Vanguardas Europeias

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AS VANGUARDAS EUROPEIAS 
As vanguardas europeias são os 
movimentos culturais que começaram 
na Europa no início do século XX, os 
quais iniciaram um tempo de ruptura 
com as estéticas precedentes. O 
nome vanguarda é originário do 
francês avant-garde e significa "estar a 
frente, à dianteira de um movimento". 
Nesse sentido, é empregado para 
denominar grupos de pessoas que, por 
seus conhecimentos ou por uma 
tendência natural, exercem papel de 
precursoras ou de pioneiras em 
determinado movimento cultural, 
artístico, científico, etc. As vanguardas 
romperam com o passado e revelaram o dinamismo de um novo tempo no século que se iniciava. 
A crise da sociedade liberal burguesa culminou na Primeira Guerra Mundial, de 1914 a 1918. Esse 
conflito, de enormes proporções, gerou profundas transformações alicerçadas na idéia de nacionalismo, 
provocando o surgimento de novas correntes ideológicas, como o nazismo, o facismo e o comunismo, e 
também com a mesma terminação “ismo” surgiram os movimentos artísticos que chamamos de 
vanguardas. Todos pautavam-se no mesmo objetivo, que era o questionamento, a quebra dos padrões, 
o protesto contra a arte conservadora, a criação de novos padrões estéticos, que fossem mais coerentes 
com a realidade histórica e social do século que surgia. Estas manifestações se destacaram por sua 
radicalidade, a qual proporcionou que influenciassem a arte em todo o mundo. 
No domínio artístico, inúmeras tendências multiplicavam-se e retratavam os anseios por renovações 
profundas, nos períodos que antecederam e sucederam a Primeira Guerra. 
Esse momento literário das Vanguardas Europeias foram explosivos e descontínuos, que se propuseram 
a romper com o passado e a exprimir o dinamismo de um novo tempo que se iniciava. 
Paris tornou-se centro mundial dessas vanguardas revolucionárias da arte e do próprio comportamento 
humano. Foi uma época contraditória e apaixonante, na qual surgiram os impulsos transformadores da 
vida social e política do século XX. 
No Brasil não poderia ser diferente, uma vez que este era o exato momento da história em que as 
manifestações artísticas estavam crescendo em nosso país, e que a maioria dos artistas se espelhavam 
nas tendências europeias, fosse para imitar-lhes, fosse para combater-lhes. As vanguardas européias 
passaram pela Literatura Brasileira deixando sua contribuição, especialmente ao somarem com 
a Semana de Arte Moderna e o movimento modernista, pois juntos vieram romper com a antiga estética 
que até então reinava em nosso país. Assim aconteceu com este conjunto de cinco "ismos": Futurismo, 
Cubismo, Expressionismo, Dadaísmo e Surrealismo, os mais conhecidos movimentos de vanguarda 
europeia. 
Vejamos um pouco de cada uma delas: 
 
