GabaritosdasAtividadesdeArtes-8ano[1]

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SUMÁRIO
A dança e a arte------------------------------------------- 03-05
A história da arte na dança------------------------------06-10
A dança e seus momentos-------------------------------11-14
Performance-------------------------------------------------15-20
Arte urbana---------------------------------------------------21-28
Arte contemporânea---------------------------------------29-33
Tatuagem e sua história----------------------------------36-39
Diferentes padrões-----------------------------------------40-59
Pinturas corporais------------------------------------------60-66
Músicas-------------------------------------------------------67-78
Danças--------------------------------------------------------79-84
Instrumentos musicais------------------------------------85-89
Artistas famosos -------------------------------------------90-97
Profundidade ----------------------------------------------98-100
Formas geométricas------------------------------------101-118
Artes e os sentimentos --------------------------------119-121
Pontilhismo-----------------------------------------------122-127
O que é a arte na dança?
A Arte na Dança é a liberdade de manifestação artística utilizando o corpo para
produzir movimentos ritmados. Para que isso ocorra, é necessário o auxílio de sons
ou de música, e pode ser praticada por jovens, adultos, idosos e crianças de forma
individual ou coletiva.
Porque a dança é uma arte?
A Arte na Dança de forma geral é considerada uma linguagem. Por esse motivo, ela
pode ser considerada como arte porque a sua intenção é expressar alguma
mensagem.
Cada dança, seja em grupo, em dupla ou individual sempre irá buscar uma
mensagem para aqueles que o observam, entenda:
O casal que dança ao som das famosas valsas (como as valsas do compositor
Johann Sebastian Bach) ou até mesmo Bossas Novas brasileiras (como as bossas
do compositor Tom Jobim), querem passar alguma mensagem para aqueles que os
assistem, e essa mensagem pode variar entre: demonstrar a afetividade e o amor
entre os dois, ou demonstrar o talento de forma profissional a uma competição.
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DATA: ____/____/____
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
A DANÇA E A ARTE
https://www.ebiografia.com/johann_sebastian_bach/
https://www.ebiografia.com/antonio_jobim/
Além disso, é importante entender que a Arte geral tem como finalidade a
expressão por meio de algum elemento, seja por um quadro, escultura, grafite, e até
mesmo o corpo.
Essa expressão sempre irá conter temáticas que sejam de fácil compreensão, pode
ser de uma luta como os então conhecidos movimentos artísticos, ou sentimentos
comuns e situações do dia a dia.
Quais elementos inspiram a arte na dança?
Os elementos utilizados para inspirar a arte na dança são:
Movimento corporal – que corresponde às pausas do movimento, transferência de
gesticulação, saltos, voltas, quedas, e elevações.
Espaço – trajeto do corpo do início ao fim da dança. No espaço existem duas
modalidades, a cinesfera e a kinesfera (espaço individual do corpo que se
movimenta) cujo é caracterizado pela extensão, flexão ou agilidade dos membros
superiores, ou inferiores.
Dentro do espaço também possuímos outros elementos que inspiram a narrativa da
arte na dança, como: estudo das direções (cima, baixo, lado, frente, trás e
diagonais), dimensões (pequeno, médio e grande), os níveis (baixo, médio e alto), e
as extensões (perto, médio e longe).
Tempo – podemos caracterizar pelo tempo entre a dança (os movimentos) e a
música, e pelo compasso musical que pode ser lento, demorado ou rápido – varia
também com os instrumentos utilizados.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
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dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Exercícios...
1- Segundo o texto lido, o que é a dança na arte?
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2- O que é o movimento corporal na dança da arte?
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3- Por que podemos dizer que a arte é considerado uma forma de linguagem?
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4- Escreva os 3 elementos que inspiram a arte na dança. 
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5- Além dos 3 elementos citados na questão anterior, possuímos outros elementos
que inspiram a narrativa da arte na dança, como:
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É a liberdade de manifestação artística utilizando o corpo para produzir movimentos
ritmados. 
Pausas do movimento, transferência de gesticulação, saltos, voltas, quedas, e
elevações.
A dança pode ser considerada uma forma de linguagem, pois de alguma forma ela
deseja expressar uma mensagem. 
Movimento corporal, espaço e tempo.
Direções, dimensões e os níveis.
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CONHEÇA A HISTÓRIA DA ARTE NA DANÇA E SUA EVOLUÇÃO
Historiadores dizem que a dança surgiu pelos povos primitivos. O seu ritmo,
coreografia ou expressão de forma livre (improviso) é caracterizada desde as
atividades simples como batidas do coração ao caminhar, até rituais sagrados para
a cultura da época primitiva.
Tipos de dança
Origem
Folclórica ou típica: baião, frevo, catira.
Étnica: tango, fharatanatyam, flamengo.
Cerimoniais: rituais indianas, rituais da Umbanda, rituais xamãs.
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https://www.todamateria.com.br/flamenco/
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dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
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Modo 
Solo (individual): coreografia de solista no balé, sapateado, samba.
Em dupla: forró, tango, bolero.
Em grupo: quadrilha, street dance, carimbó.
Finalidade
Erótica: poledance, can can, strip-tease.
Cênica ou performática: balé, ópera-balé, dança contemporânea.
Coreografada: casamento, debutantes, fitdance.
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Dança primitiva
Com o desenvolvimento do homem, a prática da dança foi ganhando um espaço
como ritualsagrado. O homem dançava pela sobrevivência, dançava para a
natureza, para os astros e em forma de agradecimento.
Não se tem um nome exato para os tipos de danças primitivas, mas segundo as
pinturas rupestres podemos associar os traços com coreografias coletivas.
 
Danças milenares
As danças milenares começaram a surgir pelo mesmo motivo das danças primitivas:
o ritual.
As principais localidades dessas danças são marcadas por coreografias, ritmos e
até mesmo roupas, que lembram a cultura local. Conheça os países e suas
características:
 
Egito
As danças no Egito tinham características sagradas, porque todas as coreografias
eram destinadas aos deuses dos egípcios. E para cada um, existia uma dança
diferente e uma interpretação própria contendo simbologias da época.
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estrangeiros de diferentes épocas.
Uma das danças gregas mais conhecidas é a Zeibekiko. A dança é a expressão
máxima da alma grega, eles traduzem como uma dança cheia de – paixão e
tristeza, de suspiro e desgosto, medos e dores, desespero e amor não realizado. 
A dança possui passos típicos do tribal, com ritmos pouco improvisados e é mais
comum a participação somente dos homens, apenas em 1961 as mulheres tiveram
o direito de participar.
Roma
Na civilização Romana, as danças tinham um sentido muito claro: tudo girava em
torno dos Reis, República e Império.
Uma das danças mais conhecidas é a Saliano, que é uma dança guerreira, que era
praticada na primavera e honrava a Marte (o mês do nascimento da primavera). 
Na dança eram utilizados escudos sagrados que eram guardados especialmente
para esses eventos, e os passos relembravam a valsa – dança em três tempos.
Idade Média
No período da dança na idade média, a prática sofreu um retrocesso. Porque a arte
usando o corpo como principal meio de expressão, passou a ser considerado algo
profano e imoral.
Portanto, a dança na idade média ainda era de cunho ritualístico. Mas devido à
Guerra dos Cem Anos e as péssimas colheitas, a dança da Idade Média seguiu
tendências que transformou o ritmo e simbolizou a morte no seu sentido mais brutal.
