Vanguardias artísticas

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Vanguardias artísticas Siglo XX- Virginia Troncoso 
1900 mundo industrializado: ferrocarril- capitalismo- división internacional del trabajo. 
Avacences: progreso- ciencia: idea del mundo más compleja: geología: Lyell- microbiología: 
pausteur- genética: mendel- teoría de la evolución de Darwin- psicoanalisis: Feud- teoría de la 
relatividad: Einstein- teoría electromaganetica: Maxwell. 
Ciencia y técnica muestran otras realidades que existen, para ver y pensar. 
 
Los artistas, viviendo en la bohemia. 
Poema Apollinaire. Discute con un 
dios, es sobre los que hacen como un 
dios perfecto y ordenado, los de la 
academia. Es una lucha de 
representaciones. Los artistas, son 
diferentes, buscan aventuras, 
territorios nuevos, experimentar, 
necesitan libertad, piden indulgencia, 
son los modernos que buscan los que 
tiene misterio. 
Rompe con los signos de puntuación y 
con la métrica, es una búsqueda de 
experimentación. 
Vanguardia: combaten- exploran fronteras- idea de enemigo. Idea de guerra. 
Iglesia: idea de orden. Ellos otro territorio. Romper con las reglas. 
Vanguardias históricas: 
 Alemania: el puente. Kishner, bodo y su hermano. 
Fuerte crítica social. bodo: orejas- prostituta. Su 
hermano: viejo verrde proxeneta, el color tiene 
contenido simólico la modificación del color tiene 
base social. muestran la otra cara del progreso. 
Leen a Netzsche con fuerte crítica a todo. 
 Franncia: fauvismo 1905. Se muestra en el salón 
de otoño, en el circuito oficial, pudieron exponer, 
porque Matise estaba en la organización. El año 
anterior ya habían estado en una galería: Berthe 
Weill (1904), lo que da cuenta de un circuito de 
merdo que hacía que los artistas tubieran libertad. 
Fauvismo es un nombre puesto por la crítica, 
quería decir que pintaban como animales, porque 
fauv es bestia. Influencia de Bergson- crose: tiempo- duración. 
Vosotros con la boca hecha a la imagen de la boca de Dios 
boca que es el orden mismo 
sed indulgentes al compararnos 
con los que fueron la perfección y el orden 
nosotros que siempre buscamos la aventura 
no somos enemigos 
Queremos daros vastos y extraños dominios 
donde el misterio germina para el que quiera cosecharlo 
hay fuegos nuevos colores nunca vistos 
mil fantasmas imponderables 
para darles realidad 
y explorar la bondad país enorme y silencioso 
hay tiempo para desterrar 
y tiempo para el regreso 
piedad para nosotros que combatimos siempre en las fronteras 
de lo ilimitado y lo porvenir 
piedad para nuestros errores piedad para nuestros pecados. 
Guillaume Apollinaire 
La linda pelirroja 
 
Salón de otoño de 1905: 18 
salas con 1625 obras Grand 
Pallais, inaugurado en 1900. 
Muestras en la Galería de 
Berthe Weill en 1904 y 1905 
 
 
 
 
 
Matisse: pinta a su mujer con la raya verde. Es compositivo. 
Expresionismo. Se modifica el color con fines compositivos. 
Experimentan con el color por contraste y por matices. No hay correspondencia entre la línea y 
el color, a veces usa la línea del color- hay un uso arvitrario del color. 
 
“Matisse es uno de los pintores actuales más 
sólidamente dotados. Habría podido obtener fáciles 
aprobaciones, pero prefiere ahondar, errar en 
búsquedas apasionadas, exigir al divisionismo más 
vibraciones, más luminosidad.” 
Vauxcelles . Gil Blas. 17 octubre 1905 
 
 
 
 
 
Vauxcelles es un critico. Habla de Matisse, el pinta así porque lo elige, cuanto mayor divorcio 
tienen con el publico es mejor, porque el burgues no entienede nada, no es para el mercado, 
es muy elitista, muy pocos lo entieneden. Por dominación simbólica reproduce la lógica del 
mercado, que e sel que le pide novedades. Lo vincula con el puntillismo, cuando en realidad no 
tenían algo en común. Los fauvistas estaban en contra de todo: puntillismo- art nouvo 
 
 
Pecera sobre la mesa. Tema secundario. Importancia de 
cómo se pinta, es lenguaje artístico, trabajar con el color. 
No se busca representar. Se busca componer pensando en 
el equilibrio de los colores, usa los complementarios, es 
una composición simétrica, con equilibrio, un juego de 
tensiones en lo cromático. 
Hay un rebatimiento del plano de la mesa, pecera al 
frente, rompe con perspectivas geométricas con varios 
puntos de vista (= van gotg y cezanne) 
 
 
 
 “Para mí, la expresión no reside tal vez en la pasión 
que estalla en un rostro o que se revela en un 
movimiento violento; se encuentra más bien en el 
ordenamiento total de mi cuadro; el espacio que 
ocupan los cuerpos, las partes vacías que los rodean, 
las proporciones: todo ello tiene su parte en la 
expresión. 
A menudo, mi interés por el modelo no se echa tanto 
de ver en la representación de su cuerpo como en las 
líneas distribuidas por toda la hoja o en los valores 
particulares que forman su orquestación. Pero no 
todos lo notan. Se trata quizá de un gozo sensorial 
refinado, que no está todavía al alcance de todo el 
mundo.” 
 
Henri Matisse 
 
 
Madame Matisse: 
Arte y naturaleza son cosas distintas. No es una mujer, es una mujer pintada. Busca lograr la 
armonía desde el punto de vista cromático. 
Hay un ordenamiento total del cuadro, todo tiene su parte en la expresión. Cada cuadro da su 
propia regla de juego, genera un nuevo orden, pero no respeta un orden académico. 
La idea es componer. Ya no se representa. 
Arte: equilibrio sin tema. 
 
Matisse 
Habitación roja 
1908. 
«Sueño con un arte de 
equilibrio, de 
tranquilidad, sin tema 
que inquiete o 
preocupe, algo así 
como un lenitivo, un 
calmante cerebral 
parecido a un buen 
sillón». 
 
 
 
Cuadro sin profundidad, no hay diferencia fondo y mesa. No diferencia figura y fondo. 
Rojo: fondo activado, no acompaña, trabaja. 
 
Vlaminck. Anarquista. Colores estallan. Mentalidad belicista. 
 “En el arte, las teorías 
prestan la misma utilidad 
que las recetas en 
medicina: para creer en 
ellas es preciso estar 
enfermo” 
Maurice de Vlaminck 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Henri Matisse 
(1869 – 1954) 
Retrato de Derain 1905 
 
 
 
 
 
 
Maurice Vlaminck 
(1876- 1958) 
André Derain 1906 
Óleo sobre cartón, 27 x 22,2 cm. 
“Vlaminck solía decir: ‘la pintura es como la cocina; no se explica, se saborea’. 
Era un artista que pintaba para sí mismo, no ponía títulos, ni fechas a sus 
obras. Se ponía a pintar cuando sentía que lo embargaba una gran emoción, 
un sentimiento o una sensación. Era un hombre libre, anticonformista, así que 
le importaban muy poco las críticas. Lo que le interesaba era expresar sus 
sentimientos de la manera más auténtica”, explicó a RFI la historiadora 
Véronique Alemany, responsable de esta muestra. 
http://www.rfi.fr/es/cultura/20150422-vlaminck-el-fovista-olvidado 
 
 
“Los colores eran para nosotros 
cartuchos de dinamita”. 
 
