Ebook - DG - Histórias da Arte e do Design [ETEPAC 2021]

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Histórias da Arte e do Design 
Lia Madureira Ferreira 
 
Curso Técnico em Design Gráfico 
Educação a Distância 
2021 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Histórias da Arte e do Design 
Lia Madureira Ferreira 
 
Curso Técnico em Design Gráfico 
 
 
Escola Técnica Estadual Professor Antônio Carlos Gomes da Costa 
 
Educação a Distância 
 
Recife 
 
1.ed. | Ago. 2021 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Catalogação e Normalização 
Hugo Cavalcanti (Crb-4 2129) 
 
Diagramação 
Jailson Miranda 
 
Coordenação Executiva 
George Bento Catunda 
Renata Marques de Otero 
Manoel Vanderley dos Santos Neto 
 
Coordenação Geral 
Maria de Araújo Medeiros Souza 
Maria de Lourdes Cordeiro Marques 
 
Secretaria Executiva de 
Educação Integral e Profissional 
 
Escola Técnica Estadual 
Professor Antônio Carlos Gomes da Costa 
 
Gerência de Educação a distância 
 
 
Professor(es) Autor(es) 
Lia Madureira Ferreira 
 
Revisão 
Lia Madureira Ferreira 
 
Coordenação de Curso 
Manoel Vanderley dos Santos Neto 
 
Coordenação Design Educacional 
Deisiane Gomes Bazante 
 
Design Educacional 
Ana Cristina do Amaral e Silva Jaeger 
Helisangela Maria Andrade Ferreira 
Izabela Pereira Cavalcanti 
Jailson Miranda 
Roberto de Freitas Morais Sobrinho 
 
Descrição de imagens 
Sunnye Rose Carlos Gomes 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Sumário 
Introdução .............................................................................................................................................. 4 
1.Competência 01 | Identificar a arte como reflexo da cultura e da história. Reconhecer as 
características artísticas de diferentes períodos históricos. .................................................................. 5 
1.1 O Significado e Sentido da Arte .................................................................................................................. 6 
1.2 A Pré-história ............................................................................................................................................ 12 
1.3 A Antiguidade............................................................................................................................................ 14 
1.3.1 A Civilização Egípcia ............................................................................................................................... 14 
1.3.2 A Grécia Antiga ...................................................................................................................................... 17 
1.3.3 Roma Antiga ........................................................................................................................................... 19 
1.4 O Período Medieval .................................................................................................................................. 21 
1.5 A Idade Moderna e o Renascimento ........................................................................................................ 24 
2.Competência 02 | Reconhecer as características da arte moderna e da arte pós-moderna a partir 
da compreensão da indústria cultural e da cultura de massa. ............................................................ 31 
2.1 A Arte Moderna ........................................................................................................................................ 31 
2.1.1 As Vanguardas Artísticas ........................................................................................................................ 33 
2.2 Indústria Cultural, Cultura de Massas e as Novas Ideias Artísticas .......................................................... 39 
2.3 A Arte Pós-Moderna ................................................................................................................................. 40 
3.Competência 03 | Entender o impacto da tecnologia industrial sobre a comunicação visual e 
identificar o surgimento do design gráfico nesse contexto ................................................................. 51 
3.1 O Conceito de Design Gráfico ................................................................................................................... 53 
3.2 A Evolução do Design Gráfico Contemporâneo........................................................................................ 54 
3.3 O Design Gráfico nas Décadas de 1920 e 1930 ........................................................................................ 63 
3.4 A Escola Bauhaus ...................................................................................................................................... 65 
3.5 O Período de Pós-Guerra .......................................................................................................................... 70 
3.6 Os Anos 50 na Suíça e Estados Unidos ..................................................................................................... 70 
 
 
 
 
 
 
4.Competência 04 | Situar e identificar o contexto histórico para o surgimento do design gráfico pós-
moderno. A revolução digital no design gráfico .................................................................................. 75 
4.1 Os Anos 60 e 70 na Europa ....................................................................................................................... 75 
4.2 Os Anos 60 e 70 nos Estados Unidos ........................................................................................................ 77 
4.3 Novos Paradigmas do Design .................................................................................................................... 78 
4.4 O Pós-Modernismo ................................................................................................................................... 80 
4.5 A Revolução Digital ................................................................................................................................... 87 
4.6 A Multimídia e a Interatividade ................................................................................................................ 92 
Conclusão ............................................................................................................................................. 96 
Referências ........................................................................................................................................... 99 
Minicurrículo do Professor ................................................................................................................. 100 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
4 
Introdução 
Prezado Estudante, 
 
Seja bem-vindo (a) à disciplina de Histórias da Arte e do Design. 
Essa disciplina tem como objeto de estudo a arte e o design a partir do seu 
desenvolvimento e evolução ao longo da história da humanidade. 
A arte está presente por todos os lados e momentos no seu dia a dia. Quando você anda 
pelas ruas da sua cidade, quando passa por uma praça e vê uma escultura, quando entra em uma 
igreja e vê um vitral colorido ou em um edifício e vê um mural de azulejos ou uma pintura. Muitos 
objetos que em algum momento foram utilitários para o homem, hoje são considerados objetos 
artísticos. Além disso, as obras de arte podem nos proporcionam prazer, admiração, emoção, 
reflexão. 
O design também está no seu cotidiano, no logotipo da sua marca preferida, nas 
embalagens dos produtos que você consome, na revista que você tem em casa e até mesmo nas suas 
redes sociais. 
A origem das artes é incerta e envolve não só a estética, mas também a consciência da 
sua criação. Alguns historiadores da arte definiram o local do seu nascimento na caverna Chauvet, na 
França, onde se encontra a pintura rupestre mais antiga descoberta, datada de aproximadamente 
30.000 anos. 
Nessadisciplina será apresentado um panorama geral das artes e das correntes artísticas 
mais importantes por período histórico, iniciando na Pré-história, e seguindo pela Idade Antiga, Idade 
Média, Idade Moderna e Idade Contemporânea. 
Posteriormente observaremos como a Revolução Industrial foi o cenário propício para o 
surgimento de um novo profissional, o designer gráfico. Como área do conhecimento que engloba 
aspectos teóricos e práticos, veremos que o design se consolidou ao longo do século XX, passando 
por diversos momentos, ao mesmo tempo em que a tecnologia avançava cada vez mais. 
Percorreremos juntos um prazeroso caminho ao longo da nossa própria história. 
Boa leitura! 
 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
5 
 
1.Competência 01 | Identificar a arte como reflexo da cultura e da história. 
Reconhecer as características artísticas de diferentes períodos históricos. 
Estamos só começando a disciplina, mas estou curiosa. Algum dia você já parou pra 
pensar desde quando a arte existe e porque ela existe? Será por aí que iniciaremos a nossa jornada 
pelas Histórias da Arte e do Design, vamos juntos?!!! 
Ao longo da história, o homem produziu uma grande quantidade de artefatos para utilizá-
los no seu dia a dia. Criou também objetos para expressar sua visão e sentimentos como reflexo da 
realidade em que estava inserido. 
O conceito de arte pela arte, de um objeto que existe exclusivamente pelo seu valor 
estético, ou seja, inicialmente relacionado, ao belo, não existia até o século XIX. Antes da Revolução 
Industrial a beleza, as formas e imagens que o homem criava estava relacionada a sua função na 
sociedade. As características estéticas da cerâmica grega, dos papiros egípcios e dos manuscritos 
medievais estavam totalmente integrados com a sua utilidade. A arte e a vida formavam um todo 
que não se separavam. 
A Revolução Industrial não só trouxe grandes avanços tecnológicos, acelerando todos os 
processos, mas sacudiu as ideias e valores das sociedades, a chamada era das máquinas criou um 
distanciamento entre as necessidades materiais e sensoriais das pessoas, fazendo com que as artes 
e ofícios também sofressem mudanças nos seus papéis sociais e econômicos. 
Desde os tempos pré-históricos o homem buscou maneiras de expressar visualmente 
ideias e conceitos, ao mesmo tempo que tentava encontrar possibilidades de preservar o 
conhecimento adquirido através de formas gráficas, na tentativa de ordenar e transmitir 
informações. Neste sentido, podemos considerar que a arte nasceu com o homem e deu a ele a 
consciência da capacidade de criar e a possibilidade de interpretar, imaginar e se comunicar, nas mais 
diversas linguagens. 
É dessa maneira que a história da arte e do design gráfico começam a traçar seus próprios 
caminhos, que muitas vezes se confundem, mas que tem propósitos muito diferentes, como será 
visto durante esta disciplina. 
 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
6 
 
 
1.1 O Significado e Sentido da Arte 
Já parou para pensar como às vezes é difícil explicar o que é arte e para que ela serve? 
Isso acontece porque são inúmeros os autores que trazem seus conceitos e visões sobre o significado 
da arte, além disso, ao longo da história surgiram diversas formas e interesses para se falar e 
compreender o seu significado. Linguagens que hoje são consideradas artísticas, em outros tempos, 
não eram. 
Ao longo da história, o homem encontrou diferentes modos de fazer arte, de forma que 
o seu papel foi sendo modificado segundo a época, o lugar e a cultura. 
Uma coisa é certa, muitos autores consideram que precisamos entender a arte como 
sendo reflexo da sociedade, ou seja, como algo profundamente ligado à cultura e aos sentimentos de 
um povo e assim como as pessoas, as culturas estão em mudanças constantes de pensamentos, 
valores e gostos. 
O filósofo italiano Luigi Pareyson (1984) disse que a arte é uma linguagem que se 
reinventa constantemente para construir, conhecer e expressar as questões dos seres humanos e 
podem ser reveladas por meio de muitas outras linguagens como o canto, a pintura, a atuação, a 
fotografia, entre outras formas. 
O artista cria com base em suas ideias e intenções, mas quem aprecia também vai criar 
suas próprias interpretações. Isto faz com que ocorram duas coisas: por um lado a arte provoca muito 
mais perguntas, do que traz respostas prontas e por outro lado não é possível se referir a arte como 
uma verdade absoluta, sobre o que ela quer dizer, nem fazer juízos de certos e errados, já que tudo 
vai depender de quem as olha, de que sentimentos provoca no espectador, no apreciador da arte. 
A palavra “arte” vem do latim ars e corresponde ao termo grego tékhne (“técnica”), que 
significa “[...] toda atividade humana submetida a regras em vista da fabricação de alguma coisa” 
(CHAUÍ, 2003, p. 61). 
 