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estrangeiros de diferentes épocas.
Uma das danças mais conhecidas da Idade Média é a “Carola”, dança da alegria.
Que se tornou uma dança macabra, pois muitas vezes era dançada em cemitérios,
e era traduzida como:
a vida é uma Carola conduzida pela morte”
 
E transformando a morte num motivo para se viver de acordo com as regras e
dogmas católicos (o medo de ir para o “inferno” comandava as escolhas e as vidas
das pessoas). Dançava-se até para espantar uma epidemia. Nessa época, a única
dança destinada ao espetáculo era a dança dos nobres: as outras danças eram
como rituais.
Exercícios...
1- Como era a dança em Roma? 
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2- Escreva o nome de uma dança conhecida no Egito.
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A dança era praticada como rito religioso, frequentemente de origem agrária. 
Zeibekiko
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RENASCIMENTO
No período renascentista a dança surge como apreciação da nobreza adquirindo
um aspecto mais social. Com isso, a dança tornou-se mais complexa e passou a ter
grupos que estudavam cada movimento.
Uma das danças mais comuns é o Balé – agora com passos mais elaborados,
repertórios mais abrangentes e específicos que visavam a atividade lúdica, porém
voltava-se ao divertimento.
O uso do termo “Balé”, na época chamava-se de Balleto que significava um
conjunto de passos e ritmos. A moda foi predominante na Itália e se espalhou na
França durante o século XVI.
Romantismo
Todavia o termo romantismo foi totalmente influenciado pelo Balé. A expressão dos
grupos, do casal ou do dançarino ao executar os movimentos, era destinada a
valorizar o homem em conexão com o mundo.
Ou seja, o sentimentalismo exagerado, composições como as de Tchaikovsky
(1840-1893) em Lago dos Cisnes, e o Quebra Nozes marcaram a criação do balé
romântico, e deu ênfase para técnicas mais elaboradas.
 
Dança moderna
A dança moderna é uma negação ao balé. Nesse estilo, os bailarinos agora
trabalham de forma mais livre, bem menos regrada do que o balé, porém
estruturada de forma completa.
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dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Os movimentos são mais explorados, além da condição física que o dançarino
precisa obter, existem grandes estudos das possibilidades motoras do corpo
humano, como: sentidos, audição, tato, capacidade de criatividade, entre outras
coisas.
Dança contemporânea
A dança contemporânea surgiu em 1960, como uma forma de rompimento da
cultura clássica. Apesar da sua chegada ter sido percebida de imediato, esse estilo
ainda passou por muitas modificações em suas experimentações e inovações,
consolidando-se apenas em 1980.
Apesar do que muitos pensam, não é difícil entender o que é a Dança
Contemporânea, mas é importante destacar que: 
Esse estilo representa algo que não é previsível, porém caracteriza o novo, e rompe
aquilo que conhecemos como arte.
A contemporaneidade é evidente nos seus movimentos, pois o objetivo é transmitir
conceitos, ideias e sentimentos, mais do que se preocupar com a estética.
Além disso, a dança contemporânea possui linguagem própria, e ela tem
capacidade de modificar o espaço em que ela é reproduzida.
A maioria dos temas refletem questões da sociedade e da cultura que estão
inseridos. O bailarino tem total liberdade de se movimentar conforme surgirem
ideias ou emoções, pois na dança o corpo é livre e dotado de autonomia.
Outra questão importante é que há uma circulação de energia espontânea: ora os
movimentos são explosivos, ora são recolhidos e silenciosos.
 
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estrangeiros de diferentes épocas.
Exercícios....
1- Diferencie a dança moderna da dança contemporânea. 
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2- No período do Renascimento, qual dança ficou mais conhecida?
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3- Pesquise sobre o balé hoje em dia e escreva no espaço abaixo. Não se esqueça
de colar uma imagem. 
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dança, reconhecendoe apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Pesquisa individual.
Colagem individual.
A Dança Moderna utiliza dos pés descalços, das contrações, torções e desencaixes
do corpo. Há uma liberdade na movimentação, embora haja uma estrutura técnica
específica. A Dança Contemporânea também destes procedimentos citados,
contudo, a Dança Moderna apresenta um caráter mais teatralizado que a Dança
Contemporânea.
O balé.
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PERFORMANCE NA ARTE
A performance é uma modalidade artística híbrida, isto é, que pode mesclar diversas
linguagens como teatro, música e artes visuais.
Está relacionada também ao happening e, muitas vezes, os termos são descritos
como sendo a mesma coisa.
Alguns estudiosos dizem que há uma pequena diferença entre os dois tipos de
manifestação artística.
Rest Energy (1980), famosa performance de Marina Abramović e Ulay
 
A performance seria quando o artista apresenta uma cena em que normalmente
utiliza seu corpo como suporte enquanto os espectadores observam; já no
happening o público costuma participar também da ação.
Etimologicamente, a palavra performance deriva do francês antigo parformance, e
significa "dar forma", "fazer".
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dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
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Linguagem híbrida: mistura elementos do teatro, artes visuais, instalação,
música, entre outros;
Não tem lugar "apropriado" para acontecer: pode ocorrer tanto em museus,
galerias e instituições, quanto em ambiente urbano e/ou público;
Registros da ação podem ocorrer por meio de fotografias e vídeos, mas o
caráter da obra é efêmero, passageiro;
Corpo como instrumento de ação artística.
Características da arte performática
Origem da performance na arte
No universo das artes, esse tipo de fazer artístico surge a partir da segunda metade
do século XX, em decorrência de desdobramentos da pop art e da arte conceitual
nos anos 60 e 70.
Isso porque a arte contemporânea desponta como uma nova maneira de produzir e
apreciar a arte.
Apresentação dadaísta de Hugo Ball (1916), no Cabaret Voltaire, na Suíça
Contudo, pode-se dizer que a performance tem relações com movimentos
modernistas mais antigos, como o dadaísmo e a Escola de Bauhaus.
https://www.todamateria.com.br/pop-art/
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Joseph Beuys (1921-1986) - alemão
Wolf Vostell (1932-1998) - alemão
Nam June Paik (1932-2006) - sul-coreano
Yoko Ono (1933) - japonesa
Artistas na Performance
Na década de 60, surge na Alemanha o movimento Fluxus, que inicia proposições
performáticas inovadoras. Muitos artistas importantes de diversas partes do mundo
fizeram parte do movimento, alguns deles são:
Marina Abramović (1946) - sérvia
Chris Burden (1946-2015) - americano
Ana Mendieta (1948-1985) - cubana
Valie Export (1940) - austríaca
I like America and America likes me (1974), de Joseph Beuys, é uma performance
em que o artista fica dias em uma sala com um coiote selvagem
Outros artistas que se destacam na arte da performance são:
https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/arte-urbana
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da
dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Exercícios...
O que são;
O que eles precisam para se tornarem objetos artísticos? 
De onde veio as inspirações para os parangolés?
1- O que é performance? 
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2- Pesquise sobre os parangolés de Hélio Oiticica (1964). 
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A Performance consiste em um espetáculo artístico que destaca, por um lado, a
improvisação, que domina a representação artística, e, por outro lado, a ênfase que
atribui a questão estética, ou seja, tanto a imagem como a ação precisa da mesma
intensidade e contundência. 
Pesquisa individual.