André Derain 
Sentía una gran admiración por Van Gogh y por 
Cézanne. Pintó una series de obras fauvistas, 
primero en Collioure, en 1905, y más tarde en 
Londres en 1906, entre ellas: “Una Esquina de 
Hyde Park”, «El Puente de Westminster» y “The 
London Bridge”. La mayor parte de su obra de 
esta época son paisajes tanto rurales como 
urbanos, y muestran las características más puras 
del fauvismo, con pinceladas irregulares, de 
colores puros y una ausencia de perspectiva realista. A principios de 1908 sin razón ni explicación, destrozó sus 
obras, y se dedicó a pintar paisajes inspirados en la obra de Cézanne, lo que le hizo pintar con colores más 
sosegados y con composiciones más realistas. En 1910 se aproximó al cubismo realizando obras geométricas. 
https://trianarts.com/andre-derain-y-el-fauvismo/#sthash.9rgO3065.dpbs 
 
Futurismo 
 
 
 
 
 
1905. Fouvismo Francia. El 
Puente Dresde- Imperio 
Alemán. 
1907. cubismo Francia. 
1909. futurismo, son 
italianos pero empieza con 
manifiesto en Francia. 
1911-13 Cubismo 
arquitectónico en Praga. 
Checos más cercanos a 
franceses que a los 
alemanes. 
1911. El Jinete Azul, 
Múnich. 
1912- 1918. Escuela de 
Ámsterdam, Holanda.Arqutectura, expresionismo. 
Expresionismo 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Der Blaue Reiter. El jinete azul. Múnich – 1911 
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) fue el nombre de un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili 
Kandinski y Franz Marc en Berlín en 1911 hasta 1913, que transformó el expresionismo alemán. 
También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne 
von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval y primitivo, así como los 
movimientos coetáneos del fovismo y el cubismo. 
August Macke y Franz Marc defendían la opinión de que cada persona posee una verdadera vivencia o experiencia 
interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Kandinsky construyó las bases teóricas que cimentaron esta 
idea. Se perseguía así una "igualdad de derechos" de las distintas manifestaciones artísticas. El nombre del grupo 
“En marzo de 1902 llegué a Praga. 
Venía de Dresde. Desde Bodenbach, donde se halla la aduana 
austríaca, las maneras de los empleados del ferrocarril me 
demostraron que la rigidez alemana no existe en el imperio de 
los Habsburgo. 
[…] Para mi asombro, los cinco primeros no conocían una sola 
palabra de alemán y sólo hablaban el checo. El sexto me 
escuchó sonriente y me contestó en francés: 
—Señor, hable usted en francés; detestamos a los alemanes 
mucho más que los franceses. Odiamos a esa gente que quiere 
imponernos su idioma y se aprovecha de nuestra industria y de 
nuestro suelo, cuya fecundidad produce de todo: vino, carbón, 
piedras finas y metales preciosos, sí, todo, menos la sal. En 
Praga sólo se habla el checo, pero cuando usted hable en 
francés los que sepan responderle lo harán con alegría.”[…] 
Guillaume Apollinaire. El caminante de Praga. 1910 
deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1903 de Kandinsky, que sirvió como ilustración de la portada de 
1912 del Almanach (Almanaque). Esta obra programática, entregada por Kandinsky y Marc (Editorial Piper, Múnich, 
1912) recogía, en palabras de Marc, «Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña 
sus finos hilos de conexión con el gótico y con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte originario del 
pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los 
escenarios más modernos de la Europa de nuestro tiempo». Arnold Schönberg, por ejemplo, también aportó textos 
y cuadros a la composición «Herzgewächse». 
La primera de las dos exposiciones del Jinete Azul tuvo lugar desde diciembre de 1911 hasta el 1 de enero de 1912 
en la Galería Moderna Thannhäuser en Múnich. Se mostraron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich 
Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Macke y Münter entre otros. Más adelante se convirtió en una 
exposición itinerante, recorriendo varias ciudades, entre ellas Colonia y Berlín. La segunda exposición se desarrolló 
desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y galería de arte muniquesa Hans Goltz. 
(Wikipedia) 
Wassily Kandinsky. 1866-1944. 
Es un ruso instalado en Alemania. Abogado 
Fue un pintor ruso, precursor del arte abstracto en pintura y teórico del arte. Se considera que con él comienzan la 
abstracción lírica y el expresionismo. 
Pasó su niñez en Odessa, donde se graduó en la Escuela de Arte Grekov Odessa. Se matriculó en la Universidad 
Estatal de Moscú, donde estudió derecho y economía, tras lo cual empezó a ejercer con éxito su profesión e incluso 
le ofrecieron un puesto de profesor de derecho romano en la Universidad de Dorpat. Sin embargo, decidió 
comenzar a estudiar pintura cuando tenía 30 años. 
En 1896 se estableció en Múnich, Alemania, donde se formó en la escuela privada de Anton Ažbe primero y en la 
Academia de Bellas Artes de Múnich después. Regresó a Moscú en 1914, después del estallido de la Primera Guerra 
Mundial. Tras la Revolución rusa, se convirtió en un gran conocedor de la administración cultural de Anatoli 
Lunacharski, el Comisario de Educación de la nueva administración soviética de Rusia,2 y ayudó a fundar el Museo 
de Cultura de la Pintura.3 Sin embargo, para entonces su «perspectiva espiritual... era ajena al materialismo 
argumentativo de la sociedad soviética»,4 y las oportunidades le atrajeron de nuevo a Alemania, a donde retornó 
en 1920. Allí enseñó en la Escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde 1922 hasta que la cerraron los nazis 
en 1933. Entonces se trasladó a Francia, donde residió el resto de su vida y donde adquirió la ciudadanía francesa 
en 1939. En este país creó algunas de sus mejores obras. (Wikipedia) 
 Murnau con iglesia. 1910  
Tiene parecidos con el fauvismo. Luego elimina el tema 
pero no el contenido. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Composición 
1911. 
 
