jean-Baptiste Chardin 
* Seus quadros retratam cenas da vida cotidiana e burguesa da França. 
* Sua principal característica: composição nítida e unificadora de todos os elementos. 
Faz através da proporção entre os elementos e o jogo de luz. 
 
ESCULTURA: 
* Utiliza linhas suaves e graciosas 
* Se torna intimista, procura retratar as pessoas mais importantes da época. 
* Destaca-se pelos retratos escultóricos e pela confecção de estatuetas decorativas de 
porcelana. 
* Temas: mitológicos, campestre e da sociedade cortesã. 
 
Antoine Houdon: esculturas de Voltaire, Diderot, Rousseau. 
 
ARTE NEOCLÁSSICA ou ACADÊMICA: (fim do séc. XVIII e início do séc. XIX) 
 
*Expressou os valores próprios de uma nova e fortalecida burguesia. 
*Neoclassicismo: porque retomou os princípios da arte da Antiguidade greco-romana. 
* Academicismo: porque as concepções artísticas do mundo greco-romano tornaram-
se os conceitos básicos para o ensino das artes nas academias mantidas pelos 
governos europeus. 
* Obra de arte: aquela que imita de modo perfeito as formas de representar dos 
artistas clássicos gregos e dos renascentistas italianos. 
 
PINTURA: inspirada na escultura grega e na pintura renasc. Italiana (Rafael: mestre no 
equilíbrio da composição e harmonia do colorido). 
 
Jacques Louis David: considerado o “pintor da Revolução Francesa”. Vibrante realismo, 
inclusive fortes emoções. 
 
Jean Auguste Ingres: sua obra abrange composições mitológicas e literárias, nus, 
retratos e paisagens. Destaque para o registro de fisionomias da classe burguesa do 
seu tempo. 
* Domínio do desenho e do translúcido (efeito de pele). 
 
ARTE DO SÉCULO XIX: marcada por fortes mudanças sociais, que geraram 
movimentos artísticos muito diferentes. 
 
a) ROMANTISMO: (entre 1820 e 1850), caracteriza-se como uma reação ao 
Neoclassicismo, buscando se libertar da rigidez das regras acadêmicas. 
* Há uma valorização dos sentimentos e da imaginação como princípios da criação 
artística. 
 * Sentimento do presente, 
* Nacionalismo. 
*Valorização da natureza. 
 
PINTURA: 
* Aproxima-se das formas barrocas: recuperam o dinamismo e o realismo. 
* Composição em diagonal: sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. 
* Valorização da cor e contrastes de claro- escuro: produzindo efeitos de 
dramaticidade. 
*Temas: fatos reais da história nacional e contemporânea dos artistas. Natureza. 
* José Goya y Lucientes: retratos de personalidade da corte espanhola e de pessoas do 
povo, os horrores da guerra, a ação de monstros. 
*Eugène Delacroix: responsabilidade de documentar hábitos cotidianos de outros 
lugares. A agitação das ruas. 
 
b) REALISMO: entre 1850 e 1900. “a arte deve revelar o que há de mais característico 
e expressivo no mundo em que vivemos”. 
* Vida “industrializada”. 
* Pintores voltam-se para a “realidade vivida”, tornando a pintura realista, evitando as 
visões subjetivas e emotivas da realidade. 
* Representantes: Coubert e Manet. 
 
*Gustave Coubert: considerado o criador do realismo social na pintura, retrata temas 
cotidianos, principalmente em classes populares. Simpatia por membros mais pobres 
da sociedade. 
 
*Édouard Manet: realismo aristocrático; usa elementos de composição conhecidos e 
acrescenta outros desconhecidos. Emprego da luminosidade de modo diferente o faz 
precursor do Impressionismo. 
 
* Estudo da Paisagem: destaque na Inglaterrra, com interesse no estudo das variações 
cromáticas presentes na natureza, decorrentes da luz solar. 
 
*Joseph Mallord William Turner: explorou fenômenos da natureza: chuvas, 
tempestades, ventos. Predomínio do movimento e da agitação. 
*John Constable: natureza serena, natureza retratada está ligada aos lugares onde o 
artista viveu, à vida cotidiana. 
 
ESCULTURA: procurou recriar os seres tais como eles são. 
* Temas: contemporâneos, muitas vezes com intenção política. 
 