Os Parangolés, do artista brasileiro Hélio Oiticica, são um conjunto de obras que
nasceram de “uma necessidade vital de desintelectualização, de desinibição
intelectual, da necessidade de uma livre expressão”.
O Parangolé é uma espécie de capa que se veste, com textos, fotos, cores e que
serve como uma Obra-ação-multissensorial.
“O objetivo é dar ao público a chance de deixar de ser público espectador, de fora,
para participante na atividade criadora”. O Parangolé é “anti-arte por excelência”,
não se pode ir numa exposição de Parangolés, o espectador veste a obra e a obra
ganha vida através dele, é capacidade de auto-criação, de expansão das sensações
e rompimento.
Os Parangolés pressupõem a transformação na concepção do artista, que deixa de
ser o criador de objetos para a contemplação passiva e passa a ser um incentivador
da criação pelo público.
Ao mesmo tempo, propõem uma transformação no espectador, dado que a obra só
acontece com sua participação.
Trata-se de deslocar a arte do âmbito intelectual e racional para a esfera da criação,
da participação."
Fonte: https://arteref.com/arte-contemporanea/o-que-foram-os-parangoles/
https://arteref.com/artes-plasticas/fique-por-dentro-do-legado-de-helio-oiticica/
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DATA: ____/____/____
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
PERFORMANCE ARTÍSTICA NO BRASIL
 
No Brasil, já na década de 50 a arte da performance dava sinais. Isso por conta de
Flávio de Carvalho (1899-1973), precursor do movimentoe integrante do
modernismo brasileiro.
New Look (1956), performance de Flávio de Carvalho causou espanto, pois o artista
usava roupa "feminina" publicamente
Mais tarde, com o Grupo Rex (1966-1967), os artistas Wesley Duke Lee (1931-
2010), Geraldo de Barros (1923-1998) e Nelson Leirner (1932) realizam diversas
ações artísticas, dentre elas, performances.
Há ainda outros nomes no Brasil, como Carlos Fajardo (1941), José Resende
(1945), Frederico Nasser (1945), além de Hélio Oiticica (1937-1980).
https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/arte-urbana
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
Hélio Oiticica foi um artista performático, pintor e escultor. Sua obra caracteriza-
se por um forte experimentalismo e pela inventividade na busca constante por
fundir arte e vida. Pesquise sobre uma de suas obras, cole uma foto e escreva
sobre ela. 
Exercícios...
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Pesquisa individual.
Pesquisa individual.
Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, 26 de julho de 1937 — Rio de Janeiro, 22 de março
de 1980) foi um pintor, escultor, artista plástico e performático de aspirações
anarquistas. É considerado um dos maiores artistas da história da arte brasileira.
O artista era neto do professor e filólogo José Oiticica, que escreveu o livro “O
anarquismo ao alcance de todos” publicado em 1975. Ele teve uma educação
diferenciada já que ao invés de ir à escola foi ensinado em casa pela família. Seu
pai era artista também e o levou para Washington (EUA) por ter recebido uma bolsa
da Fundação Guggenheim.
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DATA: ____/____/____
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
ARTE URBANA
A Arte Urbana abrange todos os exemplos de manifestações artísticas, tais como
grafites, pinturas, intervenções e apresentações desenvolvidas no espaço urbano,
que se diferem das atitudes de vandalismo. 
A preferência pelo espaço público para fazer a demonstração da Arte Urbana tem
como objetivo causar impacto nos espectadores, além de transmitir uma mensagem
revolucionária, que critica a sociedade com ironia. Normalmente, esse tipo de arte
descreve o trabalho de pessoas que desenvolvem um estilo de expressão artística
através do uso de diferentes técnicas alternativas como pôsteres, adesivos, moldes,
murais, spray e outros. 
Esse estilo de arte não costuma seguir um padrão estético pré-definido, pois cada
artista possui um propósito individual que estimula a sua criatividade.
Origem da Arte Urbana
Primeiro, a arte de rua surgiu na Grécia Pré-Socrática como uma forma de
manifestação cultural e literária, onde se encontravam os aedos (cantores)
homéricos que cantavam versos e músicas, tentando envolver o público com sua
melodia.
Na Idade Média, ela surgiu com os trovadores, artistas nobres que recitavam versos
e poesias nas festas das cidades e dos palácios para entreter a nobreza com as
histórias cantaroladas.
Posteriormente, a Arte Urbana surgiu em Nova Iorque, Estados Unidos, na década
de 70, com uma característica dinâmica e temporária. Dessa forma, surgiam os
demais estilos de Arte Urbana, partindo da arte escrita, cantada e musical, como o
hip hop que apareceu em meados dos anos 60/70 na cidade de Nova York e Berlim. 
Na época, a dança apareceu como uma manifestação política e social, abrindo
espaço para outras movimentações artísticas como os desenhos de rua, as
apresentações teatrais, além das “estátuas vivas”, exemplo de arte possível de se
encontrar nas esquinas das grandes cidades até os dias atuais.
https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/arte-urbana
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
Brasil
No Brasil, os primeiros sinais de Arte Urbana começaram a surgir na década de 70,
mais precisamente na cidade de São Paulo, com as obras de grafite, que eram
feitas nas paredes.
Ironicamente ou não, essas pinturas surgiram em uma época muito conturbada da
história junto com as repressões e censuras causadas pela Ditadura Militar no
Brasil. No início, não existia preocupação estética com as letras, bastava apenas
que elas fossem legíveis a ponto de transmitir a mensagem de insatisfação do povo. 
Diante disso, muitas das manifestações de rua surgiram como alternativas de
comunicação, denúncia e até mesmo como fonte de renda para pessoas
marginalizadas que viviam nas periferias do país. 
Exercícios...
1- Onde surgiu a arte urbana?
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2- Qual é o objetivo da arte urbana?
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3- Como e onde surgiu a arte urbana no Brasil?
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A arte de rua surgiu na Grécia Pré-Socrática 
 tem como objetivo causar impacto nos espectadores, além de transmitir uma
mensagem revolucionária, que critica a sociedade com ironia.
Na década de 70, mais precisamente na cidade de São Paulo,
https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/historia/ditadura-militar-no-brasil
O grafite é um tipo de arte urbana caracterizado pela produção de desenhos em
locais públicos como paredes, edifícios, ruas, etc.
É bastante usado como forma de crítica social, e, além disso, é uma maneira de
intervenção direta na cidade, democratizando assim, os espaços públicos.
O termo grafite, de origem italiana graffito - plural graffite - significa “escrita feita com
carvão”.
Origem do Grafite
Se falarmos sobre os primórdios do grafite, teremos que voltar milhares de anos,
quando os homens faziam inscrições nas cavernas. Há exemplos de intervenções
feitas em locais públicos já na época do Império Romano.
Na contemporaneidade, essa manifestação artística está relacionada principalmente
ao hip-hop, movimento cultural que teve início no começo dos anos 70 nos EUA
pelas comunidades latinas, afro-americanas e jamaicanas.
No hip-hop são três as vertentes da arte: rap (música), breakdance (dança) e grafite
(pintura mural).
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EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temasou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
GRAFITE
O bairro novaiorquino do Bronx foi o berço do grafite, onde os primeiros desenhos
foram feitos com tinta spray. Naquela época, os jovens utilizavam a arte nas ruas
como forma de protesto.