 
 
 
 
 
 
Asimilaba colores con música y emociones. Prefería la acuarela. Elimina el tema, pero no el 
contenido que es emocional. El cuadro se completa cuando el espectador recupera la emoción. 
Se inscribe dentro del expresionismo, pero se diferencia del movimiento anterior, el puente, 
en que ese deformaba como crítica social, mientras que El jinete azul lo hacía para trasmitir 
emociones. 
Experimentaba. A veces era absolutamente abstracto, a veces ponía una referencia, buscaba 
jugar con líneas y colores. 
Composición a partir de ritmos, simetría o asimetría, 
fuerzas antagónicas dentro de la obra, juego de 
tensión en líneas, puntos y planos. Teoriza sobre 
eso. 
Abstracción: fenómeno que por su amplitud es uno 
de los movimientos más profundos del siglo XX. Es 
un fenómeno más que una tendencia. 
Análisis de la obra  formal. Color manchas o líneas 
por contraste, dan direcciones de adentro hacia 
afuera, dan sensación de que el espacio puede continuar. 
Bourdieu: espacio como campo, como fragmento de algo que puede continuar. Recorte con su 
propia lógica de funcionamiento. 
Líneas rojas cierran. 
Ritmos naranjas, 
verdes, azules. 
Equilibrio por 
tensiones. Son campos 
de fuerzas, que los 
direccionan para un 
lado o para el otro. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Expresionismo arquitectónico. Escuela de Ámsterdam. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
1912-1916. se desarrolla en la etapa previa 
a la guerra y durante. 
“un edificio de ladrillo no excesivamente 
sobrio” 
Construcción con ladrillo, lo decoran para, 
lo recargan para que aparezca lo subjetivo. 
 
 
 
La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en Europa durante las primeras 
décadas del siglo XX, en paralelo al Expresionismo. 
El término se comenzó a usar englobando una serie de creaciones vanguardistas en Alemania, Países Bajos, Austria, 
Checoslovaquia y Dinamarca entre 1910 y 1924. Posteriormente, se aceptó que la arquitectura expresionista 
también abarcaba obras desde el año 1905, y no solamente de esos países, sino también del resto de Europa. Hoy 
en día, el sentido del término se considera válido para la arquitectura que, independientemente del lugar de 
procedencia y la época de construcción, cumple con una serie de características como la distorsión, la 
fragmentación, o la manifestación de una emoción violenta. 
A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y, generalmente, carente de dogmas, se pueden 
establecer una serie de criterios objetivos que la definen. Dentro de las múltiples obras expresionistas que hoy se 
conocen, e independientemente de las grandes diferencias que entre ellas hay, también se pueden ver aspectos 
comunes: 
1. Distorsión de las formas para suscitar la emoción. 
2. Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas, frente a la experiencia interior. 
3. Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo. 
4. Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una exploración y representacióndel 
concepto más profunda que la construcción misma. 
5. Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único concepto. 
6. Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las montañas, los rayos, el cristal o las 
rocas, dotando a la arquitectura expresionista de un carácter más mineral que vegetal o animal, 
característica presente también en el modernismo. 
7. Uso del potencial creativo del artesano. 
8. Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo. 
9. Simbiosis entre el carácter de las culturas occidental y oriental, visible en el empleo de influencias de 
culturas tan variadas como el islámico, Egipto, la India, o las arquitecturas romana o griega. 
10. Concepción artística de la arquitectura. 
(Wikipedia) 
Al mismo tiempo se da el 1° barrio obrero. Colonia de trabajo “el Amanecer”. Es de 
ladrillos, son todos los modulos diferentes, la uniformidad la da el ladrillo y la ventana 
banca. 
Se da luego de la 1°GM, en 1918. 
De Klerk – Kramer 
Colonia de trabajadores de “El amanecer” Ámsterdam. 1918 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Vorticismo. 
Movimiento vanguardista inglés fundado por Percy Wyndham Lewis en 
1914. Relacionado con el cubismo y con el futurismo italiano, se 
denomina así justamente por una observación del futurista Boccioni, 
quien sostiene que todo arte emana de un vórtice (una especie de 
remolino) emocional. 
Según su fundador, el vorticismo busca combinar la vitalidad y 
movimiento de la pintura futurista con las propuestas estructurales del 
cubismo, cuya pintura carece de esa vitalidad. 
Una diferencia que marca Lewis con el futurismo es que los italianos 
buscan imitar el movimiento de la máquina. Los vorticistas, en cambio, 
desean transmitir la brutalidad de la vida mecánica. 
Si cuando hablamos de vorticismo nombramos en todo momento a Wyndham Lewis, se debe a que es la figura 
más notoria del movimiento al punto que, muchos años después, él afirma en catálogo de una muestra 
retrospectiva: “El vorticismo, de hecho, fue lo que yo, personalmente, hice, y dije, en una época determinada”. 
Aunque desaparece muy pronto (durante la Primera Guerra Mundial), este movimiento es considerado de vital 
importancia como primera tendencia hacia la abstracción en el arte inglés. 
 
 
 
Suprematismo. Se inició con las ideas del pintor Kazimir Malévich, quien 
promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la 
supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El 
suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a 
través de la abstracción geométrica. Surgió en forma paralela al 
constructivismo. 
Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera manifestación la 
pintura de los champiñones de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo 
blanco” de 1915.2 La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 
1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y el Cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kazimir 
Malévich y el poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto. 
Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían 
mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición 
con el paso del tiempo.3 
La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al 
haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo. Para 1925 esta vanguardia estaba 
casi desaparecida. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el 
Neoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción. Aunque no tuvo 
muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el 
diseño de Occidente y en la Bauhaus. (Wikipedia) 
Durante la guerra en 1914- 1918 se dan 2 movimientos, con posiciones sobre la guerra: 
 Holanda Neoplastisismo 1917, plantea lo irracional. Arquitectura sigue escuela 
de amsterdam 
 Suiza Dadaismo 1916, lo absurdo. 
Vanguardias rusas 1917. 
Frente al arte momificado de la academia, numerosos artistas que se habían identificado con las nuevas corrientes 
europeas (futurismo, cubismo, dadaísmo, expresionismo) abrazaron sus ideales como una posibilidad liberadora al 
calor de la revolución. Estos artistas constituyeron la vanguardia rusa, cuyas figuras más destacadas fueron el poeta 
Vladimir Maiakovsky, los artistas plásticos Kazimir Malevich y Vasili Kandisky, los constructivistas El Lisitski, Vladimir 
Tatlin, Aleksandr Rodchenko, Liubov Popova, Natalia Goncharova, los hermanos Naum y Antoni Pevsner, Vsévolod 
Meyerhold con su biomecánica teatral y los cineastas Sergéi Eisenstein, Dziga Vértov y Vsévolod Pudovkin. Fueron 
parte de una dinámica que servía a la sociedad que se estaba construyendo, actores principales de la génesis de un 
arte nuevo para un hombre nuevo en una nueva sociedad. 
En el período inicial, la mayoría participó en el trabajo de propaganda, construyendo imágenes y gráfica en apoyo a 
la Revolución. Buscando una fusión de concepto, forma y contenido, explicando las necesidades y el sentido de la 
Revolución a una población principalmente analfabeta. Estos artistas y escritores que trataron de separarse de la 
vieja tradición, se esforzaban por crear una cultura universal que pudiera ser apreciada y comprendida por todos. 
Fueron los encargados de la misión de crear museos de arte vivo y de organizar escuelas que se adecuaran a las 
nuevas necesidades. Realizaron demostraciones, decoraron trenes y barcos con composiciones cubo-futuristas y los 
cubrieron con consignas revolucionarias para llevar la buena noticia a todo el país. A partir de 1919 empezaron a 
diseñar objetos para la producción industrial y proyectos de arquitectura para modernizar la vieja Rusia zarista. 
Desde 1917, mientras que los funcionarios académicos huían hacia occidente, los artistas de la vanguardia, reunidos 
alrededor de la revolución bolchevique se organizaron, colectivizaron sus ideas y asumieron la responsabilidad de 
dirigir las nuevas instituciones culturales. Esta relación con el Estado no impidió que permanecieran como actores 
libres de una revolución de la que se sentían arte y parte en la búsqueda de fusionar los postulados socialistas con 
una formulación artística de ruptura y decididamente modernista. Su objetivo declarado producir “nuevas formas 
para el nuevo mundo”. 
https://herramienta.com.ar/articulo.php?id=2750 
Arquitectura moderna racionalista 1924. Holanda, Utrecht. 
Gerry Rietvelt - Casa Schröder 
Casa moderna, absolutamente racional, 
más relacionada con el cubismo. Uno de 
los fundamentos del neoplastisismo, es 
que es el heredero del cubismo. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Gerry Rietvelt 
Silla roja y azul 
1917 
Planos, formas geométricas, colores primarios y neutros, 
blanco- gris. Línea. 
El diseño prima sobre la comodidad. Se impone el 
racionalismo, todo calculado, se junta la forma y la función, se 
impone una forma internacional. Vidrio como elemento 
predominante, buscan más luz. 
 
