História da Arte Moderna e Contemporânea

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2017
História da arte: Moder-
na e ConteMporânea
Prof.ª Vania Konell
Copyright © UNIASSELVI 2017
Elaboração:
Prof.ª Vania Konell
Revisão, Diagramação e Produção:
Centro Universitário Leonardo da Vinci – UNIASSELVI
Ficha catalográfica elaborada na fonte pela Biblioteca Dante Alighieri 
UNIASSELVI – Indaial.
700.7
K82h Konell; Vânia 
 História da arte moderna e contemporânea / Vânia 
Konell: UNIASSELVI, 2017.
 
 178 p. : il.
 
 ISBN 978-85-515-0061-3
 1.Arte – Estudo e Ensino. 
 I. Centro Universitário Leonardo Da Vinci. 
III
apresentação
Caro acadêmico! Seja bem-vindo à disciplina de História da Arte.
Esta disciplina proporcionará o conhecimento da história da arte em uma 
perspectiva estética, social, filosófica e cultural.
A partir do estudo da Unidade 1 você será capaz de identificar as 
especificidades das artes no início do século XX, que compreende o surgimento 
da Arte Moderna. Este novo momento artístico e estético busca, por meio da 
arte, a representação de uma sociedade reflexiva, crítica, que rompe com as 
regras do passado da arte ocidental.
Vários movimentos artísticos são criados em busca da criação e não 
mais da imitação da natureza. Os artistas modernos expressam suas vontades, 
seus sonhos, suas angústias e proporcionam uma arte inovadora.
Na Unidade 2 será estudada a Arte Moderna na segunda metade do 
século XX. Este período representa uma arte voltada aos meios tecnológicos, 
à vida urbana, e com isso surgem vários estilos estéticos, com especificidades 
que permitem uma transição para o momento atual.
Na última unidade você reconhecerá aspectos da arte contemporânea, 
ou seja, a arte que estamos vivenciando atualmente. Esta arte surgiu a partir 
da década de 1960 e é marcada por uma variedade de manifestações artísticas 
usando materiais inusitados e variados. Na contemporaneidade, você 
perceberá que a arte pode ser conceitual e efêmera. Conhecerá várias formas 
de representar a arte por meio da performance, do happening, do ready-made, 
das instalações, unindo as diferentes linguagens, tecnologias e espaços.
É importante ressaltar que esta disciplina possibilitará a compreensão 
da história da arte moderna e contemporânea, articulando a contextualização, 
a apreciação e a produção artística, contribuindo para uma proposta de estudo 
e pesquisa teórica que auxiliarão na sua formação acadêmica.
Tenha uma excelente jornada de estudos!
Prof.ª Vania Konell
IV
Você já me conhece das outras disciplinas? Não? É calouro? Enfi m, tanto para 
você que está chegando agora à UNIASSELVI quanto para você que já é veterano, há 
novidades em nosso material.
Na Educação a Distância, o livro impresso, entregue a todos os acadêmicos desde 2005, é 
o material base da disciplina. A partir de 2017, nossos livros estão de visual novo, com um 
formato mais prático, que cabe na bolsa e facilita a leitura. 
O conteúdo continua na íntegra, mas a estrutura interna foi aperfeiçoada com nova 
diagramação no texto, aproveitando ao máximo o espaço da página, o que também 
contribui para diminuir a extração de árvores para produção de folhas de papel, por exemplo.
Assim, a UNIASSELVI, preocupando-se com o impacto de nossas ações sobre o ambiente, 
apresenta também este livro no formato digital. Assim, você, acadêmico, tem a possibilidade 
de estudá-lo com versatilidade nas telas do celular, tablet ou computador. 
Eu mesmo, UNI, ganhei um novo layout, você me verá frequentemente e surgirei para 
apresentar dicas de vídeos e outras fontes de conhecimento que complementam o assunto 
em questão. 
Todos esses ajustes foram pensados a partir de relatos que recebemos nas pesquisas 
institucionais sobre os materiais impressos, para que você, nossa maior prioridade, possa 
continuar seus estudos com um material de qualidade.
Aproveito o momento para convidá-lo para um bate-papo sobre o Exame Nacional de 
Desempenho de Estudantes – ENADE. 
Bons estudos!
UNI
Olá acadêmico! Para melhorar a qualidade dos 
materiais ofertados a você e dinamizar ainda 
mais os seus estudos, a Uniasselvi disponibiliza 
materiais que possuem o código QR Code, que 
é um código que permite que você acesse um 
conteúdo interativo relacionado ao tema que 
você está estudando. Para utilizar essa ferramenta, 
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de QR Code. Depois, é só aproveitar mais essa 
facilidade para aprimorar seus estudos!
UNI
V
VI
VII
suMário
UNIDADE 1 – SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE ......................................................................... 1
TÓPICO 1 – UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA ........... 3 
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 3
2 O SURGIMENTO DA ARTE MODERNA ..................................................................................... 4
3 O PRIMEIRO MOVIMENTO ARTÍSTICO MODERNO: EXPRESSIONISMO ..................... 6
4 ARTISTAS CONSAGRADOS DO INÍCIO DO SÉCULO XX: MATISSE E PICASSO ........ 10
RESUMO DO TÓPICO 1 ....................................................................................................................... 16
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 17
TÓPICO 2 – MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX ................... 19
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 19
2 FAUVISMO ........................................................................................................................................... 19
3 CUBISMO .............................................................................................................................................. 23
3.1 AS COLAGENS CUBISTAS ........................................................................................................... 27
4 FUTURISMO ....................................................................................................................................... 28
5 ABSTRACIONISMO ......................................................................................................................... 30
6 ESCOLA BAUHAUS .......................................................................................................................... 34
7 SUPREMATISMO .............................................................................................................................. 36
8 CONSTRUTIVISMO ......................................................................................................................... 37
RESUMO DO TÓPICO 2 ....................................................................................................................... 39
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 40
TÓPICO 3 – A FANTASIA INVADE A REALIDADE NO INÍCIO DO SÉCULO XX ............... 43
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 43
2 DADAÍSMO ......................................................................................................................................... 44
3 SURREALISMO ................................................................................................................................... 48
LEITURA COMPLEMENTAR .............................................................................................................. 52
RESUMO DO TÓPICO 3 ....................................................................................................................... 55
AUTOATIVIDADE................................................................................................................................ 56
UNIDADE 2 – HISTÓRIA DA ARTE NA SEGUNDA METADE DO SÉCULO XX ................. 57
TÓPICO 1 – NOVAS FORMAS DE ABSTRAÇÃO .......................................................................... 59
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 59
2 CONCRETISMO .................................................................................................................................. 60
3 EXPRESSIONISMO ABSTRATO ..................................................................................................... 62
4 TACHISMO .......................................................................................................................................... 66
5 CAMPO DE COR ................................................................................................................................. 67
6 HARD EDGE ......................................................................................................................................... 68
RESUMO DO TÓPICO 1 ....................................................................................................................... 71
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 72
VIII
TÓPICO 2 – A PERMANÊNCIA DO FIGURATIVO ....................................................................... 75
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 75
2 ARTE BRUTA ....................................................................................................................................... 75
3 ARTE MARGINAL .............................................................................................................................. 76
RESUMO DO TÓPICO 2 ....................................................................................................................... 79
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 80
TÓPICO 3 – CULTURA VISUAL: VÁRIAS FORMAS DE SE EXPRESSAR .............................. 83
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 83
2 A POP ART ............................................................................................................................................ 83
3 OP ART .................................................................................................................................................. 92
4 MINIMALISMO .................................................................................................................................. 99
LEITURA COMPLEMENTAR .............................................................................................................. 103
RESUMO DO TÓPICO 3 ....................................................................................................................... 106
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 107
UNIDADE 3 – ARTE CONTEMPORÂNEA ...................................................................................... 109
TÓPICO 1 – ENTENDENDO A ARTE CONTEMPORÂNEA ....................................................... 111
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 111
2 O CONTEMPORÂNEO NAS ARTES ............................................................................................ 113
3 ARTE EFÊMERA ................................................................................................................................. 118
4 ESPAÇOS DEDICADOS ÀS ARTES .............................................................................................. 121
4.1 BIENAL DE ARTE .......................................................................................................................... 123
RESUMO DO TÓPICO 1 ....................................................................................................................... 126
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 127
TÓPICO 2 – LINGUAGENS ARTÍSTICAS CONTEMPORÂNEAS ............................................ 129
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 129
2 INSTALAÇÃO ...................................................................................................................................... 129
3 READYMADE ........................................................................................................................................ 131
4 ASSEMBLAGE ...................................................................................................................................... 133
5 PERFORMANCE .................................................................................................................................. 136
6 HAPPENING ........................................................................................................................................ 138
RESUMO DO TÓPICO 2 ....................................................................................................................... 140
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 141
TÓPICO 3 – NOVAS FORMAS E PENSAMENTOS ....................................................................... 143
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 143
2 ARTE CONCEITUAL .......................................................................................................................... 143
3 ARTE POVERA .................................................................................................................................... 147
4 ARTE DA RUA ..................................................................................................................................... 149
4.1 HIP-HOP .......................................................................................................................................... 151
4.2 STICKERS ART ............................................................................................................................... 151
4.3 GRAFITE .......................................................................................................................................... 152
5 ARTE DA TERRA ............................................................................................................................... 155
6 ARTE DO CORPO .............................................................................................................................. 157
7 A ARTE TECNOLÓGICA ................................................................................................................. 160
7.1 VIDEOARTE ................................................................................................................................... 160
7.2 INTERNET ART ............................................................................................................................. 161
RESUMO DO TÓPICO 3 .......................................................................................................................163
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 164
IX
TÓPICO 4 – ARTE PÓS-MODERNA: UMA NOVA GERAÇÃO DA ARTE 
 CONTEMPORÂNEA ...................................................................................................... 165
1 INTRODUÇÃO .................................................................................................................................... 165
2 NEOEXPRESSIONISMO ................................................................................................................... 165
3 FOTORREALISMO ............................................................................................................................. 167
LEITURA COMPLEMENTAR .............................................................................................................. 168
RESUMO DO TÓPICO 4 ....................................................................................................................... 172
AUTOATIVIDADE ................................................................................................................................ 173
REFERÊNCIAS ........................................................................................................................................ 175
X
1
UNIDADE 1
SÉCULO XX: 
PRIMEIRA METADE
OBJETIVOS DE APRENDIZAGEM
PLANO DE ESTUDOS
Esta unidade tem como propósito:
• apresentar os artistas, as obras e os diferentes movimentos artísticos que 
surgiram na história da arte no início do século XX;
• analisar e refletir sobre as obras e movimentos apresentados numa pers-
pectiva estética, histórica e cultural;
• conhecer as técnicas criadas nos movimentos artísticos apresentados.