Auguste Rodin: sua produção despertava polêmica, possui intenso realismo. Sua 
característica fundamental é a fixação do momento significativo de um gesto humano. 
 
c) IMPRESSIONISMO: movimento entre 1874 e 1896, reuniu artistas excluídos do 
Salão de Paris. 
* Unidos pela vontade de romper com a corrente acadêmica do século XIX. 
* Nome impressionismo deriva de rótulo posto em quadro de Monet: “Impressão sobre 
o nascer do sol”. 
*Representantes: Monet, Degas, Renoir, Cézanne, entre outros. 
PINTURA: 
*Deve registrar tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num 
determinado momento. As cores se modificam de acordo com a incidência solar. 
*As figuras não devem ter contornos nítidos. 
*As sombras devem ser luminosas e coloridas. 
*As cores e tonalidades devem ser obtidas através de pequenas pinceladas usando 
CORES PURAS. A mistura das cores é resultado do olhar humano. 
* Pinturas realizadas ao ar livre, não mais em ateliês. 
 
 
d) PONTILHISMO: “evolução” do Impressionismo. Técnica. 
*Figuras são representadas com fragmentos ou pontos, cabendo ao observador 
percebe-las como um todo organizado. 
Representantes: 
Georges Seurat e Paul, Signac 
e) PÓS-IMPRESSIONISMO: 
* Expressão empregada para designar pintura de 1886 até surgimento do Cubismo. 
*Abriga diversos pintores e tendências. 
Paul Gauguin: usa cores puras em áreas de cor bem definidas, os objetos são coloridos 
de modo arbitrário. Representação deixa de ser tridimensional. 
Os campos de cor são bem definidos, as formas das pessoas e dos objetos são planas e 
as sombras desaparecem. 
 
Paul Cézanne: buscou representar o que não muda nos seres, procurando as linhas 
com que os objetos e elementos da natureza podem sempre ser representados. Com o 
tempo converte tudo em formas geométricas: cilindros, cones, esferas. 
 
Vincent Van Gogh: a cor é o elemento principal da sua representação. 
*Sua produção abrange 4 períodos: 
1º) Relacionado à sua condição de “pregador religioso” entre mineiros belgas. Sua 
pintura mostra-se ligada à tradição holandesa do claro-escuro e à preocupação com os 
problemas sociais. Cores sombrias, personagens melancólicos. 
2º)Liga-se superficialmente ao movimento impressionista em Paris. 
3º) Aproxima-se do trabalho de Gauguin: simplificação das formas dos seres, reduzir os 
efeitos da luz e usar zonas de cores bem definidas. 
4º) Interesse pelas cores intensas e puras, sem nenhuma matização. Para ele as 
representavam emoções. Uso de cores fortes e linhas retorcidas. 
 
Tolouse-Lautrec: 
* Pintura: intensa capacidade de SÍNTESE., o contorno expressivo das figuras e a 
dinâmica da realidade representada. 
*Temática: ambientes interiores – o circo, o bar, o bordel. A natureza é mero cenário. 
*Representoua sociedade e o ser humano na chamada “belle époque”. 
 
ARTE DO SÉCULO XX: 
*Ampliam-se as conquistas técnicas e o progresso industrial, as diferenças sociais entre 
alta burguesia e proletariado. 
*Capitalismo se organiza enquanto sistema econômico. 
*Surgem 1ºs movimentos sindicais. 
*Conturbações políticas: Grandes Guerras, Revolução Russa, surgimento do Facismo 
(It), Nazismo (AL). 
*Energia nuclear, conquista do espaço, uso crescente da computação e dos satélites, 
internet, etc.... 
*Acentuam-se as disparidades sociais. 
Tendências: Expressionismo, Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Abstracionismo, 
Dadaísmo, Surrealismo, Pintura Metafíscia, Op-Art, Por-Art. 
 
1ª metade do século XX 
 
a) EXPRESSIONISMO: origem entre 1904 e 1905, na Alemanha, com grupo chamado 
Die Brüke (“a ponte”). 
* Foi uma reação ao Impressionismo; 
*Procurava retratar inquietações do ser humano no início do século XX. 
*Movimento inspirado pelo pintor norueguês Edvar Munch. 
*Obras com clima de tristeza e inquietação. 
 
b)FOVISMO: nome derivado de uma crítica feita a alguns jovens pintores, devido à 
intensidade que usavam as cores puras, sem misturas ou matizes. 
*Caracteriza-se pela simplicidade das formas: sugeridas e não representadas de modo 
realista; 
*Uso de cores puras: não são as da realidade, não há gradação de tons. 
*Rejeitados, deram início ao gosto pelas cores puras. 
* Henri Matisse. 
 
c)CUBISMO: teve origem histórica na obra de Cézanne (reduzir tudo a cones, esferas e 
cilindros). 
* Figuras representadas em mais de um ângulo de visão ao mesmo tempo. 
*Marcado pela decomposição e geometrização das formas naturais. 
*Duas tendências: cubismo analítico 
*Representantes: Pablo Picasso e Braque, entre 1908 e 1911. 
* Uso de poucas cores: preto, cinza e alguns tons de marrom e ocre. 
*Com o tempo ficou impossível reconhecimento de qualquer figura nas pinturas 
cubistas. 
 
*Cubismo sintético: reação ao cubismo analítico, busca tornar as figuras novamente 
reconhecíveis. 
* Também chamado de COLAGEM. Introduziu letras, palavras, números, pedaços de 
madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas pinturas. 
 
* Ferand Léger: apresenta desenho sintético e geometrizado. 
* Otimista sobre o início do século XX. 
 
d) ABSTRACIONISMO: 
*Característica da pintura abstrata: ausência de relação imediata entre representação 
e realidade. Entre as formas e cores pintadas e as formas e cores de um ser. 
* Wassily Kandinsky: considerado iniciador da moderna pintura abstrata. Pintura: Batalha. 
* O “desmanche” da figura iniciou com Picasso e Braque. 
*Movimento bem diversificado. Duas tendências se consolidaram: 
Abstracionismo Geométrico organização geométrica das formas e cores. Piet 
Mondrian. 
Abstracionismo informal:predominam os sentimentos e emoções. Kandinsky. 
e) FUTURISMO: amantes do futuro, do movimento das máquinas e da velocidade. 
* Buscavam a expressão do próprio movimento, usavam linhas retas e curvas e cores 
que sugerissem velocidade. 
*Umberto Boccioni (escultor), Giacomo Balla (pintor) 
*Objetivo de associar vida mecânica e velocidade das máquinas da vida moderna à 
arte. 
* Alexander Calder: inventa os móbiles. “Movimento tratado de forma artística”. 
 
TENDÊNCIAS CRÍTICAS: influenciadas pelos estudos psicanalíticos de Freud e incertezas 
políticas, algumas tendências tinham como característica a crítica da cultura européia 
e a frágil condição humana diante de um mundo cada vez mais complexo. 
 
f)SURREALISMO: movimento da literatura e das artes plásticas, inicia na França com 
André Breton em 1924. 
*Obra de arte é resultado de pensamentos absurdos e ilógicos, como as imagens dos 
sonhos. 
*Representação do irracional e do subconsciente. Livre associação, análise dos sonhos. 
*Salvador Dali, Marc Chagall, Joan Miró 
 
Escultura Moderna: diferentes tendências: associadas a representação realista (ligadas 
ao estilo de Rodin), outros mais abstratos (inspiração nas formas da natureza, em 
culturas antigas). 
* Constantin Brancusi 
 
g)DADAÍSMO: 1915. 
*Negava todas as tradições sociais e artísticas. 
*Sua base: anarquismo niilista (“nega todas as verdades morais e hierarquia de 
valores”). 
 * Objetivo máximo: escandalizar. 
*Bakunin: “a destruição também é criação”. 
*Usaram bastante colagem, com objetivo de sátira e crítica aos valores tradicionais tão 
valorizados. 
 
h) PINTURA METAFÍSICA: Georgio de Chirico 
*Temas: paisagens urbanas, melancólicas, desertas, iluminadas por uma luz estranha. 
*Detalhista com “toque de estranho”. 
 
2ª Metade do século XX: Arte dos Centros Industrializados 
 
a) OP-ART: da expressão inglesa optical art, arte óptica. 
*Precursor: Victor Vasarely 
* Obras com figuras em preto &branco ou coloridas, combinadas de modo a causar no 
observador sensações de movimento. 
* Princípios: redução cromática, predomínio da linha, máxima economia de recursos e 
despersonalização da autoria. 
*Arte que simboliza as constantes mudanças na realidade em que vivemos. 
* O movimento ótico de muitas obras da op art se aproxima de experiências da Arte 
Cinética. 
*François Morellet, Yaacov Agam, Jesús Soto, Carlos Cruz-Díez, .... 
 
b) POP ART: surge no final de 1950 (Inglaterra), depois se irradia a partir de Nova York 
(EUA) 
* Tendência figurativa nova, ligada ao Futurismo, ao Surrealismo e ao Dada, 
principalmente a Marcel Duchamp. 
*Movimento artístico centrado no imaginário do consumismo e da cultura popular. 
*Temas banais, reprodução de figuras através de técnicas modernas, repetição de uma 
mesma forma ou motivo, ampliação de imagens, isolamento de ícones, apelo à mídia, 
estilo impessoal, não-ideologia. 
* A pop art aboliu os conceitos de bom e mau gosto. 
* Andy Warhol, Roy Lichtenstein. 
 
 
Referências Bibliográficas: 
 
CANAL, Mª Fernanda. Cómo reconocer estilos: de la prehistoria a los ismos del s. XX. 
Barcelona – ES: Parramón Ediciones, S. A., 1998. 
 
COSTA, Casilda Teixeira da. Arte no Brasil 1050 – 2000. São Paulo: Alameda, 2004. 
 
PROENÇA, Graça. História da arte. São Paulo: Ática, 1989. 
 
PROENÇA, Graça. Descobrindo a história da arte. São Paulo: Ática, 2005. 
 
REIS, Sandra Loureiro de Freitas. Educação Artística: introdução à história da arte. 2ª 
ed. rev. e aum. Belo Horizonte: UFMG, 1993. 
 
 
Referência eletrônica: 
http://www.historiadaarte.com.br/linhadotempo.html, acessado em 02/03/2007.