 
 
 
 
Mondriant. 1917. Neoplastisismo. 
Realidad trágica, por el desequilibrio de la guerra. Son utópicos, todo tiene un equilibrio y 
perfección, buscan vivir con un orden absoluto. Pensaban que nuestra visión subjetiva es lo 
que nos hace sufrir. 
 
Análisis formal: equilibrio logrado por asimetrías. No 
hay diferencia entre figura y fondo. No hay 
profundidad, respeta la bidimensionalidad, todo en el 
mismo plano (eso que empezó Manet con el fondo 
plano lo logra Mondriant) 
Trabajo con asimetría. Blanco – negro. Cuadricula. No 
figuración. Racional. Reducir formas naturales a la pura 
racionalidad con formas geométrica (como lo planteo 
cezanne). Busca opuestos, horizontales, verticales, en 
equilibrio que domina todo. 
 
“La realidad nos parece trágica a 
causa del desequilibrio y 
confusión de las formas con que 
se manifiesta. Son nuestra visión 
subjetiva y nuestraposición 
limitada las que nos hacen sufrir.” 
“Detrás de las formas naturales 
cambiantes se encuentra la pura e 
invariable realidad. Hay que 
reducir, pues, las formas naturales 
a relaciones puras e invariables. 
Lo universal, detrás de cada 
aspecto particular de la 
naturaleza, reside en el equilibrio 
de opuestos.” 
 
De Stijl 
 
 
 
 
 
Gerry Rietvelt Zig Zag1932-33 
 
 
 
“Verticales y horizontales son 
expresión de dos fuerzas 
opuestas; este equilibrio de 
opuestos existe en todas partes y 
lo domina todo” 
 
Piet Mondrian 
“En lo futuro, la realización de la 
pura expresión plástica en la 
realidad tangible de nuestro 
mundo ambiente reemplazará a 
la obra de arte. Pero, para 
lograrlo, es preciso que nos 
orientemos hacia una concepción 
universal y que nos liberemos de 
la presión de la naturaleza. 
Entonces ya no necesitaremos 
cuadros ni esculturas, por vivir en 
el arte hecho realidad. El arte 
desaparecerá en la misma medida 
en que la vida adquiera equilibrio. 
Por el momento, empero, el arte 
sigue siendo más importante, 
porque por el camino directo de 
la forma, libre de preconceptos 
individuales, demuestra las leyes 
del equilibrio.” 
Dadá. 1916- 1922.suiza 
La magia de una palabra —DADA— que ha puesto a los periodistas ante la puerta de un 
mundo imprevisto, no tiene para nosotros ninguna importancia. 
Tristán Tzara. Manifiesto Dada. 1917 
Yo escribo un manifiesto y no quiero nada y, sin embargo, digo algunas 
cosas y por principio estoy contra los manifiestos, como, por lo demás, 
también estoy contra los principios, decilitros para medir el valor moral 
de cada frase. Demasiado cómodo: la aproximación fue inventada por los 
impresionistas. Escribo este manifiesto para demostrar cómo se pueden 
llevar a cabo al mismo tiempo las acciones más contradictorias con un 
único y fresco aliento; estoy contra la acción y a favor de la contradicción continua, pero 
también estoy por la afirmación. No estoy ni por el pro ni por el contra y no quiero explicar a 
nadie por qué odio el sentido común. 
 
Jóvenes que en medio de la guerra se reunían en un cabaret, van a llevar el absurdo de la 
guerra a ultranza. 
Hans Arp, hace el retrato del jefe del movimiento Tzara (loco de la guerra), no pone nada de 
representación, usa materiales no convencionales, usados al azar como el absurdo. 
La cartera de papá 1920. Pedacitos de corteza. Trabajo con el absurdo de manera deliberada, 
todo lo que sea anti-todo. 
Dadá es cualquier cosa, es nada, se burlan de todo, extremar la locura para demostrar que esa 
cultura cristiana- racional había llevado a la guerra que era la mayor locura. 
Se viven contradiciendo a si mismos. Son un movimiento de nillismo puro. Trabajan con la idea 
de libertad, que se hace y deshace con el ejercicio de la contradicción. Es hacer lo del 
momento. 
Café volter: espectáculos que terminan con la reacción del público, trabajan con lo efímero, 
lecturas de poema. 
Recetas para hacer un poema, técnica de construcción por azar. 
Para hacer un poema dadaísta 
Tome un periódico. 
Tome unas tijeras. 
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que quiera darle a su poema. 
Recorte el artículo. 
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y métalas en 
una bolsa. 
Agítela suavemente. 
Ahora saque cada recorte uno tras otro. 
Copie concienzudamente 
en el orden en que hayan salido de la bolsa. 
El poema se parecerá a usted. 
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque 
incomprendida del vulgo. 
Tristan TZARA 
Hans Arp. Azar 1916. 
Mal gusto, permanentemente provocan. Introducen los 
ruidos (ya los habían introducido los futuristas, pero 
con ruidos de la guerra y el progreso) 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Hugo Ball, auto de navidad, simultáneo y ruidoso 1916. 
I. Noche de Paz 
El viento: f f f f f f f f f fff f ffff t t 
Sonido de la Nochebuena: 
hmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmm 
Los pastores: He holah, he holah, he holah. 
 
Sirenas. Ocarina.---- crescendo. (Ascensión a una montaña) 
Chasquidos de látigo, Cascos. 
 