Você já percebeu que algumas palavras ao longo do texto estão sublinhadas e 
deve está se perguntando a razão, certo? O significado dessas palavras pode ser 
consultado, caso você tenha alguma dúvida! Fica atento, o arquivo estará 
disponível no material complementar da primeira competência. 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
7 
Apesar de ser um conceito subjetivo, pode ser compreendida como um saber, já que, é 
um meio de fazer, de produzir algo que vai necessitar um conhecimento prévio, seja teórico ou 
prático, por parte do ser humano. Interessante, verdade? 
Como você já deve saber as obras de arte apresentam diferentes temas e técnicas. 
Observe alguns exemplos abaixo: 
 
• Retratam elementos naturais, como é o caso das pinturas nas cavernas de Lascaux, 
na França. Observe que a disposição aleatória e a escala variável denotam falta de 
estrutura e sequência dos povos pré-históricos no registro de suas experiências; 
 
 
Figura 1: Pintura rupestre em covas de Lascaux, na França. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Pinturas de animais pré-históricos na parede de uma cova, desenho com traços simples usando tons de 
amarelo e marrom. 
 
• Expressam os sentimentos religiosos do homem, tal como o quadro Madona com 
Santos, do pintor renascentista Sandro Botticelli; 
 
 
Figura 2: Quadro Madona com Santos, de Sandro Botticelli, 1485. 
https://artsandculture.google.com/
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
8 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Pintura de um altar da Virgem Maria com o menino Jesus ao centro e dois santos nas laterais. As roupas são 
mantos nas cores vermelha e azul e no fundo se observam folhagens de árvores. 
 
• Servem como adornos para rituais de personificação; 
 
 
Figura 3: Máscara de Pakal, civilização pré-colombiana do México. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Máscara de homem representando o Deus do Milho, constituída por fragmentos de jade, na cor verde, 
com a boca entreaberta e os olhos abertos. 
 
• Retratam situações sociais, como o quadro “A família de Retirante”s, do pintor 
brasileiro Candido Portinari. 
 
Figura 4: Retirantes, Candido Portinari, 1944. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Cena de família de retirantes em primeiro plano com paisagem de sertão ao fundo. 
 
• Sugerem diferentes impressões a quem as contempla. O mural de rua de Bansky. “A 
Menina com Tímpano Perfurado” é uma paródia ao "Garota com Brinco de Pérola" 
de Vermeer, o uso de uma caixa de alarme como um piercing mostra como Banksy 
costuma usar objetos já existentes em seus murais. 
https://artsandculture.google.com/
https://artsandculture.google.com/
https://artsandculture.google.com/
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
9 
 
 
Figura 5: A Menina com tímpano perfurado, Banksy. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Mural de rua com o desenho do rosto de uma menina quase de perfil na cor cinza, o brinco que usa está 
representado por uma caixa de alarme na parede do edifício. 
 
Esses são apenasalguns exemplos, você consegue pensar em outros? 
 
A arte como reflexo da cultura e da sociedade 
A partir dos exemplos vistos foi possível observar que a obra de arte se situa entre o 
universo particular de cada artista e o contexto universal em que está inserido, falando assim da 
experiência humana. Cada obra é tanto um produto cultural de determinada época quanto uma 
criação única da imaginação humana. 
A criação artística pode então se distinguir das demais modalidades de conhecimento por 
promover a comunicação entre os seres humanos, com a utilização particular das suas formas de 
linguagem. 
Nada melhor do que observar e fazer as suas próprias interpretações na tentativa de 
compreender a arte, já que uma das ideias que está sempre presente no entendimento do significado 
da arte, é que a obra de arte dialoga com o seu observador. Por tanto fique de olho nas pistas que 
ela traz para você! 
 
 
 
Antes de continuar a leitura, sugiro que passe pelo fórum da primeira 
competência que já está aberto e conte um pouco sobre o que a arte desperta 
em você. Vamos lá? 
https://artsandculture.google.com/
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
10 
Inicialmente foi apresentado algumas ideias sobre o conceito e funções da arte, é preciso 
destacar nesse contexto dois termos que são recorrentes nos livros de arte e design e que vão ajudar 
a compreender ainda mais os rumos que as artes tomaram ao longo da história. São eles belas artes 
e artes aplicadas, também chamada de artes decorativas. 
As artes aplicadas possuem uma relação estreita com a cultura popular e esteve presente 
em todos os períodos históricos, em alguns momentos, inclusive, com status semelhante às 
categorias de arte que foram surgindo. 
Observe na figura a seguir, um pote realizado com a técnica da laca chinesa, é um bom 
exemplo, de uma cultura milenar que produzia seus utensílios do cotidiano artesanal e 
artisticamente, perpetuando tradições dos seus antepassados, ou mesmo inovando na utilização de 
materiais, técnicas e iconografia. 
 
 
Figura 6: Pote de laca chinesa. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Pote de decoração em formato ovalado com fundo escuro e pintura abstrata em tons de azul em algumas 
partes. 
 
Observe que as artes aplicadas se referem à produção artística voltadas para a vida 
cotidiana por meio da criação de objetos como peças e utensílios que são úteis ao homem. Também 
encontramos que o termo artes aplicadas já se referiu a alguns setores como arquitetura, as artes 
gráficas, ao mobiliário, entre outros, e se opõe ao entendimento de belas artes. 
As primeiras academias de arte, surgiram no século XVI e foram decisivas para a mudança 
de status do artista. A substituição da autoria do artista, pelo trabalho realizado pelos artesãos de 
guildas e corporações medievais, fez surgir a ideia do artista como um estudioso teórico e intelectual 
https://artsandculture.google.com/
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
11 
que recebia formação especializada nas academias. Nesse momento o artista se afasta do mero “fazer 
técnico” e passa a representar as belas artes. Interessante, verdade? 
 
Os tipos de arte 
Para poder se manifestar artisticamente, o homem usa diferentes linguagens, por 
exemplo, a sonora (música), a linguagem verbal oral ou escrita (literatura), a linguagem visual e a 
linguagem corporal (dança). Ele pode, ainda, expressar-se por meio da combinação de várias 
linguagens como no teatro e no cinema, esses são apenas alguns exemplos da infinidade de 
possibilidades que existe para que o homem, como artista, se expresse. 
 
Quando surgiu a arte? 
A periodização da história é um método cronológico usado para separar e contar o tempo 
histórico da humanidade. É bastante útil para fins didáticos, permitindo inclusive situar a arte 
desenvolvida ao longo do tempo. É divido em cinco períodos, épocas ou idades, são elas: Pré-história, 
Idade Antiga, Idade Média, Idade Moderna e a Idade Contemporânea. Observe na figura a seguir essa 
divisão. 
 
 
 
Figura 7: Linha do tempo com a periodização da história. 
Fonte: https://deimportantehistoria.blogspot.com/, 2021. 
Descrição: Quadro com divisões de linhas horizontais e verticais pontuando as divisões dos períodos históricos, desde a 
Pré-história até a Era Contemporânea. 
 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
12 
1.2 A Pré-história 
Como você pôde perceber o ser humano sempre produziu e se cercou de artefatos e 
utensílios para o uso cotidiano e para a expressão de seus sentimentos diante da vida. Os primeiros 
registros da cultura humana datam da Pré-história. Foram encontrados objetos, pinturas e gravações 
no interior de muitas cavernas espalhadas pelo mundo. Por meio delas, antropólogos e historiadores 
puderam reconstituir a vida dos ancestrais pré-históricos do homem. 
A capacidade para produzir sons e comunicar-se foi também uma habilidade desenvolvida 
nesse longo caminho desde o início mais primitivo. Meggs e Purvís (2009) comentam que a escrita é 
o equivalente visual da fala, sendo as marcas, os símbolos, os desenhos, mais tarde as letras e os 
escritos sobre uma superfície ou suporte que se converteram no equivalente gráfico da palavra falada 
e do pensamento. 
Devido à sua longa duração, a Pré-história foi dividida por historiadores, segundo Proença 
(2009), nos seguintes períodos: 
 
• Paleolítico (Idade da Pedra Lascada) do surgimento do ser humano até cerca de 12 
mil anos atrás. Nele, grupos de homens produziam armas e instrumentos de pedra, 
que eram lascadas para adquirirem bordas cortantes; 
 
• Neolítico (Idade da Pedra Polida) — de 12 até 4 mil anos atrás. Marcou o início da 
agricultura e da domesticação de animais. Isso permitiu ao homem uma vida mais 
estável. Essa mudança alterou profundamente a história humana. Com a fixação dos 
grupos, a população cresceu rapidamente e desenvolveu seus primeiros núcleos. 
 
• Idade dos Metais — de 6 mil anos atrás até o desenvolvimento da escrita. Na Idade 
dos Metais, com a dominação do fogo, o homem passou a trabalhar com o metal e a 
produzir peças mais complexas e elaboradas. 
 
As primeiras expressões de arte consistiam em traços feitos nas paredes das cavernas ou 
em mãos pintadas em negativo. Eram pinturas na cor preta realizadas com carvão, possuindo também 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
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as cores amarelas e marrons feitas com o óxido de ferro. Nas paredes das covas eram desenhados e 
pintados animais como o bisonte. 
Esse momento foi o inicio da arte como a conhecemos, mas, além disso, pode-se 
considerar que foi o inicio de uma comunicação visual, já que as ilustrações primitivas eram realizadas 
para que durassem e possuíam fins utilitários e voltados para rituais, como o da caça. 
 
O tipo de distribuição e as variações de tamanho das imagens mostram uma falta de 
estrutura e sequência dos povos primitivos para registrar as suas experiências. Em muitas pinturas 
rupestres também são encontrados símbolos geométricos abstratos, como pontos, círculos, 
quadrados e outras formas. Não se sabe se representavam objetos criados pelo homem ou algum 
tipo de escrita primitiva. 
 
 
 
Figura 8: Síntese gráfica de desenhos rupestres encontrados em todo o mundo. 
Fonte: MEGGS; PURVS (2009, p.19 - 20), 2021. 
Descrição: A figura apresenta pequenos desenhos de pessoas, animais e objetos geométricos realizadas com traços 
simples. 
 
O inicio da escrita 
Os primeiros registros escritos são procedentes da Suméria sendo compostos por 
desenhos figurativos de objetos e um sistema de numeração. Eram feitos em tábuas de argila 
marcados com uma espécie de estilete de madeira em forma de cunha. A argila era um material 
encontrado em abundância na região que uma vez queimado no fogo ficava resistente como uma 
pedra. A essa escrita se deu o nome de cuneiforme. 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
14 
Esse sistema foi evoluindoao longo dos séculos, sua estruturada se dava por meio de 
divisões horizontais e verticais. Com a evolução os símbolos (pictogramas) começaram a representar 
ideias (ideogramas). Por exemplo, o símbolo do sol passou a representar ideias como o dia e a luz. 
A linguagem escrita foi sendo desenvolvida para que representasse a linguagem falada, o 
que não foi fácil, pois surgiam sons que eram difíceis de representar e muitos, como nomes de 
pessoas, não era possível adaptar as representações figurativas. Dessa forma, os símbolos gráficos 
passaram a representar os sons dos objetos, em lugar dos objetos em si. 
 
A máxima evolução que a escritura cuneiforme alcançou foi o uso de signos abstratos 
para representar o som de sílabas. 
 
 
Figura 9: Tábua de argila com pictogramas sumério e tábua de argila com escrita cuneiforme, desenho de linhas 
formando desenhos abstratos. 
Fonte: MEGGS; PURVS (2009, p.21 - 22), 2021. 
Descrição: A figura apresenta duas fotos. A primeira com desenhos de estrela, cabeça, água e outros desenhos 
abstratos que evoluíram para a escrita cuneiforme. A segunda imagem apresenta uma tábua de argila com escrita 
cuneiforme, desenho de linhas formando desenhos abstratos. 
 
1.3 A Antiguidade 
1.3.1 A Civilização Egípcia 
A civilização que se desenvolveu no antigo Egito às margens do rio Nilo, é uma das 
civilizações mais importantes da Antiguidade. A expressão artística dessa civilização reflete 
profundamente a sua história que é comumente dividida em três períodos: Antigo Império, Médio 
Império e Novo Império. No decorrer desses períodos, o Egito conheceu um significativo 
desenvolvimento, tendo a arte um papel de destaque. 
Possuía organização social complexa e uma produção cultural intensa. A religião era um 
dos aspectos mais significativos dessa cultura, orientando toda a sua produção artística. Para os 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
15 
egípcios, a vida humana poderia sofrer interferência dos deuses. Dessa maneira, a arte egípcia voltou-
se para a construção de túmulos e objetos, estatuetas e vasos para os mortos, pois acreditavam que 
deveriam entrar na pós vida acompanhado de suas riquezas. Já a sua arquitetura voltou-se para a 
construção de grandes obras, como as pirâmides. 
 
Os hieróglifos 
Vários inventos sumérios chegaram ao Egito, como os selos cilíndricos, os projetos 
arquitetônicos de tijolos, os elementos decorativos e também a escrita, mas, ao contrário dos 
sumérios que desenvolveram a escrita da pictórica para a cuneiforme abstrata, os egípcios 
conservaram o sistema de escrever mediante desenhos, chamados de hieróglifos. Este tipo de escrita 
sagrada seguiu sendo usado até o ano de 394 d.C, mesmo depois que o Egito se tornou uma colônia 
romana. 
Os escribas eram os responsáveis por escrever os textos, registrar dados numéricos, 
redigir leis, copiar e arquivar informações. Como poucas pessoas dominavam a arte da escrita, 
possuíam certo destaque social. 
Durante muito tempo não se conhecia o significado dos hieróglifos, foi apenas com a 
descoberta da Roseta, no ano de 1799, que começaram as tentativas de tradução. A Roseta, que pode 
ser observada na figura a seguir, é uma pedra de cor escura que continha inscrições em três idiomas: 
hieróglifos egípcios, escrita demótica egípcia e o grego. Champolion foi o responsável por decifrar a 
maior parte dos hieróglifos, conseguindo pronunciar os nomes de Ptolomeo e Cleópatra. 
 
 
 
Figura 10: Roseta e cartuchos com os hieróglifos de Ptolomeu e Cleópatra. 
Fonte: MEGGS; PURVS (2009, p.26 - 27), 2021. 
Descrição: A figura apresenta duas imagens. Uma com pedra na cor escura gravada com três tipos de escrita. Na 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
16 
segunda imagem representação em hieróglifos dos nomes Ptolomeu e Cleópatra com caracteres alfabéticos colocados 
junto a cada desenho. 
 
Os hieróglifos se desenhavam em pedra onde normalmente eram pintados ou escavados, 
mas eram também registrados em folhas de papiro. 
Frequentemente havia uma combinação de hieróglifos com ilustrações, o que fez com 
que os egípcios fossem considerados os primeiros povos a desenvolver manuscritos ilustrados para 
transmitir informações. O uso do papiro suporte parecido com o papel foi um passo importante para 
a comunicação visual egípcia. 
 
 
Figura 11: Papiro ilustrado com o Livro dos Mortos, cerca de 1550 a.C. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Folha de papiro com desenhos e hieróglifos. Casal adorando os deuses Osíris e Maat, o cenário inclui uma 
casa com jardim e piscina e os deuses, um sentado em trono e o outro em pé. 
 
O esquema visual da arte egípcia 
Tanto as pinturas, os murais em baixo-relevo quanto os papiros respeitavam as mesmas 
convenções de desenho. A arte não era uma reprodução naturalista deixando claro ao observador 
que se tratava de uma representação. 
Nas pinturas os homens apareciam com a pele mais escura que a das mulheres, as pessoas 
com maior poder social eram representadas em uma escala maior do que as de menos importância. 
O corpo humano era desenhado de forma esquemática e bidimensional. A lei da frontalidade, 
amplamente difundida, é considerada uma marca egípcia até hoje. A figura humana era retratada 
com o corpo para frente, enquanto a cabeça, as pernas e os pés eram vistos de perfil. O olho estilizado 
era ao mesmo tempo visto como uma imagem de perfil como frontal. 
https://artsandculture.google.com/
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
17 
As cores vinham de pigmentos e além do preto era comum encontrar o branco, os 
marrons, os azuis e verdes, e às vezes, o amarelo. O verde e o azul possivelmente fazia referência ao 
rio Nilo e as folha das palmeiras de papiro existentes ao longo da sua margem. 
 
1.3.2 A Grécia Antiga 
Para a cultura grega, o homem era a criatura mais importante do universo. Dessa maneira, 
o conhecimento racional permanecia acima da fé nas divindades que existiam no Egito. 
 
Embora os gregos tenham estabelecido relações culturais com o Egito e o Oriente Próximo 
com o passar do tempo criaram seu próprio ordenamento estético, através da arquitetura, da 
escultura e da pintura, porém com temas bastante diferentes dos egípcios, que estavam mais ligados 
à religiosidade. 
De qualquer forma, a cultura grega herdou grande parte dos seus conhecimentos. O uso 
de símbolos visuais como fazemos hoje veio dos egípcios, o zodíaco, a balança da justiça, o uso de 
animais para representar conceitos, cidades e pessoas. Na Grécia, a coruja simbolizava a cidade de 
Atena, e a imagem de uma coruja numa moeda grega indicava que ela havia sido cunhada em Atenas. 
Hoje temos o símbolo da pomba que simboliza a paz. 
A Grécia Antiga é considerada o berço de toda a civilização ocidental foi lá que se 
estabeleceram as bases de muitas realizações que temos hoje: a ciência, a filosofia, a democracia. A 
arte, a arquitetura e literatura gregas são heranças de um valor profundo. 
Do ponto de vista da produção artística grega, segundo Proença (2009), podem-se 
destacar alguns períodos históricos. Observe: 
 
• Período Arcaico: Nas artes observa-se o predomínio das linhas geométricas rígidas. 
• Período Clássico: Nas artes esse período foi marcado pela idealização da beleza e 
pela busca da perfeição formal. 
• Período Helenístico: Nas artes esse período foi caracterizado por formas com 
aspectos exagerados de movimentação, em que se ressaltava a qualidade expressiva 
dos elementos representados. 
 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
18 
Em torno de 700 a.C se considera o período de renascimento cultural grego. Desse 
período destacam-se a Iliada e A Odisseia de Homero, a arquitetura em pedras e as figuras humanas 
como temas principais nas cerâmicas; aos poucos as grandes estátuas foram aparecendo na arte 
grega. 
A pintura 
A pintura na Grécia, assim como em outras civilizações, surgiu como um elemento 
decorativo da arquitetura,mas encontrou também a possibilidade da sua realização na arte da 
cerâmica. Os vasos gregos são conhecidos tanto pelo equilíbrio de suas formas como pela harmonia 
entre o desenho, as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. Os vasos eram utilizados para 
armazenamento de água, vinho, azeite e mantimentos e aos poucos foram tornando-se também 
objetos artísticos. As pinturas nos vasos buscavam representar as atividades diárias e as cenas da 
mitologia grega. Lembra da diferença entre belas artes e artes aplicadas, temos na figura a seguir um 
ótimo exemplo! 
 
Figura 12: Ânfora, cerca de 510 a.C. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Jarro com duas asas simétricas na cor preta e com figuras humanas pintadas na cor ocre. 
 
A escrita 
As antigas cidades-estados adotaram o alfabeto fenício, se atribui a Cadmo de Mileto, rei 
da Fenícia, a introdução desse alfabeto na Grécia que durante muito tempo foi adaptado nas diversas 
regiões, até que Atenas adota uma versão oficial que seria usada em toda a Grécia, aproximadamente 
no ano 400 a.C. Veja na imagem a seguir inscrições em pedra do alfabeto grego que alcançou forma 
simétrica e ritmo visual regular. 
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Competência 01 
19 
 
Figura 13: Fragmento de pedra com desenho esculpido e texto em grego. 
Fonte: MEGGS; PURVS (2009, p.41), 2021. 
Descrição: Fragmento de pedra no formato vertical, na parte superior imagem de dois adultos e duas crianças e na 
parte inferior, texto em alfabeto grego. 
 
Do ponto de vista da representação gráfica é possível observar um nova ordem e 
estrutura geométrica aos caracteres fenícios que eram desiguais, transformando-os em formas de 
grande harmonia e beleza. 
 
1.3.3 Roma Antiga 
Roma Antiga foi uma civilização itálica que surgiu no século VIII a.C. localizada ao longo 
do mar Mediterrâneo e estabelecida a partir da cidade de Roma, expandiu-se para se tornar um dos 
maiores impérios do mundo antigo, com uma estimativa de 50 a 60 milhões de habitantes e cobrindo 
6,5 milhões de quilômetros quadrados no seu auge entre os séculos I e II. 
 
A história desse império se divide em três grandes períodos, como você pode ver a seguir. 
 
Monárquico: 753–509 a.C. 
Republicano: 509–27 a.C. 
Imperial: 27 a.C.–476 d.C. 
 
A arte em Roma 
A arte romana assimilou a expressão de um ideal de beleza vindo da arte grega 
principalmente do período helenístico, mas também da arte etrusca. 
 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
20 
A pintura e o mosaico 
Grande parte das pinturas romanas que você conhece hoje vem das cidades de Pompeia 
e Herculano. As pinturas faziam parte da decoração interna dos edifícios e eram expostas em painéis 
que recobriam as paredes das casas. Neles, podia-se criar a ilusão de janelas abertas, mostrando 
paisagens e pessoas. Os romanos também dominavam a arte do mosaico. Tanto a pintura como o 
mosaico eram elementos que enriqueciam das obras arquitetônicas. 
 
 
Figura 14: Mosaico de Mnemósina, a deusa da memória. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Cerâmica com moldura circular imagem de uma mulher, com o rosto ligeiramente voltado para a direita, 
usando um diadema sobre os cabelos da testa. 
 
O Alfabeto 
O alfabeto latino chegou aos romanos desde a Grécia através dos etruscos, um povo 
estabelecido na península itálica que teve seu auge durante o século VI a.C. O alfabeto latino continha 
21 letras, observe na figura a seguir inscrições entalhadas na base da coluna de Trajano, localizado 
no fórum de Trajano, em Roma, este exemplo magistral das capitalis monumentalis é um testemunho 
da antiga máxima romana “a palavra escrita permanece”. 
 
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Competência 01 
21 
Figura 15: Coluna de Trajano, cerca de 114 d.C com inscrições no alfabeto latino. 
Fonte: MEGGS; PURVS (2009, p.44), 2021. 
Descrição: Imagem com vista inferior de uma coluna contendo texto do alfabeto latino. 
 
E então, está gostando? Muita informação, eu sei, mas está conseguindo compreender? 
Lembre que qualquer dúvida nos encontramos no fórum e conversamos um pouco mais sobre 
qualquer um desses temas. Bom, observando as características do Império Romano você chega ao 
fim da Idade Antiga e vai entrar agora em um novo momento e descobrir que acontecimentos da 
Idade Média e Moderna se conectam com a profissão do design gráfico. Pronto para seguir viagem? 
 
1.4 O Período Medieval 
A Idade Média ou Medieval é o período histórico da civilização ocidental entre os séculos 
V e XV. Seu início é no ano 476, com a queda do Império Romano Ocidental, e seu final em 1492, ano 
em que Colombo chegou à América. Esta é a divisão temporal mais difundida, mas também é datado 
como o último ano da Idade Média o ano 1453, quando o Império Bizantino caiu, Gutenberg inventou 
a imprensa e foi finalizada a Guerra dos Cem Anos. 
Este período abrange dez séculos, sim é muito tempo mesmo, que por sua vez se 
subdivide em Alta, Média e Baixa Idade Média. O sistema social era baseado no feudalismo, com a 
nobreza e o clero formando a classe alta e constituindo a minoria da população, e os camponeses, 
artesãos e escravos da classe baixa constituindo a sua maioria. 
 
Influências artísticas na Idade Média 
A Igreja Católica teve forte influência nas manifestações artísticas e culturais da Idade 
Média. Dessa forma, pode-se concluir que uma das características da cultura medieval foi justamente 
o teocentrismo, ou seja, Deus era considerado o centro do mundo e tudo o que foi produzido nesse 
momento fazia referência a esse Deus. 
As pinturas, as esculturas e os vitrais eram feitos baseados em ensinamentos bíblicos, e 
tinham o objetivo de comunicar valores religiosos aos fiéis e aproximar as pessoas da religiosidade. 
Como toda arte, a arte medieval foi a expressão da mentalidade da época, porém, a 
sociedade medieval sofreu muitas mudanças entre os séculos XI, XIII e XIV. Essas mudanças se 
manifestaram na arte, originando principalmente dois estilos distintos: o Românico e o Gótico. 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
22 
Na Idade Média, cada cor tinha seu significado e esse código de cores deixou sua marca 
na liturgia e na heráldica. Baseada em formas geométricas, observa-se uma grande tendência a 
geometrização e esquematização nas imagens representadas, que contrastam com as características 
da antiguidade clássica. As composições não eram realistas, havia a ausência de proporcionalidade e 
perspectiva do que estava sendo representado. 
 
Quando se trata de obras de artes medievais, é preciso ter em mente que, nessa época, 
não existia o conceito de arte como fim em si mesmo ou de beleza como objetivo único da arte. O 
objeto artístico medieval tinha, na sociedade em que era produzido, um caráter basicamente 
funcional. Dois principais estilos artísticos se destacam no período medieval: o estilo românico e o 
gótico. 
 
O Estilo Românico 
Na Idade Média, os cargos mais importantes da Igreja eram reservados aos nobres. O 
estilo românico, era uma arte eclesiástica e monástica, refletia, portanto, a mentalidade dos nobres 
feudais. Isso significa que o românico era uma arte aristocrática. Por último, à medida que a arte 
românica se desenvolveu durante o período feudal, era também uma arte rural, visto que nessa época 
a maioria da população vivia dispersa no campo. 
Tanto a pintura quanto a escultura românica faziam parte do edifício, estando 
subordinadas ao espaço arquitetônico em que eram inseridas. A escultura foi trabalhada em pedra e 
a pintura nas paredes. A característica fundamental da escultura e pintura românica é a falta de 
realismo. Suas representações são rígidas e com poucos detalhes. É por isso que eles são pouco 
expressivos. 
 
Figura 16: Pintura na Igreja de São Clemente, em Taül, Espanha, cerca de 1123, 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
23 
Fonte:https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Pintura com figuras bíblicas com Cristo no centro, predominância de tons de azul, laranjas e marrons. 
 
O Estilo Gótico 
O gótico foi fruto do renascimento urbano e comercial da Idade Média. A burguesia já não 
se contentava com o românico, simples e rude, e queria que a arte fosse um verdadeiro objeto de 
valor. Assim, a burguesia financiou um novo estilo de construção nas cidades, nascendo o estilo gótico 
considerado um estilo urbano e burguês. 
Ao contrário do românico, o gótico se preocupava com os detalhes de suas obras de arte. 
O desenho e as cores uniformes são justapostos para criar contrastes de cores intensas. Você já ouviu 
falar na Catedral Notre-Dame? Uma bela catedral que fica em Paris, infelizmente em 2019 houve um 
incêndio que destruiu grande parte da sua arquitetura e das obras de arte que haviam dentro. Veja a 
seguir algumas imagens. 
 
 
Figura 17: Fachada da catedral de Notre-Dame em Paris e vitrais internos, antes do incêndio no ano de 2019. 
Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Notre-Dame_de_Paris, 2021. 
Descrição: A figura apresenta duas fotos. A primeira com a vista frontal de uma igreja com formato simétrico, 
apresentando duas torres. A segunda com três mosaicos no formato vertical com tema bíblico e uso variado de cores. 
 
Para muitos a Idade Média é considerada uma fase sombria entre a Idade Antiga, 
identificada com a cultura e civilização da antiguidade clássica e a renovação cultural da Idade 
Moderna com o Humanismo e o Renascimento. Seria, portanto, uma fase de atraso e letargia cultural, 
social e econômica. 
 
Os manuscritos iluminados 
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https://pt.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Notre-Dame_de_Paris
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
24 
A luminosidade vibrante das lâminas de ouro, (isso mesmo, ouro, leu bem! Nessa época 
era comum aplicar lâminas de ouro nos livros) refletia a luz das páginas dos livros manuscritos, 
produzindo a impressão que a página estava iluminada. Literalmente esse efeito deu origem ao termo 
“manuscritos iluminados” que hoje se utiliza para fazer referência aos livros produzidos desde o final 
do Império Romano até os livros impressos que substituíram os manuscritos com o desenvolvimento 
da tipografia na Europa, por volta do ano 1450. 
 
 
Figura 18: Livro das horas de Margarida de Cleves. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Livro aberto mostrando duas páginas. A página da esquerda contém o desenho de uma jovem rezando junto 
a Virgem e ao menino Jesus. Na página da direita texto com ornamentos florais colorido e aplicação de ouro. 
 
A produção dos manuscritos era cara e levava muito tempo. O pergaminho precisava de 
horas de preparo e um livro grande poderia usar a pele de até trezentas ovelhas. As cores se criavam 
a partir de varias substâncias minerais, animais e vegetais. 
A ornamentação e ilustração presentes nos manuscritos não eram apenas decorativos, se 
considerava o valor educativo das imagens e a capacidade do adorno para criar um clima místico e 
espiritual, próprio da Idade Média. A produção de manuscritos medievais criou um vocabulário de 
formas gráficas, desenhos de páginas, estilos de ilustração, letras e técnicas que séculos depois 
influenciariam o design editorial moderno. 
 
1.5 A Idade Moderna e o Renascimento 
Muitas das estruturas intelectuais e políticas da Europa que permaneceram intactas, 
entre os séculos XV e XVI, conseguiram recuperar a força intelectual e econômica e lançaram as bases 
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Competência 01 
25 
do Renascentismo que foi um período de transição entre os tempos medievais e a consolidação Idade 
Moderna. 
Foi nesse contexto que se desenvolveram os ideais do movimento humanista, uma nova 
forma de pensar que rompe com a visão medieval do mundo. 
A cultura passou dos mosteiros para as ruas, houve maior liberdade de pensamento e as 
universidades se expandiram. A invenção da imprensa também favoreceu a difusão de novas ideias. 
 
A arte renascentista 
A arte renascentista foi um movimento artístico que surgiu na Itália no século XIV, durante 
a transição entre a Idade Média e a Idade Moderna, e se destacou por seu interesse pela sabedoria 
da razão e pelos valores clássicos da Grécia Antiga. 
Artistas como Leonardo Da Vinci, Michelangelo e Rafael se destacaram eram 
considerados multifacetados pois dominavam diferentes disciplinas como: a pintura, a escultura, a 
arquitetura e muitas vezes a anatomia, a astronomia e a filosofia. Recuperavam aspectos da cultura 
clássica greco-romana, com a busca da harmonia, simetria e proporção, como ideais de beleza. 
Observe na figura a seguir, através da representação do Homem Vitruviano de Leonardo Da Vinci, um 
exemplo de como esses ideais eram representados. 
 
Figura 19: O homem Vitruviano, Leonardo Da Vinci, cerca de 1490. 
Fonte: https://www.significados.com.br/homem-vitruviano/, 2020. 
Descrição: Desenho de um homem desnudo, em pé com braços e pernas abertas em equilíbrio, em seu redor um círculo 
e um quadrado. 
 
A arte renascentista passou por dois estágios principais: 
 
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
26 
O Quattrocento (século XV) 
Neste período, foram realizadas pesquisas sobre as construções de monumentos 
romanos e gregos e introduzidas a perspectiva e a pintura a óleo. 
 
O Cinquecento (século XVI) 
A maturidade do período renascentista foi alcançada. Surgiram os grandes artistas que 
marcaram a época, como Michelangelo, Leonardo Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael. 
 
A pintura renascentista 
As pinturas e retratos renascentistas não eram mais sombrios e imponentes como na 
Idade Média, passaram a celebrar a natureza e a vida. Nessa época apareceu a figura do mecenas, 
pessoas ricas que financiavam o trabalho de artistas, cientistas e intelectuais. 
A pintura renascentista caracterizou-se pela representação perfeita dos detalhes, em 
termos de equilíbrio, harmonia e perspectiva, a partir da observação do artista. O conceito de 
perspectiva e ponto de fuga emergiu para a concepção dos espaços. 
A nova técnica do óleo sobre tela desenvolvida, prevaleceu sobre a clássica têmpera ou 
têmpera de secagem rápida, permitindo aperfeiçoar o efeito de luzes e sombras, trazendo assim, um 
maior realismo em retratos e corpos nus, observe na figura a seguir tais características. 
 
 
Figura 20: O nascimento de Vênus, Botticelli, cerca de 1484. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Cenário com figuras mitológicas, no centro encima de uma concha a deusa Vênus com parte do seu corpo 
coberto pelo longo cabelo, ao lado direito o deus do vento sobrando em sua direção e segurando uma ninfa e a direita a 
figura de uma mulher que representa a primavera com um manto ornamentado com flores para cobrir Vênus. Ao fundo 
o cenário marítimo e de algumas árvores no lado direito da paisagem. 
 
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Competência 01 
27 
A escultura e a arquitetura renascentistas foram inspiradas nas antigas culturas grega e 
romana, especialmente pelo nível de detalhes e realismo, observe essas características na escultura 
Davi de Michelangelo. Procuraram romper com o estilo gótico e basearam-se no aperfeiçoamento 
das representações, através de cálculos matemáticos e geométricos para obter proporções reais, 
inclusive do ser humano. 
 
 
Figura 21: Escultura de Davi, Michelangelo, cerca de 1501. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Escultura de um homem nu em pé com a mão direita levantada realizada em mármore. 
 
A pintura 
Durante o Renascimento, predominou a tendência a uma interpretação científica do 
mundo. Isso implicou, nas artes plásticas e sobretudo na pintura, o uso da perspectiva. Os estudos da 
perspectiva eram feitos segundo os princípios da matemática e da geometria. Além disso,o uso dessa 
técnica levou à utilização de outro recurso, o claro-escuro, que consistia em representar algumas 
áreas iluminadas em contraste com outras áreas na sombra. O jogo de contrastes reforçou a sugestão 
de volume dos corpos. Em síntese, a combinação da perspectiva e do claro-escuro permitiu alcançar 
maior realismo nas pinturas. 
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Competência 01 
28 
Assim, a pintura no Renascimento afirmou três grandes características: a estruturação da 
perspectiva, o uso do claro-escuro e o realismo nas obras de arte. Também no Renascimento, e em 
especial na pintura, surgiu outra inovação importante, o estilo pessoal. O artista, a partir dessa época, 
passou a ser conceituado como um criador individual e autônomo, alguém que criava de acordo com 
sua própria concepção, suas ideias e seus sentimentos. 
 
Gutemberg e a Invenção da Imprensa 
A História Moderna seria inconcebível sem a invenção da imprensa, pois seu uso mudou 
completamente a cultura ocidental e, consequentemente, a história mundial. Até 1453, o 
conhecimento era transmitido por meio de manuscritos medievais controlados pela Igreja e a taxa de 
alfabetização era insignificante. Com a invenção da imprensa, o processo de cópia foi acelerado e em 
poucos anos os escritos alcançaram um grande público graças à disseminação do conhecimento e à 
redução dos custos de produção. 
Havia, a partir de então, liberdade para imprimir livros sobre diversos temas e esse 
cenário foi se expandindo cada vez mais com o passar dos anos. Uma vez que a igreja e as monarquias 
absolutas perderam o poder de controle de absolutamente tudo o que era impresso, a difusão de 
ideias contrárias ao feudalismo e à religião estabelecida se espalhou por toda a Europa. Observe nas 
imagens a seguir o primeiro livro impresso por Gutemberg e o sistema de impressão e tipos móveis. 
 
Figura 22: A Bíblia de Johannes Gutenberg foi o primeiro livro impresso. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Página de um livro com textos impressos com tipos móveis e ornamentos florais nas bordas da página. 
 
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Competência 01 
29 
 
Figura 23: Representação da imprensa de Gutemberg e tipos móveis. 
Fonte: https://www.printi.com.br/blog/tipos-moveis-criacao-da-tipografia, 2021 e 
https://medium.com/@armandoaguinaga78/de-gutenberg-a-zuckerberg-1e2e3c15f7e4, 2021. 
Descrição: A figura apresenta duas fotos. A primeira com o sistema de impressão com tipos móveis, contém uma mesa 
com os tipos montados prontos para serem impressos no papel. A segunda mostra uma caixa com vários pedaços de 
aço com letras na pontas e em primeiro plano uma régua com os tipos formando uma frase. 
 
Acredito que nesse momento você já percebeu que características de um período voltam 
a aparecer em outros. Normalmente um estilo em vigor nega o passado mais próximo e recupera 
valores mais antigos... isso acontece uma e outra vez na história da arte. 
Após os primeiros passos do Renascimento com a recuperação dos valores clássicos no 
século XIV, dois séculos depois, o Maneirismo surge como resultado de um certo esgotamento entre 
os artistas das formas clássicas. O abandono e o afastamento definitivo da ideologia clássica fez surgir 
o Barroco, que na França evoluiu para o Rococó, e isso já na Idade Contemporânea. O estilo Gótico 
não volta a aparecer até o Romantismo do século XIX com a difusão dos estilos Neogótico e 
Historicista, estilos que temporalmente se localizam na Idade Contemporânea. 
 
Nessa competência foi possível observar que por meio da arte, o homem pode se 
manifestar e registrar a sua percepção do mundo de diferentes maneiras: seja pela linguagem visual, 
pela linguagem cênica, pela linguagem plástica ou ainda pela mistura de várias linguagens. 
Dessa maneira, as diferentes manifestações artísticas estiveram profundamente ligadas 
à cultura de um povo, pois ora retratavam elementos do meio natural, como nas pinturas pré-
 
Agora que você fez esse grande passeio pela história da arte, gostaria de 
convidá-lo para conhecer como o Brasil foi retratado, a partir de 1637, quando 
o pintor Frans Post chega ao Brasil em uma comitiva de artistas e cientistas 
trazida pelo conde Maurício de Nassau para documentar o Novo Mundo 
durante seu governo no Brasil. “Frans Post o Primeiro Pintor do Brasil” será o 
tema da primeira vídeoaula da disciplina. 
https://www.printi.com.br/blog/tipos-moveis-criacao-da-tipografia
https://medium.com/@armandoaguinaga78/de-gutenberg-a-zuckerberg-1e2e3c15f7e4
 
 
 
 
 
 
Competência 01 
30 
históricas, ora temas religiosos ou situações sociais. As manifestações artísticas revelavam também a 
visão do homem sobre o espaço, assim como a sua relação com o seu meio e o seu tempo. Ou seja, 
as obras de arte são reflexos da cultura e da história e isso foi possível observar em uma longa viagem, 
desde a Pré-história até a Idade Moderna. 
Na próxima competência será possível entender as características da Arte Moderna e Pós-
Moderna observando as novas articulações que surgem entre o contexto sociocultural e o artístico. 
Vamos lá? 
 
 
 
 
 
 
 
 
31 
Competência 02 
2.Competência 02 | Reconhecer as características da arte moderna e da 
arte pós-moderna a partir da compreensão da indústria cultural e da 
cultura de massa. 
Pronto para conhecer o que as artes modernas e pós-modernas trouxeram de novidades 
para o mundo? Antes de iniciar é importante entender que tanto a arte moderna quanto a pós-
moderna se situam na Idade Contemporânea. Lembra da divisão cronológica vista na primeira 
competência? Pois bem, a Idade Contemporânea compreende o período entre o início da Revolução 
Francesa, com a queda da Bastilha em julho de 1789, até os dias atuais e representa principalmente 
o período de consolidação do capitalismo como o modo de produção e sua expansão por todo o globo 
terrestre entre os séculos XVIII e XXI. Agora vamos ao que mais nos interessa, as artes!!! 
 
2.1 A Arte Moderna 
A arte moderna abarca um conjunto de tendências que começou a se desenvolver a partir 
da segunda metade do século XIX, atingindo o seu ápice na primeira metade do século XX, momento 
em que começou a apresentar uma série de rupturas com as tradições que vinham sendo realizadas 
nas linguagens artísticas. 
No início do século XX, na Europa, surge uma série de movimentos artísticos, também 
chamados de “vanguardas artísticas”. Você já ouviu falar nelas? Foi um cenário que provocou uma 
mudança completa na maneira em que o homem passaria fazer e a compreender a produção artística 
e o seu processo. 
Essa grande renovação artística surgiu em oposição à tradição artística ocidental, a 
chamada arte acadêmica, que era preferida pelas instituições oficiais. 
Foi um momento de intensa transformação social, resultante do processo de 
industrialização, das inovações tecnológicas surgidas com as duas Guerras Mundiais, da Revolução 
Russa e da divisão do mundo entre capitalismo e socialismo. A arte procurava acompanhar tais 
transformações apresentando um olhar inovador sobre a própria arte e a cultura. 
 
Observe abaixo alguns traços característicos que passaram a representar a arte moderna: 
 
 
 
 
 
 
 
32 
Competência 02 
• A arte moderna é um fenômeno inicialmente europeu; 
• Apresenta oposição à arte acadêmica; 
• Mostra interesse por outras culturas, tomando-as como fonte de inspiração; 
• É caracterizada pela inovação constante, experimentando novos temas, materiais, 
técnicas e processos; 
• Surgem as galerias de arte; 
• A burguesia intelectual substitui as instituições políticas e religiosas como principal 
cliente, o que faz com que o papel do artista mude; 
• O conceito de arte é ampliado, questionando os limites e funções da arte; 
• O valor da obra de arte reside em si mesma, não precisa mais necessariamente 
transmitir mensagens de cunho políticoou religioso; 
• Com o surgimento da fotografia, em 1826, a imitação da natureza e a representação 
figurativa diminuíram gradativamente na pintura; 
• Na arte moderna as obras podem ter deformações deliberadas, esse fato mais do que 
representar a falta de técnica é consequência das escolhas estéticas do artista; 
• As obras de arte moderna tornam-se abstratas, o que significa que cada espectador 
pode ter uma interpretação diferente por se tratar de uma obra distante da 
representação figurativa; 
• A arte moderna é bastante variada como resultado de experimentação constante; 
• Na arte moderna existe uma grande diversidade onde a única coisa que une os 
diferentes estilos é o fato de não existir uma tendência geral, seja temática, técnica 
ou estética que os unifique; 
• A arte moderna costuma ser mais imaginativa. 
 
Certamente você já ouviu falar dos famosos “ismos” da arte: Expressionismo, Cubismo, 
Surrealismo, Futurismo, Dadaísmo, entre outros. Na verdade, todas essas correntes pertencem aos 
movimentos de vanguarda. Mas o que são as vanguardas e como elas transformaram a relação entre 
sociedade e arte? 
Lembre que esses estilos foram surgindo em um mundo entre guerras e crises marcados 
pela recessão econômica. Diante das tensões e crises globais, a arte funcionou como uma resposta 
 
 
 
 
 
 
33 
Competência 02 
ao mundo da razão. O contexto cultural da vanguarda foi caracterizado pelo domínio do racionalismo 
positivista, uma doutrina que considerava que o conhecimento científico deveria ser reconhecido 
como o único conhecimento verdadeiro. 
Uma outra doutrina surge nessa época com as ideias do filósofo H. Bergson que buscava 
outra forma de conhecimento contrária ao positivismo. Assim, surgiu um novo paradigma trazendo 
uma visão espiritual do mundo que se baseava na intuição do homem, o que provocou uma nova 
forma de interpretar e compreender o mundo. Desse desejo de ruptura com o anterior, da nova 
exaltação ao inconsciente, da liberdade, da paixão, do individualismo e da intuição, nascerão as 
primeiras vanguardas artísticas. 
Os sentimentos tinham um papel principal, o artista colocava na tela a solidão, as 
angústias, os medos e até as inseguranças. A pintura se tornou em certo ponto agressiva e as cores 
não representavam mais a realidade, mas agora, as emoções do artista. 
Dessa forma, as vanguardas destruíram o passado, transformando-o para criar uma 
linguagem própria e única. Uma linguagem de grande valor estético que se alterou ao longo dos anos 
em inúmeros estilos e tendências, do impressionismo às abstrações que se manifestaram não só na 
pintura, mas em outras expressões artísticas. A grande lição das vanguardas para a sociedade 
contemporânea foi que a arte é uma forma legítima de expressão emocional, podendo ser também, 
uma forma de comunicação política e social, que persiste até hoje. 
 
 
2.1.1 As Vanguardas Artísticas 
As vanguardas artísticas costumam ser estudadas a partir de alguns movimentos 
principais: o Cubismo, o Futurismo, o Dadaísmo e o Surrealismo. Esses movimentos tinham em 
comum a organização de grupos de artistas que publicavam manifestos para divulgar os seus projetos 
artísticos. Os manifestos validavam cada movimento, ao propor princípios estéticos, mantendo os 
artistas que o seguiam coerentes tanto em estética quanto em temática, ficou curioso? Então vem 
comigo conhecer alguns desses movimentos. 
 
Cubismo 
 
 
 
 
 
 
34 
Competência 02 
O cubismo é um movimento do início do século XX caracterizado pelo uso dominante de 
figuras geométricas como retângulos, triângulos e, principalmente, cubos, dos quais leva o nome. Seu 
objetivo foi romper com a representação naturalística e captar vários planos simultaneamente na 
superfície de uma pintura. 
Convencionalmente, seu início foi estabelecido em 1907, quando Pablo Picasso 
apresentou pela primeira vez o quadro "As Damas de Avignon". 
 
 
Figura 24: As Damas de Avignon, Pablo Picasso, 1907. 
Fonte: https://pt.wikipedia.org/, 2021. 
Descrição: Pintura no formato quadrado com cinco mulheres representadas de forma geométrica. 
 
Picasso incorporou inicialmente a sua arte influências da arte africana e do pós-
impressionismo, especialmente do pintor francês Paul Cézanne. Encontrou também inspiração em 
formas de arte exóticas, o Cubismo tentou representar a quarta dimensão por meio do hiperpoliedro, 
cujas ideias de espaço-tempo são inspiradas na teoria da relatividade de Albert Einstein de 1905. 
As suas características visuais levaram o Cubismo a ser considerado uma expressão 
plástica mais racional e analítica, que contrastava com outros movimentos de vanguarda inspirados 
na subjetividade e emoção como se verá mais adiante. 
O Cubismo é caracterizado principalmente pelos seguintes elementos: 
• Pouca perspectiva e profundidade espacial; 
• Utilização de figuras geométricas: cubos, cilindros etc.; 
https://pt.wikipedia.org/
 
 
 
 
 
 
35 
Competência 02 
• Incorporação de vários ângulos no mesmo plano; 
• Preferência por linhas retas; 
• Aplicação de técnicas mistas: colagem, tipografia etc. 
 
O Cubismo se divide em duas fases: 
• Cubismo Analítico. 
É também conhecido como Cubismo hermético e foi identificado com a 
decomposição de formas e figuras geométricas para reorganizá-las de maneira 
diferente, em planos sucessivos e sobrepostos. 
 
• Cubismo Sintético. 
Caracterizou-se pelo uso de cores e formas que permitiram realçar a parte mais 
significativa da figura. Os pintores desta fase procuraram capturar figuras 
reconhecíveis. Eles utilizaram a técnica de colagem, que possibilitou fixar objetos 
reais na tela em busca de novas sensações visuais. 
 
A figura a seguir mostra exemplos desses dois estilos. 
 
 
Figura 25: Guitarra, George Braque, 1910 e Peras e uvas na mesa, Juan Gris, 1913 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: A figura apresenta duas imagens. A primeira o desenho de uma guitarra fragmentada em formas 
geométricas em tons de azul e amarelo. A segunda apresenta a vista superior de uma mesa com tecido, prato e frutas, 
cortadas simulando uma colagem, tons fortes de vermelho e amarelo. 
 
Futurismo 
https://artsandculture.google.com/
 
 
 
 
 
 
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Competência 02 
Em 1909 Marinetti lançou no Le Figaro um manifesto em que elogiava o triunfo da 
velocidade na pintura como símbolo e conquista máxima da sociedade da época. No ano seguinte foi 
publicado o manifesto dos pintores futuristas Boccioni, Carrá, Russolo, Balla e Severini. A pintura 
futurista exaltava a originalidade, mesmo violenta ou temerária, o dinamismo e a desmaterialização. 
 
A pintura futurista pode ser definida como um "cubismo dinâmico". Sua intenção é 
representar, com o único recurso da cor, o efeito de dinamismo produzido por um único objeto em 
movimento; para isso, multiplicam-se as posições de um objeto. 
É importante destacar a aproximação desse movimento com alguns ideais políticos. Nas eleições 
gerais italianas de 1908, Marinetti lançou o primeiro programa político em favor do orgulho nacional. Seu 
belicismo violento está consubstanciado em outro manifesto de 1913, no qual ele defende a expansão colonial, 
o anticlericalismo, o culto ao esporte e o heroísmo. 
 
 
Figura 26: Composição Futurista, Joseph Stella, 1914. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Pintura abstrata de formas geométricas com muitas cores no formato retangular horizontal. 
 
Espero que esteja gostando de conhecer o universo da arte. Já vimos muitas coisas até 
aqui, mas ainda temos muito a desbravar, nada de desanimar! Aliás vamos agora dar uma olhada no 
Dadaísmo que além de ser um movimento divertido é também irônico. Pronto? 
 
Dadaísmo 
Após a Primeira Guerra Mundial, muitos artistas expressaram o desejo de manifestar sua 
rejeição aos sistemas de alianças e à corrida armamentista que levou à Segunda Guerra Mundial. A 
https://artsandculture.google.com/37 
Competência 02 
rejeição da lógica cotidiana, o amor ao absurdo e o abandono às manifestações políticas são as 
características mais marcantes desse movimento. 
A guerra separou os grupos de pintores formados em Paris, Munique ou Milão. Alguns 
artistas refugiaram-se em Zurique, como Marcel Duchamp, Tristan Tzara, Picabia ou Hans Arp. 
 
Os artistas de Zurique insatisfeitos com o cenário político e social, foram inspirados pelo 
Futurismo, porém, diferente dos seus precursores italianos, havia uma rejeição à política e à guerra. 
Ao final do conflito, o grupo se dispersou e suas ideias se espalharam pelo mundo. 
Esse movimento tem em comum com as outras vanguardas artísticas o gosto pela 
surpresa, a polêmica, o escândalo e a experimentação e inovam pelo gosto por certa agressividade e 
o humor. Buscavam antes de tudo a provocação! Fabricavam objetos cujo interesse residia no seu 
significado polêmico, na violência de sua presença expressiva entre as obras de arte em seu sentido 
tradicional. 
Os dadaístas negaram a própria arte, artesanato ou empreendimentos artísticos. Esta 
atitude permitiu novos meios expressivos: a fotomontagem, a colagem, a pintura-escultura e o ready-
made, objetos de uso comum que a partir de uma intervenção mínima do artista transformavam-se 
em obra de arte. 
Em Zurique destacaram-se artistas como Arp e Picabia; já em Nova York, Duchamp e em 
Paris, André Breton e Tristán Tzara. Observe na figura a seguir duas obras de arte dadaístas de Marcel 
Duchamp que representam a ideia do ready-made. 
 
 
Figura 27: Marcel Duchamp ao lado da obra Roda de Bicicleta e à direita, a obra Fonte. 
Fonte: https://www.todamateria.com.br/dadaismo/, 2021 
Descrição: A figura apresenta duas fotos. A primeira com um homem, o artista, sentado ao lado da obra de arte Roda de 
Bicicleta, representada por um banco com uma roda de bicicleta encima. A segunda apresenta a fotografia da obra 
https://www.todamateria.com.br/dadaismo/
 
 
 
 
 
 
38 
Competência 02 
Fonte representada por um mictório. 
 
Surrealismo 
A palavra surrealista foi usada pela primeira vez por Apollinaire em 1917. Posteriormente, 
tornou-se um termo frequentemente usado por André Breton e colaboradores da revista Literature. 
No início, era uma questão fundamentalmente literária, como o Futurismo. Posteriormente outras 
linguagens artísticas tomaram o mesmo rumo. 
Uma exposição realizada em 1925 na Galeria Pierre marcou o início da apresentação da 
pintura surrealista com artistas como Girgio de Chirico, Miró, Pablo Picasso e também Dalí e Magritte. 
No manifesto surrealista de 1924, André Breton, líder do movimento, explicava que o 
Surrealismo é um puro automatismo psíquico pelo qual se tenta expressar, verbalmente ou de 
qualquer outra forma, o funcionamento real do pensamento na ausência de qualquer controle 
exercido pela razão independentemente de qualquer preocupação ou moral. 
O Surrealismo propõe uma teoria do inconsciente e do irracional como meio de mudar a 
vida, a sociedade, a arte e o homem, tendo como base teórica a interpretação dos sonhos de Freud. 
Não é um movimento com unidade de estilo, mas sim uma série de investigações realizadas por 
artistas de maneira individual, cada um com seu próprio estilo. 
Chagall e De Chirico são considerados precursores do surrealismo e a partir deles se 
estabeleceram duas tendências: o Surrealismo Figurativo, que usa as convenções da perspectiva 
renascentista para mostrar cenas surpreendentes, observadas por exemplo nas obras de Salvador 
Dalí e René Magritte e o Surrealismo Abstrato, onde os artistas inventavam universos figurativos 
pessoais, podendo ser observado nas obras de Joan Miró. 
Veja na figura a seguir duas obras representantes do Surrealismo Figurativo e Abstrato, 
respectivamente. 
 
 
 
 
 
 
 
39 
Competência 02 
 
Figura 28: A persistência da Memória, Salvador Dali, 1931 e A força da matéria, Joan Miró. 
Fonte: https://www.infoescola.com/biografias/salvador-dali/, 2021 e https://www.milanoguida.com/, 2021. 
Descrição: A figura apresenta duas pinturas. A primeira com um cenário de deserto com vários relógios derretidos. A 
segunda é uma imagem abstrata com curvas, apresenta contorno preto com pequenas áreas coloridas com amarelo, 
vermelho e azul. 
 
 
 
2.2 Indústria Cultural, Cultura de Massas e as Novas Ideias Artísticas 
Sabe aquele filme maravilho que a gente não esquece, aquela musiquinha que não sai da 
nossa cabeça? Pois saiba que são fruto da indústria cultural. Vamos conhecer esses novos conceitos? 
A cultura de massa é constituída por um conjunto de objetos, bens ou serviços culturais, 
produzidos pelas indústrias culturais e que se destinam a um público diversificado. 
Essa cultura foi sendo construída através dos meios de comunicação de massa, a partir 
do século XIX, como o jornal e a revista, o rádio, o cinema, a televisão e segue até os dias de hoje com 
a Internet, e que juntos formam as indústrias culturais. Estas por sua vez ajudaram a consolidar a 
cultura de massa, em uma sociedade que é constituída por indivíduos alinhados com o capitalismo, 
onde a burguesia tem o poder de introduzir produtos e ideologias na sociedade e, assim, restringir a 
liberdade de expressão de uma sociedade altamente voltada para o consumismo. 
 
Depois de conhecer algumas das vanguardas europeias, imagino que você pode 
está se perguntando como o movimento Modernista chegou e se desenvolveu 
no Brasil. Na videoaula da segunda competência vamos entender tudo isso e 
ainda conhecer alguns dos principais nomes desse movimento. Está pronto para 
essa aventura? 
https://www.infoescola.com/biografias/salvador-dali/
https://www.milanoguida.com/
 
 
 
 
 
 
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Competência 02 
Três pilares fundamentais desta cultura são: uma cultura comercial, uma sociedade de 
consumo e uma instituição publicitária. 
Um dos principais movimentos artísticos que vai falar sobre a cultura de massas é o Pop 
Art, já que um dos seus principais artistas, Andy Warhol, destacou na sua obra a cultura de massas e 
do consumismo, fato que dado ao cenário social, do momento, contribuiu para o surgimento da arte 
pós-moderna. 
 
2.3 A Arte Pós-Moderna 
Antes de iniciar o nosso passeio pela arte pós-moderna, vou logo avisando... ela costuma 
provocar grandes discursões, será que você pode imaginar a razão? Entre outras coisas ela trouxe 
uma maneira muito diferente de entender e fazer a arte, mas vamos por parte que fica fácil entender. 
Considera-se arte pós-moderna o conjunto de manifestações artísticas produzida no 
mundo a partir da segunda metade do século XX até os dias de hoje. Além disso, o uso do termo pós-
modernidade nasceu como uma reação ao extremo racionalismo da modernidade. O pensamento 
pós-moderno é caracterizado pelo desencanto e apatia pelo fracasso da modernidade como uma 
corrente renovadora de pensamento e expressão na sociedade contemporânea. 
Recorde que o cenário anterior a toda essa nova revolução foi marcado pela Segunda 
Guerra Mundial que trouxe grandes transformações para o mundo. A partir dela, ocorreram a 
expansão do capitalismo, o desenvolvimento da globalização, o surgimento de uma sociedade de 
consumo, o desenvolvimento tecnológico e a expansão dos meios de comunicação de massa. 
Foi também um período que consolidou a hegemonia econômica e cultural dos Estados 
Unidos, transferindo o eixo das artes de Paris para Nova Iorque, nesse sentido, temos como marco 
nas artes o Expressionismo Abstrato do pintor norte-americano Jackson Pollock. 
A arte pós-moderna reúne um grande número de estilos vinculados a formas inovadoras 
de expressão. A arte se aproxima da realidade e provoca discussões e reflexões sobre a sociedade e 
sobre si mesma. Além disso, hoje se propõe ao rompimento com as ideias tradicionais de arte. Isso 
resulta em um tipo de expressão em que importa mais a ideia e o processo artístico, do que o objeto 
ou a imagemfinal. A relação do espectador com a obra também se altera. 
 
 
 
 
 
 
41 
Competência 02 
Muitas vezes o observador se torna participante ativo da obra. É o que ocorre, por 
exemplo, em instalações e performances, que passam a fazer parte da linguagem da arte 
contemporânea. 
Uma grande influência da arte pós-moderna são os movimentos de vanguarda europeia 
da primeira metade do século XX, já que romperam com a estética clássica das artes, porém com uma 
estética atual. Refletem agora a complexidade gerada com a revolução da informação e o surgimento 
da tecnologia digital, utilizando objetos e imagens da cultura popular juntamente com obras clássicas. 
 
Observe na figura a seguir como o artista Banksy da uma nova roupagem a Monalisa de 
Leonardo Da Vinci. 
 
 
Figura 29: Monalisa, de Banksy. 
Fonte: https://www.correio24horas.com.br/, 2021. 
Descrição: Imagem da icônica Monalisa de Leonardo da Vinci retratada em um mural, empunhando um lançador de 
foguetes, realizado com a técnica do estêncil. 
 
Em meio às discussões sobre o papel da arte, iniciado no século XX, o Pop Art surge como 
um dos movimentos que rompem com conceitos pré-estabelecidos. Andy Warhol utilizou objetos e 
a linguagens típica da publicidade, assim como os próprios produtos de consumo e os transformou 
em arte. Veja na figura a seguir como a obra “Caixas de Brillo” foi utilizada e colocada em uma 
exposição, o artista buscava discutir a questão da arte enquanto mercadoria e o próprio conceito de 
arte. 
 
https://www.correio24horas.com.br/
 
 
 
 
 
 
42 
Competência 02 
 
Figura 30: Caixas de Brillo, Andy Warhol, 1964. 
Fonte: https://www.thereviewerreport.com/post/brillo-box-uma-ruptura-na-hist%C3%B3ria-da-arte, 2021. 
Descrição: Em uma sala várias caixas de sabão em pó colocadas uma sobre a outra. 
 
 
 
A arte pós-moderna explora tanto a pluralidade de estilos quanto as mais variadas formas 
de expressão. Ela expandiu o campo da arte para além da pintura e da escultura. Assim, surgiram, por 
exemplo: instalações, vídeoarte, assemblage (colagens com objetos em três dimensões), 
performance, body art, arte digital, entre outros. 
Veja agora as principais vertentes da arte pós-moderna e as suas características centrais: 
 
Pop Art 
A Pop Art surgiu como um movimento no final da década de 1950 na Inglaterra e nos 
Estados Unidos, na década de 1960. 
Seu nome deriva da expressão "arte popular". Foi uma reação contra o expressionismo 
abstrato, acusado de ser intelectual. Foi influenciado pelo Dadaísmo. Usou as técnicas para reproduzir 
figuras emblemáticas da sociedade, bem como objetos industriais, cartazes, embalagens, quadrinhos, 
sinais de trânsito e outros objetos. Alguns de seus artistas mais conhecidos foram Roy Lichtenstein e 
Andy Warhol. 
 
Curiosa essa nova forma de explorar e compreender a arte, certo? Para 
aumentar a sua compreensão sobre a arte pós-moderna, sugiro que dê uma 
passada pelo fórum aberto para a segunda competência e participe da pesquisa 
proposta sobre a arte pós-moderna brasileira. Vamos? 
https://www.thereviewerreport.com/post/brillo-box-uma-ruptura-na-hist%C3%B3ria-da-arte
 
 
 
 
 
 
43 
Competência 02 
A intervenção da Pop Art consistiu em tirar imagens ou objetos populares de seu contexto 
usual para isolá-los ou combiná-los com outros elementos, para destacar ou iluminar algum aspecto 
banal ou kitsch, ou para destacar algum sentido ou traço cultural específico para isso usou materiais 
industriais, cartazes, publicidade, bens de consumo, ilustrações de revistas, móveis em série, 
vestidos, latas de conservas, garrafas de refrigerante etc. 
Nesse sentido, a Pop Art também poderia ser considerada um sintoma da sociedade da 
época, caracterizada pelo consumismo, pelo materialismo, pelo culto à imagem e à moda. A ironia e 
a sátira de suas intervenções artísticas foram utilizadas como instrumento de crítica e 
questionamento aos valores e ideias enraizados na sociedade de consumo. 
A Pop Art costuma ser colocada na fronteira entre o fim da arte moderna e o início da 
arte pós-moderna. Nesse sentido, alguns a consideram uma manifestação artística tardia da 
modernidade, enquanto outros a veem como uma das primeiras expressões da pós-modernidade na 
arte. 
 
Minimalismo 
O Minimalismo surgiu nos Estados Unidos na década de 1960 e se caracteriza pelo uso de 
elementos básicos, economia de recursos em suas composições, simplicidade cromática, geometria 
retilínea e linguagem simples. O principal lema da arte minimalista "menos é mais" foi cunhado pelo 
arquiteto Ludwig Mies van der Rohe. 
O estilo surge como uma reação contra a saturação de objetos e informações da cultura 
popular, sobretudo do movimento Pop Art. O conceito minimalista implica o uso da austeridade nos 
materiais e na composição, assim como a ausência de ornamentos desnecessários. Busca dessa 
maneira, reduzir os objetos, as formas e elementos sobre os quais se trabalha à sua expressão mais 
essencial, trazendo uma maior expressividade com o mínimo de recursos. 
O Minimalismo também foi influenciado por tradições como a japonesa, que tendem a 
enfatizar a simplicidade da beleza natural dos objetos e a economia de recursos. Veja na imagem a 
seguir uma escultura com características minimalistas. 
 
 
 
 
 
 
 
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Competência 02 
 
Figura 31: Walking ball, Ruth Vollmer, 1959. 
Fonte: http://www.artnet.com/, 2021. 
Descrição: Escultura em bronze que simula uma bola com vários prolongamentos. 
 
Op Art ou Arte Ótica 
Op Art foi um termo utilizado pela primeira vez em 1964 pela revista Time para se referir 
a uma forma de arte abstrata que se baseia na ilusão de ótica que cria sensações de movimento ou 
vibração a partir de desenhos geométricos. Inicialmente os trabalhos da Op Art eram produzidos em 
preto e branco, e posteriormente em cores vibrantes. 
Quando visualizadas, as imagens Op Art podem fazer com que o olho detecte uma 
sensação de movimento, alargamento, empenamento, tremulação, vibração na superfície da pintura. 
Os padrões de formas e cores usados nessas imagens são geralmente selecionados por 
suas qualidades ilusórias, ao invés de seu conteúdo figurativo ou emocional. Além disso, os artistas 
óticos usam espaços positivos e negativos para criar as ilusões desejadas, observe como você se sente 
diante das imagens a seguir. 
 
http://www.artnet.com/
 
 
 
 
 
 
45 
Competência 02 
 
Figura 32: Temple of Deep Crimson, Richard Anuszkiewicz, 1985. Quadrados em Movimento, Bridget Riley, 1961. 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: A figura apresenta duas pinturas. A primeira com três linhas verticais na cor vermelha em fundo degradê do 
cinza para o laranja, quadro vertical com borda verde. A segunda é uma imagem é uma pintura horizontal com 
quadrados pretos e brancos intercalados que se achatam verticalmente na parte mais a direita do quadro. 
 
Arte Cinética 
A Arte Cinética surgiu em Paris, na década de 1950 e se caracteriza por explorar o 
movimento, principalmente nas esculturas. Está ligada à Op Art por explorar também a ilusão de ótica 
na busca pelo movimento. 
O seu lançamento oficial ocorreu durante à exposição "O movimento" na galeria Denise 
René em Paris em 1955. Nessa exposição, Vasarely publicou o Manifesto Amarelo, através do qual 
definiu os fundamentos da Arte Cinética onde o movimento foi apresentado como o elemento 
plástico dominante em uma obra. 
Entre os pioneiros da Arte Cinética estavam o americano Alexander Calder que alcançou 
fama mundial com suas esculturas móveis suspensas, medindo entre quatro e cinco metros de altura. 
Observe na figura a seguir uma das obras emblemáticas de Calder. 
 
 
Figura 33: Móbile vermelho, Alexander Calder, 1961. 
https://artsandculture.google.com/
 
 
 
 
 
 
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Competência 02 
Fonte: https://artsandculture.google.com/, 2021. 
Descrição: Móbile na cor vermelha com pequenos pedaços