Grafite no Brasil
A história do grafite no Brasil surgiu na década de 70, precisamente na cidade de
São Paulo. ELA NASCE numa época conturbada da história do Brasil, em que a
população era silenciada pela censura com a ditadura militar no poder.
Paralelamente ao movimento que despontava em Nova Iorque, o grafite surge no
cenário nacional como uma arte transgressora. A linguagem da rua não pede
licença e grita nas paredes da cidade os incômodos de uma geração.
A partir de então, a arte de grafitar se transforma em um importante veículo de
comunicação urbana e colabora para a existência de outras vozes. Outros sujeitos
históricos e ativos passam a ter a chance de participar artística e politicamente da
cidade.
É importante ressaltar que o grafite, inicialmente, foi uma arte caracterizada pela
autoria anônima. O grafiteiro - ou writter - transformava a cidade em um suporte de
comunicação artística sem delimitação de espaço, mensagem ou mensageiro.
Portanto, a preocupação naquele momento era a arte em si e não o nome de seu
autor. Por esse motivo, os ditos "cânones" são retirados de sua posição central para
dar lugar a uma arte de todos e para todos.
Assim, desde a década de 70, os grafiteiros brasileiros se apropriaram do espaço
público a fim de transmitirem mensagens de cunho político, social, cultural,
humanitário e, sobretudo, artístico.
Um importante nome do grafite no Brasil foi o artista Alex Vallauri (1949-1987),
considerado precursor do movimento no país. Ele utilizou diversos suportes para
estampar sua arte, além dos muros e paredes da cidade. Seus desenhos eram
simples e objetivos em meio ao caos urbano, facilitando a compreensão da
mensagem.
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
O desenho dessa bota fez história
nos anos 80 no Brasil. Alex Vallauri
é considerado o pioneiro do
movimento do grafite no país
A arte nesse momento, passa a ser não somente vista dentro dos museus ou dos
centros culturais, mas também nas paredes das ruas, nos túneis e nos prédios da
cidade.
Com efeito, o grafite é definido como mais que uma linguagem artística, torna-se
assim, um importante instrumento de protesto e de transgressão dos valores
estabelecidos.
Esse tipo de expressão possibilitou a comunicação entre os moradores da cidade, a
união de muitas culturas que coexistem; em outras palavras, facilitou a fusão entre o
centro e a periferia.
No Brasil, essa arte disseminou-se rapidamente pelo país e, hoje em dia, segundo
estudiosos do tema, o grafite brasileiro é considerado um dos melhores do mundo.
Representantes do grafite
Confira alguns nomes de destaque no cenário do grafite nacional e internacional.
Keith Haring (EUA)
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
O grafiteiro americano Keith Haring no metrô, anos 80
Artista e ativista americano que nasceu em 1958 na Pensilvânia. Com extensa
produção na década de 80, contribuiu muito para o movimento do grafite.
Declaradamente homossexual, Haring contrai AIDS e faleceu em 1990, com 31
anos.
Banksy (Inglaterra)
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
O grafiteiro americano Keith Haring no metrô, anos 80
Grafite de Banksy em Paris, na França
Banksy é um artista de rua e ativista político que nasceu na Inglaterra em 1974.
Seus trabalhos são geralmente produzidos com a técnica do stencil (molde vazado)
e encontrados na cidade de Bristol, Londres e em várias outras partes do mundo.
A identidade de Banksy é obscura, mas especula-se que seja o músico Robert Del
Naja.
Os Gêmeos (Brasil)
Os irmãos Otávio e Gustavo Pandolfo são conhecidos como "Os Gêmeos".
Nasceram em São Paulo no ano 1974 e começaram a pintar em 1987.
São muito reconhecidos no país e também internacionalmente, tendo trabalhos nos
Estados Unidos, Inglaterra, Alemanha, Grécia, Cuba, entre outros lugares.
https://www.todamateria.com.br/grafite-arte-urbana/
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
O grafiteiro americano Keith Haring no metrô, anos 80
Pesquise mais dois artistas do Brasil que se dedicaram ás artes nas ruas com o
grafite. Escreva a bibliografia e cole uma imagem de alguma arte realizada por
cada um deles.
Cole aqui a imagem do primeiro 
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EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
O grafiteiro americano Keith Haring no metrô, anos 80
Escreva aqui sobre o primeiro artista e sua arte.;
Cole aqui a segunda arte do segundo artista.
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Escreva aqui sobre o segundo artista e sua arte.;
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
ARTE CONTEMPORÂNEA – HAPPENING
O termo happening é criado no fim dos anos 1950 pelo americano Allan Kaprow
(1927-2006) para designar uma forma de arte que combina artes visuais e um teatro
sui generis, sem texto nem representação. Nos espetáculos, distintos materiais e
elementos são orquestrados de forma a aproximar o espectador, fazendo-o
participar da cena proposta pelo artista (nesse sentido, o happening se distingue da
performance, na qual não há participação do público). Os eventos apresentam
estrutura flexível, sem começo, meio e fim. As improvisações conduzem a cena -
ritmada pelas ideias de acaso e espontaneidade - em contextos variados como ruas,
antigos lofts, lojas vazias e outros. O happening ocorre em tempo real, como o
teatro e a ópera, mas recusa as convenções artísticas. Não há enredo, apenas
palavras sem sentido literal, assim como não há separaçãoentre o público e o
espetáculo. Do mesmo modo, os "atores" não são profissionais, mas pessoas
comuns.
O happening é gerado na ação e, como tal, não pode ser reproduzido. Seu modelo
primeiro são as rotinas e, com isso, ele borra deliberadamente as fronteiras entre
arte e vida. Nos termos de Kaprow: "Temas, materiais, ações, e associações que
eles evocam devem ser retirados de qualquer lugar menos das artes, seus
derivados e meios". Uma "nova arte concreta", propõe o artista, no lugar da antiga
arte concreta abstrata, enraizada na experiência, na prática e na vida ordinária,
matérias-primas do fazer artístico. De acordo com Kaprow, os happenings são um
desdobramento das assemblages e da arte ambiental, mas ultrapassa-as pela
introdução do movimento e por seu caráter de síntese, espécie de arte total em que
se encontram reunidas diferentes modalidades artísticas - pintura, dança, teatro,
música. A filosofia de John Dewey (1859-1952), sobretudo suas reflexões sobre arte
e experiência, o zen-budismo, o trabalho experimental do músico John Cage, assim
como a action painting do pintor americano Jackson Pollock (1912-1956) são
matrizes fundamentais para a concepção de happening.
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3646/performance
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3777/arte-concreta
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo325/assemblage
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo351/ambiente
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo350/action-painting
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
John Cage (1912-1992) é o responsável pelo Theater Piece # 1, ou simplesmente "o
evento", realizado no Black Mountain College, na Carolina do Norte, Estados
Unidos, em 1952, considerado o primeiro happening da história da arte. No
espetáculo, M. C. Richards (1916-1999) e o poeta Charles Olson (1910-1970) lêem
poemas nas escadas enquanto David Tudor (1926-1996) improvisa ao piano e
Merce Cunningham (1919-2009) dança em meio à audiência. Pendurada, uma white
painting de Robert Rauschenberg (1925-2008), uma velha vitrola toca discos de
Edith Piaf (1915-1963). Café é servido por quatro rapazes de branco. Cage,
sentado, lê um texto que relaciona música e zen-budismo, algumas vezes em voz
alta, outras, em silêncio. O espetáculo apela simultaneamente aos sentidos da
visão, audição, olfato, paladar e tato, e, além disso, envolve os artistas mencionados
e outros participantes, que interferem, aleatoriamente, na cena. Kaprow inspira-se
no evento de Cage na concepção de seu primeiro espetáculo, 18 Happenings in 6
Parts, em 1958. O músico é um de seus mestres, sobretudo suas ideias de acaso e
indeterminação na arte.
Se o nome de Kaprow associa-se diretamente ao happening, tendo realizado uma
infinidade deles - Garage Environment, 1960, An Apple Shrine, 1960, Chicken, 1962,
entre outros -, é preciso lembrar que, nos Estados Unidos, artistas como Jim Dine
(1935), Claes Oldenburg (1929), Rauschenberg e Roy Lichtenstein (1923-1997)
também realizaram diversos happenings. À lista deve ser acrescentado ainda o
nome do artista lituano Georges Maciunas (1931-1978), radicado nos Estados
Unidos, e o movimento Fluxus, por ele concebido e batizado por ocasião do Festival
Internacional de Música Nova, em Wiesbaden, Alemanha, em 1962. O termo - do
latim, fluxu "movimento" -, originalmente criado para dar título a uma publicação de
arte de vanguarda, passa a caracterizar uma série de performances organizadas por
Maciunas na Europa, entre 1961 e 1963.
Aderem às propostas do Fluxus, entre outros, o músico e artista multimídia Nam
June Paik (1932-2006), e o alemão Joseph Beuys (1921-1986). As performances
concebidas por Beuys - que ele prefere chamar de ações, evitando os nomes
happening ou performance - na Alemanha se particularizam pelas conexões que
estabelecem com um universo mitológico, mágico e espiritual. Nelas chamam
atenção o uso frequente de animais - por exemplo, as lebres em The Chief - Fluxus
Chant, Copenhagen, 1963 -, a ênfase nas ações que conferem sentidos aos objetos
e o uso de sons e ruídos de todos os tipos, num apelo às experiências anteriores à
linguagem articulada e ao reino dos instintos, que os animais representam. Ainda
em solo europeu, é possível lembrar performances realizadas nos anos 1960, por
Yves Klein (1928-1962), na França, e, na trilha da arte povera italiana, os nomes de
Jannis Kounellis (1936) e Vettor Pisani (1934-2011). No Japão, os happenings
adquirem soluções novas com o Grupo Gutai de Osaka, que entre 1954 a 1972
reúne Jiro Yoshihara (1905-1972) e mais quinze artistas.
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3652/fluxus
No Brasil, Flávio de Carvalho (1899-1973) é um pioneiro da performance, realiza
várias a partir de meados dos anos 1950 - por exemplo, a relatada no livro
Experiência nº 2. O Grupo Rex, criado em São Paulo, também realiza uma série de
happenings, como o concebido por Wesley Duke Lee (1931-2010), em 1963, no
João Sebastião Bar. O Grande Espetáculo das Artes, como é chamado o evento,
tem origem na irritação do artista por não conseguir expor a série Ligas, considerada
excessivamente erótica. O happening tem como eixo uma atitude de rechaço à
crítica e às galerias de arte. O chamado neo-realismo carioca - Antonio Dias (1944),
Rubens Gerchman (1942-2008), Carlos Vergara (1941), Pedro Escosteguy (1916-
1989) e Roberto Magalhães (1940) - envolve-se com o espetáculo e exposição
coletiva PARE, em 1966. O evento, comandado pelo crítico Mário Pedrosa (1900-
1981) e inspirado nos programas de auditório do Chacrinha, é considerado por
certos comentaristas como o primeiro happening no Brasil. Da década de 1980,
devem ser mencionadas as Eletro-performances, espetáculos multimídia concebidos
por Guto Lacaz (1948).
Exercícios...
1- Diferencie o happening de performance:
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2- Defina as imagens em: performance x happening.
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3647/happening
A performance seria quando o artista apresenta uma cena em que normalmente
utiliza seu corpo como suporte enquanto os espectadores observam; já no
happening o público costuma participar também da ação.
___________________ ___________________performance happening
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9016/flavio-de-carvalho
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/grupo434025/grupo-rex
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3154/wesley-duke-lee
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa45/antonio-dias
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2104/rubens-gerchman
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9534/carlos-vergara
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa21410/pedro-escosteguy
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9435/roberto-magalhaes
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa445/mario-pedrosa
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8802/guto-lacaz
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
BODY ART
A Body Art (arte do corpo) é uma tendência artística contemporânea que surgiu na
década de 60, nos Estados Unidos e na Europa.
Sua principal caraterística é o uso do corpo como suportee intervenção para a
realização do trabalho artístico.
Dessa maneira, o corpo humano (seja do artista ou de um modelo) passa a ser a
“tela” (daí aproximação com a “body paint”, ou pintura corporal), bem como o
comunicador de ideias, ou seja, o mais importante veículo em que o artista vai
explorar sua "obra viva".
Exemplo de Body Art em que a pintura é feita sobre o corpo
Para muitos estudiosos sobre o tema, a body art é uma vertente da arte
contemporânea e seu precursor foi Marcel Duchamp (1887-1968) ao questionar os
limites do conceito e o modo de fazer arte, dando início a reflexão sobre a "arte
conceitual" bem como a relação do sujeito com o mundo.
Dessa forma, os artistas contemporâneos ultrapassam os limites da tela e do
conceito de arte ao propor uma nova forma de expressão artística em detrimento
das tradicionais pinturas e esculturas.
https://www.todamateria.com.br/marcel-duchamp/
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
Corpo Humano como suporte e experimentação artística;
Materialidade e resistência do corpo;
Relações entre arte e a vida cotidiana;
Arte como forma de protesto;
Choque do espectador;
Uso de performances, videoartes e instalações;
Temática livre de preconceito (cultura do corpo, sexualidade, nudez,etc.);
Tatuagens, maquiagens, deformações, travestimento, mutilações,
escarificações, queimaduras, implantes e ferimentos.
Principais Características da Body Art
Evolução da Body Art
Se pensarmos na arte de pintar o corpo, constata-se que esse processo é tão antigo
quanto a cultura humana.
Em sociedades primitivas era comum utilizar tintas para cobrir o corpo com sinais
que, muitas vezes, ultrapassavam a questão de “adornar”. Isso porque em algumas
culturas, os traços que cada um carregava simbolizavam hierarquia, celebrações,
passagem de ciclo, etc.
Foi dessa forma que a arte do corpo ou a body art surgiu, primeiramente como ritual
religioso ou marca cultural para designar determinada pessoa no grupo e, mais
tarde, como forma artística propriamente dita.
Dessa maneira, a body arte passou por diversas transformações até chegar no
século XXI como uma das tendências mais exploradas, tal qual a tatuagem.
Em resumo, antes ela surgia como uma necessidade de cultivar a crença e os
rituais, e atualmente, como forma de explorar artisticamente a mais importante
identidade humana: o corpo.
Principais Autores e Obras da Body Art
Artistas contemporâneos que merecem destaque com trabalhos de body art são:
Marina Abramovic, Ana Mendieta, Eva Hesse, Bob Flanagan, Viennois Gunter,
Chris Burden, Gina Pane, Dennis Oppenheim, Urs Luthi, Michel Journiac, Youri
Messen-Jaschin e Stuart Brisley.
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
Podemos listar como principais artistas nessa vertente:
1. Yves Klein (1928-1962)
Artista francês e um dos precursores da body art., Yves Klein é conhecido por
utilizar corpos femininos como suporte para sua arte, tal qual pincéis vivos.
Resultado final do trabalho Antropometria, de Yves Klein
Uma de suas performances mais famosas foi utilizar modelos cobertas por tinta
azul e, de forma que as arrastava elas formavam manchas na tela. Essa técnica foi
denominada de “Antropometria” ou “Medições visuais do corpo humano”.
2. Bruce Nauman (1941-)
Artista contemporâneo estadunidense, Nauman é famoso por suas performances e
instalações com neon, fotografias e vídeos.
Segundo ele: “Quero usar o meu corpo como material e manipulá-lo”. Uma de suas
obras em que utiliza seu corpo como forma de expressão é a “Fonte Refluxo”,
performance realizada em 1966, na qual ele cospe jatos de água pela boca em
movimentos repetitivos.
3. Vito Acconci (1940-2017)
Vito é estadunidense e destaca-se por suas performances como o “RubbingPiece”
(1970), em português “Esfregando a peça”, em que ele esfrega seu braço até surgir
uma ferida ou “Trappings” (1961), em português “Armadilhas”, em que ele passa
horas conversando com seu pênis e colocando roupas de bonecas.
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
4. Piero Manzoni (1933-1963)
Artista italiano considerado um dos mais radicais de da body art e famoso por sua
obra “Merded'artista” ou “Merda de Artista” (1961), formada por 90 latas contendo
suas próprias fezes.
Sua série "Esculturas vivas" também é marcante na body art, na qual assinava seu
nome em corpos de pessoas, para lhes conferir o status de arte.
5. Rudolf Schwarzkogler (1940-1969)
Rudolf é austríaco e se destacou por suas obras sinistras e mórbidas de forte
conotação política.
Foi participante do grupo de “Arte e Revolução” dos acionistas vienenses, ao lado
de Herman Nitsch, Otto Mühl e Günter Brus, formado em Viena entre 1965 e 1970.
Sob o lema da liberdade artística, o grupo foi considerado extremista no tocante à
atuação de performances.
https://www.todamateria.com.br/body-art/
 
Exercícios...
1- Quais são as principais características do Body Art?
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2- Como surgiu o Body Art?
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3- Onde surgiu o Body Art?
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Corpo Humano como suporte e experimentação artística; Materialidade e
resistência do corpo; Relações entre arte e a vida cotidiana; Arte como forma de
protesto; Choque do espectador; Uso de performances, videoartes e instalações;
Temática livre de preconceito (cultura do corpo, sexualidade, nudez,etc.);
Tatuagens, maquiagens, deformações, travestimento, mutilações, escarificações,
queimaduras, implantes e ferimentos.
 ela surgia como uma necessidade de cultivar a crença e os rituais, e atualmente,
como forma de explorar artisticamente a mais importante identidade humana: o
corpo.
Estados Unidos e na Europa.
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DATA: ____/____/____
NOVA ZELÂNDIA TATUAGEM FACIAL
“A modificação corporal é um legado social, cultural, político, artístico, logo, histórico
da humanidade. Um patrimônio efêmero, um legado precioso e sagrado.”
Manifesto Freak
Gostem ou não, as modificações corporais fazem parte de um rico, complexo e
extenso histórico da cultura humana. Em diferentes espaços e tempos a arqueologia
e antropologia têm nos mostrado a incidência de técnicas de se alterar o corpo.
Todavia, no século XXI existe uma resistência – muitas vezes violenta – na
aceitação dessas práticas. Em alguns espaços mais do que em outros. Em alguns
espaços o impedimento de acesso ao mercado de trabalho e em outros a prisão.
Quando falamos em cárcere, não pensem que estamos falando apenas do oriente
médio, como recentemente publicamos AQUI. O que temos assistido na Inglaterra
nos últimos anos com perseguições e prisões reforça a ideia de que no ocidente,
emborao discurso seja um, a prática tem sido outra. E precisamos estar atentas à
isso.
Desafiando essa resistência manifesta no controle de corpos e subjetividades, Oriini
Kaipara da Nova Zelândia se tornou a primeira apresentadora de televisão com uma
tatuagem facial bastante visível, na região do queixo. Aos 35 anos, ela vive em
Auckland e trabalha na TVNZ.
Oriini é uma mulher maori, em 2017 realizou um exame de DNA que apontou que
seu sangue seja 100% maori. A tatuagem – inclusive facial – é parte da cultura
maori e inclusive grande referência para a tatuagem internacional. Segundo aponta
matéria na Hypeness, foi assim que em 2019 a apresentadora decidiu realizar o seu
sonho de fazer uma tatuagem moko kauae.
O moko kauae que é uma tatuagem na região do queixo é uma tradição entre as
mulheres maoris, relacionada com a manifestação física da verdadeira identidade.
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
http://www.frrrkguys.com.br/jovens-iranianos-sao-presos-sob-o-pretexto-de-satanismo/
Quando a ideia foi levada para emissora, Oriini não teve problemas, mas conta em
entrevistas que nem todo público aprovou. Ainda, em entrevista para o NZ Herald, a
apresentadora disse que:
“Eu fiz o meu melhor e é tudo que eu queria. Não se trata apenas de mim, mas de
aproveitar e abrir oportunidades para os usuários de moko, para os Maori – não
quero que isso seja uma maravilha de uma pessoa só”.
http://www.frrrkguys.com.br/nova-zelandia-tem-apresentadora-de-tv-com-tatuagem-
facial/
Tatuagens faciais: um pouco de história
Embora existam muitas, muitas culturas em que as tatuagens faciais são uma
tradição e, claro, não estão relacionadas a nenhum tabu, iremos destacar dois, o
Maori e o Nomlaki.
Os Maori, habitantes da Nova Zelândia, têm uma tradição muito rica em
tatuagens faciais. Os homens, por exemplo, costumavam usar tatuagens
personalizadas com desenhos espirais intrincados, enquanto as mulheres se
limitavam a tatuar o queixo. Essas tatuagens mostravam o orgulho de seus
portadores pelos ancestrais e eram feitas cortando a pele e adicionando tinta à
ferida.
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
https://www.nzherald.co.nz/entertainment/news/article.cfm?c_id=1501119&objectid=12289233
Os Nomlaki, uma tribo da Carolina, são tão apaixonados por seus tatuadores que
até formam uma sociedade secretaTão secreto que se seus membros revelassem
alguns de seus segredos, corria o risco de ser assassinado. As tatuagens Nomlaki
eram comuns entre homens e mulheres e também consistiam em uma série de
cortes, especialmente com desenhos que iam do queixo para baixo.
A origem do tabu nessas tatuagens
Relacionadas a criminosos e à vida ruim em geral, as tatuagens faciais são um
símbolo bastante tabu no Ocidente, embora ultimamente muito mais aceita, como
veremos a seguir.
A origem desse tabu parece estar na década de 80, quando se tornou uma prática
comum entre os criminosos, que tatuavam áreas como rosto ou pescoço para
intimidar muito. No entanto, como mencionamos, esses tipos de tatuagens estão se
tornando cada vez mais populares e aceitos devido a vários motivos., como o fato
de culturas como o hip hop serem cada vez mais populares ou a abertura da
sociedade em relação às tatuagens em geral.
https://www.tatuantes.com/pt/tatuagens-faciais/
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
Exercícios...
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
1- Você conhece alguém que tenha tatuagem? Se sim, quem?
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2- Segundo o texto, o que é moko kauae?
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3- Na cultura do Maori os homens costumavam usar que tipo de tatuagem?
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4-Por que você acha que em alguns lugares as tatuagens ainda são mal vistas?
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Resposta individual.
Moko kauae é uma tatuagem na região do queixo é uma tradição entre as mulheres
maoris, relacionada com a manifestação física da verdadeira identidade.
costumavam usar tatuagens personalizadas com desenhos espirais intrincados.
Resposta pessoal.
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DATA: ____/____/____
DIFERENTES TIPOS DE PADRÕES
 
IRÃ: O PAÍS OBCECADO PELO NARIZ PERFEITO
 
Ana Cárdenes e Artemis Razmipour. Teerã, 17 out (EFE).- Com sete vezes mais
operações de rinoplastia por ano do que os Estados Unidos, o Irã é, possivelmente,
o país com maior avidez por estes "retoques" cirúrgicos, uma obsessão que leva
mais de 200 mil pessoas a passarem anualmente pela sala de cirurgia na busca
pelo nariz perfeito. "O nariz do iraniano é muito grande e influi muito na aparência,
por isso sou totalmente a favor das pessoas que operam", afirmou à Agência Efe
Parvane, uma mulher de 55 anos que modificou sua aparência há três décadas.
Sua opinião é compartilhada por milhares de mulheres, mas também por homens,
que cada vez mais recorrem aos especialistas buscando um rosto que se aproxime
ao seu ideal de beleza. A cirurgia é tão bem vista no país que a pessoa que faz não
apenas a exibe, como mostra com orgulho o nariz enfaixado durante as semanas de
recuperação sem qualquer complexo. Em algumas regiões do Teerã é praticamente
impossível passar o dia sem cruzar com uma ou várias pessoas com o nariz coberto
por gaze. Nasi, de 34 anos, e que operou aos 21, acredita que o motivo para tantas
iranianas operarem o nariz se deve em parte ao uso obrigatório do hiyab, o véu
islâmico, que lhes obriga a cobrir o corpo e o cabelo nos espaços públicos. "Aqui,
somente o rosto das mulheres aparece, por isso damos tanta importância ao rosto.
Talvez se pudéssemos nos vestir como em outros países, sem nos cobrirmos, não
nos centraríamos tanto no nariz", opinou. A influência das amizades, em uma
sociedade que valoriza enormemente a beleza, tem também um grande efeito,
principalmente, nas mais jovens. "Eu fiz minha operação aos 18 anos porque tinha
um nariz grande e feio. Para mim, a aparência e o bem-estar são muito importantes.
Além do mais, todo mundo aqui se opera. 99% das minhas amigas têm o nariz
operado", disse Mina, de 29 anos. A exigência de ter um nariz "perfeito" está
chegando aos homens, que agora já representam 15% dos que buscam a solução
no bisturi. Hossein, de 40 anos, que operou "por desvio de septo nasal e também
por estética", está convencido de que "o nariz dos iranianos é geneticamente
problemático" e não gosta do seu rosto, embora reconheça que "muita gente que 
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.não precisa também opera não por ter um nariz feio, mas por querer que seja
perfeito". "Ter um bonito nariz influencia muito na aparência e te dá muita
autoconfiança para se relacionar com sexo oposto", acrescentou. Mohsen Naragui,
médico presidente da Associação de Pesquisa de Rinologia do Irã, atuante na área
há mais de 20 anos e responsável por mais de três mil procedimentos, descarta
alguns destes argumentos. "A grande procura por essa intervenção é uma questão
cultural e não se deve às características físicas. O nariz do povo iraniano é mais
correto do que o de outros povos árabes, mas aqui há muito mais operações",
explicou o médico à Agência Efe. Segundo o médico, as mulheres iranianas se
preocupam muito com a estética e isso está presente na cultura iraniana antiga.
"Não é algo que esteja relacionado apenas ao nariz, mas a todo o corpo. Também
aumentaram muito os pedidos de aplicação de botox, tratamentos
rejuvenescedores, o aumento do volume do rosto e procedimentos para esconder
rugas", contou. De acordo com um recente estudo da associação, além da altíssima
procura por cirurgias, outra diferença do Irã para outros países é o grande número
de pacientes que querem operar sem necessidade. "Metade das pessoas que vêm
ao meu consultório pedindo para operar o nariz não precisa. Muitas mulheres
jovens, algumas de 15 anos, vêm pedindo uma rinoplastia e é necessário que os
profissionais sejamos honestos e questionemos sua decisão", afirmou Naragui.
Essa "falsa necessidade" se deve em grande parte ao estímulo social para que
realizem a operação, mas também por não conhecerem os padrões de beleza e
acreditarem, por exemplo, que um nariz menor é mais bonito. "A beleza vem da
naturalidade, da harmonia com o restante do rosto", explicou o médico,
acrescentando que outros problemas são as expectativas irreais dos pacientes, que
às vezes acham que a operação vai mudar a vida deles, ou a falta de consciência
do risco que representa esta intervenção cirúrgica. Seus argumentos, contudo, não
conseguem convencer os milhares de iranianos que a cada ano, por um preço que
varia entre o equivalente a R$ 2.400 e R$ 24.000, procuram as clínicas e centros
estéticos em busca de um nariz que julgam perfeito.
https://noticias.r7.com/saude/ira-o-pais-obcecado-pelo-nariz-perfeito-17102014
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
ÍNDIA PIERCINGS, TATUAGENS
As mulheres indianas normalmente usam saris coloridos, se pintam com henna,
usam piercings dourados no nariz e o famoso terceiro olho, tudo isso para
simbolizar feminilidade e também status – sempre relacionado aos
maridos.tradicionalmente, ser uma mulher magra não era atrativo nem considerado
saudável na Índia, mas recentemente os padrões ocidentais invadem o país e a
magreza já é um padrão para as mulheres indianas mais jovens.
MAURITÂNIA FAZENDAS PARA ENGORDAR MULHERES
Os homens africanos da Mauritânia, consideram que o padrão ideal de beleza
feminino são mulheres grandes, por isso, até hoje ainda existem tipos de fazendas
para engordar as mulheres, totalmente o oposto das academias que estamos
acostumadas. Embora essa prática já esteja morrendo aos poucos, ainda existem
meninas a partir de 7 anos sendo tiradas das escolas para serem levadas para as
fazendas. E dizem que é bem como você está imaginando: elas são forçadas a
comer coisas “engordantes” durante todo o dia.
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
MIANMAR PESCOÇOS LONGOS
No país asiático, e também no norte da Tailândia onde muitos imigrantes do país
vivem, é muito comum encontrar as mulheres da tribo Karenis, conhecidas por
alongar o pescoço com argolas de metal, que forçam os ombros para baixo e
deixam o pescoço das mulheres muito mais comprido. É um ritual agressivo, que
começa com meninas aos 5 anos de idade e, por causa das argolas, causa diversos
danos, como os músculos do pescoço não suportarem mais o peso da cabeça.
Ainda existe, mas está cada vez menos comum.
https://nosquebrilhamos.blogspot.com/2017/11/diferentes-tipos-de-padrao-de-
beleza-no.html
 
Exercícios...