El viento: f f f f f f f f f f f ffffffffffffffffffffffffffffff t. 
III. Aparición del ángel y de la estrella. 
La estrella: tscke, tscke, tscke, tstsccke, tststststscke, 
tstststststststecccccccke tscke pch, tscke ptch tscke ptch tscke 
ptch. 
El ángel: Ruido de hélice, aumentado suavemente, haciendo 
trémolos, hasta alcanzar una fuerza enorme, enérgico, demoníaco. 
Llegada: Silbidos, explosiones, haces de luz estallando. 
Proyector: Inunda de blanco blanco blanco blanco blanco. 
Caída de todos los participantes: primero, sobre los codos; después sobre los puños. De modo 
que se originan dos ruidos relacionados entre sí. 
Súbito silencio: ------------------------------------------------- 
Movimiento simultaneo en Nueva York- suiza, se junta en parís. En nueva york 33 amigos: 
Duchamp, man ray, Gassman 
 
Rueda de bicicleta 
1913 
Ready Made. Objeto 
encontrado industrializado. 
 
 
 
 
 
 
 
La fuente 1917. 
Migitorio. Cuestionar el concepto de 
arte, las otras vanguardias 
anteriores, estaban cuestionando el 
lenguaje, en Europa el dadaísmo 
cuestiona todo el sistema. 
 
 
 
 
 
 
 
Duchamp se preguntaba por dónde pasa el ser artístico? 
¿Qué es lo hace que la obra sea una obra de arte? 
¿Quién es el artista? 
El arte pasa por la idea. Así inicia el arte conceptual. La obra de arte deja de tener la 
funcionalidad que tiene afuera. Lo descontextualiza al ponerlo en museo se transforma en 
objeto artístico porque lo carga de sentido. 
Autoría 
Artesanía 
Originalidad: propone el concepto de apropiación, imágen que ya estaba le pone un uso 
diferente. 
Le pregunta al sistema ¿qué es el arte? 
Migitorio: tenía que resultar indiferente a- arte. 
Juega con la idea de arte como secreto entre cómplices. 
Rueda de bicicleta: logra movimiento 1913. 1° obra cinética 
Él firmaba como rose se la vi: la vida es rosa 
Juega con la ambigüedad sexual. 
Foto de Man Ray, sale duchamp disfrazado de mujer 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Mona lisa, símbolo del Louvre. Agrega bigotes y 
barba, burla total al emblema del arte burgués, 
desde un juego lingüístico. 
Obra de duchamp donde aparece clara la idea de 
apropiación. 
Con el nombre hace un juego de palabras. 
Iniciales: en francés ella tiene un culo caliente. 
Da pie al arte conceptual que juega con la 
palabra. Hay mucho humor. La palabra tiene 
sentido en sí misma. 
 
 
 
 
 
 
Cabanne: Creo que Rrose Sélavy nació en 1920. 
Duchamp: Efectivamente, quise cambiar de 
identidad y lo primero que se me ocurrió fue 
escoger un nombre judío. ¡Yo era católico y 
pasar de una religión a otra ya suponía un 
cambio! No di con ningún nombre judío que 
me gustara o me tentara y de pronto se me 
ocurrió una idea: ¿por qué no cambiar de sexo? 
¡Es mucho más sencillo! Así que de ahí salió el 
nombre de Rrose Sélavy. Es un nombre que 
está muy bien ahora [1966], los nombres 
cambian con las épocas, pero en 1920 Rose era 
un nombre muy simplón. Las dos erres vienen 
del cuadro de Francis Picabia, ya sabe a cuál 
me refiero: El ojo cacodilato que está en el 
Boeuf sur le toit -no sé si lo habrán vendido-, 
en el que Francis pidió a todos sus amigos que 
firmasen. Ya no me acuerdo de cómo firmé: 
hay fotos o sea que alguien lo sabrá. Creo que 
puse Pi Qu'habilla Rrose -en el verbo arroser 
(regar) hay dos erres, así que me atrajo la 
segunda erre y la añadí-, Pi Qu'habilla Rrose 
Sélaby (Picabia la rose c'est la vie = Picabia la 
rosa es la vida). Todo eran juegos de palabras. 
Cabanne: Y lleva incluso su cambio de sexo a 
hacerse una foto vestido de mujer. 
Duchamp: La foto la hizo Man Ray 
1° guerra mundial. 1914-1918 
Mondriant neoplastisismo. 
Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Mondrian se 
encontraba de visitaen los Países Bajos y se vio obligado a 
esperar a que terminara la guerra en su país natal. Pero su 
regreso a casa no ralentizó su espíritu innovador. Se instaló en 
una colonia de artistas en Holanda del Norte, donde se relacionó 
con otros librepensadores como Bart van der Leck y Theo van 
Doesburg. Van der Leck sólo utilizaba colores primarios en su 
trabajo, y esto tuvo un gran impacto en Mondrian. Junto con van 
Doesburg, fundó De Stijl (El Estilo), una publicación en la que 
pudo desarrollar su nueva filosofía artística, a la que llamó 
neoplasticismo. 
Mondrian describió su filosofía de la siguiente manera: “Esta 
nueva idea plástica ignorará los particulares de la apariencia… 
por el contrario, debería encontrar su expresión en la abstracción de la forma y el color, es decir, en la línea recta y 
en el color primario claramente definido”. https://mymodernmet.com/es/piet-mondrian/ 
Dadaísmo 
Picabia. Parada amorosa. 1917 
Miran la máquina diferente al futurismo. El 
dadaísmo maquiniza al hombre con mirada crítica, 
pero al mismo tiempo como juego. Crítica social. 
 
 
 
 
 
 
 
Francis Picabia 
Francia, 1879–1953 
Dadaísmo 
La vanguardia francesa no sería lo mismo sin la figura de Francis Picabia. Artista multidisciplinar, su trabajo abarca 
muchísimos movimientos artísticos en distintas facetas, aunque sin duda la pintura fue la principal. 
Comenzó a pintar fascinado por el impresionismo, pero con la llegada de las vanguardias se introdujo en el cubismo. 
Cultivó un arte moderno, pero serio hasta que apareció en su vida el dadaísmo. 
Con sus nuevos amigos gamberros adoptó ese tono nihilista, frío, irónico y destructor típico de dadá y se convirtió 
en una de las figuras fundamentales de este movimiento. 
La obra de Picabia es muy variada, pero abundan en ella (sobre todo antes de 1922) las formas mecanomorfas, 
máquinas que sin duda deben mucho al dinamismo futurista. También se interesó por la abstracción como forma 
más eficaz de plasmar sentimientos y emociones. 
En los años 20, Picabia se interesa por el surrealismo y en su obra empieza a aparecer todo tipo de referencias 
literarias y guiños al lenguaje. https://historia-arte.com/artistas/francis-picabia 
 
 
 
Objetos: 
Neoplastisismo diseño y uso de la silla. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Dadaísmo. Prota botellas. Duchamp. Ready 
made. Provocación. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Marx Ernst 
Se junta con los dadaístas en 1921. Había ido a la guerra. 
Max Ernst 
El elefante Celebes 
Óleo sobre lienzo 125,4 x 107,9 cm 
1921 
 
 
 
 
 
 
 