Esta unidade está organizada em três tópicos. Em cada um deles, você 
encontrará dicas, observações e atividades que lhe trarão uma maior 
compreensão dos temas a serem abordados.
TÓPICO 1 – UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE 
 MODERNA
TÓPICO 2 – MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO 
 SÉCULO XX
TÓPICO 3 – A FANTASIA INVADE A REALIDADE NO INÍCIO DO 
 SÉCULO XX
2
3
TÓPICO 1
UNIDADE 1
 UM NOVO MOMENTO 
NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA
1 INTRODUÇÃO
A primeira metade do século XX foi marcada por vários acontecimentos 
históricos e sociais que refletiram no pensar e agir dos povos nos diferentes 
continentes. Entre os fatos, destacam-se o progresso industrial e, em consequência, 
o surgimento do capitalismo. Também há destaque para a Primeira Guerra 
Mundial, a Revolução Russa, o surgimento do fascismo na Itália e do nazismo 
na Alemanha. Em consequência desses vários conflitos, principalmente entre 
europeus e americanos, logo surge a Segunda Guerra Mundial, que coloca 
novamente a humanidade sob ameaça devido às pesquisas realizadas referentes à 
energia nuclear, a qual resultou em uma ameaça bélica.
A arte, em meio a este complexo momento histórico, propôs reflexões, 
contextualizações e problematizações que viessem ao encontro do que o homem estava 
vivendo naquele período. Surgem, com isso, vários movimentos artísticos e estéticos.
Estes movimentos, que nasceram em virtude dos aspectos sociais ocorridos, 
promoveram o que ficou conhecido como arte moderna, ou seja, uma arte de 
vanguarda, que rompeu com os padrões estéticos estabelecidos até então. Uma das 
principais rupturas ocorridas foi a de que a arte não deveria mais imitar a natureza 
e a realidade. Também rompeu com a ideologia de que a arte deveria reproduzir 
um padrão de beleza. A partir da arte moderna os artistas criaram suas próprias 
regras e estabeleceram um novo fazer artístico.
A palavra vanguarda se refere a pessoas que estão à frente do seu tempo, em 
que suas ideias e ações propõem algo inovador, seguidas por outros indivíduos. Esta palavra 
tem origem francesa, conhecida como avant-garde, que significa o pelotão de militares que 
está à frente. 
UNI
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
4
Uma das inovações que fez surgir a arte moderna foi a criação da fotografia. 
Isto porque a imitação do real já não fazia mais sentido, uma vez que a fotografia 
permitia a captura da realidade em pouco tempo, enquanto o artista demorava 
semanas ou meses para finalizar a realização de uma produção artística. Assim, o 
artista começa a libertar-se das regras estabelecidas e cria seus próprios princípios 
artísticos, com inovações técnicas que vão desde a utilização de materiais 
diversificados e a exploração de espaços inusitados. 
2 O SURGIMENTO DA ARTE MODERNA
Diferentemente da arte do século XIX, a arte moderna surge numa 
perspectiva de representação interna, ou seja, o que interessa neste momento é 
o que está na essência da arte e não somente o que está visível externamente nas 
obras. Como disse Picasso, “não o que você vê, mas o que você sabe que está lá”.
Esta abordagem artística compreende uma nova forma de desafiar os 
artistas modernos em relação às convenções do passado. Segundo Strickland (2004, 
p. 129), o artista Paul Gauguin (1848-1903) argumenta que “para quebrar todas as 
janelas velhas, ainda que cortemos os dedos nos vidros”.
 Como argumenta Paul Gauguin (1848-1903), “para quebrar todas as janelas 
velhas, ainda que cortemos os dedos nos vidros” (STRICKLAND, 2004, p. 129).
Em toda evolução da arte ocidental, o século XX produziu a ruptura 
mais radical com o passado, levando ao extremo o que Courbet e Manet 
iniciaram no século XIX – retratos da vida contemporânea e não de 
eventos históricos. A arte do século XX não apenas decretou que qualquer 
tema era adequado, mas também libertou a forma (como no Cubismo) 
das regras tradicionais e livrou as cores (no Fauvismo) da obrigação de 
representar com exatidão os objetos (STRICKLAND, 2004, p. 129).
Em meio a essa nova forma de pensar, os artistas conhecidos como 
modernistas rejeitavam o passado e perpetuaram uma busca incessante por 
liberdade de expressão. Neste momento, a preocupação não era mais a de 
agradar a um mecenas que patrocinava a obra, e sim, a de conduzir para uma 
produção que privilegiasse a imaginação e a experiência individual do artista. A 
fonte da arte é marcada pela forma, linha e cor, seguindo para uma arte de mais 
abstração, afastando-se gradualmente da retratação fiel da natureza, que tanto foi 
representada nos séculos anteriores (STRICKLAND, 2004, p. 129).
É importante ressaltar que foi na França que a arte moderna teve maior 
representatividade na primeira metade do século XX. Isto, devido à Escola de 
Paris. Segundo Strickland (2004, p. 129):
Não importava se os artistas de uma determinada tendência morassem 
ou não em Paris: a maioria dos movimentos emanava da França. Até a 
Segunda Guerra Mundial, a Cidade Luz brilhou com toda a intensidade 
da arte moderna. O Fauvismo, o Cubismo e o Surrealismo nasceram 
TÓPICO 1 | UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA
5
lá. Nos anos de 1950, a New York School of Abstract Expressionism 
destronou a Escola de Paris. Pela primeira vez a vanguarda se mudava 
para os Estados Unidos, onde o pintor de ação Jackson Pollock, segundo 
disse seu amigo Willem de Kooning, “mandou nossa ideia de pintura 
para o inferno”.
Vejamos o quadro demonstrativo da história da arte que faz um paralelo 
entre os maiores acontecimentos do mundo:
QUADRO 1 - HISTÓRIA DO MUNDO E DA ARTE NO INÍCIO DO SÉCULO XX
 HISTÓRIA DO MUNDO HISTÓRIA DA ARTE 
Wrigts voa no aeroplano. 1903
E i n s t e i n a n u n c i a a t e o r i a d a 
relatividade. 1905
Primeira exibição fauvista. Die Brücke é 
fundada. Stieglitz abre Galeria 291.
Terremoto abala San Francisco. 1906
1907 Brancusi faz a primeira escultura abstrata.
1908 Picasso e Braque fundam o Cubismo.
1908-13 Pintores da Ash Can introduzem o Realismo.
Pearychega ao Polo Norte. 1909
1910 Kandinsky pinta primeiro quadro abstrato, os futuristas lançam Manifesto.
1911 Formação do Der Blaue Reiter.
Henry Ford desenvolve linha de 
produção. 1913 Armory Show desperta a arte americana.
Primeira Guerra Mundial declarada. 1914
1916 Começa o Dadaísmo.
Lênin lidera Revolução Russa. 1917 De Stjil fundada.
1918 Formação da Bauhaus.
Anos 1920 Muralistas mexicanos ativos.
Mulheres dos Estados Unidos votam. 1920 Soviéticos abolem Construtivismo.
Hitler escreve Mein Kampf. 1924 Surrealistas lançam Manifesto.
Lindbergh atravessa sozinho o 
Atlântico. 1927
Fleming descobre a penicilina. 1928
Quebra da Bolsa de Valores. 1929
Anos 1930 Pintores da American Scene em cena, realistas sociais pintam arte política.
Roosevelt eleito presidente. 1933
Começa Guerra Civil Espanhola. 1936
Início da televisão comercial. 1939
Estados Unidos entram na Segunda 
Guerra Mundial. 1941
P r i m e i r o c o m p u t a d o r d i g i t a l 
desenvolvido. 1944
Bomba atômica em Hiroshima. 1945 Dubuffet cunha o termo “L’Art Brut”.
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
6
Mahatma Ghandi assassinado, 
fundação de Israel. 1948
Fundação da República Popular da 
China. 1949
Invenção da pílula anticoncepcional. 1950 Expressionismo abstrato é reconhecido.
1952
Harold Rosenberg cunha termo “action 
painting”, Frankenthaler inventa pintura em 
borrões.
Estrutura do DNA descoberta. Monte 
Everest escalado. 1953
Corte Suprema proíbe segregação. 1954
Salk descobre vacina contra pólio. 1955
Elvis Presley canta rock’n’roll. 1956 Wright constrói Guggenheim.
Soviéticos lançam Sputnik. 1957
FONTE: Strickland (2004, p. 130)
3 O PRIMEIRO MOVIMENTO ARTÍSTICO MODERNO: 
EXPRESSIONISMO
O Expressionismo, considerado historicamente o primeiro grande movimento 
da arte moderna, também é um estilo artístico e cultural de vanguarda, que surgiu 
na Alemanha no começo do século XX, entre os anos de 1904 e 1905. Este movimento 
envolveu diferentes formas de expressões artísticas, incluindo arquitetura, literatura, 
artes plásticas, fotografia, cinema, teatro etc. Ele surge em reação ao Impressionismo, 
que por sua vez somente se preocupou com as sensações provocadas pela luz e 
pela cor. O Expressionismo, ao contrário, buscou expressar as sensações e emoções 
humanas, procurando interpretar as angústias que caracterizaram psicologicamente 
o homem no início do século XX (PROENÇA, 2011, p. 251).
Este movimento surge a partir de um grupo de artistas formados por 
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) e Karl Schmidt-
Rottluff (1884-1976), chamado de “Die Brücke”, que significa “A Ponte”. Esses 
artistas encontraram inspiração na obra de Vincent van Gogh (1853-1890), em Paul 
Gauguin (1848-1903) e na arte primitiva.
Você sabe o que é arte primitiva? O tema primitivo passa por várias definições 
dependendo da época histórica, ou seja, na arte moderna, por exemplo, o primitivismo 
tem relação com os valores humanos alternativos ao racionalismo da sociedade europeia. 
Conheça as diferentes definições, acesse o site: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/
termo3183/arte-primitiva>. Acesso em: 28 fev. 2017.
UNI
TÓPICO 1 | UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA
7
FIGURA 1 - ERNST LUDWIG KIRCHNER. CINCO MULHERES NA 
RUA, 1903. ÓLEO SOBRE TELA. 1,20 X 90 CM. WALLRAF-RICHARTZ-
MUSEUM, COLÔNIA
FONTE: Proença (2011, p. 251)
Em cinco mulheres na rua, tela de Ernst Kirchner, um tema 
aparentemente ingênuo também é tratado de uma forma inquietante. 
Cinco figuras femininas são representadas com roupas elegantes e 
parecem imobilizadas numa calçada, observando possivelmente a 
vitrine de uma loja. As extremidades de suas figuras são alongadas 
nas linhas dos sapatos e nos enfeites dos chapéus, o que lhes confere 
um ar arrogante, reforçado pela expressão dura do rosto. Além disso, a 
cena como um todo enfatiza a sugestão de aspereza e de dificuldade de 
comunicação no relacionamento entre os seres humanos (PROENÇA, 
2011, p. 251-252).
Kirchner queria que a arte alemã fosse uma ponte para o futuro, através 
da qual fossem expressas “[...] convicções íntimas de modo sincero e espontâneo” 
(BECKETT, 1997, p. 341).
Outro aspecto importante que se destaca neste movimento é a revivescência 
das artes gráficas, representada principalmente pela xilogravura. Seu destaque dá-
se em drásticos contrastes de preto e branco, formas cruas e linhas quebradas, que 
expressam as doenças da alma.
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
8
FIGURA 2 - KATHE KOLLWITZ. MORTALIDADE INFANTIL, 1925. LIBRARY 
OF CONGRESS, WASHINGTON
FONTE: Strickland (2004, p. 142)
Kathe Kollwitz (1867-1945) se concentrava em temas pacíficos e no sofrimento 
dos pobres, usando formas rígidas e linhas ásperas para expressar a tragédia da pós-
guerra. “Mortalidade infantil evoca o desespero de uma mãe diante da morte do 
bebê, através do intenso negror da xilogravura” (STRICKLAND, 2004, p. 142).
O Expressionismo foi tanto uma reação ao Impressionismo, como também ao 
Positivismo e ao Naturalismo. Com o Expressionismo a proposta era produzir uma arte que 
resultasse nos sentimentos, na visão interna do artista, em suma, da “expressão”.
Um dos pintores mais representativos desse movimento também foi 
Edvard Munch (1863-1944), que, por meio da obra a seguir, conduz o olhar do 
espectador para observar os temas que sensibilizaram os artistas expressionistas.
UNI
TÓPICO 1 | UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA
9
FIGURA 3 - EDVARD MUNCH. O GRITO, 1893. 91 X 73 CM. GALERIA 
NACIONAL, OSLO
FONTE: Strickland (2004, p. 123)
Sua obra mais famosa, “O Grito”, representa o medo intolerável de 
perder a razão. Nesse quadro, cada linha oscila, se agita, trazendo 
ritmos turbulentos, sem sossego para o olho. Acima do fiorde azul-
negro, Munch escreveu sobre “O Grito”: “pairam nuvens vermelhas 
como sangue, vermelhas como línguas de fogo”. O quadro ficou tão 
famoso que hoje é praticamente um clichê de alta ansiedade, mas 
quando a pintura apareceu causou tanto tumulto que a exposição foi 
fechada (STRICKLAND, 2004, p. 123).
Este artista norueguês que inspirou o movimento expressionista alemão 
passou pelo Impressionismo e Pós-impressionismo, buscando carregar em suas 
pinturas e gravuras o medo e a ansiedade, que tanto influenciavam sua vida.
Munch fez inúmeros trabalhos voltados a temáticas que exploravam 
as emoções extremas, como ciúmes, desejos sexuais e solidão. Este artista é 
considerado o precursor do Expressionismo, que é definido como o estilo que 
retrata as emoções por meio da distorção de formas e cores.
O Expressionismo também pode se caracterizar como deformação 
sistemática da realidade, demonstrando o pessimismo do artista em relação ao 
mundo, é “[...] caracterizado por cores intensas e simbólicas e imagens exageradas, 
tendia a abordar os aspectos mais sombrios e sinistros da alma humana” (HAUSER, 
1998, p. 340).
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
10
4 ARTISTAS CONSAGRADOS DO INÍCIO DO SÉCULO XX: 
MATISSE E PICASSO
Se nos primeiros 50 anos do século XX a arte fosse reduzida a dois pintores, 
estes seriam: Pablo Picasso (1881-1973) e Henri Matisse (1869-1954). Nas palavras 
de Picasso, seriam o “Polo Norte e o Polo Sul” da arte. Estes dois artistas foram 
completamente opostos no predomínio das características pictóricas, porém se 
aproximavam na forma distinta de revolta contra o Realismo. Picasso compreendia 
a distorção da realidade por meio da forma, enquanto Matisse representava através 
das cores. No Cubismo, Picasso quebrou as formas para recombiná-las de novas 
maneiras. Matisse, não para descrever a forma, mas para expressar o sentimento, 
desencadeou uma revolução cromática (STRICKLAND, 2004, p. 134).
Matisse acreditava que “a cor não nos foi dada para imitar a natureza, mas 
para expressar nossas próprias emoções”. Contudo, a reação do público contra 
suas primeiras aparições de obras foi bastante violenta, o artista impediu a própria 
esposa de visitar suas exposições.Um visitante indignado exclamou: “Isso não é 
uma mulher, é um quadro!” Matisse então respondeu que essa era realmente a 
ideia (STRICKLAND, 2004, p. 134).
FIGURA 6 - HENRI MATISSE. MADAME MATISSE OU A LINHA VERDE, 
1905. ÓLEO SOBRE TELA, 40,5 CM X 32,5 CM
FONTE: Matisse (2011, p. 68)
“A preciosidade das cores, a simplificação dos traços (a sobrancelha é uma 
meia-lua, o nariz é reduzido às narinas), a frontalidade e a amplitude do busto que 
toma toda a superfície pictórica conferem ao retrato uma gravidade hierática, uma 
aura sagrada” (MATISSE, 2011, p. 69).
TÓPICO 1 | UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA
11
Trabalhando de 12 a 14 horas por dia, Matisse procurou expor em suas 
obras o que era essencial do tema, com uma habilidade magnífica em simplificar a 
forma e condensar as emoções.
Segundo Strickland, (2004, p. 134), “essa foi a premissa básica da arte e 
da pintura no século XX: a arte não representa, mas reconstrói a realidade. Como 
disse o cubista Georges Braque (1882-1963), é um erro imitar o que se quer criar”.
Matisse, ao contrário de Picasso, apresentava, por meio de suas pinturas, a 
vida de maneira alegre, ignorando os tempos difíceis em que eles viviam em meio a 
violentas guerras, assassinatos, revoltas e tantas controvérsias políticas e sociais. Talvez 
seja porque Matisse acreditava que a arte tinha o papel de dar prazer ao espectador.
Matisse tinha formação em direito, mas foi na arte que ele buscou 
inspiração para sua vida. Sem o apoio da família, pois eles acreditavam que ele 
não conseguiria se sustentar quando optou em ser pintor. Ele se transformou no 
maior representante do movimento fauvista.
 
Nos últimos anos de sua vida, em meio ao leito, dedicou-se a pintar o teto 
do seu quarto e a fazer enormes colagens.
FIGURA 7 - HENRI MATISSE. LES BÊTES DE LA MER, 1950. 
WASHINGTON
FONTE: Strickland (2004, p. 135)
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
12
Mesmo nos recortes e colagens aparecem os elementos característicos de seu 
estilo, com formas sugestivas e cores vivas. Matisse relata que “trabalhou anos para 
que as pessoas dissessem: parece tão fácil fazer!” (STRICKLAND, 2004, p. 135).
Já Picasso, durante os seus 91 anos de vida, fez aproximadamente 50 mil 
trabalhos, sendo considerado o mais prolífero artista ocidental de todos os tempos. 
Teve notável participação na criação do movimento artístico conhecido como 
Cubismo, isto porque desde muito cedo já sabia desenhar com precisão fotográfica. 
Picasso aprendeu a desenhar antes de aprender a falar. 
Sua principal fonte de inspiração foram as mulheres, e ele percorreu 
diferentes movimentos artísticos, porém suas obras são consideradas 
autobiográficas, ou seja, são como se fossem parte do seu diário de vida, projetado 
por diferentes fases:
a. Fase azul: que acontece entre os anos de 1901-4, e ficou conhecida desta forma 
devido à utilização de cores frias e do azul cobalto e índigo. Os quadros, neste 
período, projetam a melancolia em que Picasso se encontrava, isto porque ele 
ainda não era reconhecido como artista. 
b. Fase rosa: neste momento Picasso vai a Paris, onde consagra sua carreira na 
França. Também conhece seu primeiro amor, Fernande Olivier, e a sua depressão 
desaparece. Esta fase, que vai de 1905-6, apresenta cores rosadas e tons de terra, 
mostrando o romantismo e o sentimentalismo.
FIGURA 8 - PABLO PICASSO. VELHO GUITARRISTA, 1903. 
ÓLEO SOBRE MADEIRA. 121 X 92 CM. INSTITUTO DE ARTE DE 
CHICAGO, EUA
FONTE: Picasso (2011, p. 54)
TÓPICO 1 | UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA
13
FIGURA 9 - PABLO PICASSO. FAMÍLIA DE ACROBATAS COM 
MACACO, 1905. TÉCNICA MISTA SOBRE PAPEL. 104 X 75 CM. 
GOTEMBURGO, SUÉCIA
FONTE: Picasso (2011, p. 64)
Assista ao filme:
Filme: Os amores de Picasso
Gênero: Comédia dramática
Duração: 125 min.
Lançamento: 1996.
Distribuidora: Não definida.
O filme traz a trajetória deste criativo artista, fazendo com 
que a sociedade da época (1922) volte os olhares para ele.
d. Fase negra: por volta de 1907, Picasso incorporou em seus trabalhos a inspiração 
das máscaras africanas, quando criou a obra “Les Demoiselles d’Avignon”, que 
representou a ruptura para uma arte que privilegiasse a forma geométrica.
UNI
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
14
FIGURA 10 - PABLO PICASSO. LES DEMOISELLES D’AVIGNON, 1907. ÓLEO 
SOBRE TELA. 245 X235 CM. MUSEU DE ARTE MODERNA DE NOVA YORK
FONTE: Picasso (2011, p. 72).
Nesta obra “As senhoritas de Avignon”, que representa a cena de um bordel de 
Barcelona, considerada por alguns críticos de arte como verdadeiramente a primeira 
obra do século XX, parece que os cinco nus foram despedaçados e recompostos em 
planos facetados. “Pinto o que sei”, dizia Picasso, “não o que vejo”. Inspirado pelas 
formas geométricas de Paul Cézanne (1839-1906), Pablo Picasso quebrou a realidade 
em lâminas, representando realidades múltiplas de um objeto vistas de frente, de 
lado e de trás simultaneamente (STRICKLAND, 2004, p. 137).
Para o artista Gauguin os fauvistas haviam descoberto o apelo estético da 
escultura da África e da Oceania; no entanto, foi Picasso, mais do que eles, quem 
usou a arte primitiva como um elemento contra a concepção clássica de beleza. 
Não somente as proporções, mas também a integridade orgânica e a continuidade 
do corpo humano são negadas aqui, de modo que a tela (nas palavras precisas 
de um crítico) “assemelha-se a um campo de vidro quebrado”. [...] as Senhoritas 
não podem mais ser lidas como uma imagem do mundo exterior; elas têm o seu 
próprio mundo, análogo à natureza, mas construído segundo princípios diferentes 
(JANSON, 2009, p. 365-367).
TÓPICO 1 | UM NOVO MOMENTO NA HISTÓRIA DA ARTE: ARTE MODERNA
15
Uma de suas obras mais importantes, que expressa a mais forte denúncia 
de horror ocorrida em uma guerra, talvez tenha sido a obra intitulada “Guernica”, 
que representa a Guerra Civil Espanhola. 
Picasso incorporou certos elementos do desenho para criar um efeito 
de angústia. Usou uma nuance branco-cinza para enfatizar o desespero 
e distorcer propositalmente as figuras para transmitir violência. As 
linhas quebradas e os planos fragmentados do Cubismo denotam terror 
e confusão, enquanto o formato em pirâmide segura a unidade da 
composição. Alguns símbolos de Picasso, como o guerreiro morto com 
a espada quebrada, implicando derrota, não são difíceis de decifrar. A 
única explicação de Picasso para outros símbolos era: o touro não é o 
fascismo, mas a brutalidade e a escuridão... o cavalo representa o povo 
(STRICKALAND, 2004, p. 137).
Esta obra representa o massacre de uma cidade chamada Guernica, onde, 
em apenas três horas, milhares de pessoas foram mortas e feridas. 
Picasso buscou expressar por meio das pinturas, esculturas e também 
gravuras o que ele queria ver, sem a preocupação de agradar ou de fazer com que 
outras pessoas entendessem.
FIGURA 11 - PABLO PICASSO. GUERNICA, 1937. ÓLEO SOBRE TELA. 3,49 X 7,76 CM. MUSEU 
NACIONAL CENTRO DE ARTE RAINHA SOFIA, MADRI
FONTE: Picasso (2011, p. 112)
16
Neste tópico você estudou que: 
	A arte moderna surge em virtude de vários acontecimentos sociais, que 
estimulam a criação de diferentes movimentos artísticos, os quais tinham 
como propósito romper com padrões estéticos estabelecidos até então. Uma 
das principais rupturas ocorridas foi a de que a arte não deveria mais imitar a 
natureza e a realidade. Também rompeu com a ideologia de que a arte deveria 
reproduzir um padrão de beleza. A partir da arte moderna, os artistas criaram 
suas próprias regras e estabeleceram um novo fazer artístico, que estava pautado 
na sua essência.
 O primeiro movimento modernista foi o Expressionismo, criado na Alemanha, 
entre os anos de 1904 e 1905, em reação ao Impressionismo. O Expressionismo 
buscou expressar as sensações e emoções humanas, procurando interpretar as 
angústias que caracterizaram psicologicamente o homem no início do século XX 
e também o próprio artista.
 Já o Simbolismo foi um movimentoartístico e literário que influenciou 
movimentos posteriores, como o Surrealismo. Neste estilo, a arte ganhou um 
novo significado, ou seja, foi descartado o mundo do visível, das aparências, em 
favor do mundo interior, o da fantasia.
 Com relação aos artistas de destaque nos primeiros 50 anos do século XX, 
pode-se citar Pablo Picasso, que representou o Cubismo, e Henri Matisse, que 
foi precursor do movimento fauvista. Estes dois artistas foram completamente 
opostos no predomínio das características pictóricas, porém se aproximavam na 
forma distinta de revolta contra o Realismo. Picasso compreendia a distorção da 
realidade por meio da forma, enquanto Matisse representava sua arte através 
das cores. 
RESUMO DO TÓPICO 1
17
1 Analise as sentenças que tratam da vida e obras do artista Pablo Picasso:
I - Picasso é um dos principais artistas das vanguardas europeias do século XX, 
que rompeu com diversos padrões de representação artística anterior.
II - Picasso interpretou e representou, em várias de suas obras, os horrores da 
guerra.
III - Picasso retratou a execução de Maximiliano de Habsburgo, nobre austríaco 
que se tornara imperador do México.
IV - Picasso não negou a contribuição dos mestres do passado, admirando 
obras de artistas como Goya, Diego Velázquez e El Greco.
Com relação às sentenças acima é CORRETO afirmar que:
( ) Apenas a alternativa II está correta.
( ) As alternativas II e IV estão corretas.
( ) As alternativas I, II e IV estão corretas.
( ) Todas as alternativas estão corretas.
I – Na obra de Matisse existe uma preocupação com a ordem dos elementos, 
ou seja, linha e cor devem estar organizados a fim de oferecer ao espectador a 
sensação de harmonia.
II – Matisse acreditava fortemente na expressão individual que se materializava 
na composição de uma pintura, portanto, cada artista teria regras próprias.
III – As obras de Matisse seguem um princípio de sofisticação, mas aparentemente 
de grande simplicidade.
IV – As cores usadas por Matisse eram usadas com base em regras inventadas 
conforme as sensações provocadas durante a criação da obra.
Com relação às sentenças acima é CORRETO afirmar que:
( ) Apenas a alternativa III está correta.
( ) As alternativas III e IV estão corretas.
( ) As alternativas I e III estão corretas.
( ) Todas as alternativas estão corretas.
AUTOATIVIDADE
2 Para Matisse (apud CHIPP, 1996, p. 139), “o pintor escolhe a sua 
cor na intensidade e na profundidade que lhe convém, como o 
músico escolhe o timbre e a intensidade de seus instrumentos. A 
cor não governa o desenho, harmoniza-se com ele”. De acordo com 
esta reflexão, analise as sentenças que tratam das características 
das obras do artista Matisse:
18
19
TÓPICO 2
MOVIMENTOS VANGUARDISTAS 
DO INÍCIO DO SÉCULO XX
UNIDADE 1
1 INTRODUÇÃO
A partir deste tópico serão apresentados vários movimentos artísticos 
que foram considerados vanguardas nas duas primeiras décadas do século XX, 
destacando suas características, bem como suas similaridades, para compreender 
o impacto desses movimentos no mundo da arte moderna.
Nos primeiros anos do século XX, entre 1901 e 1906, aconteceram em 
Paris várias exposições que deixaram em evidência diversas obras dos artistas 
Cézanne, Gauguin e Van Gogh. Muitos artistas que visitaram estas exposições e 
visualizaram as obras destes mestres foram influenciados por uma nova concepção 
de arte. A partir deste momento criaram-se vários movimentos artísticos que 
foram denominados de modernistas. Entre as correntes artísticas, destacam-se os 
movimentos conhecidos como Fauvismo, Cubismo, Abstracionismo, Futurismo, 
Construtivismo, Suprematismo, bem como a Escola de Bauhaus. 
Estes movimentos marcam a arte moderna com o uso das cores, da abstração 
da forma e da liberdade de expressão.
2 FAUVISMO
Antes de iniciar os estudos sobre o movimento, vamos observar a imagem 
a seguir:
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
20
Ao analisar a obra, é importante observar aspectos sobre as cores usadas, 
ou seja, como a cor influencia a percepção de quem a aprecia?
Com o intuito de mostrar a intensidade das cores, em 1905, em Paris, 
durante a realização do Salão de Outono, alguns jovens pintores expuseram seus 
trabalhos e foram chamados pelo crítico de arte Louis Vauxcelles de “fauves”. 
Assim, a palavra fauvismo vem do francês fauves, que em português significa 
“feras”. Os fauvistas foram assim denominados por usarem as cores puras, sem 
misturá-las ou matizá-las (PROENÇA, 2011, p. 252).
Pode-se afirmar que o movimento fauvista tem como princípio o uso 
das cores puras, ou seja, usa exatamente o que está na bisnaga de tinta, sem a 
preocupação de torná-las mais suaves. Outro aspecto está na simplicidade das 
formas, isto significa que as figuras que os artistas reproduzem não são consideradas 
realistas como uma fotografia.
Os temas abordados pelos artistas expressam a emoção e a alegria, por 
meio, principalmente, da representação de pessoas e de natureza morta. 
O principal artista do movimento fauvista é Henri Matisse (1869-1954). 
“Em suas obras, as coisas representadas são menos importantes do que a maneira 
de representá-las” (PROENÇA, 2011, p. 252). 
FIGURA 12 - MAURICE VLAMINCK. INTERIOR DE COZINHA, 1904. 0,56 
CM X 0,45 CM. PARIS, MUSEU NACIONAL DE ARTE MODERNA
FONTE: Argan (1992, p. 233)
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
21
FIGURA 13 - HENRI MATISSE. NATUREZA-MORTA COM PEIXES VERMELHOS, 
1911. MUSEU DE ARTE MODERNA, NOVA YORK (MOMA)
FONTE: Proença (2011, p. 253)
Para Matisse, em sua composição pictórica eram relevantes grandes campos 
de cores puras, como o amarelo, o azul e o vermelho. Também predominavam 
contornos grossos e ondulados.
“O Fauvismo não é tudo”, comentou Matisse, é apenas o começo de 
tudo. Em termos de permanência, o Fauvismo foi apenas um pontinho 
na tela do mundo da arte: durou de 1904 a 1908. Contudo, sendo o 
primeiro movimento importante de vanguarda no século XX, explodiu 
a era moderna (STRICKLAND, 2004, p. 130).
Matisse propõe o uso de grandes áreas chapadas, com a preocupação de 
carregar a expressividade. Isto não foi nada convencional para a época, provocando 
uma análise perturbadora, principalmente pelo público, como se as obras não 
estivessem acabadas ou como se tivessem sido feitas por pessoas sem formação. 
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
22
FIGURA 14 - HENRI MATISSE. A ALEGRIA DE VIVER, 1905-6. 1,74 X 2,38 M. 
COPYRIGHT BARNER FOUNDATION, MERION. PENNSYLVANIA
FONTE: Janson (2007, p. 941)
A obra acima é percebida por muitos críticos de arte como a sintetização do 
espírito fauvista. “O que torna o quadro tão revolucionário é a sua simplicidade 
radical, o seu gênio de omissão: tudo o que podia ser omitido foi deixado de fora 
ou só referido implicitamente, e, no entanto, a cena contém o essencial da forma 
plástica e da profundidade espacial” (JANSON, 2007, p. 940).
Fauvistas como André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876- 1958), 
Othon Friesz (1879-1949) e Henri Matisse (1869-1954) não foram aceitos logo de início, 
quando apresentaram as suas obras. Mas isto logo ficou sem relevância, pois o objetivo 
do movimento era justamente a busca de outras estéticas além da tradição europeia.
O artista André-Derain reduziu suas pinceladas a pontos e riscos de 
ardentes cores primárias, eliminando as linhas e a distinção entre luz e sombra. 
FIGURA 15 - ANDRÉ-DERAIN. BIG BEM, 1905. TROYES, COLEÇÃO PARTICULAR
FONTE: Strickland (2004, p. 131)
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
23
Conheça as principais informações sobre o movimento:
Local: França
PERÍODO: 1904-8
MESTRES: Matisse, Derain, Vlaminck, Dufy, Rouault, Braque.
MARCAS: Cores intensas, fortes e explosivas; formas e perspectiva distorcidas; pinceladas 
vigorosas; motivos chapados, lineares; tela nua como parte do desenho completo.
TRADUÇÃO DO NOME: Animal selvagem.
Os artistas do estilo fauvista se embriagaram com cores vibrantes colocadas 
comextremo exagero distorcendo a representação, e logo se interessaram na ênfase 
dada por Cézanne na infraestrutura da obra, o que resultou na origem de outro 
movimento: o Cubismo. 
3 CUBISMO
O Cubismo é considerado um dos movimentos mais influentes e 
revolucionários da história da arte, tendo seu início em 1907, em Paris. Como já 
foi mencionado anteriormente, os artistas do cubismo tiveram sua inspiração nas 
obras de Paul Cézanne. 
Entretanto, os cubistas foram mais longe que Cézanne. Passaram a 
representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É 
como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados 
no plano frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de 
decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com 
a aparência real das coisas. Significa, em suma, o abandono da busca da 
ilusão da perspectiva ou das três dimensões dos seres, tão perseguidos 
pelos renascentistas (PROENÇA, 2011, p. 254). 
Dentre os artistas do movimento, destacam-se Juan Gris (1887-1927), Pablo 
Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963). 
Analise as duas imagens que abordam o tema natureza-morta, uma do 
movimento cubista e a outra do período do Rococó:
UNI
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
24
FIGURA 16 - PABLO PICASSO. NATUREZA-MORTA COM GUITARRA, 1922. 
ÓLEO SOBRE TELA, COLOR, 83 CM X 102,5 CM. COLEÇÃO ROSENGART, 
LUCERNA
FONTE: Disponível em: <http://artepela-arte.blogspot.com.br/2011/03/
natureza-morta-com-guitarra-picasso.html>. Acesso em: 18 jan. 2017.
FIGURA 17 - LUIS EUGENIO MELÉNDEZ. NATUREZA-MORTA COM 
AMEIXAS, FIGOS, PÃO E PEIXE, 1770. ÓLEO SOBRE TELA, COLOR, 34 CM X 
48 CM. MUSEU DO PRADO, MADRI
FONTE: Disponível em: <https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Natura_
morta_amb_prunes,_figues_i_pa.jpg>. Acesso em: 18 jan. 2017.
Mesmo que as duas obras representam o mesmo tema, você percebe 
diferenças entre elas? Em qual delas a ilusão de tridimensionalidade está ausente 
e qual aspecto faz com que percebamos esta ausência?
Estes artistas, ao decompor os objetos no mesmo plano, abandonam a 
ideia de perspectiva, como se o artista, ao se movimentar, captasse todas as faces 
representadas de uma só vez e à sua maneira.
Para isso se usou composições fundamentadas na estrutura do objeto 
representado, simplificando sua natureza visual. Ficou marcado pela 
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
25
fragmentação e justaposição das figuras usando de geometrismo. 
Procuravam construir algo, em vez de copiar a imagem vista (MATTOS, 
2003, p. 62-63).
O cubismo se dividiu em duas fases:
a. Cubismo analítico: entre os anos de 1907 a 1911 desenvolveu a primeira fase, 
conhecida como analítica. Esta fase propôs analisar as formas dos objetos, 
partindo-os em fragmentos e espalhando-os pela tela. Picasso e Braque 
trabalharam com uma gama quase monocromática, usando apenas marrom, 
verde e mais tarde cinza, a fim de analisar a forma sem a distração das cores 
(STRICKLAND, 2004, p. 138). Essa tendência “[...] chegou a uma fragmentação 
tão grande dos seres, que se tornou impossível o reconhecimento de qualquer 
figura nas pinturas cubistas” (PROENÇA, 2011, p. 254). Analise a imagem a 
seguir, que caracteriza a fragmentação da forma:
FIGURA 18 - GEORGES BRAQUE. VIOLINO E CÂNTARO, 1910. ÓLEO 
SOBRE TELA. 1,17 CM X 73,5 CM. MUSEU DE ARTE, BASILEIA
FONTE: Proença (2011, p. 254)
b. Cubismo sintético: passado o período de fragmentação dos objetos e a quase 
destruição das estruturas geradas pelo Cubismo analítico, as figuras agora se 
tornam novamente reconhecíveis. Esta fase durou entre 1912 a 1914, justamente 
com o pintor Juan Gris. Esse movimento foi chamado também de colagem, 
porque introduzia letras, números, pedaços de madeira, entre outros materiais 
possíveis. A ideia era criar novos efeitos plásticos e ampliar o limite das sensações 
visuais. E ainda que “[...] tenha havido uma certa recuperação da imagem real 
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
26
dos objetos, isso não significou o retorno a um tratamento realista do tema. Foi 
mantido o modo característico de o cubismo apresentar simultaneamente as 
várias dimensões de um objeto” (PROENÇA, 2011, p. 254). Analise a imagem a 
seguir que trata das características do Cubismo sintético:
FIGURA 19 - JUAN GRIS. NATUREZA-MORTA COM FRUTEIRA E GARRAFA 
D´AGUA, 1914. COLAGEM, 0,92 CM X 0,65 CM. OTTERLO, RIJKSMUSEUM 
KROLLER-MULLER
FONTE: Argan (1992, p. 437)
Evidentemente que não foram somente Picasso, Braque e Gris que viveram 
o Cubismo, outros artistas também deixaram a sua marca nesse movimento, 
tal como Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Roger de La 
Fresnaye (1885-1925), entre outros. No caso de Fernand Léger, a partir de 1911, ano 
em que conheceu Braque e Picasso, suas obras sofreram forte influência cubista, 
gênero no qual Léger trabalhou e aplicou por quase toda sua carreira artística.
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
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FIGURA 20 - FERNAND LÉGER. A CIDADE, 1919. 2,31 X 2,98 M. THE 
PHILADELPHIA MUSEUM OS ART
FONTE: Janson (2007, p. 966)
A obra “A Cidade” se refere a uma paisagem industrial que mostra as formas 
geométricas da maquinaria moderna tendo ligação com o movimento do Futurismo.
O Cubismo durou como forma pura de 1908 a 1914, recebendo este nome 
a partir de uma análise pejorativa de Matisse, que ao ver uma obra de Braque, 
resumiu-a em cubinhos. Seus principais temas estavam ligados à natureza-morta, 
nus e retratos. 
3.1 AS COLAGENS CUBISTAS
A técnica da colagem consiste em fragmentos de materiais que são 
recortados e colados formando uma imagem. Esta técnica pode ser feita usando 
diferentes materiais prontos, como papel texturizado, jornal, papelão, revista, 
tecido, entre outros. A colagem, que tem seu nome vindo do francês coller, que 
significa colar, no meio artístico, consiste em uma criação de imagem feita pelo 
artista com materiais prontos.
A técnica da colagem passou de uma mera brincadeira feita para decorar 
álbuns, para uma mídia de vanguarda. O surgimento desta prática tem ligação 
com as obras dos artistas Picasso e Braque a partir de 1912.
Em harmonia com a anterior reformulação da pintura por parte de 
Braque e Picasso, a colagem era basicamente um jeu d’esprit levado à 
sua conclusão lógica. Conforme observou o pintor e teórico Maurice 
Denis em 1890, a pintura não era essencialmente uma representação 
da realidade, mas um objeto feito de tinta. A colagem deu um passo 
adiante, montando imagens não de tinta, mas de pedaços da realidade 
que a tinta havia séculos fora cooptada para representar. Por que pintar 
um jornal, como Degas fez em Mercado do Algodão (1873), quando 
você podia importá-lo diretamente para sua obra? (BIRD, 2012, p. 145).
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
28
A primeira obra com colagem que foi evidenciada como igual à pintura 
foi a obra de Picasso, em 1912, intitulada como Natureza morta com cadeira de palha. 
Vamos visualizar um exemplo de colagem:
FIGURA 21 - GEORGES BRAQUE. LE COURRIER, 1913
FONTE: Bird (2012, p. 144)
Braque fez sua colagem combinando materiais encontrados com desenho a 
carvão (BIRD, 2012. p. 144). É importante destacar que a colagem cubista preferia 
os tons suaves, como os tons pastel.
Mas, além dos artistas cubistas que criaram obras envolvendo a colagem, 
Henri Matisse, do fauvismo, também fez inúmeros trabalhos em que integrou a 
preocupação da cor e da forma nesta técnica. Em seus trabalhos ele conseguiu 
manipular as cores por meio das colagens semiabstratas.
4 FUTURISMO
Uma década após o surgimento do Cubismo, o mundo começa a 
testemunhar muitas mudanças tecnológicas, transformando a vida agrária em 
industrial e, consequentemente, a vida rural vai se transformando em urbana. 
Também se vivencia a Primeira Guerra Mundial, quando a Europa passa por um 
caos político, e a Revolução Russa de 1917, que exigiu a destruição de tudo o que 
pertencia ao antigo regime. Em meio a estas situaçõespolíticas e sociais, os artistas 
procuraram descobrir novas formas de se expressar artisticamente, adaptando as 
formas do Cubismo (STRICKLAND, 2004, 139).
Desta forma, surge o Futurismo como um movimento literário no ano de 
1909. Este movimento teve seu início com o lançamento do manifesto feito pelo 
poeta Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), que desafiou os artistas a mostrarem 
coragem, audácia e revolta em comemoração a uma nova beleza, que, segundo ele, 
era a beleza da velocidade, devido ao novo mundo em que todos estavam vivendo 
com tecnologia e a industrialização.
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
29
O artista que mais se identificou com este estilo foi Umberto Boccioni (1882-
1916), que recusou a arte acadêmica e pintou o novo, fruto da idade industrial, em 
que expressou a nova concepção de tempo, espaço e energia.
FIGURA 22 - UMBERTO BOCCIONI. FORMAS ÚNICAS DE 
CONTINUAÇÃO NO ESPAÇO, 1913. MOMA, NOVA YORK
FONTE: Strickland (2004, p. 139)
Esta escultura, que evidencia uma figura andando a passos largos, 
representa a força e o dinamismo da vida moderna. Boccioni “consegue evocar 
as características específicas da experiência humana” (JANSON, 2007, p. 959-960).
Além de Boccioni, destacam-se Giocomo Balla (1871-1958), Carlo Carrà 
(1881-1966), Luigi Russolo (1885-1947) e Gino Severini (1883-1966). Estes artistas 
combinavam as cores fortes do fauvismo com os planos fraturados do Cubismo, 
com o objetivo de expressar propulsão.
FIGURA 23 - GIOCOMO BALLA. VELOCIDADE ABSTRATA – O CARRO PASSOU, 
1913. ÓLEO SOBRE TELA. 50 CM X 65 CM. TATE GALLERY, LONDRES
FONTE: Proença (2011, p. 266)
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
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Como característica das obras futuristas observa-se a utilização de linhas 
retas e curvas, bem como a expressão do movimento e da energia. O nome Futurismo 
sugere a exaltação do futuro e, consequentemente, do advento da mecanização e 
da velocidade, que segundo Proença (2011, p. 266) significa “o movimento veloz 
das máquinas, que provoca a superação do movimento natural”. 
A produção industrial em massa alterou radicalmente a relação entre 
as pessoas e os objetos que elas faziam e usavam. Para alguns artistas, 
a maquinaria industrial tinha aparência demoníaca e inumana. Outros 
– inclusive os futuristas italianos, que faziam uma arte que celebrava 
a estética da Era das Máquinas – achavam irresistível a força das 
máquinas e suas formas elegantemente projetadas (BIRD, 2012, p. 146).
Mas o maior líder deste movimento, o artista Boccioni, sofreu um acidente 
enquanto cavalgava e morreu aos 34 anos. Com isso, o Futurismo, que exaltou a 
beleza das máquinas, se apagou rapidamente.
5 ABSTRACIONISMO
O surgimento do Abstracionismo tem ligação com a concepção estética 
do movimento expressionista, isto porque foi um estilo surgido em Dresden, na 
Alemanha, em 1905. Esse primeiro grupo expressionista, chamado também de Die 
Brücke (A Ponte) se desfez em 1913, momento em que já fora sucedido pelo Der 
blaue Reiter, que significa “O cavaleiro azul”. Esse, por sua vez, se tornaria o ponto 
alto do Expressionismo alemão, ao mesmo tempo em que “[...] abriu caminho para 
a abstração, ao defender o experimentalismo e a originalidade. Foi atribuída a 
Wassily Kandinsky (1866-1944), membro mais influente do grupo, a distinção de 
haver pintado, em 1910, o primeiro quadro ‘abstrato’ (BECKETT, 1997, p. 353). 
Esta descoberta aconteceu por acaso, quando Kandinsky entrava em seu 
estúdio. Ele se confrontou com um quadro que chamou sua atenção e parou 
para realizar a apreciação. O quadro, para sua surpresa, não representava objeto 
algum e também não identificava tema. Era composto por manchas de tinta. 
De repente ele percebe que este quadro era seu, mas estava virado de lado no 
cavalete. Neste instante, Kandinsky percebe que a cor poderia despertar emoção 
independentemente do conteúdo (STRICKLAND, 2004, p. 143). Foi neste momento 
que ele abandonou completamente o Realismo.
Para Kandinsky, “a pintura é uma arte e a arte é a inútil criação das coisas 
que desaparecem no vazio, mas é uma força que tem um fim e deve servir ao 
desenvolvimento e sofisticação da alma” (KANDINSKY, 2011, p. 20). Kandinsky 
desenvolve várias pesquisas em suas obras usando as cores primárias.
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
31
FIGURA 24 - WASSILY KANDINSKY. AMARELO, VERMELHO E AZUL, 1925. ÓLEO SOBRE 
TELA. 127 X 200 CM. MUSEU DE ARTE MODERNA, PARIS
FONTE: Kandinsky (2011, p. 108)
Assim, o Abstracionismo constituiu-se em 1911 e dele faziam parte, entre 
outros: Franz Marc (1880-1916), Wassily Kandinsky (1866-1944) e August Macke 
(1887-1914). O Cavaleiro Azul não tinha um programa artístico definido, mas 
celebrava “[...] a arte das crianças e dos primitivos” (BECKETT, 1997, p. 353). O 
principal defensor desse modelo foi Franz Marc, que morreu na Primeira Guerra 
Mundial aos 36 anos. O nome, “O Cavaleiro Azul” (Der Blaue Reiter),
Foi o nome dado em 1911 a um grupo de artistas expressionistas de Munique 
por seus dois membros mais importantes, Franz Marc e Wassily Kandinsky. 
Duas mostras de pinturas do grupo saíram em turnê pela Alemanha; nelas, 
além de Marc, Kandinsky e Macke, estavam representadas obras de artistas 
como Klee e Braque (BECKETT, 1997, p. 353).
Segue um exemplo da obra do artista alemão Franz Marc, que em grande 
maioria retratou animais. 
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
32
Na sua tela, o artista mostra cavalos simbolizando a força e a cor utilizada 
de forma intensa como uma metáfora sexual com a temática da força vital da 
natureza. Neste momento, ainda era perceptível a referência figurativa. 
Mas foi em 1931 que este movimento ficou conhecido como criação 
abstrata. A arte abstrata pode ser definida como não objetiva, sendo que a principal 
característica da pintura abstrata é a ausência de relação imediata entre suas formas 
e cores e as formas e cores de um ser. Por isso, uma tela abstrata não representa 
nada da realidade que nos cerca, nem narra figurativamente alguma cena histórica, 
literária, religiosa ou mitológica (PROENÇA, 2011, p. 260). 
Foi a partir de então que se percebe com mais nitidez as formas abstratas 
nos trabalhos artísticos. “A arte abstrata é um termo livremente aplicado a qualquer 
tipo de obra que não pareça representar a realidade observável. Como antônimo 
do termo representacional, o abstrato inclui todos os tipos de padrões e formas” 
(BIRD, 2012, p. 148).
Entretanto, firmaram-se no Abstracionismo duas tendências:
Abstracionismo informal: essa tendência busca um expressionismo 
abstrato, sensível e emotivo. Predominam a criatividade e a liberdade da utilização 
das formas e cores, podendo ter associação com elementos naturais. Os artistas 
adeptos ao Abstracionismo informal se aprofundam em pesquisas cromáticas, 
conseguindo variações espaciais. 
FIGURA 25 - FRANZ MARC. CAVALOS AZUIS, 1913. GALERIA 
NACIONAL DE BERLIN, ALEMANHA
FONTE: Disponível em: <http://www.brasilhipismo.com.br/noticias/
os-cavalos-azuis-do-artista-alemao-franz-marc>. Acesso em: 24 jan. 
2017.
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
33
FIGURA 26 - WASSILY KANDINSKY. COMPOSIÇÃO VII, 1913. ÓLEO SOBRE 
TELA. 200 X 300 CM. GALERIA ESTATAL TRET’ JAKOV, MOSCOU
FONTE: Kandinsky (2011, p. 23)
b. Abstracionismo geométrico: nesta tendência predomina o uso das formas 
geométricas em composição com as cores. 
FIGURA 27 - PIET MONDRIAN. COMPOSIÇÃO EM VERMELHO, 
PRETO, AZUL, AMARELO E CINZA, 1920. ÓLEO SOBRE TELA. 52,5 X 
60 CM. STEDELIJK MUSEUM, AMSTERDAM
FONTE: Gombrich (2011, p. 582)
O maior precursor do Abstracionismo geométrico foi o artista holandês 
Piet Mondrian (1872-1974). Este artista busca por meio das cores, das formas 
retangulares e das linhas verticais e horizontais, o equilíbrio da assimetria. 
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
34
Para o artista, “as linhas verticais representavam vitalidade e as horizontais 
tranquilidade” (STRICKLAND, 2002,p. 145). Foi Mondrian quem tentou eliminar 
a emoção da arte. Este artista, juntamente com outros expressionistas holandeses, 
entre 1917 e 1931, criam o que ficou conhecido como “De Stijl”, que significa “O 
Estilo”. Este estilo também era chamado de neoplasticismo, que preconiza uma 
arte completamente não figurativa, este movimento buscou uma arte de pura 
geometria. “O objetivo era criar uma ordem precisa, mecânica, ausente no mundo 
natural” (STRICKLAND, 2002, p. 145). Este estilo contribuiu para a abstração 
absoluta e se tornou o símbolo da arte moderna.
Para concluir, é importante descatar que a "arte abstrata propõe trabalhar 
com as linguagens das cores, das composições e não simplesmente representar o 
que está à nossa frente". (TIRAPELI, 2006, P. 40). Esta arte ganhou aceitação após a 
Segunda Guerra Mundial, devido as mudanças ocorridas e a necessidade de uma 
arte capaz de se comunicar com o olhar.
6 ESCOLA BAUHAUS
A escola Bauhaus foi uma escola de arquitetura e de arte fundada em 
Weimar (Alemanha) por Walter Gropius em 1919. O corpo docente logo de início 
era composto por Paul Klee (1879-1940), Oskar Schlemmer (1888-1943), Josef Albers 
(1888-1976), Johannes Itten 1888-1967), Lyonel Feininger (1871-1956), o arquiteto 
Mies Van der Rohe (1886-1969), além de Wassily Kandinsky. Essa escola foi a 
responsável por estabelecer diretrizes estéticas que se difundiram por vários países 
do Ocidente. Seguia princípios da era funcionalista, na qual imperava a harmonia 
entre forma e função, desprovida de decoração supérflua tanto na arquitetura 
como nos objetos da vida cotidiana. Usava material puro e traço rigorosamente 
econômico e, além disso, possuía um estilo severo e impessoal. Estabeleceu-se 
prolífico relacionamento entre a indústria local e os artistas da escola, “[...] muitos 
produtos como móveis e têxteis, por exemplo, foram ali projetados e depois 
produzidos em larga escala” (BECKETT, 1997, p. 356). 
A Bauhaus abriu o campo para o desenho industrial, revolucionando a 
criação de itens aplicando o mesmo princípio austero e econômico em móveis, 
luminárias, artes gráficas, pesquisas de tecido. Em 1925, a Bauhaus mudou de 
endereço e se estabeleceu em Dessau, também na Alemanha e, em 1932, se muda 
para Berlim, centro do comando nazista, onde encontra o seu fim, isto porque no 
ano seguinte a escola foi fechada pelos nazistas (BECKETT, 1997).
Assimetria significa a ausência da simetria, ou seja, em um desenho os lados da 
imagem são diferentes, são distintos.
UNI
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
35
FIGURA 29 - PAUL KLEE. PARQUE PERTO DE (LUCERNA). 
FUNDAÇÃO KLEE, BERNA
FONTE: Janson (2007, p. 967)
Klee buscava uma arte que se afastava da racionalidade, e para isso 
pesquisou signos a fim de evocar os significados não verbais. “Klee queria que os 
seus sinais impressionassem a nossa percepção como fatos visuais, mas também 
que agissem como gatilhos” (JANSON, 2001, p. 967).
FIGURA 28 - MARCEL BREUER. CADEIRA, 1926. ARTE BAUHAUS
FONTE: Proença (2011, p. 280)
Um dos professores da escola Bauhaus foi o artista alemão Paul Klee, que 
buscou uma arte visível. Suas obras são expressas por meio da cor e da linha. As 
obras de Klee se assimilam com a enganosa simplicidade das obras de Matisse. Em 
suas obras, ele imitava a magia dos sonhos das crianças.
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
36
FIGURA 30 - KAZIMIR MALEVICH. QUADRILÁTERO NEGRO, 1913-15. 0,61 X 
0,43 CM. COPYRIGHT THE GEORGE COSTAKIS COLLECTION, ATENAS
FONTE: Janson (2007, p. 963)
Para Malevich, o Suprematismo seria também um sistema filosófico da cor 
construído no tempo e no espaço, sendo este último intuitivo e tendo conotações 
científicas e místicas (JANSON, 2007, p. 963). Portanto, o quadro “Quadrilátero 
negro” representa a primeira redefinição do tempo e do espaço na arte moderna. 
Para ele, “[...] o objeto em si não tem significado [...] as ideias do consciente nada 
valem”. Malevich ansiava por uma representação não objetiva, ‘a supremacia da 
pura sensação’ (BECKETT, 1997, p. 359). 
7 SUPREMATISMO
O Suprematismo foi um movimento puramente russo e que teve como 
maior representante o artista Kazimir Malevich (1878-1935). Sabe-se que a arte 
moderna teve maior predomínio na França, porém foi na Rússia que despertou um 
dos artistas que também foi considerado o pioneiro na arte abstrata. Ele propusera 
uma arte que estava desprovida de qualquer preocupação com o mundo real e 
natural. O Abstracionismo tornou-se o veículo perfeito para que os pintores 
explorassem e universalizassem ideias e sensações” (BECKETT, 1997, p. 359). 
Malevich, com uma inspiração que lhe veio no ano de 1913, inventou uma imagem 
tão simples, mas ao mesmo tempo tão inovadora, como o “Quadrilátero Negro”:
A escola Bauhaus, que durou apenas 14 anos, tinha como objetivo uma 
formação global, que tratava de aspectos artísticos e artesanais, bem como 
trabalhava a funcionalidade das suas criações.
TÓPICO 2 | MOVIMENTOS VANGUARDISTAS DO INÍCIO DO SÉCULO XX
37
FIGURA 31 - KAZIMIR MALEVICH. COMPOSIÇÃO SUPREMATISMO, 1916. 
FONTE: Disponível em: <https://en.wikipedia.org/wiki/Kazimir_
Malevich#/media/File:Suprematist_Composition_-_Kazimir_Malevich.
jpg>. Acesso em: 26 jan. 2017.
Sua criação queria libertar a arte do objeto, tornando as cores e formas mais 
simplificadas possíveis, com pura abstração. As principais características da obra 
de Malevich podem ser resumidas na fundamentação da linha reta e no uso do 
elemento geométrico básico que é o quadrado, que significa repúdio ao mundo da 
arte do passado.
O apogeu do Suprematismo terminou no início da década de 1920, fazendo 
com que os artistas desse movimento migrassem para outros estilos.
Conheça mais sobre o movimento do Suprematismo, acesse o site: <http://
enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3842/suprematismo>. Acesso em: 28 fev. 2017.
8 CONSTRUTIVISMO
Dentro da arte abstrata se desenvolveu na Rússia, por volta de 1913, o 
movimento construtivista idealizado por Alexander Rodchenko (1891-1956), 
Natalia Goncharova (1881-1962), Olga Rozanova (1886-1918) e Vladmir Tatlin 
(1885-1953), entre outros. Estes artistas levaram a arte a evoluir do representativo 
para o abstrato, criando novas perspectivas para a arte, por meio do design de 
UNI
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
38
FIGURA 32 - VLADIMIR TATLIN. MODELO DO MONUMENTO PARA A 
TERCEIRA INTERNACIONAL, 1920. RECONSTRUÍDA EM 1968 PARA 
UMA EXPOSIÇÃO NO MODERNA MUSEET
FONTE: Strickland (2004, p. 140)
Mais tarde, ele e o artista Rodchenko dedicaram-se ao desenho industrial, 
além de Rodchenko se tornar fotógrafo.
O Construtivismo durou até, aproximadamente, o ano de 1932, e foi 
essencialmente uma arte geométrica, refletindo a tecnologia moderna.
objetos e roupas, pôsteres e até cinema. “O Construtivismo utilizava uma forma de 
representação geométrica, com formas simplificadas e seriadas, que retratava um 
novo ser humano, vivendo em um mundo industrial, rápido e eficiente, habitado 
por pessoas iguais, com os mesmos direitos e deveres” (CANTON, 2010, p. 55).
 
Projetava-se um novo estilo visual, que se estabelecia na simplificação dos 
monumentos arquitetônicos, como uma busca pela abstração que representava a 
vida na indústria e a agitação da sociedade moderna. Sentia-se a necessidade de 
criar algo novo que não se remetesse ao passado. 
O Construtivismo parte do princípio de construir a arte e não o de criar a 
arte. O estilo prescrevia o uso de materiais industrializados como vidro, metal e 
plástico para produzir formas tridimensionais.
Na perspectiva do alinhamento estético entre arte e arquitetura, o artista 
Tatlin, depois da Segunda Guerra Mundial, projetou um monumento para 
exposições e congressos com o propósito de simbolizar o momento e o ilimitado 
potencial da União Soviética, como mostra a imagem a seguir: 
39
RESUMO DO TÓPICO 2
Neste tópico foram estudados alguns movimentos artísticos surgidos no 
início do século XX:
 O movimentoartístico chamado de Fauvismo, que significa feras, foi criado em 
1905, em Paris. Teve como objetivo mostrar em suas obras a intensidade das cores 
por meio do uso das cores puras, como também se caracteriza pela simplicidade 
das formas. Os temas abordados pelos artistas expressam a emoção e a alegria, 
por meio, principalmente, da representação de pessoas e de natureza morta.
 O Cubismo teve seu início em 1907, em Paris. Os artistas desse movimento 
procuraram fragmentar as figuras e criar uma estrutura geométrica. Este estilo é 
dividido em duas fases: Cubismo analítico e Cubismo sintético.
 Em meio a mudanças tecnológicas, que transformaram a vida agrária em 
industrial e consequentemente a vida rural se transformou em urbana, surgiu o 
movimento conhecido como Futurismo, em 1909. Os artistas desse movimento 
propuseram o novo, fruto da idade industrial, representando a velocidade e a 
energia.
 Já a arte abstrata ou criação abstrata surgiu somente em 1931 e pode ser definida 
como não objetiva. A principal característica da pintura abstrata é a ausência 
de relação imediata entre suas formas e cores e as formas e cores de um ser. 
Duas tendências ficaram conhecidas neste estilo: Abstracionismo informal e 
Abstracionismo geométrico.
 A escola Bauhaus foi uma escola de arquitetura e de arte, fundada na Alemanha, 
em 1919. Essa escola foi a responsável por estabelecer diretrizes estéticas com 
princípios da era funcionalista, na qual imperava a harmonia entre forma e 
função, desprovida de decoração supérflua tanto na arquitetura como nos 
objetos da vida cotidiana.
 O Suprematismo foi um movimento puramente russo que propusera uma arte 
que estava desprovida de qualquer preocupação do mundo real e natural, ou 
seja, pura abstração, com simplicidade total da forma e cor.
 O Construtivismo surgiu por volta de 1913, na Rússia, e teve como princípio o de 
construir a arte usando materiais industrializados para representar a tecnologia 
moderna.
40
AUTOATIVIDADE
MARIO SIRONI. AEROPLANO, 1916. COLAGEM E TÊMPERA 
SOBRE PAPEL. 72,5 CM X 55CM. COLEÇÃO PARTICULAR
Fonte: Disponível em: <https://br.pinterest.com/MicolContini/
mario-sironi/>. Acesso em: 25 jan. 2017.
( ) Futurismo.
( ) Cubismo.
( ) Fauvismo.
( ) Expressionismo.
2 O artista inglês David Hockney (1937) desenvolveu uma série de obras que 
envolvem colagens fotográficas. Nestes trabalhos é perceptível a influência 
do movimento cubista, principalmente da fase do Cubismo analítico.
DAVID HOCKNEY. MÃE I, 1985. 1 COLAGEM FOTOGRÁFICA, 
COLOR. 47 CM X 33 CM. COLEÇÃO DAVID HOCKNEY
FONTE: Disponível em: <http://warburg.chaa-unicamp.com.
br/artistas/view/492>. Acesso em: 25 jan. 2017.
1 A obra artística a seguir, feita pelo artista italiano Mario Sironi (1885-
1961), mostra o princípio de seus trabalhos que envolviam uma 
temática relativa à vida urbana e à era industrial. A obra intitulada 
“Aeroplano” faz parte de qual movimento artístico do modernismo?
41
A partir da análise da obra do artista, crie sua própria produção artística usando 
fotografias ou imagens de jornais e revistas. Crie uma colagem com o recorte da 
imagem escolhida realizando uma composição de característica cubista. Após 
criar a produção, socialize com a turma.
42
43
TÓPICO 3
A FANTASIA INVADE A REALIDADE 
NO INÍCIO DO SÉCULO XX
UNIDADE 1
1 INTRODUÇÃO
No início do século XX surgiram dois grandes movimentos estéticos: o 
Surrealismo e o Dadaísmo. Estes movimentos são formados a partir de dois fatores: 
um deles está relacionado aos estudos psicanalíticos de Sigmund Freud, e o outro, 
às incertezas políticas vividas na época.
Um dos movimentos que inspirou o surgimento do surrealismo por meio 
da fantasia, foi o símbolismo. 
O Simbolismo foi um movimento artístico e literário que floresceu na última 
década do século XIX, por meio da inspiração de artistas como Odilon Redon (1840-
1916), Albert Pinkham Ryder (1847-1917), Henri Rousseau (1844-1910) e Gustave 
Moreau (1826-1898). A arte ganhou um novo significado, ou seja, foi descartado o 
mundo do visível, das aparências, em favor do mundo interior, o da fantasia.
Estes artistas se apelidaram de nabis, que significa profeta em hebraico, 
por se tratarem de seguidores simbolistas de Gauguin. “Os simbolistas também 
descobriram que havia alguns artistas mais velhos, descendentes dos românticos, 
cuja obra, como a deles próprios, colocava a visão interior acima da observação 
da natureza” (JANSON, 2007, p. 919). Visualize a imagem que exemplifica as 
características do movimento:
FIGURA 4 - HENRI ROUSSEAU. A CIGANA ADORMECIDA, 1897. MOMA, NOVA 
YORK
FONTE: Strickland (2004, p. 124)
44
UNIDADE 1 | SÉCULO XX: PRIMEIRA METADE
2 DADAÍSMO
Este estilo foi fundado em 1916, em Zurique, na Suíça, por intermédio 
de um grupo de artistas e intelectuais refugiados da Primeira Guerra Mundial, 
que não concordavam com a participação de seus países no conflito. Contudo, 
eles se exilaram na Suíça. Lá esses artistas fundaram um movimento literário que 
Rousseau foi considerado o precursor do Surrealismo, por retratar paisagens 
primitivas e fantásticas. Foi um artista autodidata, que, por vezes, foi ridicularizado 
pelo público, mas ao mesmo tempo seus trabalhos tinham grande originalidade.
Já os artistas Redon e Ryder foram influenciados pela literatura, produzindo 
obras a partir do seu imaginário com formas simplificadas.
FIGURA 5 - ODILON REDON. O OLHO DO BALÃO, 1882. 
LITOGRAVURA
FONTE: Janson (2007, p. 921)
O Simbolismo, que também se manifestou no teatro, na literatura, surgiu 
em oposição ao Realismo, ao Naturalismo e ao Positivismo da época.
Em meio a estes fatores, criou-se uma arte que criticava a cultura 
europeia, como também buscou-se censurar a frágil condição humana perante a 
complexidade do mundo. Portanto, o Surrealismo e o Dadaísmo surgiram com 
o intuito de representar a realidade de maneira fantasiosa, a fim de questionar o 
sentido da vida contemporânea.
Vamos conhecer um pouco mais desses movimentos que geraram muitos 
questionamentos referentes ao conceito de arte, influenciando muitos dos estilos 
posteriores.
TÓPICO 3 | A FANTASIA INVADE A REALIDADE NO INÍCIO DO SÉCULO XX
45
“[...] deveria expressar suas decepções com o fracasso das ciências, da religião e 
da filosofia existentes até então, pois se revelaram incapazes de evitar a grande 
destruição que assolava toda a Europa” (PROENÇA, 2011, p. 268). A alternativa 
dos artistas diante dos horrores vividos foi, então, cultivar o absurdo.
Este movimento, denominado Dadá, surgiu de uma palavra non-sense, ou 
seja, falta de sentido. Esta palavra foi escolhida pelo poeta húngaro Tristan Tzara 
(1896-1963) de forma aleatória, pois segundo relatos, ele abriu ao acaso o dicionário 
e encontrou a palavra “dada”, que na linguagem infantil da França significava 
“cavalo” (PROENÇA, 2011).
No entanto, na época, os modernos estudos de Sigmund Freud (1856-
1939) chamaram a atenção do grupo para aspectos até então pouco conhecidos 
e explorados da natureza humana. Esses estudos mostraram que muitos 
comportamentos são automáticos no homem e independem de encadeamentos 
de razões lógicas. Nesse sentido, o Dadaísmo surgiu como uma proposta para 
que a criação artística se “[...] libertasse das amarras do pensamento racionalista e 
sugeriam que ela fosse resultado apenas do automatismo psíquico, selecionando e 
combinando elementos ao acaso. Na pintura, essa atitude foi traduzida por obras 
que usaram o recurso da colagem” (PROENÇA, 2011, p. 268).
Escritores, poetas e artistas plásticos se uniram ao movimento, entre eles: 
Marcel Duchamp (1887-1968), Francis Picabia (1879-1953), Tristan Tzara (1896-
1963), Hugo Ball (1886-1927), Hans Arp (1886-1966), entre outros. Muitos dos seus 
expoentes posteriormente deram início ao Surrealismo.
FIGURA 33 - JEAN ARP. MONTANHA, MESA, ÂNCORAS, UMBIGO, 
1925. MOMA, NOVA YORK
FONTE: Strickland (2004, p. 148)
Jean Arp tinha a fé dadaísta no ocidental e criava formas “livres” ao