1- A tatuagem tem se tornando algo comum, o que influencia positivamente se
comparado a décadas anteriores. Mas, no mercado de trabalho, o tipo de arte e o
local ainda interferem durante o processo seletivo ou para quem já é contratado.
Pensando nisso, faça uma pesquisa sobre as tatuagens e o preconceito durante as
contratações em alguns empregos. Há alguma lei que ampara as pessoas
tatuadas?
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(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
Pesquisa pessoal. O aluno deverá falar sobre a descriminação dos contratantes ao
perceberem que o contratado, ou possível contratado, tem uma tatuagem. E, se há
alguma lei que ampare esse preconceito. 
2- Veja uma entrevista feita com uma jovem chamada Danielle.
"Para evitar constrangimentos
Foi para evitar esse tipo de constrangimento e mesmo aquele olhar enviesado que a
assessora de imprensa Danielle Pessanha optou por camuflar as 12 tatuagens que
tem espalhadas pelo corpo. Ela trabalha na Associação Comercial de São Paulo
(ACSP), uma das mais tradicionais associações do País, e atende diretamente o
presidente da entidade, além de conviver com muitos diretores e convidados
extremamente conservadores. “Achei por bem esconder as minhas tatuagens. Não
que alguém tenha me pedido ou por achar que isso atrapalharia minha função, mas
simplesmente por considerar que, por ser um local mais formal, elas poderiam
chamar mais atenção do que o meu trabalho”, diz ela. Apaixonada por tatuagens,
Danielle conta que cada desenho tem alguma relação com a sua vida. A primeira foi
uma borboleta, quando ela ainda tinha 16 anos. “Representou a minha
independência e liberdade. Eu trabalho desde os 13 anos, mas foi com 16 que
consegui de fato me manter com meu salário, sem precisar mais pedir ajuda aos
meus pais.” A borboleta ganhou a companhia de outras 11 ao longo dos últimos 11
anos. A mais recente – e que ela garante ser a última, embora tenha feito a mesma
promessa para a mãe quando chegou na sexta – é a mão de Fátima no antebraço,
que ela esconde usando sempre camisas de manga longa ou um blazer nas horas
de encontros com o chefe.
 Camuflando desenhos com pulseiras
“As do pulso camuflo com o relógio e pulseiras. As da batata da perna são ajudadas
pelo fato de eu sempre usar calças compridas ou vestidos longos. As únicas que
ficam visíveis são as do peito do pé. Mas ali também, quase ninguém presta
atenção”, garante a jornalista.
Na opinião de Karpat, esconder pode ser a melhor opção em um ambiente como
esse, bastante conservador. “Normalmente em áreas administrativas é mais
incomum ver pessoas ostentando a tatuagem, mas nãoquer dizer que ela não
exista. Ela pode estar ali, escondida por trás da camisa ou do vestido. Mas são
nesses ambientes em que existe mais preconceito, não uma política de Recursos
Humanos que proíba tatuagem visível”, diz.
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
Diversidade deve ser valorizada
Opinião semelhante tem o sócio da Odgers Berndtson Brasil, João Paulo Camargo.
“Vivemos no mundo onde a diversidade é valorizada e o tema tatuagem deixou há
muito de ser tabu. Ter o corpo desenhado não vai excluir um executivo de uma
vaga, por exemplo, ou dificultar futuras promoções. Ainda assim, em uma entrevista
inicial, acho recomendável esconder o desenho se for muito grande para evitar ser
vítima de preconceito. Pois de modo geral, as empresas não escolhem um ou outro
candidato pela aparência, mas pela competência. Porém, o preconceito existe e é
melhor não arriscar”, diz o executivo, cuja consultoria tem justamente a função de
ajudar as empresas na busca pelos melhores executivos – com ou sem tatuagens.
Ele recomenda ainda, que numa entrevista inicial o candidato estude a empresa
para saber qual é a cultura corporativa e optar pelo melhor posicionamento. “Estudar
a empresa deveria ser uma prática adotada por todo candidato a emprego. Isso
evita gafes e ajuda até na entrevista, pois a pessoa está mais preparada por
entender o que a empresa procura e como se portar para se sair bem. A partir disso
já é possível decidir se vale ou não a pena deixar a tatuagem à vista. Esconder,
nesse caso, não é má-fé, mas uma adequação ao ambiente.”
Na sua opinião, a tatuagem deve ser um requisito para contratação? Explique sua
opinião.
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3- Faça você uma pesquisa de entrevistas de pessoas que sofreram problemas em
contratação devida tatuagens. 
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Resposta de opinião individual.
Resposta individual..
https://www.vagas.com.br/profissoes/sinais-de-que-voce-nao-esta-bem-na-entrevista-de-emprego/
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
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Resposta individual..
"Artista plástico, escultor e pintor suíço nascido em Borgonovo, bem perto da
fronteira com a Itália, o mais famoso nome dentre os escultores surrealistas, criador
de uma obra plástica que percorreu a escultura, a pintura e a cenografia, sempre
mais próximo dos cubistas e dos pós-cubistas. Filho de um pintor pós-
impressionista, Giovanni Giacometti, que o estimulou em sua inclinação para as
artes e o matriculou na Escola de Artes e Ofícios de Genebra. Mudou-se para Paris
(1922) onde estudou cerca de cinco anos com Émile-Antoine Bourdelle. A
semelhança com objetos reais desapareceu de sua obra (1925-1929).
No início da década seguinte acabou por adotar uma estética surrealista e passou a
idealizar suas esculturas-objetos. Rompeu com o surrealismo (1935) e começou a
se concentrar em obras baseadas em modelos humanos. Durante a Segunda
Guerra Mundial, refugiou-se e conheceu sua futura esposa com quem se casariam
(1949), e seguiria a fase mais produtiva de sua carreira. Depois da guerra (1947),
adotou um estilo que o tornou famoso, de figuras magras, alongadas e afiladas, e
esculpindo a maioria das obras dessa fase em miniaturas. Também escreveu
versos, e passou a dedicar-se também à pintura (1947).
Entre um trabalho e outro, recebeu o grande prêmio para escultores na bienal de
Veneza (1962) e morreu de uma doença cardíaca, em Chur, França. Entre suas
criações mais conhecidas figuram Torso (1925), A Mulher-colher (1926), Objeto
desagradável (1932), Mulher com sua garganta cortada (1932), O palácio às quatro
da manhã (1932), Nariz (1947), Homem Caminhando (1947), O Cão (1951), Grande
Mulher IV, Figura Alta II e Figura Alta III (1960)."
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
ALBERTO GIACOMETTI
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
https://brasilescola.uol.com.br/biografia/alberto-giacometti.htm
Exercícios...
Cole uma imagem de uma das obras do Alberto Giacometti:
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
Pesquisa.
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
EDGAR DEGAS
Edgar Degas (1834-1917) foi um pintor impressionista francês, consagrado por suas
pinturas femininas, sobretudo pela série das bailarinas e também pelo efeito de
movimento retratado em suas obras.
Edgar Degas, nome artístico de Hilaire-Germain-Edgar Degas, nasceu em Paris,
França, no dia 19 de julho de 1834. Filho e neto de banqueiros, Degas ficou órfão de
mãe com 13 anos de idade.
Revelou uma inclinação precoce para as artes plásticas. Ainda menino
acompanhava o pai aos salões do Louvre e visitava as coleções particulares de
pintura da classe alta parisiense.
Formação
Em 1845