 
Max Ernst 
Alemania, 1891–1976 
Dadaísmo- Surrealismo 
Max Ernst quiso representar en su obra el mundo de los sueños. Fue un surrealista militante y 
llevó este movimiento por todo el mundo. Para el, la parálisis ante un lienzo en blanco 
(«complejo de virgen») se solucionaba de una forma muy sencilla: sacando material del 
subconsciente. 
Artista impredecible, siempre siguió la línea de la experimentación. Nunca hizo lo que se esperaba de él y huyó de lo 
que él llamaba «la ceguera de la razón». 
Hijo de un profesor para sordos con afición a la pintura, Ernst tuvo siempre a mano herramientas para pintar. De 
1910 a 1914 estudió filología clásica, filosofía, psiquiatría e historia del arte en la universidad de Bonn. Comenzaría a 
pintar ahí sus primeras obras en serio. 
Lucharía en la I Guerra Mundial, donde fue herido y eso le daría problemas también el la II guerra: por un lado los 
franceses lo consideraban un alemán, mientras que para los nazis era otro de esos artistas degenerados. Así que 
decidió huir a Estados Unidos y casarse con Peggy Guggenheim. Fue su tercera mujer. 
A él le debemos el Frottage (frotar sobre un objeto para transferir su textura en el soporte) o el Grattege (raspar 
pigmentos secos encima de maderas o lienzos). También el Dripping o goteo, que después desarrollaría Jackson 
Pollock. 
Fue asimismo un maestro en el collage, realizando varias novela-collage y trabajó con gran pericia la escultura, y 
también el cine (fue actor en la película de Buñuel «La edad de oro»). 
A los 15 años quedó profundamente afectado por la muerte de su loro, justo cuando nació su hermana menor. 
Confuso por el incidente, empezó a relacionar aves y personas y esto se ve en sus cuadros, a menudo con cruces de 
pájaros y humanos 
https://historia-arte.com/artistas/max-ernst 
 
Se está gestando el surrealismo, dadá pierde el nihilismo y sale luego de la guerra. Al final de la 
guerra, los que habían hecho muchas locuras se calman. 
 
 
 
 
Regreso al orden. 
 
De Chirico 
Autorretrato 
1920 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
El mundo de la obra de Giorgio de Chirico es conocido como “pintura metafísica”. Fue el poeta y crítico Guillaume 
Apollinaire, al que más tarde le ilustraría sus conocidos Calligrammes, el primero que la denominó así: “pinturas 
insólitamente metafísicas”[i]. ¿En qué sentido es “pintura metafísica”? El término es equívoco, de manera que 
conduce a malentendidos. Etimológicamente, “metafísica” significa más allá de lo físico, de lo tangible. La pintura 
de Chirico es metafísica en el sentido de que apunta a lo que hay más allá de la apariencia sensible de los 
fenómenos. “Escuchar, atender, aprender a expresar la voz remota de las cosas, ese es el camino y la meta del 
arte”, escribió en 1938. 
https://www.descubrirelarte.es/2018/09/17/giorgio-de-chirico-pintor-del-misterio-laico.html 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Christian SCHAD (1894-1982) 
 
La imagen de una mujer 
1920 
relieve 
60x30x10,5 cm 
Kerry Stokes' Collection, Perth, Australia 
objeto de madera. 
 
 
 
Schadografia Nr 2 
1919 
17x12,8 cm 
Museum of Modern Art, NY  
 
 
 
 
 
 
 
 
Isabel 
1934 
óleo, 50x40 cm 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
John Heartfield (1891-1968) 
Adolf el superhombre 
1932 Fotomontaje – 38 x 28 cm 
Dadaísmo con connotaciones políticas, es la 
izquierda en Alemania. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Kurt Schwitters 
(1887-1948) 
Merzbau 1933, las casas. 
Schwitters hace instalaciones con objetos 
encontrados. 
 
 
 
 
 
 
 BAUHAUS. 1919-1933 
Silla Wassily-1925- Diseñada por Breuer para el pintor 
Wassily Kandinsky 
(recién fabricada en los años 50 y 60 cuando se produjo 
el re descubrimiento de muebles del período BHS) 
"Creemos un nuevo gremio de artesanos, sin 
distinciones de clase que alzan una barrera arrogante 
entre el artesano y el artista. Concibamos, juntos, y 
creemos el nuevo edificio del futuro, que abarcara 
arquitectura, escultura, y pintura en una unidad y que 
un día se alzara hacia el cielo desde la mano de un 
millón de trabajadores, como el símbolo cristalino de 
una nueva fe." 
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, 
a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de 
arquitectura en los primeros años de su existencia. 
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas 
artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el 
pensamiento socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica; la segunda (1923-
1925), mucho más racionalista, y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su 
traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió 
por completo la orientación de su programa de enseñanza. 
 
 Dessau 
1925-6 
 
 
 
 
 
 
BAUHAUS taller 
 
 
 
 
 
 
 
 
BAUHAUS residencia de 
estudiantes (izquierda) 
 
 
 
 
 
 
 
 
W. Kandinsky – 
Composición VIII – 
1923 – Óleo sobre 
lienzo 140 x 201 cm. 
M.Guggenheim – NY 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Cartel de exposición de la Bauhause 1923 
 
 
 
Walter Gropius 
 
Gropius fue el fundadorde la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los 
estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y 
funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928. 
A partir de 1926 Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a 
los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la 
construcción para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas 
en los que aplicó sus ideas. 
En 1934 Gropius se exilió de Alemania al sufrir agresiones de los nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y 
trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la 
escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects' 
Collaborative, más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo. 
Los otros socios eran Norman C. Fletcher (1917-2007), Jean Bodman Fletcher (1915-1965), John C. Harkness (1916-
2016), Sarah P. Harkness (1914-2013), Robert S. McMillan (1916-2001), Louis A. McMillen (1916-1998) y Benjamin 
C. Thompson (1918-2002). Entre las obras que realizaron en este período se encuentran la Fábrica de porcelana 
Rosenthal (Selb, Alemania), la Universidad de Bagdad (Bagdad) y los Edificios Packaged House System (Lincoln, 
Massachusetts) 
(Wikipedia) 
Bauhause: 1919- 1933. Alemania necesita reactivar su industria. Escuela de diseño. Dessau, ahí 
vivían muchos estudiantes, judíos y de izquierda. 
 
Le Corbusier. Villa Saboy. 
1929-1931. Poissy 
 
 
 
 
 
Sur de Francia. Construye los principios básicos de la arquitectura moderna. 
Arte moderno conciencia de ser un lenguaje. Mondriant: bidimensión- cotidianeidad. 
Kandinsky. Modernidad estética, análisis del lengaje. 
Arquitectura: función articulada con belleza. 
Le Corbusier incorpora la 5° fachada, por 
influencia de la aviación, que era cada vez más 
común. Terraza como lugar habitable. 
Construcción como si fuera sobre pilotes. 
Arquitectura racional que se impone. Genera 
distancia con la blancura. 
Espacio intermedio, guarda de autor. 
Espacio 
circular 
vidriado, para que entre más luz. Ventana horizontal. 
Planta alta y solárium, incorpora escalera con rampas. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Estatización absoluta. Perfección visual. Racionalidad que se 
impone. 
Espacios con entreluces, espacio intermedio. Adentro con rampas. 
 