 
http://linguaportuguesanoar.blogspot.com.br/2014/03/as-vanguardas-europeias_22.html
http://www.infoescola.com/movimentos-artisticos/
http://www.infoescola.com/artes/vanguardas-europeias/
http://www.infoescola.com/artes/vanguardas-europeias/
http://www.infoescola.com/artes/vanguardas-europeias/
http://www.infoescola.com/artes/vanguardas-europeias/
http://www.infoescola.com/artes/semana-de-arte-moderna/
http://www.infoescola.com/literatura/modernismo/
EXPRESSIONISMO 
Movimento artístico e cultural de vanguarda surgido na Alemanha no início do século XX, os primeiros 
representantes das chamadas "vanguardas históricas". Mais do que meramente um estilo com características 
em comum, o Expressionismo é sinónimo de um amplo movimento heterogéneo, de uma atitude e de uma 
nova forma de entender a arte, que aglutinou diversos artistas de várias tendências, formações e níveis 
intelectuais. O movimento surge como uma reação ao positivismo associado aos movimentos impressionista 
e naturalista, propondo uma arte pessoal e intuitiva, onde predominasse a visão interior do artista – a 
"expressão" – em oposição à mera observação da realidade – a "impressão". O progresso tecnológico no 
campo das artes, sobretudo depois da aparição da fotografia e do cinema, faz com que toda a comunidade 
artística se interrogue sobre o seu papel na sociedade. A imitação da realidade deixou de fazer sentido, uma 
vez que as novas técnicas tornaram o processo mais fácil, 
rápido e reprodutível. As novas teorias científicas como a 
teoria da relatividade de Einstein, a psicanálise de Freud ou a 
subjetividade do tempo de Bérgson, abriram a porta a noções 
subjetivas da realidade, fornecendo elementos para que o 
mundo artístico se questionasse sobre as próprias fronteiras 
da objetividade. A procura de novas linguagens artísticas e 
novas formas de expressão traduziu-se na formação de vários 
movimentos de vanguarda que exploravam uma nova relação 
do artista com o público. Os vanguardistas pretendem integrar 
a arte com a própria sociedade e fazer da sua obra uma 
expressão do inconsciente coletivo da sociedade que 
representava. Por sua vez, a interação com o espectador leva 
a que este se envolva na percepção e compreensão da obra, 
assim como na sua difusão e mercantilização, fator que 
estará na origem do crescimento exponencial das galerias de 
arte e dos museus. 
Através de uma paleta cromática vincada e agressiva e do recurso às temáticas da solidão e da miséria, o 
expressionismo é um reflexo da angústia e ansiedade que dominavam os círculos artísticos e intelectuais da 
Alemanha. O expressionismo integra aquilo que se convencionou designar por "vanguardas históricas"; o 
imenso grupo de movimentos artísticos surgidos desde o início do século XX anterior à I Guerra Mundial até 
o fim da II Guerra Mundial em 1945. Esta designação inclui ainda, entre outros, o fauvismo, o cubismo, o 
futurismo, o construtivismo, o neoplasticismo, o dadaísmo e o surrealismo. A vanguarda está intimamente 
ligada ao conceito de modernidade, caracterizado pelo fim do determinismo e da supremacia da religião, 
substituídos pela razão e pela ciência, pelo objetivismo e pelo individualismo, e pela a confiança na 
tecnologia, no progresso e nas próprias capacidades do ser humano. O artista pretende dessa forma colocar-
se a si próprio na linha da frente do progresso social e dar voz às ideias progressistas através da sua obra. 
Esse movimento artístico teve origem em Dresden, Alemanha, entre 1904 e 1905, com um grupo chamado 
Die Brucke, que em português significa A Ponte. Faziam parte desse grupo Ernst Ludwig Kirchner (1880-
1938), Erich Heckel (1883-1970) e Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976). 
Principais artistas: Vincent Van Gogh (1853-1890), Edvard Munch (1863-1944), Marc Chagall (1887-1985), 
Paul Klee (1879-1940), Wassily Kandinsky (1866-1944), Amedeo Modigliani (1884-1920), Diego Rivera 
(1886-1957). 
As pinturas de Van Gogh foram precursoras deste movimento de expressão nítida da visão do artista ao 
perceber uma realidade. A exteriorização de sua reflexão refletida no seu modo peculiar do uso das cores foi 
Os retirantes - Cândido Portinari 
fonte de inspirações para os pintores expressionistas alemães e austríacos, e até mesmo aos artistas do 
século XX, como Jackson Pollock. Assim como Van Gogh, o pintor norueguês Edvard Munch (1863-1944), 
inspirou o movimento expressionista. Sua obra o Grito é um exemplo dos temas que sensibilizavam os 
artistas ligados a essa tendência. Nela a figura humana não apresenta suas linhas reais, mas contorce-se 
sob o efeito de suas emoções. As linhas sinuosas do céu e da água, e a linha diagonal da ponte, conduzem 
o olhar do observador para a boca da figura que se abre num grito perturbador. Essa atitude é inédita até 
aqui para as personagens da pintura e a ênfase para as linhas fortes evidenciam a emoção que o artista 
procura expressar. 
Principais características: 
• pesquisa no domínio psicológico; 
• cores resplandecentes, vibrantes, fundidas ou separadas; 
• dinamismo improvisado, abrupto, inesperado; 
• pasta grossa, martelada, áspera; 
• técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem,fazendo e refazendo, empastando ou provocando 
explosões; 
• preferência pelo patético, trágico e sombrio 
 
O Grito, (1898), de Munch. Dr. Gachet – Van Gogh The Day After (1894-1895)- Munch, Edvard 
 Dimensões: 91 cm x 73,5 cm. 
 
Expressionismo no Brasil 
Em nosso país o movimento também foi importante. Podemos destacar, nas artes plásticas, os artistas 
expressionistas mais importantes: Candido Portinari, que retratou em suas telas a migração do povo 
nordestino para as grandes cidades e a vida dos agricultores, operários e desfavorecidos. 
Anita Malfatti pode ser considerada a artista que introduziu as vanguardas europeias em território 
brasileiro, retratou em suas obras retratos nus, cenas populares cotidianas e paisagens, usou cores fortes 
e violentas em suas obras. 
Lasar Segall é considerado o primeiro artista a introduzir o expressionismo alemão em território sul-
americano. Uma de suas obras mais conhecidas é "Emigrante Navio" de 1939 e Osvaldo Goeldi (autor de 
diversas gravuras). As peças teatrais de Nélson Rodrigues apresentam significativas características do 
expressionismo. 
 
 
 
http://www.suapesquisa.com/biografias/portinari.htm
http://www.suapesquisa.com/biografias/anita_malfatti.htm
CUBISMO 
 
Surgiu no século XX, nas artes plásticas, tendo como principais fundadores: Pablo Picasso e Georges 
Braque, esse movimento também se expandiu para a literatura e a poesia. O quadro "Les demoiselles 
d'Avignon", de Picasso, 1907 é conhecido como o marco inicial do cubismo. Nele ficam evidentes as 
referências a máscaras africanas, que inspiraram a fase inicial do cubismo, juntamente com a obra de 
Paul Cézanne. Historicamente o cubismo originou-se nas obras de Cézanne, pois, eram como se fossem 
cones, esferas e cilindros. Entretanto, os cubistas foram mais longe os objetos com todas as suas partes 
num mesmo plano. È como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano 
frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum 
compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas. Significava, em suma, o abandono da busca 
da ilusão da perspectiva ou das três dimensões dos seres, tão perseguidos pelos pintores renascentistas. 
Com o tempo, o Cubismo evoluiu em duas grandes tendências chamadas Cubismo Analítico e Cubismo 
Sintético. O cubismo analítico foi desenvolvido por Picasso e Braque, aproximadamente entre 1908 e 
1911. Esses artistas trabalharam com poucas cores entre elas o preto, cinza e alguns tons de marrom e 
ocre, já que o mais importante para eles era definir um tema e apresenta-lo de todos os lados 
simultaneamente, levando ás ultimas consequências, essa tendência chegou a uma fragmentação tão 
grande dos seres, que tornou impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas. 
Temos como exemplo: 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 Violino e Cântaro (1910) de Braque. Poeta (1911), de Pablo Picasso. 
 Museu de Arte, Brasileia, Suiça Coleção Peggy Guggenhein Veneza. 
 
Reagindo á excessiva fragmentação dos objetos e á destruição de sua estrutura, os cubistas passaram ao 
cubismo sintético. Essa tendência procurou tornar as figuras novamente 
reconhecíveis. Mas, apesar de ter havido uma certa recuperação da imagem 
real dos objetos, isso não significou o retorno a um tratamento realista do 
tema. Foi mantido o modo característico do cubismo de apresentar 
simultaneamente as várias dimensões de um objeto, como podemos 
observar em Mulher com o Violão, de Braque. O cubismo Sintético foi 
chamado também de colagem porque introduziu letras, palavras, números, 
pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas pinturas. Essa 
inovação pode ser explicada pela intenção dos artistas em cria novos efeitos 
plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura 
sugere, despertando também no observador as funções táteis. 
Pablo Picasso - (1881-1973) Tendo vivido 92 anos e pintado desde muito jovem até 
próximo à sua morte passou por diversas fases: a fase Azul→ Picasso começou a 
fazer pinturas com tons de azul quando seu amigo, Casagemas, cometeu suicídio em 
1901. Os quadros da fase azul caracterizam-se pelo tom quase monocromático. As 
telas são realizadas em uma gama estreita de cores, variando em tons de azul e tons 
pastel. O tema é sempre a pobreza ou a morte. Os personagens são envolvidos por 
uma aura de solidão e desespero, os olhares são entristecidos, a tez pálida, os pés 
descalços... E toda sua melancolia e tristeza era transmitida para as obras. 
Fase Rosa → A fase azul se estendeu até aproximadamente 1904, quando Picasso 
conhece Fernande Olivier, uma 
modelo pela qual se apaixona. Então, se inicia o Período 
Rosa, que é caracterizado por ter um estilo mais alegre 
com cores e tons de rosa. Muitas das pinturas são 
influenciadas por Fernande Olivier, seu amor na época. A 
fase rosa é um retorno do artista à alegria da vida. Os tons 
azuis e a melancolia da fase anterior são amenizados pela 
introdução de um novo tema, os saltimbancos, assim 
como uma nova gama de cores, mais variada. Picasso vai 
explorar este tema em inúmeras situações, demonstrando 
seu apreço pela vida circense. Retrata famílias de 
acrobatas, mulheres com seus bebês em meio a animais 
do circo, meninos treinando malabarismo sobre bola, 
meninas adestrando cavalos. As cores são mais suaves, 
predominando os tons vermelhos muito pálidos, assim 
como o tom geral da pintura torna-se mais luminoso. 
Em 1937, Picasso pinta GUERNICA, para o pavilhão da República Espanhola na Exposição Internacional 
de Paris. É inspirado no bombardeio de Guernica, a cidade que fora um dia capital do país Basco. O 
bombardeio fora uma demonstração das letais técnicas bélicas nazistas sobre uma população indefesa. É 
uma tela enorme (7 metros e 82 centímetros de largura por 3 metros e 50 centímetros de altura). Nela está 
representada a brutalidade em sua forma mais anímica. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
O Cubismo no Brasil 
 
Somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 o movimento cubista ganhou terreno no Brasil. Mesmo 
assim, não encontramos artistas com características exclusivamente cubistas em nosso país. Muitos 
 GUERNICA - PICASSO 
GUERNICA 
 
http://www.historiadaarte.com.br/picasso.html
http://www.suapesquisa.com/artesliteratura/semana22
pintores brasileiros foram influenciados pelo movimento e apresentaram características do cubismo em 
suas obras. Neste sentido, podemos citar os seguintes artistas: Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Rego 
Monteiro e Di Cavalcanti. A pintora Tarsila do Amaral (1886-1973), após um período de estudos na 
Europa, assimilou as lições cubistas e as adaptou à realidade brasileira, incluindo em suas telas temas e 
cores que remetem ao Brasil, como é possível perceber em suas pinturas, no entanto, sua obra não 
apresenta características exclusivamente cubistas. 
 
FUTURISMO 
Este movimento teve uma forte relação com a literatura do 
inicio do século xx, influencia em 1909 pelo Manifesto 
Futurista do poeta e escritor italiano Filippo Tommaso 
Marinetti. Foi publicado no jornal francês Le Figaro em 20 
de fevereiro de 1909. Este manifesto marcou a fundação do 
futurismo, um dos primeiros movimentos da arte moderna. 
Consistia em 11 itens que proclamavam a ruptura com o 
passado e a identificação do homem com a máquina, a 
velocidade e o dinamismo do novo século. 
Na pintura, assim como na literatura, os futuristas, como a 
própria palavra sugere, exaltavam o futuro e, sobretudo a velocidade, que passou a ser conhecida e 
admirada a partir da mecanização das indústrias e da crescente complexidade socialque ganharam 
grandes centros urbanos. A pintura futurista foi explicitada pelo cubismo e pela abstração, mas o uso de 
cores vivas e contrastes e a sobreposição das imagens pretendia dar a ideia de dinâmica, deformação e 
não materialização por que passam os objetos e o espaço quando ocorre a ação. Para os artistas do 
futurismo os objetos não se concluem no contorno aparente e os seus aspectos interpenetram-se 
continuamente a um só tempo. Procura-se neste estilo expressar o movimento atual, registrando a 
velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. O artista futurista não está interessado em 
pintar um automóvel, mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. Suas principais 
características são: 
✓ Desvalorização da tradição e do moralismo; 
✓ Valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico; 
✓ Propaganda como principal forma de comunicação; 
✓ Uso de onomatopeias (palavras com sonoridade que imitam ruídos, vozes, sons de objetos) nas 
poesias; 
✓ Poesias com uso de frases fragmentadas para passar a ideia de velocidade; 
✓ Pinturas com uso de cores vivas e contrastes. Sobreposição de imagens traços e pequenas 
deformações para passar a ideia de movimento e dinamismo. 
Em 1910, foi lançado em Milão outro manifesto futurista, dirigido particularmente á pintura, assinado por 
Umberto Boccioni(1882 – 1916), Carlos Carrá (1881 – 1966), Luigi Russolo(1885 – 1947), Giacomo Balla 
(1871 – 1958) e Gino Severini (1883 – 1966). Para esses artistas não interessava a representação de um 
corpo em movimento. Como pretendiam evitar qualquer relação com a imobilidade, recusaram toda 
representação realista e usaram, além de linhas retas e curvas, cores que sugerissem convincentemente 
a velocidade. 
No Brasil, o futurismo teve uma forte ligação com a Semana de Arte Moderna de 1922, pois suas ideias, 
como o rompimento com o passado, por exemplo, se tornaram norteadoras do pensamento de muitos 
http://www.suapesquisa.com/biografias/anita_malfatti.htm
artistas brasileiros, como Oswald de Andrade e Anita Malfatti, os quais pretendiam criar uma nova arte 
tipicamente brasileira. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 coleira – GiacomoBalla Retrato de Marinetti, Carlo Carrà 
 
 
 
 
 
 
 Dinamismo de um automóvel - Luigi Russolo Lancers - GinoSeverini 
DADAÍSMO 
O dadaísmo foi um movimento artístico que surgiu na cidade Zurique no ano de 1916. Possuía como 
característica principal a ruptura com as formas de arte tradicionais. Portanto, o dadaísmo foi um 
movimento com forte conteúdo anárquico. A palavra dada em francês signifique "cavalo de madeira", sua 
utilização marca o non-sense ou falta de sentido que pode ter a linguagem (como na fala de um bebê). 
Para reforçar esta ideia, estabeleceu-se o mito de que o nome foi escolhido aleatoriamente, abrindo-se 
uma página de um dicionário e inserindo um estilete sobre ele, de forma a simbolizar o caráter 
antirracional do movimento, claramente contrário à Primeira Guerra Mundial e aos padrões da arte 
estabelecida na época. Em poucos anos o movimento alcançou, além de Zurique, as cidades de 
Barcelona, Berlim, Colônia, Hanôver, Nova York e Paris. Muitos de seus seguidores deram início 
posteriormente ao surrealismo, e seus parâmetros influenciam a arte até hoje. È preciso também 
considerar que os estudos de Freud chamavam a atenção para um aspecto novo da realidade humana. 
Eles revelavam que muitos atos praticados pelos homens são automáticos e independentes de um 
encadeamento de razões lógicas. 
Dessa forma, os dadaístas propunham que a criação artística se libertasse das amarras do pensamento 
racionalista e sugeriam que ela fosse apenas o resultado do automatismo psíquico, selecionando e 
combinando elementos ao acaso. Na pintura, essa atitude foi trazida por obras que usaram o recurso da 
colagem. Só que agora a intenção não é plástica e sim de sátira e crítica aos valores tradicionais tão 
valorizados, mas responsáveis pelo caos em que se encontrava a Europa. O dadaísmo, e principalmente 
o seu principio do automatismo psicológico, propiciou o aparecimento do Surrealismo. 
O principal problema de todas as manifestações artísticas estava, segundo os dadaístas, em almejar algo 
que era impossível: explicar o ser humano. Na esteira de todas as outras afirmações retumbantes, Tzara 
decreta: "A obra de arte não deve ser a beleza em si mesma, porque a beleza está morta". No seu esforço 
para expressar a negação de todos os valores estéticos e artísticos correntes, os dadaístas usaram, com 
frequência, métodos deliberadamente incompreensíveis. Nas pinturas e esculturas, por exemplo, tinham 
por hábito aproveitar pedaços de materiais encontrados pelas ruas ou objetos que haviam sido jogados 
fora. 
Foi na literatura, porém, que o ilogismo e a espontaneidade alcançaram sua expressão máxima: no último 
manifesto que divulgou, Tzara disse que o grande segredo da poesia é que "o pensamento se faz na 
boca". Como uma afirmação desse tipo é evidentemente incompreensível, ele procurou orientar melhor os 
seus seguidores dando uma receita para fazer um poema dadaísta: 
✓ Pegue um jornal. 
✓ Pegue a tesoura. 
✓ Escolha no jornal um artigo do tamanho que você deseja dar a seu poema. 
✓ Recorte o artigo. 
✓ Recorte em seguida com atenção algumas palavras que formam esse artigo e meta-as num saco. 
✓ Agite suavemente. 
✓ Tire em seguida cada pedaço um após o outro. 
✓ Copie conscienciosamente na ordem em que elas são tiradas do saco. 
✓ O poema se parecerá com você. 
✓ Surgi um escritor infinitamente original e de uma sensibilidade graciosa, ainda que incompreendido 
do público. 
O dadaísmo utilizava muito o “Ready-made” (feitos e pronto), que consiste em utilizar objetos já feitos, e 
dá-lhe uma utilidade diferente do habitual. A única ação do artista é descontextualizar o objeto e com isso 
atribuir-lhes uma nova função, logo um novo valor mental. 
Principais artistas dadaístas: Tristan Tzara (Literatura), Marcel Duchamp, Max Ernst, Francis Picabia, 
Marcel Janco, Man Ray. 
Principais características: 
• Objetos comuns do cotidiano são apresentados de uma nova forma e dentro de um contexto 
artístico; 
• Irreverência artística; 
• Combate às formas de arte institucionalizadas; 
• Crítica ao capitalismo e ao consumismo; 
• Ênfase no absurdo e nos temas e conteúdos sem lógica; 
• Uso de vários formatos de expressão (objetos do cotidiano, sons, fotografias, poesias, músicas, 
jornais, etc) na composição das obras de artes plásticas; 
• Forte caráter pessimista e irônico, principalmente com relação aos acontecimentos políticos do 
mundo. 
http://www.suapesquisa.com/capitalismo/
• 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Transparência- Francis Picabia Regalo -Man Ray 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 Marcel Duchamp, Gioconda. 
Em 1919, o artista colocou um bigode sobre uma reprodução barata do célebre quadro de Da 
Vinci, com a inscrição LHOOQ. 
Marcel Duchamp(1887-1968), pintor e escultor francês, sua arte abriu 
caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 
e 1960. Reinterpretou o cubismo a sua maneira, interessando-se pelo 
movimento das formas. O experimentalismo e a provocação o conduziram 
a ideias radicais em arte, antes do surgimento do grupo Dada (Zurique, 
1916). Criou os ready-mades, objetos escolhidos ao acaso, e que, após 
leve intervenção e receberem um título, adquiriam a condição de objeto de 
arte. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que 
chamou de "Fonte". Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona 
Lisa, para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional), inventou mecanismosópticos. 
Max Ernst(1891-1976), pintor alemão, adepto do irracional e do 
onírico e do inconsciente, esteve envolvido em outros movimentos 
artísticos, criando técnicas em pintura e escultura. No Dadaísmo 
contribuiu com colagens e fotomontagens, composições que 
sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para 
tema. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage, que 
consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície 
rugosa, como a madeira de veios salientes, e esfregar um lápis de 
cor ou grafita, de modo que o papel adquira o aspecto da 
superfície posta debaixo dele. Como o artista não tinha controle 
sobre o quadro que estava criando, o frottage também era considerado um método que dava acesso ao 
inconsciente. 
SURREALISMO 
Movimento artístico e literário nascido em Paris na década de 1920, inserido no contexto das vanguardas 
que viriam a definir o modernismo no período entre as duas Grandes Guerras Mundiais. Reúne artistas 
anteriormente ligados ao dadaísmo ganhando dimensão mundial. Fortemente influenciado pelas teorias 
psicanalíticas do psicólogo Sigmund Freud, o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade 
criativa. Um dos seus objetivos foi produzir uma arte que, segundo o movimento, estava sendo destruída 
pelo racionalismo. O poeta e crítico André Breton era o principal líder e mentor deste movimento. As 
características deste estilo são: 
✓ Uma combinação do representativo, do abstrato, do irreal e do inconsciente. Entre muitas das suas 
metodologias estão à colagem e a escrita automática. 
✓ Segundo os surrealistas, a arte deve libertar-se das exigências da lógica e da razão e ir além da 
consciência cotidiana, procurando expressar o mundo do inconsciente e dos sonhos. No manifesto 
e nos textos escritos posteriores, os surrealistas rejeitam a chamada ditadura da razão e valores 
burgueses como pátria família, religião, trabalho e honra. Humor, sonho e a contra lógica são 
recursos a serem utilizados para libertar o homem da existência utilitária. Segundo esta nova 
ordem, as ideias de bom gosto e de pudor devem ser subvertidas. 
✓ Mais do que um movimento estético, o surrealismo é uma maneira de enxergar o mundo, uma 
vanguarda artística que transcende a arte. Busca restaurar os poderes da imaginação, castrados 
pelos limites do utilitarismo da sociedade burguesa, e superar a contradição entre objetividade e 
subjetividade, tentando consagrar uma poética da alucinação, de ampliação da consciência. Breton 
declara no Primeiro Manifesto sua crença na possibilidade de reduzir dois estados aparentemente 
tão contraditórios, sonho e realidade, “a uma espécie de realidade absoluta, de sobre realidade”. 
Dos pintores surrealistas, Salvador Dali, é sem duvida o mais conhecido, com suas obras. A persistência 
da Memoria e a Ceia Ele criou o conceito de “paranoia critica” para referir-se á atitude de quem recursa a 
lógica que rege a vida comum das pessoas. Segundo o próprio pintor é preciso “contribuir para o total 
descredito da realidade”. 
O pintor René Magritte praticava o surrealismo realista, ou “realismo mágico”. Começou imitando a 
vanguarda, mas precisava realmente de uma linguagem mais poética e viu-se influenciado pela pintura 
metafísica de Giorgio de Chirico. 
Obras e Características de René Magritte: Pintor de imagens insólitas, às quais deu tratamento 
rigorosamente realista, utilizou-se de processos ilusionistas, sempre à procura do contraste entre o 
tratamento realista dos objetos e a atmosfera irreal dos conjuntos. Suas obras são metáforas que se 
apresentam como representações realistas, através da justaposição de objetos comuns, e símbolos 
recorrentes em sua obra, tais como o torso feminino, o chapéu coco, o castelo, a rocha e a janela, entre 
outros mais, porém de um modo impossível de ser encontrado na vida real. 
O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação automática, onde o 
artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o que lhe vier à mente, sem se preocupar com a 
lógica. 
Note que o maior objetivo dos artistas surrealistas foi usar o potencial do subconsciente como fonte de 
imagens fantásticas e de sonhos. Assim, a arte e a literatura eram vistas como um meio de expressar a 
fusão dos sonhos e da realidade em um tipo de realidade absoluta, uma “surrealidade”. 
Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) é conhecido como “os anos loucos”, a incerteza 
sobre a predominância da paz leva o desejo de “viver apenas o presente”. Foi nesse período de 
insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram movimentos artísticos voltados para uma nova 
interpretação e expressão da realidade. Esses movimentos são conhecidos como “vanguarda europeia”. 
O Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o Dadaísmo. No entanto, se os dadaístas 
propunham apenas a destruição, os surrealistas pregavam a destruição da sociedade em que viviam e a 
criação de uma nova, a ser organizada em outras bases. Os surrealistas pretendiam, dessa forma, atingir 
uma outra realidade, situada no plano do subconsciente e do inconsciente. A fantasia, os estados de 
tristeza e melancolia exerceram grande atração sobre os surrealistas, e nesse aspecto eles se aproximam 
dos românticos, embora sejam muito mais radicais. 
André Breton (1896-1966), escritor francês, um ex-participante do Dadaísmo, que rompera com o líder 
Tristan Tzara, lançou em Paris, em 1924, o Manifesto Surrealista, que trouxe para o mundo um novo 
modo de encarar a arte. No manifesto os princípios surrealistas são apresentados, entre eles a isenção da 
lógica e a adoração de uma realidade superior, chamada “maravilhosa”. Nesse mesmo ano, circula o 
primeiro número da revista a Revolução Surrealista, que reunia todos os meios de expressão artística, 
com ostensiva exclusão da música. 
Principais características: 
• Pintura com elementos surreais 
• Formas baseadas na fantasia (sonhos, inconsciente) 
• Busca da perfeição do desenho e das cores, dentro da dimensão do imaginário 
• Impressão espacial, possuindo ilusões ópticas 
• Dissociação entre imagens e legendas, conjugadas para construção de cenas de sonho ou de 
ironia. 
 
Principais artistas: Em 1925, Max Ernst, antes dadaísta, inventou a técnica de “frottage“. Impressões 
eram tiradas de superfícies texturizadas como tábuas ou folhas e usadas para sugerir as imagens. Usou 
também o método “dacalomania”, de colocar a tinta em superfícies como vidro ou metal e pressionar 
sobre um apoio de tela ou de papel. As formas resultantes eram então trabalhadas criativamente. 
Joan Miró (1893-1983), em sua obra “Carnaval do Arlequim” (1924-25), o pintor espanhol cruzou a 
fronteira entre a observação do “modelo externo” e símbolos que fluíam do subconsciente. Embora 
baseado em desenhos feitos em estado de alucinação, sua composição é altamente organizada através 
da intervenção do controle consciente. 
René Magritte (1898-1967) rejeitou a suposta espontaneidade do automatismo por considera-la falsa e 
passou a trabalhar com imagens que a primeira vista, pareciam convencionais, mas às quais dava um 
caráter bizarro por sobreposições. 
Salvador Dali (1904-1989) tornou-se um membro oficial do grupo surrealista e deu a ele um novo ímpeto 
com seu método de atividade paranoica. Dali interessava-se por condições mentais anormais e, em 
particular por alucinações. Suas estranhas imagens eram retratadas de modo que se assemelhava à 
fotografia em cores. 
Surrealismo no Brasil 
 No Brasil, o Surrealismo exerceu considerável influência sobre o movimento Modernista. Oswald de 
Andrade foi um dos maiores expoentes, em seu “Manifesto Antropófago”, no romance “Serafim Pontes 
Grande” e nas peças “O Homem e o Cavalo e a Morta”, nos quais reuniu elementos que se relacionam 
com as técnicas de criação surrealista. Podemos observar características surrealistas nas pinturas “Nu” deIsmael Nery e “Abaporu” da artista Tarsila do Amaral. 
 
Joan Miró René Magritte Salvador Dali 
 
Ismael Nery Tarsila do Amaral René Magritte 
 
 
 
 
 
 
"A Persistência da Memória” 
Os Amantes II (1928) 
 
 
1ª Proposta de atividade EAD: Observar a imagem do quadro de Pablo Picasso, As Senhoritas de 
Avignon e responder os seguintes questionamentos. 
Obs: atividade Individual 
 
1- Procure descrever esta imagem. O que ela representa? Como são as figuras? Como é o 
espaço em que estão? 
2- Em que ela lhe faz pensar ou lembrar? Ela parece com algo que você conheça? 
 
 
Escola de Ensino Médio Integral Djalma da Cunha Batista - EEMIDCB 
ATIVIDADE REMOTA – Leitura de Imagem. 
PROFESSORA: Márcia Mourão DISCIPLINA: ARTE Turma: 3ºA/ 3ºB / 3ºC 
NOME DO ALUNO: Nº CHAMADA : 
 
 
 
 
 
2ª Proposta de atividade EAD: Elaborar um mapa mental sobre o objeto de estudo (As 
Vanguardas Europeias- Expressionismo, Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo e Cubismo). É com 
você jovem protagonista... seja persistente e comprometido com seus estudo! 
EXEMPLO DE MAPA MENTAL: 
 
 
 3ª Proposta de atividade EAD: As paródias musicais são um ótimo recurso para assimilar o 
conteúdo estudado, além de afastar o nervosismo que pode surgir quando um assunto é bastante 
denso. E aí, achou esse conteúdo difícil? Que tal tornar seu estudo muito mais divertido com uma 
paródia? É isso mesmo! No trabalho os alunos coletivamente(sala) irão produzir uma Paródia 
sobre as Vanguardas Europeias, eles deverão falar das características de cada vanguarda. 
 
 
Escola de Ensino Médio Integral Djalma da Cunha Batista - EEMIDCB 
ATIVIDADE REMOTA – Mapa Mental. 
PROFESSORA: Márcia Mourão DISCIPLINA: ARTE Turma: 3ºA/ 3ºB / 3ºC 
NOME DO ALUNO: Nº CHAMADA : 
 
 
 
Escola de Ensino Médio Integral Djalma da Cunha Batista - EEMIDCB 
ATIVIDADE REMOTA – Paródia sobre os movimentos de Vanguardas. 
PROFESSORA: Márcia Mourão DISCIPLINA: ARTE Turma: 3ºA/ 3ºB / 3ºC 
NOME DO ALUNO: Nº CHAMADA : 
 
 
 
4ª 
Proposta de atividade EAD: A intenção desta prática é que os alunos aprofundem o conhecimento 
sobre os movimentos das vanguardas artísticas europeias, que influenciaram a produção artística das 
décadas seguintes em vários lugares, inclusive no Brasil (conteúdo que será abordado no 3º bimestre). 
Orientar os grupos de sala virtual a construírem as características gerais dos movimentos na prática 
sobre os movimentos de Vanguardas. Esta atividade será desenvolvida coletivamente pela turma e 
juntos montarão uma revista online da pratica sobre as Vanguardas. 
✓ Movimento Cubismo os alunos irão usar suas próprias fotos ou recortes de revista, com base na 
fase do cubismo sintético usando a técnica de colagem, os artistas representavam objetos 
simples do dia-a-dia. Neste período os quadros passam a recuperar uma imagem mais real, 
tornando-os assim mais fácies de interpretar. As cores mais fortes passam a ser utilizadas nas 
obras; 
✓ Movimento Expressionismo eles podem usar uma obra de qualquer artista expressionista e fazer 
a releitura através da fotografia, para isso os alunos irão se caracterizar (maquiagem) e pousar 
como está na obra; 
✓ Movimento Dadaísta eles irão usar objetos do cotidiano e apresentar de uma nova forma e 
dentro de um contexto artístico, com base no “Ready-made” (feitos e pronto), que consiste em 
utilizar objetos já feitos, e dá-lhe uma utilidade diferente do habitual; 
✓ Movimento Futurismo irão utilizar a animação feita pela técnica do Stop Motion que é uma 
técnica que utiliza a disposição sequencial de fotografias diferentes de um mesmo objeto inanimado 
para simular o seu movimento, conteúdo trabalhado no 1º bimestre; 
Link: https://www.tecmundo.com.br/player-de-video/2247-o-que-e-stop-motion-.htm 
✓ Movimento Surrealista os alunos irão realizar a releitura de obras através da técnica pintura, ou 
usar a técnica do surrealismo em fotos – quando seguramos um livro, mantendo o braço 
esticado, este objeto dará impressão de ser tão grande quanto uma casa situada a centena de 
passos. Quanto mais se reduz a distância entre o livro e a casa, mais os objetos se aproximam de 
suas verdadeiras dimensões. Só quando o livro se encontra em um plano idêntico ao da casa, é 
que o tamanho aparente de cada um deles equivale com exatidão ao real. Através da perspectiva, 
linhas retas e paralelas dão impressão de convergir, objetos que encobrem parcialmente a outros 
dão a sensação de profundidade, e através do distanciamento dos objetos temos a sensação de 
parecerem menores, para isso os alunos irão utilizar a câmera digital ou o celular para criar uma 
foto surreal. 
Usem a imaginação e criem as obras de Vanguardas Europeias de acordo com as características 
de cada movimento. Acredite, vocês são criativos! 
 
 
 
 
Escola de Ensino Médio Integral Djalma da Cunha Batista - EEMIDCB 
ATIVIDADE REMOTA – Praticando com as Vanguardas Europeias. 
PROFESSORA: Márcia Mourão DISCIPLINA: ARTE Turma: 3ºA/ 3ºB / 3ºC 
NOME DO ALUNO: Nº CHAMADA : 
 
 
https://www.tecmundo.com.br/player-de-video/2247-o-que-e-stop-motion-.htm