 
El baño empieza a ser un protagonista. 
 
 
 
 
 
 
 
 
Periodo de entreguerras. Hacia el surrealismo 
Dadaísmo 
Marcel Duchamp 
Aire de París. 
Ready made, 1919-1964. 
Centro G. Pompidou – París. 
 
 Neoplastisismo 
 Piet Mondrian 
 Broadway Boogie Woogie 
 Óleo sobre lienzo 127 x 127 cm. 1942-43. MoMA – Nueva York 
Cuadro con sus propias reglas. Se ve la influencia del jazz en EEUU. Ve el espacio como campo 
de fuerzas. 
W. Kandinsky – Composición VIII – 1923 – Óleo 
sobre lienzo 140 x 201 cm. M.Guggenheim – NY 
No figuración. Lirico. Sin tema pero con contenido 
emocional. 
Superposición de planos, como en el románico 
perspectiva caballera. Ritmo de círculos. Trabajo 
por aproximación cromática. Concepto de campo. 
Campo de fuerzaespacio. 
 
 
Surrealismo. 1924. 
En parís se juntan los dadaístas con otros literatos y en 1922 escriben la muerte del dadaísmo, 
en 1924, escriben el manifiesto surrealista. 
El dadaísmo tuvo existencia entre 1916 y 1923. Nació en Suiza, Zurich, pero abarcó a muchos países de Europa y de 
EE.UU. Debe ser considerado como una corriente artística (estética y ética) que refleja lo que significó la Primera 
Guerra Mundial que vino a destruir finalmente las esperanzas y confianzas que el hombre tenía en la sociedad 
burguesa. El dadaísmo fue una respuesta artística a los millones de muertos y horrores del enfrentamiento bélico. 
Así se planteó generalmente desde un ángulo negativo. Fue muy ético, buscando una ética superior a la burguesa; 
pero también tuvo una fuerte tendencia amoral y nihilista. 
El poeta Hugo Bell fundó el 5 de febrero de 1916 el Cabaret Voltaire. A través de un aviso en la prensa invitó a los 
jóvenes artistas de Zurich. Entre los primeros que acudieron se encontraba Tristán Tzara. Este poeta se 
caracterizaba por su inteligencia demoledora que lo hacía bombardear todo lo que oliera a sociedad burguesa. 
Lo importante es que "dada" va a significar un espíritu de ruptura con lo establecido, una revolución artística y 
espiritual. En Julio de 1917 salió el primer número de la revista Dada, órgano de difusión de esta corriente. 
El dadaísmo fue una corriente artística antiarte que terminaba generando un mensaje nuevo o diluyéndose en la 
nada. El dadaísmo fue sinónimo de rebelión y de agresividad contra el público. 
Surgieron serias divergencias entre Breton y Tzara. Con motivo del Congreso internacional por la determinación de 
las direcciones y la defensa del espíritu moderno se produjo la ruptura de Tzara y Breton. Breton tomaba en serio el 
congreso, mientras que Tzara opinaba que el tema de discusión tenía que ser si una locomotora era más moderna 
que un sombrero de copa. Toda esta crisis desembocó en la muerte del dadaísmo y Tzara redactó la oración 
fúnebre que apareció impresa en el número 7 de la revista MERZ, de 1923. 
https://www.poesias.cl/dada_dadaismo.htm 
El Manifiesto del surrealismo (Manifeste du surréalisme), más adelante conocido 
como Primer manifiesto del surrealismo es un texto publicado el 15 de octubre en 
1924 por André Breton. Originalmente redactado como un prefacio para el libro 
Poisson soluble, cobró vida e importancia propias. Junto a Paul Éluard escribió 
después un Segundo manifiesto del surrealismo, publicado cinco años más tarde. A 
partir de la década de 1960, ambos textos y otros afines redactados posteriormente, 
también con carácter programático, se unieron para conformar un libro que se 
publicó bajo el título Manifiestos del surrealismo, el que se tradujo a varios idiomas. 
(Wikipedia) 
 
 
André Breton, Manifeste du 
surréalisme, 1924. 
 Automatismo. Muy 
influidos por teoría 
freudiana. Para los 
surrealistas todos pueden 
ser artistas, porque es un movimiento vital, en donde el arte es un medio para dejar el 
inconsciente afuera. 
Trabaja con psicoaálisis. Garabato, acato 
fallido, sueños. El surrealismo es siempre 
figurativo. Trabaja con 2 variables: 
automatismo- sueños, lo onírico. 
 
Joán Miró. 
Garabato como punto de partida. Luego 
componía. Obra figurativa, aunque infantiles. 
Bimorficas. 
Busca que no haya control estético ni moral. 
El surrealismo es una vanguardia en contra de 
la autonomía estética, el lenguaje es un 
medio para. Es un movimiento vital. 
 
 
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma 
de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de 
los máximos representantes del surrealismo. En sus obras reflejó su interés en el subconsciente, en lo «infantil» y 
en la cultura y tradiciones de Cataluña. Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas 
estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y 
expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 
1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, coincidiendo con los puntos del 
surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 
1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodosconvencionales de pintura, en sus propias palabras de 
"matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no 
querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. (Wikipedia) 
 
Los surrealistas tienen una oficina en parís, para búsquedas surrealistas, desde donde hacían 
panfletos para la gente. Atacan el mito del artista como genio, dicen que todos podemos ser 
artista, porque todos tenemos sueños. 
Joan Miró 
Mujer con tres pelos rodeada con pájaros en la 
noche 
1972- Óleo sobre lienzo 243,5 x 168,9 cm 
MoMA 
Dejar fluir el inconsciente 
Poética de lo insólito. 
 
 
 
 
 
 
 
 
Joan Miró 
Construcción 
1930 – MoMA. 
Relieve de objetos encontrados. 
 
 
 
Romper con el mito del artista, lo individual 
y la imagen de genio. Inventan juegos sociales: si, cuándo, 
asociaciones locas, preguntas y respuestas. 
Juego de cadáver esquicito. Verbal- visual. 
Obra hecha en grupo, colectiva 1926. 
 
 
 
Yves Tanguy, Man Ray, Max Morise, Joan Miró 
c. 1926 
“El cadáver exquisito beberá el vino nuevo.” 
 
Automatismo como punto de partida. 
“La creación, en especial la poética, debe ser anónima y 
grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible 
automática” 
Retoman el azar del dadaísmo, la diferencia es que no tiene el 
carácter nihilista que si tenía el dadaísmo. 
Antecedentes que se consideran. Conde 
Lautrémont, siglo XIX. 
 
“Digo que es necesario ser vidente, hacerse 
vidente. El poeta se hace vidente por un largo, 
inmenso y razonado desarreglo de todos los 
sentidos.” Arthur Rimbaud 
(1854-1891) 
 
Belleza lo sexual- el amor. Poesía retoman a Rimbaud. 
Uso de drogas, médium, hipnotismo. 
 
 
 
 
 
 
 
S.Dalí 
Bailarina y calavera 
1939 
Variante más onírica. Aparece la imagen 
doble. Produce asociaciones insólitas, junta 
realidades que no tienen nada que ver. 
Rompe el principio de similitud- mimesis. 
Aunque representa, cuando quiero ver una 
cosa, es otra. Es una representación 
asociada a la bisimilitud. 
 
 
 
 
 
Salvador Dalí - La 
persistencia e la memoria – 
1931. 
Espacio onírico. Vista de su 
pueblo natal en caraquea, 
España. 
Apropiaciones de diferentes 
obras que él resignifica. 
2 imágenes: tiene que ver 
con la condensación en el 
psicoanálisis. 
 
 
 
Banderillas acompañadas por la dirección del 
Bureau de Recherches Surreálistes con las horas de funcionamiento. 
 
 
 
Dalí es el único que no era comunista. Fuerte alusión a lo sexual. Gran capacidad de técnica. 
La mona lisa: manos con dinero. 
La belleza como una unión de realidades insólitas. 
El Cristo de San Juan de la Cruz - 
1951 - Salvador Dali. 
Pinta a cristo mirándolo desde 
arriba, como Dios. 
El mismo Salvador Dali explica su cuadro: 
"La posición de Cristo ha provocado una 
de las primeras objeciones respecto a 
esta pintura. Desde el punto de vista 
religioso, esa objeción no está fundada, 
pues mi cuadro fue inspirado por los 
dibujos en los que el mismo San Juan de 
la Cruz representó la Crucifixión. En mi 
opinión ese cuadro debió ser ejecutado 
como consecuencia de un estado de 
éxtasis. La primera vez que vi ese dibujo 
me impresionó de tal manera que más 
tarde, en California, vi en sueños al 
Cristo en la misma posición pero en 
paisaje de Port Lligat y oí voces que me 
de decían: "¡Dalí tienes que pintar ese 
Cristo!". 
Y comencé a pintarlo al día siguiente. Hasta el momento en que comencé con la composición, tenía la intención de 
incluir todos los atributos de la crucifixión –clavos, corona de espinas, etc.- y de transformar la sangre en claveles 
rojos sujetos en las manos y los pies, con tres flores de jazmín sobresaliendo de la herida del costado. Las flores 
hubieran sido realizadas a la manera ascética de Zurbarán. Pero justo antes de finalizar mi cuadro, un segundo 
sueño modificó todo esto, tal vez a causa de un proverbio español que dice: A mal Cristo, demasiada sangre. 
En ese segundo sueño, vi el cuadro sin los atributos anecdóticos: sólo la belleza metafísica del Cristo-Dios. También 
había tenido al principio la intención de tomar como modelos para el fondo a los pescadores de Port Lligat, pero en 
ese sueño, en lugar de ellos, aparecía en un bote un campesino francés pintado por Le Nain, del cual sólo el rostro 
había modificado a semejanza de un pescador de Port Lligat. Sin embargo, visto de espadas, el pescador tenía una 
silueta velazqueña. Mi ambición estética en ese cuadro era la contraria a la de todos los Cristos pintados por la 
mayoría de los pintores modernos, que lo interpretaron en el sentido expresionista y contorsionista, provocando la 
emoción por medio de la fealdad. Mi principal preocupación era pintar a un Cristo bello como el mismo Dios que él 
encarna" https://unapizcadecmha.blogspot.com/2013/11/el-cristo-de-san-juan-de-la-cruz-1951.html 
 SALVADOR DALI 
AVIDADOLLARS 
SALVADOR DALI 
AVIDADOLLARS 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Max Ernst 
Bosque y paloma 
1927 
Frottage. 
Ernts empezó siendo dadaísta, terminó 
siendo surrealista en la experimentación, 
inventó muchas técnicas. 
La textura es el punto de partida. 
 
 
Ésta técnica fue ideada por Max Ernst sobre 1925 y 
consiste ena algo tan aparentemente sencillo como 
frotar un lápiz o similar sobre una hoja apoyada 
sobre un relieve. 
 
 
 
 
 
 
 
¿Se animaría a hablarme de Dios? 
Si Usted fuera un periodista de 
talento debería pedirle a Dios que 
le hable de Dalí. 
 
“Yo soy un místico. Los místicos 
fueron siempre alquimistas que 
transformaron en oro todo lo que 
tocaban. Es mi caso.” 
 
Grattage. Max Ernst - La ciudad 
entera – 1934 
Grattage ("raspado" en lengua francesa) 
es una técnica de la pintura surrealista 
en la que la pintura se desprende de la 
tela mediante desgarrones (por lo 
general una vez seca), creando una 
especial textura con efecto de relieve o 
tercera dimensión. Fue empleada por 
Max Ernst y Joan Miró, y más tarde por 
el informalismo1, especialmente por 
Antoni Tàpies. (Wikipedia) 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
1 El informalismo es un movimiento artístico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en 
Francia, España e Italia durante la segunda posguerra mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. El 
movimiento fue bautizado por Juan Eduardo Cirlot, quien fue su principal ideólogo. 
 
Búsqueda de valores de la modernidad, lo nuevo, lo original. Libertad del artista como lo 
original. Es posible por el sistema de producción de mercado. 
Guerra civil española 1936- 1939. 
2° Guerra Mundial, 1939- 1942 
 
 
Pablo Picasso 
Guernica 
Encargo del Gobierno de la República para el pabellón español de la Exposición Internacional 
de París 
1937 
350 x 782 cm 
El Guernica no representa a un movimiento en particular, pero simboliza el siglo XX con 2 
guerras grandes y permanentes guerras menores. El bombardeo de Guernica, en el país Vasco, 
el primer ataque, queda en pie un árbol. 
En 1931, cae la monarquía española, surge la república, el gobierno le pide a Picasso que haga 
una obra para que los represente. Picasso se entera por el diario del bombardeo a la población 
civil que estaba en una feria en la plaza. En un mes termina la obra. 
lunes 26 abril 1937 
 
 
Blanco y negro. 
Aparecen texturas visuales. 
Mano con espada rota, tiene 
una flor, frente a tanto dolor, 
queda una flor. 
 
 
 
 
 
La madre y el hijo muerto, gritando. 
Toro es un bramido. Incendio. 
Soldado muerto. 
 El sol ilumina. Bombilla no ilumina, no hay 
progreso. 
Lengua puntiaguda, lastima. 
Figura. Cubismo sintético con fuerte 
expresionismo, es el dolor. 
 
Al analizar su iconografía, uno de los estudiosos de la obra, Anthony 
Blunt, divide a los actores de esta composición piramidal en dos 
grupos, el primero de los cuales está integrado por tres animales: el 
toro, el caballoherido y el pájaro alado que se aprecia tenuemente 
al fondo, a la izquierda. Los seres humanos componen un segundo 
grupo, en el que figuran un soldado muerto y varias mujeres: la 
situada en la zona superior derecha, que se asoma por una ventana y 
sostiene hacia fuera una lámpara; la madre que, a la izquierda del 
lienzo, grita llevando al hijo muerto; la que entra precipitadamente 
por la derecha; y finalmente, la que clama al cielo, con los brazos 
alzados, ante una casa en llamas. 
https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica