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HISTÓRIA DA ARTE
 
 
INTRODUÇÃO 3 
 
1. ARTE RUPESTRE 5 
 
2. ARTE NA IDADE ANTIGA 10 
Egito 11 
A Civilização Minoana 15 
 
3. ARTE NA IDADE MEDIEVAL 22 
Antiga Arte Antiga Cristã e Tardia 27 
Período de Migração Através da Cristianização 31 
A Influência da Arte Islâmica 34 
 
4. ARTE NA IDADE MODERNA 37 
 
5. ARTE NA IDADE CONTEMPORÂNEA 42 
O Museu de Arte Contemporânea em Miami, Flórida 45 
Atitudes Públicas 47 
História 48 
 
6. REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS 54 
 
 3 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
INTRODUÇÃO 
Esta é uma apostila teoricamente fundamentada a partir de um estudo 
que se pretende uma minuciosa e reflexiva a História da arte para os campos 
de Educação Musical e Ensino de Artes. O tema que norteia essa obra tem sido 
objeto do estudo de diversos pesquisadores e estudiosos, tendo uma vasta 
literatura como referencial. De modo que, a pretensão de esgotar o assunto, 
mais do que arrogancia, representaria a completa comprovação de 
ingenuiadade acerca do tema aludido. 
Nosso objetivo é oferecer um material conciso que seja o ponto de partida 
para o interesse, a pesquisa e a reflexão do tema abordado, trazendo ao aluno, 
o entendimento da formação e sedimentação da arte ao longo da historia, 
fornecendo as bases para a arte contemporanea e influenciando a sociedade. 
Para tanto, alem do material escrito, oferecemos um vasto referencial 
teorico, que norteou a execução desta obra e pode ampliar a compreensão do 
aluno sobre o tema. Desejamos otima leitura e bons estudos! 
 
 
 
 
 
 
 
 
5 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
1. ARTE RUPESTRE 
 
A arte rupestre, também 
Conhecida como gravura ou pintura 
rupestre, surgiu durante o 
Paleolítico Superior (cerca de 
40.000 a.C.) e simbolizava as 
manifestações artísticas dos povos 
antigos. 
Em 1902, pesquisadores 
concordaram que esses achados 
representavam a arte na pré-
história. Basicamente, eram 
representações gráficas, pré-
históricas realizadas em paredes, 
tetos e outras superfícies de 
cavernas e abrigos rochosos, ou 
mesmo sobre superfícies rochosas 
ao ar livre. Esse tipo de arte é 
conhecido como a expressão 
artística mais antiga da história. 
Extrato de folhas, sangue de 
animais e fragmentos de rochas 
eram utilizados para tingir na 
parede pinturas de seus próprios 
hábitos, como a caça de animais 
(acreditavam que a pintura de uma 
caça bem sucedida se refletiria na 
realidade), danças, lutas corporais e 
rituais. 
A arte rupestre divide-se em 
dois tipos: 
 
 
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HISTÓRIA DA ARTE 
 
 A Pintura Rupestre: 
composições realizadas com 
pigmentos 
 A Gravura Rupestre: 
imagens gravadas em incisões na 
própria rocha. 
Conforme Peregalli (1987), os 
povos de alta cultura pré-
colombiana como os astecas, incas e 
maias que habitavam a América 
antes da chegada de Colombo foram 
os maiores representantes da arte 
pré-colombiana. Esses povos têm 
sua história contada através de sua 
arte como pinturas, esculturas e 
templos grandiosos, construídos 
com pedras ou materiais preciosos. 
É racional ressaltar que além da arte 
pré-histórica ou rupestre existe a 
arte primitiva produzida pelos 
nativos (índios) e outros povos que 
habitavam a América antes mesmo 
da chegada de Colombo. 
Atualmente é possível 
encontrar arte primitiva como as 
máscaras para rituais, esculturas e 
pinturas feitas pelos negros 
africanos. Existe arte primitiva 
também entre os nativos da Oceania 
e também entre os índios 
americanos, que fazem objetos de 
arte primitiva muito apreciados 
entre os povos atuais. Além disso, 
podemos encontrar expressões 
artísticas entre os nativos (índios) 
brasileiros, sobretudo por ocasião 
de suas comemorações festivas. 
Os costumes e a rotina do 
homem pré-histórico eram 
reproduzidos nas cavernas, de 
maneira individual, ou coletiva, até 
mesmo partos e relações sexuais 
eram registrados. Diversos estudos 
que investigam a possibilidade 
dessa atividade ser dotada de um 
sentido especial para o homem 
primitivo, pois a produção de arte 
rupestre. 
Em geral as imagens são 
formadas por figuras de grandes 
animais selvagens, como bisões, 
cavalos, cervos, entre outros. A 
figura humana surge menos vezes, 
mas também é muito comum, 
sugerindo atividades como a dança, 
a luta e, principalmente, a caça, mas 
normalmente em desenhos 
esquemáticos e não de forma 
naturalista, como acontece com os 
dos animais. Paralelamente 
encontram-se também palmas de 
mãos humanas e motivos abstratos. 
 Os pigmentos mais usados são 
o carvão, argilas de várias cores e 
minerais triturados. Os veículos 
para os pigmentos são de 
determinação mais difícil, mas 
presume-se que possam ter sido 
usados sangue, excrementos e 
gordura animal, ceras e resinas 
 
 
7 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
vegetais, clara ou gema de ovos e 
saliva humana. e distanciava de 
suas aldeias. 
A pintura rupestre abrangia 
também aspectos religiosos da pré-
história não se limitando apenas a 
registros do cotidiano. Círculos, 
espirais, cruzes e outros objetos 
geométricos eram pintados, 
tornando a interpretação disso mais 
complexa e misteriosa. Isso 
demonstra o desafio enfrentados 
por arqueólogos e paleontólogos 
envolvidos nas pesquisas a respeito. 
Observa-se que naqueles 
tempos já havia noção de proporção 
na pintura e que o homem 
procurava destacar um objeto com 
diferentes tonalidades, apesar de 
ser totalmente desprovido de senso 
estético. 
A pintura rupestre em todos os 
continentes pode ser observada em 
todos os continentes, através dela, 
os pesquisadores conseguem obter 
estudos e informações da cultura 
primitiva. São mais de 400 mil 
sítios arqueológicos que contêm 
arte rupestre. 
Segundo Rodrigo Simas 
Aguiar: 
"Uma tradução dos grafismos 
rupestres é impossível, pois 
para tanto seria necessário 
conhecer com precisão os 
códigos que regem a 
composição destes símbolos. 
[...]Como não podemos 
decifrar com precisão os 
desenhos, é fundamental estar 
atento às técnicas de produção. 
Ciente disso, o arqueólogo 
registra informações diversas 
sobre a arte rupestre, como 
estilo, maneira de pintar ou 
gravar, largura dos sulcos ou 
linhas, tipos de associações de 
desenhos, fontes de água mais 
próximas, e assim por diante. 
Essas informações, quando 
combinadas a outras, vindas de 
escavações arqueológicas 
tradicionais, auxiliarão na 
composição do contexto em 
que a arte rupestre está 
inserida." 
No Brasil, por exemplo, se 
encontram vários sítios de arte 
rupestre pré-histórica. Há 
manifestações de arte rupestre em 
todo o território nacional. Com base 
em suas características e 
localização, o acervo foi dividido em 
"tradições": Agreste, Planalto, 
Nordeste, São Francisco, Litorânea, 
Geométrica, Meridional e 
Amazônica, mas verificam-se 
muitas interpenetrações entre esses 
grupos. 
Dentre eles se destaa o Parque 
Nacional da Serra da Capivara, na 
cidade de São Raimundo Nonato, 
no estado do Piauí. Outros parques 
brasileiros com sítios de arte 
rupestre: 
 
 
8 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
 Peruaçu, em Minas Gerais; 
 Lagoa Santa, em Minas 
Gerais; 
 Rondonópolis, no Mato 
Grosso; 
 Cariris Velhos, na Paraíba; 
 Parque Nacional Sete 
Cidades, no Piauí. 
 
Aqui se vê uma imagem do FSM recolhida 
nas paredes de uma caverna, mostrando 
como a arte já era uma parte importante da 
vida para o homem das cavernas 
Como exemplos de arte 
rupestre em outros países estão os 
sítios na Caverna de Les Trois-
Frères, Complexo de Cavernas de 
Lascaux, ambos na França e a 
última uma das de maior 
reconhecimento mundial e 
patrimônio da Unesco, Caverna de 
Altamira, na Espanha e Vale 
Camonica, na Itália. 
Embora as conclusões dos 
estudiosos sejam muito 
controversas, é um consenso que os 
registros podem proporcionar 
valiosas pistas a respeito da cultura 
e das crenças daquela época. As 
imagens também têm sido usadas 
paradesvendar a aparência da 
fauna e da flora daqueles tempos, 
mas o grau de realismo das 
representações é variável, e mesmo 
os exemplares mais sofisticados 
podem não ser realistas. Segundo 
estudo de Pruvost et al., as figuras 
de cavalos tendem a ser as mais 
confiáveis. 
 
 
 
 
 
 
 10 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
2. ARTE NA IDADE ANTIGA 
 
As expressões artísticas são 
produzidas de acordo com os 
contextos históricos. Durante a 
antiguidade a arte é extremamente 
abrangente e composta pelas 
riquezas das artes egípcia, grega, 
romana, paleocristã, bizantina e 
islâmica. 
Entretanto, enquanto a arte 
egípcia é vinculada ao espírito, aos 
deuses e sua glorificação, a arte 
grega a liga-se à inteligência. Na 
antiguidade, a partir do século V a. 
C. a produção artística mais 
significativa para o Ocidente se 
inicia na Grécia. Nesse período são 
criados padrões estéticos que 
servem de base para a arte 
ocidental. No século II a.C., também 
a cultura romana tem uma 
produção artística relevante. Em 
princípio, a religião exerce grande 
influência. Aos poucos, os seres 
humanos vão se tornando a 
preocupação central dos artistas. 
Vale ressaltar que enquanto os 
romanos espalhavam seu estilo 
artístico por toda a Europa e parte 
da Ásia, os cristãos (seguidores de 
Jesus Cristo) começaram a criar 
 
 11 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
uma arte simples e simbólica 
executada por pessoas que não 
eram grandes artistas pertencentes 
as comunidades simples. 
A arte bizantina sofreu 
influências dos estilos de Roma, 
Grécia e do Oriente e também foi 
conduzida pela religião. A união de 
certos elementos dessas culturas 
formou um novo modelo artístico: a 
Arte Islâmica, que ao definir seu 
estilo conceitual e religioso, 
produziu belas cúpulas nas 
mesquitas e lindas tapeçarias 
pérsicas. 
 
Egito 
Devido à natureza altamente 
religiosa da antiga civilização 
egípcia antiga, muitas das ótimas 
obras do antigo Egito representam 
deuses, deusas e faraós , que 
também foram considerados 
divinos. A arte egípcia antiga 
caracteriza-se pela idéia de ordem. 
Linhas claras e simples combinadas 
com formas simples e áreas planas 
de cor ajudaram a criar um senso de 
ordem e equilíbrio na arte do antigo 
Egito. 
Os artistas egípcios antigos 
usaram linhas de referência 
verticais e horizontais para manter 
as proporções corretas em seus 
trabalhos. Político e religioso, bem 
como artístico, também foi mantida 
na arte egípcia. 
Para definir claramente a 
hierarquia social de uma situação, 
as figuras foram desenhadas para 
tamanhos que se baseassem não em 
sua distância da perspectiva do 
pintor, mas em importância 
relativa. Por exemplo, o faraó seria 
desenhado como a maior figura em 
uma pintura, independentemente 
de onde ele estivesse situado, e um 
Deus maior seria atraído maior do 
que um deus menor. 
O simbolismo também 
desempenhou um papel importante 
no estabelecimento de um senso de 
ordem. O simbolismo, que variava 
da regalia do faraó (simbolizando 
seu poder para manter a ordem) aos 
símbolos individuais dos deuses 
egípcios e deusas, era omnipresente 
na arte egípcia. Os animais eram 
geralmente também figuras 
altamente simbólicas na arte 
egípcia. 
A cor, também, tinha um 
significado prolongado - azul e 
verde representavam o Nilo e a vida; 
O amarelo representava o deus do 
sol; e o vermelho representou poder 
e vitalidade. As cores dos artefatos 
egípcios sobreviveram 
extremamente bem ao longo dos 
 
 12 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
séculos por causa do clima seco do 
Egito. 
Apesar da forma stilted 
causada pela falta de perspectiva, a 
arte egípcia antiga é 
frequentemente altamente realista. 
Os artistas antigos egípcios muitas 
vezes mostram um conhecimento 
sofisticado de anatomia e uma 
atenção aos detalhes, especialmente 
em suas renderizações de animais. 
Durante a 18ª dinastia do Egito, um 
faraó com o nome de Akhenaton 
tomou o trono e aboliu o politeísmo 
tradicional. 
Ele formou uma religião 
monoteísta baseada na adoração de 
Aten, um deus do sol. A mudança 
artística seguiu a agitação política. 
Foi introduzido um novo estilo de 
arte que era mais naturalista do que 
o friso estilizado favorecido na arte 
egípcia nos anos anteriores de 1700. 
Após a morte de Akhenaton, no 
entanto, os artistas egípcios 
voltaram para seus estilos antigos. 
A faiança que foi produzida na 
antiga antiguidade egípcia já em 
3500 aC foi, de fato, superior à 
faiança de lata de vidro do século 15 
europeu. [1] A faiança do antigo 
egípcio não era feita de argila, mas 
sim de uma cerâmica composta 
principalmente de quartzo . 
 
Mesopotâmia: 
Mesopotâmia (do grego 
Μεσοποταμία "[terra] entre os 
rios", em siríaco chamado ܢܗܪܝܢ ܒܝܬ 
pronunciado "Beth Nahrain", 
"Terra dos rios", traduzido em árabe 
como الرافدين بالد bilād al-rāfidayn) é 
um topônimo para a área de o 
sistema do rio Tigres - Eufrates , em 
grande parte correspondente ao 
Iraque moderno, bem como 
algumas partes do nordeste da Síria, 
sudeste da Turquia e sudoeste do 
Irã. A mesopotâmia é muitas vezes 
considerada o "berço da 
civilização". Dentro de suas 
fronteiras, algumas das civilizações 
mais antigas conhecidas primeiro 
desenvolvido escritura e agricultura 
. Muitas civilizações floresceram lá, 
deixando para trás um rico legado 
de arte antiga. 
Considerado extensamente 
como o berço da civilização, a 
Mesopotâmia da Idade do Bronze 
incluiu a Suméria e os impérios 
acadiano, babilônico e assírio. Na 
era do ferro, foi governado pelos 
impérios neo-assírios e 
neobabylonianos. Os indígenas 
Sumérios e Akkadianos (incluindo 
assírios e babilônios) dominaram a 
Mesopotâmia desde o início da 
história escrita (c. 3100 aC) até a 
queda de Babilônia em 539 aC, 
 
 13 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
quando foi conquistada pelo 
Império Aquemênida. Foi 
governada por Alexandre o Grande 
em 332 aC e, após a sua morte, 
tornou-se parte do Império 
Selêucida grego. 
Cerca de 150 aC, a 
Mesopotâmia estava sob o controle 
dos partos. A Mesopotâmia tornou-
se um campo de batalha entre os 
romanos e partos, com partes da 
Mesopotâmia (particularmente a 
Assíria) sob controle periódico 
romano. Em 226 dC, caiu para os 
persas sassanídeos e permaneceu 
sob o domínio persa até a conquista 
islâmica árabe do século 7 do 
Império Sassanid. 
Um número de estados nativos 
da Mesopotâmia, principalmente 
cristãos, existiram entre o século I 
aC e o século III dC, incluindo 
Adiabene, Oshroene e Hatra. 
Etimologia O topônimo regional 
Mesopotâmia (das palavras raiz 
"meso" <μέσος = meio e "piramia" 
<ποταμός = rio, literalmente "entre 
rios") foi inventado no período 
helenístico para se referir a uma 
ampla área geográfica sem limites 
definidos e foi provavelmente usado 
pelos selêucios. 
O termo biritum / birit narim 
correspondeu a um conceito 
geográfico semelhante e foi 
cunhado durante a aramaicização 
da região, no século 10 aC. 
Contudo, é amplamente aceito 
que as primeiras sociedades da 
Mesopotâmia simplesmente se 
referiam a todo o aluvio pelo termo 
sumério Kalam ("terra"). Mais 
recentemente, termos como 
"Grande Mesopotâmia" ou "Syro-
Mesopotâmia" foram adotados para 
se referir a geografias mais amplas 
correspondentes ao Oriente 
Próximo ou Oriente Médio. Estes 
eufemismos posteriores são termos 
eurocêntricos atribuídos à região 
em meio a várias invasões 
ocidentais do século XIX. 
 
Suméria: 
A evidência arqueológica atesta 
a sua existência durante o 5º 
milênio aC . Os sumérios decoraram 
sua cerâmica com pinturas de óleo 
de cedro . Os sumérios também 
desenvolveram joias. 
Um dos artefatos mais notáveis 
que resta da civilização suméria é 
conhecido como o padrão de ur . 
Datada até aproximadamente 2500 
aC, o Standard é uma caixa de 
madeira embutida com conchas e 
lapislazuli . Ele retrata, de um lado, 
soldados apresentando o seu rei 
com prisioneiros e, por outro lado, 
 
 14 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
camponeses apresentando-lhe 
presentes - prova impressionante 
que atesta a vitalidade da arte nesta 
cultura antiga. 
Suméria fez muitos grandes 
avanços. Por exemplo, há a roda, o 
que facilitou o transporte para os 
sumérios. O arco foi a maior 
conquista arquitetônica da 
Suméria. Os ziggurats eram templos 
em forma de pirâmide, construídos 
pelos arquitetos sumérios. Eles 
acreditavam que os deuses viviam 
na parte superior dos templos. Os 
reis declarariam que os deuses os 
haviam mandado governar, e os 
sumérios seguiriam feliz as leis do 
rei. O rei teve muitos trabalhos 
importantes, como liderar o 
exército e cuidar da irrigação, com 
os quais os sumérios poderiam 
controlar os rios. Os governantes 
teriam batalhas sobre a terra, e a 
vida continuaria para os sumérios. 
 
Babilônia: 
A conquista de Sumer e Akkad 
pela Babilônia marca um ponto de 
viragem na história artística e 
política da região. Os babilônios 
aproveitaram a abundância de 
argila na Mesopotâmia para criar 
tijolos . O uso de tijolos levou ao 
desenvolvimento inicial da 
pilastagem e coluna , bem como de 
afrescos e azulejos esmaltados. As 
paredes eram brilhantemente 
coloridas e às vezes banhadas de 
bronze ou dourado , bem como com 
telhas. Cones de terracota pintados 
também foram incorporados no 
gesso. 
Os babilônios também eram 
grandes trabalhadores de metal , 
criando ferramentas funcionais e 
bonitas com cobre . É possível que a 
Babilônia seja o lar original do 
trabalho de cobre, que se espalhou 
para o oeste com a civilização a que 
pertencia. Além disso, a falta de 
pedra na Babilônia tornou todos os 
seixos preciosos e levou a uma alta 
perfeição na arte de gem-corte. As 
artes da Babilônia também incluíam 
tapeçarias , e a civilização 
babilônica era de uma data cedo 
famosa por seus bordados e tapetes. 
 
Assíria: 
Como todos os outros reinos , o 
reino da Babilônia não durou para 
sempre. Quando Babilônia caiu em 
declínio, eventualmente foi 
conquistada pela Assíria , uma das 
suas antigas colônias, a Assíria 
herdou suas artes e seu império. 
No início, os arquitetos e 
artistas assírios copiaram estilos e 
materiais babilônicos, mas, com o 
 
 15 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
passar do tempo, os últimos 
asiáticos começaram a se livrar de 
influências babilônicas. As 
muralhas dos palácios assírios 
estavam alinhadas com lajes de 
pedra em vez de tijolos, e eram 
coloridas em vez de pintadas como 
na Caldéia . No lugar do baixo 
relevo, temos figuras esculpidas , 
sendo os primeiros exemplos as 
estátuas de Girsu que são realistas, 
mas um tanto desajeitadas. 
Não foram encontrados 
espécimes notáveis de arte 
metalúrgica do início da Assíria, 
mas em uma época posterior, 
grande excelência foi alcançada na 
fabricação de joias tais como 
brincos e pulseiras de ouro . O cobre 
também foi trabalhado com 
habilidade. 
As formas da cerâmica assíria 
eram graciosas; A porcelana , como 
o vidro descoberto nos palácios de 
Nínive , foi derivada de originais 
egípcios . O vidro transparente 
parece ter sido introduzido pela 
primeira vez no reinado de Sargon 
II . Pedra, bem como argila e vidro 
foram empregados na fabricação de 
vasos. Os vasos de pedra dura foram 
desenterrados em Tello, semelhante 
aos do período dinástico primitivo 
do Egito. 
Ashurbanipal promoveu arte e 
cultura e tinha uma vasta biblioteca 
de comprimidos cuneiformes em 
Nineveh. 
 
A Civilização Minoana 
A maior civilização da Idade do 
Bronze foi a dos minoanos , um 
povo mercantilista que construiu 
um império comercial de sua terra 
natal de Creta e de outras ilhas do 
mar Egeu. A civilização minoica era 
conhecida pela sua bela cerâmica , 
mas também por seus afrescos , 
paisagens e esculturas de pedra. No 
início do período minoano, a 
cerâmica foi caracterizada por 
espirais, triângulos, linhas curvas, 
cruzes e motivos de espinha de 
peixe. No meio do período minoano, 
os desenhos naturalistas, como 
peixes, lulas, pássaros e lírios eram 
comuns. 
 No final do período minoano, 
flores e animais ainda eram os mais 
característicos, mas a variabilidade 
aumentou. O "estilo de palácio" da 
região em torno de Knossos é 
caracterizado pela forte 
simplificação geométrica de formas 
naturalistas e pela pintura 
monocromática . O Palácio de 
Knossos foi decorado com afrescos 
que mostravam aspectos da vida 
cotidiana, incluindo rituais judiciais 
e entretenimento, como o salto de 
 
 16 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
touro e o boxe . Os minoanos 
também eram ourives talentosos 
que criavam lindos pingentes e 
máscaras. A civilização micênica 
A arte micênica está perto do 
minoico e inclui muitos achados 
esplêndidos das tumbas reais, mais 
famosa a Máscara de Agamenon , 
uma máscara funerária de ouro. 
Como pode ser visto a partir deste 
item, os micênicos se 
especializaram em ouro 
trabalhando. 
Suas obras de arte são 
conhecidas por uma infinidade de 
motivos decorativos empregados. 
Em algum momento de sua história 
cultural, os micênios adotaram as 
deusas minoenas e associaram 
essas deusas com seu Deus-céu; Os 
estudiosos acreditam que o panteão 
grego das divindades não reflete a 
religião micênica, exceto para as 
deusas e Zeus. Essas deusas, no 
entanto, são originárias de Minoan. 
 
Arte grega: 
A arte antiga grega inclui muito 
cerâmica, escultura e arquitetura. A 
escultura grega é conhecida pela 
posição contraposto das figuras. A 
arte da Grécia antiga geralmente é 
dividida estilisticamente em três 
períodos: o arcaico, o clássico e o 
helenístico. A história da cerâmica 
grego antiga é dividida 
estilisticamente em períodos: o 
protogeométrico, o geométrico, o 
geométrico tardio ou o arcaico, a 
figura negra e a figura vermelha. A 
arte antiga e grega sobreviveu com 
mais sucesso nas formas de 
escultura e arquitetura, bem como 
em artes menores como design de 
moedas, cerâmica e gravura. 
A forma mais prestigiada da 
pintura do antigo grego era a 
pintura de painéis , agora conhecida 
apenas por descrições literárias; 
eles morreram rapidamente após o 
século IV dC, quando já não 
estavam ativamente protegidos. 
Hoje, não há muito sobreviver à 
pintura grega, com exceção de 
pinturas de múmia tardias e 
algumas pinturas nos muros de 
túmulos, principalmente na 
Macedônia e na Itália. 
A pintura sobre cerâmica, de 
que um grande negócio sobrevive, 
dá um sentido da estética da pintura 
grega. As técnicas envolvidas, no 
entanto, eram muito diferentes das 
usadas na pintura de grande 
formato. Era principalmente em 
preto e ouro e foi pintado com 
diferentes pinturas do que as usadas 
em paredes ou madeira, porque era 
uma superfície diferente. 
 
 17 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
Índia: 
As primeiras esculturas na 
Índia remontam à civilização do 
Vale do Indo cerca de 5.000 anos 
atrás, onde foram descobertas 
pequenas esculturas de pedra e 
fundições de bronze. Mais tarde, à 
medida que o hinduísmo , o 
budismo e o jainismo se 
desenvolveram mais, a Índia 
produziu alguns dos brases mais 
intrincados do mundo, bem como 
esculturas de templo 
incomparáveis, algumas em 
santuários enormes, como a de 
Ellora . 
As cavernas de Ajanta no 
Maharashtra , na Índia, são 
monumentos de cavernas cortadas 
em rocha que datam do século II aC 
e que contêm pinturas e escultura 
consideradas obras-primas de arte 
religiosa budista e arte pictórica 
universal. 
 
Persia (Irã): 
O Irã conseguiu o Império 
Hittite e, inicialmente, tirou grande 
parte de seus estilos artísticos. 
Grandes palácios em ambientes 
rurais, muitas vezes trabalhados 
por artesãos extraídos de outras 
nações, sujeitas ou não, eram 
características distintivas. Depois 
que o Impériofoi derrubado 
decisivamente por Alexandre, o 
Grande , surgiu uma nova cultura 
sassaniana , notável por palácios e 
metalurgia. As capitais Susa , 
Persépolis , Ecbatana e Estakhr 
revelaram muito rica arte persa. 
 
Roma: 
É comum dizer que a arte 
romana foi derivada da arte grega e 
etrusca . De fato, as moradias dos 
ricos romanos descobertos em 
Pompéia e Herculano mostram uma 
forte predileção por todas as coisas 
gregas. Muitas das mais 
importantes obras de arte gregas 
sobrevivem em virtude de sua 
interpretação e imitação romanas. 
Os artistas romanos 
procuraram comemorar grandes 
eventos na vida de seu estado e 
glorificar seus imperadores, bem 
como registrar a vida interior das 
pessoas e expressar ideias de beleza 
e nobreza. Os seus bustos, e 
especialmente as imagens de 
indivíduos em lápides, são muito 
expressivos e realistas, acabaram 
com habilidades e dificuldades. 
Na Grécia e em Roma, a 
pintura mural não era considerada 
de alta arte. A forma mais 
prestigiosa de arte, além da 
 
 18 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
escultura, foi a pintura em painéis, 
ou seja, a pintura temperada ou 
encaustica em painéis de madeira. 
Infelizmente, uma vez que a 
madeira é um material perecível, 
apenas alguns exemplos dessas 
pinturas sobreviveram, ou seja, o 
Severan Tondo de cerca de 200 dC, 
um retrato oficial de rotina de 
algum escritório do governo 
provincial e os retratos bem 
conhecidos da múmia Fayum, todos 
do Egito romano e quase 
certamente não da mais alta 
qualidade contemporânea. 
Os retratos foram anexados a 
múmias funerárias no rosto, das 
quais quase todos já foram 
separados. Eles geralmente 
retratam uma única pessoa, 
mostrando a cabeça, ou a cabeça e a 
parte superior do tórax, vistas 
frontalmente. O fundo é sempre 
monocromático, às vezes com 
elementos decorativos. Em termos 
de tradição artística, as imagens 
derivam claramente mais das 
tradições greco-romanas do que as 
egípcias. 
Eles são notavelmente 
realistas, embora variáveis em 
qualidade artística, e podem indicar 
a arte semelhante que estava 
generalizada em outro lugar, mas 
não sobreviveu. Alguns retratos 
pintados em vidro e medalhas do 
império posterior sobreviveram, 
assim como os retratos de moedas, 
alguns dos quais são considerados 
muito realistas também. Plínio o 
Jovem queixou-se do declínio do 
estado da arte do retrato romano, 
"A pintura de retratos que 
costumava transmitir através dos 
tempos as semelhanças precisas das 
pessoas, desapareceu inteiramente 
... Indolência destruiu as artes". 
 
Japão: 
As eras da arte japonesa 
correspondem aos locais de vários 
governos. Os primeiros artefatos 
japoneses conhecidos são 
atribuíveis à tribo Aniu, que 
influenciaram o povo de Jomon, e 
estas eras passaram a ser 
conhecidas como períodos de 
tempo de Jomon e Yayoi . Antes que 
os Yayoi invadiram o Japão, Jimmu 
em 660 aC foi o imperador coroado. 
Mais tarde veio o Haniwa da era 
Kofun, depois o Asuka quando o 
Budismo atingiu o Japão da China. 
A religião influenciou 
significativamente a arte japonesa 
durante séculos depois disso. 
 
China: 
A arte pré-histórica, como a 
 
 19 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
cerâmica pintada na China 
neolítica, pode ser rastreada até a 
cultura Yangshao e a cultura 
Longshan do vale do rio Amarelo. 
Durante aIdade do Bronze da 
China, chineses da antiga dinastia 
Shang e dinastia Zhou produziram 
multidões de navios artísticos de 
bronze para fins práticos, mas 
também para rituais religiosos e 
geomancia . As primeiras pinturas 
chinesas (sobreviventes) datam do 
período dos Reinos Combatentes , e 
estavam em seda , bem como 
emlacquerwares. 
Um soldado de terracota Qin chinês e seu 
cavalo, século III aC 
Uma das antigas relíquias 
artísticas mais antigas da China 
continua a ser os guerreiros de 
terracota , uma assembléia de 8.099 
figuras de terracota individuais e de 
tamanho natural (como infantaria, 
cavalos com carros e cavalaria, 
arqueiros e oficiais militares), 
enterrados no túmulo de Qin Shi 
Huang , o Primeiro Imperador Qin, 
em 210 aC. Esta tradição foi levada 
para a Dinastia Han subseqüente, 
embora suas tumbas continham 
versões em miniatura dos soldados, 
além de servos domésticos para 
servir governantes e nobreza na 
vida após a morte. A arte chinesa, 
sem dúvida, mostra mais 
continuidade entre períodos antigos 
e modernos do que a de qualquer 
outra civilização, já que, mesmo 
quando as dinastias estrangeiras 
tomavam o trono imperial, não 
impuseram novos hábitos culturais 
ou religiosos e foram rapidamente 
assimilados. 
 
Mexico: 
O antigo "Navio Pássaro" 
Olmeca e a tigela, ambos cerâmicos 
e que datam de cerca de 1000 aC, 
bem como outras cerâmicas, são 
produzidos em fornos capazes de 
exceder aproximadamente 900 ° C. 
A única cultura pré-histórica 
conhecida por ter atingido tais altas 
temperaturas é a do antigo Egito . 
Muita arte olmeca é altamente 
estilizada e usa uma iconografia que 
reflete o significado religioso das 
obras de arte. Entretanto, alguma 
arte olmeca é surpreendentemente 
https://en.wikipedia.org/wiki/File:Soldier_Horse.JPG
 
 20 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
naturalista, exibindo uma precisão 
da representação da anatomia 
humana, talvez igualada no Novo 
Mundo pré-colombiano, apenas 
pela melhor arte da era Maya 
Classic. As formas de arte olmecas 
enfatizam estacas monumentais e 
pequenas esculturas de jade . Um 
tema comum é encontrado nas 
representações de um jaguar divino. 
As estatuetas de Olmec também 
foram encontradas 
abundantemente durante o 
período.
 
 
 
 
 22 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
3. ARTE NA IDADE MEDIEVAL 
 
Durante a idade medieval 
(séculos V-XIV) a arte se 
caracterizou pela integração da 
pintura, escultura e arquitetura. 
Nesse período, a igreja católica 
exerceu forte controle sobre a 
produção científica e cultural 
concretizando uma ligação entre a 
produção artística com o 
cristianismo. Isto proporcionou a 
predominância dos temas religiosos 
nas artes plásticas, na literatura, na 
música, na arquitetura e no teatro. 
O imaginário dessa época esteve 
sempre voltado para o teocentrismo 
(Deus como centro de tudo). 
Especificamente a pintura no estilo 
medieval engloba cerca de mil anos. 
Abandonando as paisagens naturais 
a pintura medieválica concentrou-
se na representação de santos e 
divindades. As pinturas de murais, 
de vitrais e de miniaturas dessa 
época adquiriram grande 
importância. 
Para desenvolver essas obras 
os artistas não se preocupavam com 
meios tons ou jogos de luz e sombra, 
seus trabalhos eram sem relevos e 
faziam grande uso de símbolos para 
narrar histórias. No final do século 
XIII, com a criação do estilo realista 
 
 23 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
do artista italiano Giotto o estilo de 
arte medieval começou a 
desaparecer cedendo espaço ao 
Renascimento cultural e 
conseqüente advento da arte no 
Estado Moderno. 
A arte medieval do mundo 
ocidental cobre um amplo espaço de 
tempo e espaço, mais de 1000 anos 
de arte na Europa , e às vezes o 
Oriente Médio e a África do Norte. 
Inclui grandes movimentos e 
períodos de arte, arte nacional e 
regional, gêneros, avivamentos, 
artesanato de artistas e os próprios 
artistas. 
Os historiadores da arte tentam 
classificar a arte medieval em 
grandes períodos e estilos, muitas 
vezes com alguma dificuldade. Um 
esquema geralmente aceito inclui as 
fases posteriores da arte cristã 
primitiva , arte da Período de 
Migração , arte bizantina , arte 
insular , arte pré-românica , 
românica e arte gótica , bem como 
muitos outros períodos dentro 
desses estilos centrais. Além disso, 
cada região, principalmente 
durante o período do processo de se 
tornar nações ou culturas, tinha seu 
próprio estilo artístico distinto, 
como arte anglo-saxônica ou arte 
nórdica.A arte medieval foi produzida 
em muitos meios de comunicação, e 
as obras que permanecem em 
grande número incluem escultura, 
manuscritos iluminados, vitrais, 
trabalhos em metal e mosaicos, 
todos os quais tiveram uma taxa de 
sobrevivência maior do que outras 
mídias, como pinturas de paredes 
ao fresco, trabalho em metais 
preciosos ou têxteis, incluindo 
tapeçarias . Especialmente no início 
do período, as obras nas chamadas 
"artes menores" ou artes 
decorativas, como trabalho em 
metal, escultura de marfim, esmalte 
e bordados usando metais 
preciosos, provavelmente foram 
mais valorizadas do que pinturas ou 
escultura monumental . 
A arte medieval na Europa 
surgiu do patrimônio artístico do 
Império Romano e das tradições 
iconográficas da igreja cristã 
primitiva . Essas fontes foram 
misturadas com a vigorosa cultura 
artística "bárbara" da Europa do 
Norte para produzir um legado 
artístico notável. Na verdade, a 
história da arte medieval pode ser 
vista como a história da interação 
entre os elementos da arte clássica , 
cristã primitiva e "bárbara". Além 
dos aspectos formais do 
classicismo, havia uma tradição 
contínua de representação realista 
de objetos que sobreviveram na arte 
 
 24 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
bizantina ao longo do período, 
enquanto que no Ocidente parece 
intermitentemente, combinando e 
às vezes concorrendo com as novas 
possibilidades expressionistas 
desenvolvidas na Europa Ocidental 
e o legado do norte de elementos 
decorativos energéticos. 
O período terminou com a 
recuperação auto percebida do 
Renascimento das habilidades e 
valores da arte clássica, e o legado 
artístico da Idade Média foi então 
depreciado por alguns séculos. 
Desde o avivamento do interesse e 
do entendimento no século 19, tem 
sido visto como um período de 
enorme conquista subjacente ao 
desenvolvimento da arte ocidental 
posterior. 
A Idade Média na Europa 
registou uma diminuição da 
prosperidade, estabilidade e 
população nos primeiros séculos do 
período - a cerca de 800 DC, e 
depois um aumento bastante 
estável e geral até o recuo maciço da 
Morte Negra em torno de 1350, o 
que é estimado ter matado pelo 
menos um terço da população total 
na Europa, com taxas geralmente 
mais altas no sul e mais baixas no 
norte. Muitas regiões não 
recuperaram seus níveis de 
população anterior até o século 
XVII. Espera-se que a população da 
Europa tenha atingido um ponto 
baixo de cerca de 18 milhões em 
650, que tenha duplicado em torno 
do ano 1000 e tenha alcançado mais 
de 70 milhões até 1340, pouco antes 
da morte negra. 
Em 1450 ainda era apenas 50 
milhões. A esses números, a Europa 
do Norte, especialmente a Grã-
Bretanha, contribuiu com uma 
proporção menor do que hoje, e o 
sul da Europa, incluindo a França, 
mais alto. O aumento da 
prosperidade, para aqueles que 
sobreviveram, foi muito menos 
afetado pela morte negra. Até cerca 
do século 11, a maioria da Europa 
era curta de mão-de-obra agrícola, 
com grandes quantidades de terras 
não utilizadas e o Período 
Temperado Medieval beneficiou a 
agricultura até cerca de 1315. 
Cenas de amor cortesano sobre um espelho 
de espelho de senhora. Paris, 1300-1330. 
O período medieval 
eventualmente viu a queda das 
https://en.wikipedia.org/wiki/File:Courtly_scenes_Louvre_MRR197.jpg
 
 25 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
invasões e incursões de fora da área 
que caracterizou o primeiro 
milênio. As conquistas islâmicas do 
século 6 e 7 retiraram de repente e 
de forma permanente todo o norte 
da África do mundo ocidental e, 
durante o resto do período, os povos 
islâmicos gradualmente assumiram 
o Império Bizantino , até o final da 
Idade Média, quando a Europa 
católica, tendo recuperou a 
península ibérica no sudoeste, foi 
mais uma vez sob ameaça 
muçulmana do sudeste. 
No início do período medieval, 
as obras de arte mais significativas 
eram objetos muito raros e caros 
associados a elites seculares, 
mosteiros ou igrejas principais e, se 
religiosos, em grande parte 
produzidos por monges. No final da 
Idade Média, podem ser 
encontradas obras de interesse 
artístico considerável em pequenas 
aldeias e um número significativo 
de casas burguesas nas cidades, e 
sua produção foi em muitos lugares 
uma importante indústria local, 
com artistas do clero agora a 
exceção. 
No entanto, a Regra de São 
Bento permitiu a venda de obras de 
arte por mosteiros, e é claro que 
durante todo o período os monges 
podem produzir arte, incluindo 
obras seculares, comercialmente 
para um mercado leigo, e os 
mosteiros também contratariam 
especialistas leigos, quando 
necessário. 
A impressão pode ser deixada 
pelas obras sobreviventes que quase 
toda a arte medieval era religiosa. 
Isso está longe de ser o caso; 
embora a igreja tenha se tornado 
muito rica durante a Idade Média e 
foi preparada às vezes para gastar 
generosamente na arte, também 
havia muita arte secular de 
qualidade equivalente que sofria de 
uma taxa muito maior de desgaste, 
perda e destruição. 
A Idade Média geralmente não 
tinha o conceito de preservar obras 
antigas por seu mérito artístico, em 
oposição à sua associação com uma 
figura santo ou fundadora, e os 
seguintes períodos do 
Renascimento e Barroco tendiam a 
desprezar a arte medieval. A 
maioria dos manuscritos 
iluminados de luxo da Idade Média 
da Idade Média tinham lindos 
relictos de tesouros em metais 
preciosos, marfim e joias; as 
páginas revinculadas e os relevos de 
marfim para as capas sobreviveram 
em números muito maiores do que 
as capas completas, que foram 
despojadas principalmente por seus 
 
 26 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
valiosos materiais em algum 
momento. 
A maioria das igrejas foram 
reconstruídas, muitas vezes muitas 
vezes, mas palácios medievais e 
grandes casas perderam-se a uma 
taxa muito maior, o que também é 
verdadeiro em seus acessórios e 
decoração. Na Inglaterra, as igrejas 
sobrevivem em grande parte 
intactas a partir de cada século 
desde o dia 7, e em número 
considerável para as últimas - a 
cidade de Norwich sozinha tem 40 
igrejas medievais -, mas das 
dezenas de palácios reais, nenhuma 
sobreviveu antes do século 11 e 
apenas um punhado de restos do 
resto do período. 
A situação é semelhante na 
maior parte da Europa, embora o 
Palais des Papes do século XIV em 
Avignon sobreviva em grande parte 
intacto. Muitas das maiores 
disputas acadêmicas sobre a data e 
a origem dos trabalhos individuais 
referem-se a peças seculares, 
porque são muito mais raras - o 
Broche Anglo-Saxon Fuller foi 
recusado pelo Museu Britânico 
como um falso implausível e 
pequeno secular independente As 
esculturas de bronze são tão raras 
que a data, a origem e até a 
autenticidade de ambos os dois 
melhores exemplos tem sido 
discutida há décadas. 
O uso de materiais valiosos é 
uma constante na arte medieval; até 
o final do período, muito mais 
gastou normalmente em comprá-
los do que em pagar os artistas, 
mesmo que não fossem monges que 
desempenhavam suas funções. 
O ouro era usado para objetos 
para igrejas e palácios, joias 
pessoais e acessórios de roupas, e 
fixados na parte de trás de tesserae 
de vidro, como um fundo sólido 
para mosaicos ou aplicados como 
folhas de ouro em miniaturas em 
manuscritos e pinturas de painéis. 
Muitos objetos que usaram metais 
preciosos foram feitos com o 
conhecimento de que seu valor de 
lingotes poderia ser realizado em 
um ponto futuro - somente perto do 
final do período poderia ser 
investido em dinheiro, exceto em 
imóveis , exceto em grande risco ou 
comissionando usura. 
O pigmento ainda mais caro 
ultramarino , feito a partir de lapis 
lazuli terrestre obtido apenas do 
Afeganistão, foi usado 
genericamente no período gótico, 
mais frequentemente para o 
tradicional manto azul da VirgemMaria do que para os céus. O 
marfim, muitas vezes pintado, era 
 
 27 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
um material importante até o final 
do período, ilustrando bem a 
mudança na arte de luxo para obras 
seculares. 
No início do período, a maioria 
dos usos estava mudando de 
dípticos consulares para objetos 
religiosos, como capas de livros, 
relicários e crocants, mas no 
período gótico, os casos de espelhos 
seculares, caixões e pentes 
decorados tornam-se comuns entre 
os bem-estar. Como os painéis de 
marfim finos esculpidos em alívio 
raramente podem ser reciclados 
para outro trabalho, o número de 
sobrevivências é relativamente alto, 
o mesmo é verdade para as páginas 
manuscritas, embora estes tenham 
sido reciclado por raspagem, após o 
que eles se tornam palimpsestes. 
Mesmo esses materiais básicos 
eram caros: quando a abadia anglo-
saxônica Monkwearmouth-
Jarrowplanejava criar três cópias da 
Bíblia em 692 - sobre as quais 
sobrevive como o Codex Amiatinus 
- o primeiro passo necessário era 
planejar a criação do gado para 
fornecer o 1.600 bezerros para dar a 
pele para o velo necessário. 
O papel ficou disponível nos 
últimos séculos do período, mas 
também foi extremamente caro 
pelos padrões atuais; As gravuras 
em madeira vendidas a peregrinos 
comuns em santuários eram muitas 
vezes tamanho de matchbook ou 
menor. A dendrocronologia 
moderna revelou que a maior parte 
do carvalho para painéis utilizados 
na pintura precoce dos Países 
Baixos do século XV foi derrubado 
na bacia do Vístula na Polônia, de 
onde foi embarcado pelo rio e 
através do Mar Báltico e do Mar 
para os portos flamengos , antes de 
ser temperada por vários anos. 
A arte na Idade Média é um 
assunto amplo e os historiadores da 
arte tradicionalmente dividem-na 
em várias fases, estilos ou períodos 
de grande escala. O período da 
Idade Média nem começa nem 
termina perfeitamente em qualquer 
data particular, nem ao mesmo 
tempo em todas as regiões, e o 
mesmo é verdade para as principais 
fases da arte dentro do período. As 
principais fases são abordadas nas 
seguintes seções. 
 
Antiga Arte Antiga Cristã e 
Tardia 
A arte cristã precoce, mais 
geralmente descrita como arte 
antiga, abrange o período de cerca 
de 200 (antes de que nenhuma arte 
cristã distinta sobrevive), até o 
início de um estilo totalmente 
 
 28 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
Bizantino em cerca de 500. 
Continua a ter diferentes pontos de 
vista sobre quando o período 
medieval começa durante este 
tempo, tanto em termos de história 
geral como especificamente da 
história da arte, mas é muitas vezes 
colocado no final do período. 
No decurso do século 4, o 
cristianismo passou de ser uma 
seita popular perseguida para a 
religião oficial do Império, 
adaptando os estilos romanos 
existentes e muitas vezes a 
iconografia , tanto da arte popular 
como da arte imperial. Desde o 
início do período, os principais 
sobreviventes da arte cristã são as 
pinturas de túmulos nos estilos 
populares das catacumbas de 
Roma, mas, no final, houve uma 
série de mosaicos pródigos em 
igrejas construídas sob o patrocínio 
imperial. 
Durante este período, a arte 
imperial do Império passou por 
uma fase "barroca", e abandonou o 
estilo clássico e o realismo grego em 
favor de um estilo mais místico e 
hierático - um processo que estava 
bem encaminhado antes do 
cristianismo se tornar uma grande 
influência sobre a arte imperial . As 
influências das partes orientais do 
Império - Egito, Síria e além, e 
também uma robusta tradição 
vernácula "itálica", contribuíram 
para esse processo. As figuras são 
vistas na maior parte do mundo 
olhando para o espectador, onde a 
arte clássica tende a mostrar uma 
visão de perfil - a mudança foi 
eventualmente vista mesmo em 
moedas. A individualidade dos 
retratos, uma grande força da arte 
romana, declina bruscamente, e a 
anatomia e a cortina das figuras é 
mostrada com muito menos 
realismo. Os modelos dos quais a 
Europa do Norte medieval em 
particular formaram sua ideia de 
estilo "romano" eram praticamente 
todas as obras portáteis antiquadas, 
e os sarcófagos esculpidos antigos 
finais encontrados em todo o antigo 
Império Romano; a determinação 
de encontrar modelos clássicos 
"mais puros" anteriores foi um 
elemento-chave na arte all'antica do 
Renascimento. 
 
Arte Bizantina: 
A arte bizantina é a arte do 
império bizantino de língua grega 
formada após a divisão do Império 
Romano entre as metades oriental e 
ocidental, e às vezes de partes da 
Itália sob o domínio bizantino. Ele 
nasce da Antiguidade tardia em 
cerca de 500 dC e logo formou uma 
 
 29 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
tradição distinta da Europa católica, 
mas com grande influência sobre 
ela. No início do período medieval, 
a melhor arte bizantina, muitas 
vezes das grandes oficinas 
imperiais, representava um ideal de 
sofisticação e técnica que os 
patronos europeus tentavam imitar. 
Durante o período da 
iconoclastia bizantina em 730-843, 
a grande maioria dos ícones 
(imagens sagradas geralmente 
pintadas em madeira) foram 
destruídas; Reside tão pouco que 
hoje qualquer descoberta descobre 
um novo entendimento, e a maioria 
dos trabalhos restantes estão na 
Itália (Roma e Ravenna etc.), ou no 
Egito no Mosteiro de Santa 
Catarina. 
A arte bizantina foi 
extremamente conservadora, por 
razões religiosas e culturais, mas 
manteve uma tradição contínua de 
realismo grego, que contestava com 
um forte impulso anti-realista e 
hierático. Após a retomada da 
produção de ícones em 843 até 
1453, a tradição artística bizantina 
continuou com relativamente 
poucas mudanças, apesar ou por 
causa do declínio lento do Império. 
Houve um notável renascimento do 
estilo clássico em obras da arte da 
corte do século 10 como o Psalter de 
Paris, e ao longo do período, a 
iluminação manuscrita mostra 
estilos paralelos, muitas vezes 
usados pelo mesmo artista, para 
figuras icônicas em miniaturas 
emolduradas e cenas ou figuras 
mais informais adicionado sem 
moldura nas margens do texto em 
um estilo muito mais realista. 
Escultura monumental com 
figuras permaneceu um tabu na arte 
bizantina; quase nenhuma exceção 
é conhecida. Mas os pequenos 
relevos de marfim, quase todos no 
modo icônico (o Triptych Harbaville 
é de uma data semelhante ao Psalter 
de Paris, mas de estilo muito 
diferente), eram uma especialidade, 
assim como a decoração de alívio 
em tigelas e outros objetos 
metálicos. 
O Império Bizantino produziu 
grande parte da melhor arte da 
Idade Média em termos de 
qualidade de material e mão-de-
obra, com produção judicial 
centrada em Constantinopla , 
embora alguns historiadores da arte 
tenham questionado a suposição, 
ainda comumente feita, que todos 
trabalham da melhor qualidade 
com Nenhuma indicação quanto à 
origem foi produzida na capital. A 
conquista da arte bizantina foram 
os afrescos e mosaicos 
 
 30 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
monumentais dentro das igrejas 
abobadadas, a maioria das quais 
não sobreviveu devido a desastres 
naturais e a apropriação de igrejas 
às mesquitas. 
A arte bizantina exerceu um 
contínuo fluxo de influência sobre a 
arte da Europa Ocidental, e os 
esplendores da corte e mosteiros 
bizantinos, mesmo no final do 
Império, constituíam um modelo 
para os governantes ocidentais e os 
patronos seculares e clericais. Por 
exemplo, têxteis de seda bizantina , 
muitas vezes tecidos ou bordados 
com desenhos de figuras animais e 
humanas, o primeiro que muitas 
vezes reflete tradições que se 
originam muito mais para o leste, 
não se encontravam no mundo 
cristão até quase o fim do Império. 
Estes foram produzidos, mas 
provavelmente não inteiramente 
assim, em oficinas imperiais em 
Constantinopla, sobre as operações 
que conhecemos ao lado de nada - 
oficinas semelhantessão muitas 
vezes conjeturadas para outras 
artes, com ainda menos evidências. 
Algumas outras artes decorativas 
foram menos desenvolvidas; As 
cerâmicas bizantinas raramente se 
elevam acima do nível de arte 
popular atraente, apesar da herança 
grego antiga e do futuro 
impressionante no período 
otomano de mercadorias İznik e 
outros tipos de cerâmica. 
A arte copta do Egito teve um 
caminho diferente; Depois que a 
Igreja copta separada em meados 
do século 5 nunca mais foi apoiada 
pelo estado, e influências egípcias 
nativas dominaram para produzir 
um estilo completamente não 
realista e um pouco ingênuo de 
figuras de olhos grandes flutuando 
em espaço em branco. 
Isso foi capaz de uma grande 
expressividade e levou o 
componente "oriental" da arte 
bizantina às suas conclusões 
lógicas. A decoração copta usou 
desenhos geométricos intrincados, 
muitas vezes antecipando a arte 
islâmica. Devido à 
excepcionalmente boa preservação 
dos enterros egípcios, sabemos 
mais sobre os têxteis utilizados 
pelos menos favorecidos no Egito 
do que em qualquer outro lugar. 
Estes foram muitas vezes 
elaboradamente decorados com 
desenhos figurativos e 
padronizados. Outras tradições 
locais na Armênia , na Síria , na 
Geórgia e em outros lugares 
mostraram geralmente menos 
sofisticação, mas muitas vezes mais 
vigor do que a arte de 
 
 31 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
Constantinopla , e às vezes, 
especialmente na arquitetura , 
parecem ter tido influência mesmo 
na Europa Ocidental. Por exemplo, 
a escultura monumental figurativa 
no exterior das igrejas aparece aqui 
alguns séculos antes de ser vista no 
Ocidente 
 
Período de Migração Através da 
Cristianização 
Período de migração O art 
descreve a arte dos povos " bárbaros 
" germânicos e da Europa Oriental 
que estavam em movimento e 
depois se estabelecendo dentro do 
antigo Império Romano, durante o 
Período de Migração de cerca de 
300-700;O termo geral abrange 
uma ampla gama de estilos étnicos 
ou regionais, incluindo arte anglo-
saxônica precoce, arte visigoda , 
arte nórdica e arte merovíngia , que 
utilizaram o estilo animal , bem 
como motivos geométricos 
derivados da arte clássica. 
Por este período, o estilo 
animal atingiu uma forma muito 
mais abstraída do que na arte 
anterior de Scythian ou estilo La 
Tène . A maioria das obras de arte 
eram pequenas e portáteis e as que 
sobreviveram são principalmente 
jóias e trabalhos em metal, com a 
arte expressa em desenhos 
geométricos ou esquemáticos, 
muitas vezes belamente concebidos 
e feitos, com poucas figuras 
humanas e sem tentativa de 
realismo. Os primeiros sais de 
sutton anglo-saxão de Sutton Hoo 
estão entre os melhores exemplos. 
À medida que os povos 
"bárbaros" eram cristianizados , 
essas influências interagiram com a 
tradição artística cristã do 
Mediterrâneo pós-clássico e novas 
formas como o manuscrito 
iluminado e, de fato, moedas , que 
tentavam imitar as moedas 
provincianas romenas e os tipos 
bizantinos . A cunhagem precoce, 
como o sceat, mostra os designers 
completamente inutilizados para 
representar uma cabeça de perfil 
lutando com o problema de várias 
maneiras diferentes. 
Quanto às obras maiores, há 
referências às estátuas pagãs de 
madeira anglo-saxônica, todas 
agora perdidas, e na arte nórdica a 
tradição de runestones esculpidas 
foi mantida após sua conversão ao 
cristianismo. Os Picts celtas da 
Escócia também cinzelaram pedras 
antes e depois da conversão, e a 
distinta tradição anglo-saxônica e 
irlandesa de grandes cruzes 
esculpidas ao ar livre podem refletir 
obras pagãs anteriores. A arte 
 
 32 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
viking de séculos mais atrasados na 
Escandinávia e partes das Ilhas 
Britânicas inclui o trabalho de 
paisagens pagãs e cristãs, e foi uma 
das últimas flores deste amplo 
grupo de estilos. 
O período de migração 
descreve a arte dos povos " bárbaros 
" germânicos e da Europa Oriental 
que estavam em movimento e 
depois se estabelecendo dentro do 
antigo Império Romano, durante o 
Período de Migração de cerca de 
300-700;O termo geral abrange 
uma ampla gama de estilos étnicos 
ou regionais, incluindo arte anglo-
saxônica precoce, arte visigoda , 
arte nórdica e arte merovíngia, que 
utilizaram o estilo animal, bem 
como motivos geométricos 
derivados da arte clássica. Por este 
período, o estilo animal atingiu uma 
forma muito mais abstraída do que 
na arte anterior de Scythian ou 
estilo La Tène . 
A maioria das obras de arte 
eram pequenas e portáteis e as que 
sobreviveram são principalmente 
joias e trabalhos em metal, com a 
arte expressa em desenhos 
geométricos ou esquemáticos, 
muitas vezes belamente concebidos 
e feitos, com poucas figuras 
humanas e sem tentativa de 
realismo. Os primeiros sais de 
sutton anglo-saxão de Sutton Hoo 
estão entre os melhores exemplos. 
À medida que os povos 
"bárbaros" eram cristianizados , 
essas influências interagiram com a 
tradição artística cristã do 
Mediterrâneo pós-clássico e novas 
formas como o manuscrito 
iluminado e, de fato, moedas , que 
tentavam imitar as moedas 
provincianas romenas e os tipos 
bizantinos . A cunhagem precoce, 
como o sceat, mostra os designers 
completamente inutilizados para 
representar uma cabeça de perfil 
lutando com o problema de várias 
maneiras diferentes. 
Quanto às obras maiores, há 
referências às estátuas pagãs de 
madeira anglo-saxônica, todas 
agora perdidas, e na arte nórdica a 
tradição de runestones esculpidas 
foi mantida após sua conversão ao 
cristianismo. Os Picts celtas da 
Escócia também cinzelaram pedras 
antes e depois da conversão, e a 
distinta tradição anglo-saxônica e 
irlandesa de grandes cruzes 
esculpidas ao ar livre podem refletir 
obras pagãs anteriores. A arte 
viking de séculos mais atrasados na 
Escandinávia e partes das Ilhas 
Britânicas inclui o trabalho de 
paisagens pagãs e cristãs, e foi uma 
das últimas flores deste amplo 
 
 33 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
grupo de estilos. 
 
Arte Insular: 
A arte insular refere-se ao estilo 
distinto encontrado na Irlanda e na 
Grã-Bretanha de cerca do século 7, 
até o século 10, que dura mais tarde 
na Irlanda e partes da Escócia. O 
estilo viu uma fusão entre as 
tradições da arte celta , a migração 
germânica, a arte dos anglo-saxões 
e as formas cristãs do livro, os 
cruzamentos altos e a metalurgia 
litúrgica. 
Decoração de animais 
geométrica, entrelaçada e 
estilizada, extremamente 
detalhada, com formas derivadas de 
trabalhos em metal seculares, como 
broches , espalhadas corajosamente 
por manuscritos, geralmente livros 
de evangelho como o Livro de Kells, 
com páginas inteiras de tapetes 
dedicadas a tais projetos e o 
desenvolvimento de grandes 
decorados e históriado inicial . 
Havia muito poucas figuras 
humanas - na maioria das vezes 
eram retratos evangélicos - e estes 
eram grosseiros, mesmo quando 
acompanhavam os modelos 
Antiguidade Tardia. 
O estilo manuscrito insular foi 
transmitido ao continente pela 
missão Hiberno-Escocesa , e sua 
energia anticlássica era 
extremamente importante na 
formação de estilos medievais 
posteriores. 
Na maioria dos manuscritos 
antigos finais, o texto e a decoração 
foram mantidos claramente 
separados, embora algumas iniciais 
começaram a ser ampliadas e 
elaboradas, mas os principais 
manuscritos insulares às vezes 
levam uma página inteira para uma 
única inicial ou as primeiras 
palavras (ver ilustração) no início 
dos evangelhos ou outras seções em 
um livro. Permitir que a decoração 
um "direito de roaming" fosse ser 
muito influente na arte românica e 
gótica em todos os meios de 
comunicação. 
Os edifícios dos mosteiros para 
os quais os livros de evangelho 
insulares foram feitos eram então 
pequenos e poderiam ser chamados 
de primitivos, especialmente naIrlanda. Havia cada vez mais outras 
decorações para as igrejas, sempre 
que possível em metais preciosos, e 
um punhado destes sobrevive, 
como o Chalice Ardagh , juntamente 
com um maior número de peças 
extremamente adornadas e 
finamente feitas de joias seculares 
de alto status, os broches celtas 
 
 34 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
provavelmente vestidos 
principalmente por homens, dos 
quais o Tara Brooch é o mais 
espetacular. 
"Franco-saxão" é um termo 
para uma escola de iluminação 
carolíngia tardia no nordeste da 
França que usava decoração de 
estilo insular, incluindo iniciais 
supergrandes, às vezes em 
combinação com imagens 
figurativas típicas dos estilos 
franceses contemporâneos. O "mais 
tenaz de todos os estilos 
carolíngios", continuou até o século. 
 
A Influência da Arte Islâmica 
A arte islâmica durante a Idade 
Média foi amplamente importada e 
admirada pelas elites europeias, e 
sua influência precisa ser 
mencionada. A arte islâmica cobre 
uma grande variedade de meios de 
comunicação, incluindo caligrafia, 
manuscritos ilustrados, têxteis, 
cerâmicas, trabalhos em metal e 
vidro, e refere-se à arte dos países 
muçulmanos no Próximo Oriente, 
na Espanha islâmica e no norte da 
África, embora de forma alguma 
sempre Artistas muçulmanos ou 
artesãos. 
A produção de vidro , por 
exemplo, manteve-se uma 
especialidade judaica ao longo do 
período, e a arte cristã, como no 
Egito copto , continuou, 
especialmente durante os séculos 
anteriores, mantendo alguns 
contatos com a Europa. Houve um 
estágio formativo inicial de 600-
900 e o desenvolvimento de estilos 
regionais a partir de 900. A arte 
islâmica precoce usou artistas e 
escultores de mosaicos treinados 
nas tradições bizantinas e coptas. 
 Em vez de pinturas de parede, 
a arte islâmica usou telhas pintadas, 
desde 862-3 (na Grande Mesquita 
de Kairouan, na Tunísia moderna), 
que também se espalhou para a 
Europa. De acordo com John 
Ruskin , o Palácio dos Doges em 
Veneza contém "três elementos em 
proporções exatamente iguais - o 
romano, o lombardo e o árabe. É o 
edifício central do mundo, a história 
da arquitetura gótica é a história do 
refinamento e espiritualização do 
trabalho do Norte sob sua 
influência". 
Os governantes islâmicos 
controlados em vários pontos partes 
do sul da Itália e a maioria da 
Espanha moderna e Portugal, bem 
como os Balcãs , que retém grandes 
populações cristãs. Os cruzados 
cristãos também governaram as 
populações islâmicas. A arte dos 
 
 35 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
cruzados é principalmente um 
híbrido de estilos católicos e 
bizantinos, com pouca influência 
islâmica, mas a arte moçárabe dos 
cristãos em Al Andaluz parece 
mostrar uma influência 
considerável da arte islâmica, 
embora os resultados sejam pouco 
como as obras islâmicas 
contemporâneas. 
A influência islâmica também 
pode ser traçada no mainstream da 
arte medieval ocidental, por 
exemplo, no portal românico de 
Moissac, no sul da França, onde 
mostra em ambos os elementos 
decorativos, como as bordas 
escaldadas para a entrada, as 
decorações circulares no lintel 
acima, e também em ter Cristo em 
Majestade cercado por músicos, que 
se tornaria uma característica 
comum das cenas celestiais 
ocidentais, e provavelmente deriva 
de imagens de reis islâmicos em 
seus habitantes. A caligrafia , o 
ornamento e as artes decorativas 
geralmente eram mais importantes 
do que no Ocidente. 
Os utensílios de cerâmica 
hispano-moresque da Espanha 
foram produzidos pela primeira vez 
em Al-Andaluz, mas as ceramistas 
muçulmanas parecem ter emigrado 
para a área de Christian Valencia , 
onde produziram trabalhos 
exportados para elites cristãs em 
toda a Europa; outros tipos de bens 
de luxo islâmicos, nomeadamente 
têxteis e tapetes de seda, vieram do 
mundo islâmico oriental 
geralmente mais rico (as condutas 
islâmicas para a Europa oeste do 
Nilo eram, no entanto, não mais 
ricas), com muitos passando por 
Veneza. 
No entanto, a maior parte dos 
produtos de luxo da cultura do 
tribunal, como sedas, marfim, 
pedras preciosas e joias, foram 
importados para a Europa apenas 
de forma inacabada e fabricados no 
produto final rotulado como 
"oriental" pelos artesãos locais da 
época. Eles estavam livres de 
representações de cenas religiosas e 
normalmente decorados com 
ornamentos , o que os fazia fáceis de 
aceitar no Ocidente, mesmo no final 
da Idade Média, havia uma moda 
para as imitações pseudo-Kufic do 
script árabe usado decorativamente 
na arte ocidental.
 
 
 
 37 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
4. ARTE NA IDADE MODERNA 
 
O contexto histórico que 
compreende a Idade Moderna no 
Ocidente vai desde a tomada de 
Constantinopla (fim do império 
romano no oriente em 1453) pelos 
turcos até a Revolução Francesa 
(1789), marcada pela transição do 
modo de produção feudal para o 
Capitalismo (Petta e Ojeda, 1999). 
A idade moderna teve como 
porta de entrada o movimento 
Renascentista de cunho filosófico e 
cultural. O Renascimento, sem 
dúvida, foi um dos movimentos que 
mais influenciou a arte moderna. E 
não somente, a arte, mas nas áreas 
científicas, filosóficas, literárias, 
urbana e comercial. 
No final da Idade Média, a arte 
moderna já se iniciava, sendo uma 
forma de preparação para o 
renascimento de um novo marco na 
história da arte. Nesse contexto 
(séculos XV e XVI), as conquistas 
marítimas e o contato mercantil 
com o continente asiático 
expandiram o comércio e a 
diversificação dos produtos de 
consumo na Europa a partir do 
século XV. O aumento do comércio 
 
 38 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
com o oriente possibilitou a muitos 
comerciantes europeus acumular 
riquezas e fortunas. Essa situação 
proporcionou condições financeiras 
aos comerciantes para investirem 
na produção artística de escultores, 
pintores, músicos, arquitetos, 
escritores, etc. Nessa época os 
governantes e o clero passaram a 
proteger e a financiar aos artistas e 
intelectuais o que ficou conhecido 
como mecenato cujo objetivo dos 
mecenas (governantes e burgueses) 
se tornassem mais populares entre 
as comunidades regionais onde 
atuavam. 
Nesse período, era comum as 
famílias nobres encomendarem 
pinturas (fotografias) esculturas 
junto aos artistas. Na península 
italiana que o comércio mais se 
desenvolveu dando origem a uma 
grande quantidade de locais de 
produção artística. Cidades como 
Veneza, Florença e Gênova tiveram 
um expressivo movimento artístico 
e intelectual. Em virtude disso, a 
Itália passou a ser conhecida como 
o berço do Renascimento. 
O mundo das artes dessa época 
foi caracterizado pela valorização do 
homem e da natureza, do real, 
contrapondo-se ao divino, 
sobrenatural (características do 
período cultural medieval). O 
ideário moderno prima pela 
racionalidade, a dignidade humana, 
o rigor científico e a reutilização do 
estilo artístico greco-romano. 
Para os artistas dessa época, os 
gregos e os romanos possuíam uma 
visão completa e humana da 
natureza, ao contrário dos 
medievais. Neste sentido, as 
qualidades mais valorizadas no ser 
humano passaram a ser a 
inteligência, o conhecimento e o 
dom artístico. Enfim, nos séculos 
modernistas XV e XVI o homem 
passa a ser o principal personagem 
(antropocentrismo) retratado nas 
artes. 
Os principais representantes 
do Renascimento Italiano e as 
principais obras: 
 Giotto di Bondone (1266-
1337): pintor e arquiteto italiano. 
Um dos percussores do 
Renascimento. Obras principais: O 
Beijo de Judas, A Lamentação e 
Julgamento Final. 
 Sandro Botticelli (1445-
1510): pintor italiano abordou 
temas mitológicos e religiosos. 
Obras principais: O nascimento de 
Vênus e Primavera. 
 Leonardo da Vinci (1452-
1519): pintou, escultor, cientista, 
 
 39 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
engenheiro, físico,escritor, etc. 
Obras: Mona Lisa, Última Ceia. 
 Michelangelo Buonarroti 
(1475-1564): destacou-se em 
arquitetura, pintura e escultura. 
Obras principais: Davi, Pietá, 
Moisés, pinturas da Capela Sistina 
(Juízo Final é a mais conhecida). 
 
Barroco: 
Barroco é o estilo artístico que 
floresceu entre o final do século XVI 
e meados do século XVIII, 
inicialmente na Itália, difundindo-
se em seguida pelos países católicos 
da Europa e da América, antes de 
atingir, em uma forma modificada, 
as áreas protestantes e alguns 
pontos do Oriente. 
Considerado como o estilo 
correspondente ao absolutismo e à 
Contrarreforma, distingue-se pelo 
esplendor exuberante. De certo 
modo o Barroco foi uma 
continuação natural do 
Renascimento, porque ambos os 
movimentos compartilharam de um 
profundo interesse pela arte da 
Antiguidade clássica, embora 
interpretando-a diferentemente. 
Enquanto no Renascimento o 
tratamento das temáticas enfatizava 
qualidades de moderação, 
economia formal, austeridade, 
equilíbrio e harmonia, o tratamento 
barroco de temas idênticos 
mostrava maior dinamismo, 
contrastes mais fortes, maior 
dramaticidade, exuberância e 
realismo e uma tendência ao 
decorativo, além de manifestar uma 
tensão entre o gosto pela 
materialidade opulenta e as 
demandas de uma vida espiritual. 
Mas nem sempre essas 
características são bem evidentes ou 
se apresentam todas ao mesmo 
tempo. Houve uma grande 
variedade de abordagens que foram 
englobadas sob a denominação 
genérica de "arte barroca", com 
certas escolas mais próximas do 
classicismo renascentista e outras 
mais afastadas dele, o que tem 
gerado muita polêmica e pouco 
consenso na conceituação e 
caracterização do estilo. 
Para diversos pesquisadores o 
Barroco constitui não apenas um 
estilo artístico, mas todo um 
período histórico e um movimento 
sociocultural, onde se formularam 
novos modos de entender o mundo, 
o homem e Deus. As mudanças 
introduzidas pelo espírito barroco 
se originaram, pois, de um grande 
respeito pela autoridade da tradição 
clássica, e de um desejo de superá-
la com a criação de obras originais, 
 
 40 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
dentro de um contexto que já se 
havia modificado profundamente 
em relação ao período anterior. 
 
Rococó: 
O termo rococó forma da 
palavra francesa rocaille, que 
significa "concha", associado a 
certas fórmulas decorativas e 
ornamentais como por exemplo a 
técnica de incrustação de conchas e 
pedaços de vidro, usados na 
decoração de grutas artificiais. Foi 
muitas vezes alvo de apreciações 
estéticas pejorativas. Foi um 
movimento estético que floresceu 
na Europa entre o início e o fim do 
século XVIII, migrando para a 
América e sobrevivendo em 
algumas regiões até meados do 
século XIX. 
O Rococó nasceu em Paris em 
torno da década de 1720 e perdurou 
até aproximadamente 1770 como 
uma reação da aristocracia francesa 
contra o Barroco suntuoso, 
palaciano e solene praticado no 
período de Luís XIV. Caracterizou-
se acima de tudo por sua índole 
hedonista e aristocrática, manifesta 
em delicadeza, elegância, 
sensualidade e graça, e na 
preferência por temas leves e 
sentimentais, onde a linha curva, as 
cores claras e assimetria tinham um 
papel fundamental na composição 
da obra. 
Da França, onde assumiu sua 
feição mais típica e onde mais tarde 
foi reconhecido como patrimônio 
nacional, o Rococó logo se difundiu 
pela Europa, mas alterando 
significativamente seus propósitos e 
mantendo do modelo francês 
apenas a forma externa, com 
importantes centros de cultivo na 
Alemanha, Inglaterra, Áustria e 
Itália, com alguma representação 
também em outros locais, como a 
Península Ibérica, os países eslavos 
e nórdicos, chegando até mesmo às 
Américas. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 42 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
5. ARTE NA IDADE CONTEMPORÂNEA 
 
A arte contemporânea foi 
marcada pela reunião de diversos 
estilos, movimentos e técnicas. 
Devido a essa diversidade, é difícil 
definir a arte contemporânea 
incluindo toda a arte produzida no 
século XX. 
Nesse período houve uma 
revolução estética que trouxe 
consigo uma sucessão de estilos e 
movimentos, muitos dos quais de 
pouca duração e, em sua maioria, 
centrados na busca de novas 
direções e princípios inovadores. 
Estes movimentos e estilos se 
caracterizaram por marcar uma 
ruptura com a arte clássica que 
dominava desde o renascimento. Na 
contemporaneidade os artistas 
produziram pinturas não somente 
com materiais tradicionais, com o 
óleo sobre a tela, mas também com 
qualquer material que estivesse 
disponível. 
Essa inovação levou a criações 
ainda mais radicais, como a arte 
conceitual e a arte performática. 
Com isso, ampliou-se a definição de 
arte, que passou a incluir, além de 
objetos palpáveis, ideias e ações. 
 
 43 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
A arte contemporânea é a arte 
de hoje, produzida no final do 
século 20 ou no século XXI. Artistas 
contemporâneos trabalham em um 
mundo mundialmente 
influenciado, culturalmente 
diversificado e tecnologicamente 
avançado. 
Sua arte é uma combinação 
dinâmica de materiais, métodos, 
conceitos e assuntos que desafiam 
os limites tradicionais e desafiam a 
definição fácil. Diversa e eclética, a 
arte contemporânea como um todo 
se distingue pela falta de um 
uniforme, princípio organizador, 
ideologia ou "ismo". A arte 
contemporânea é parte de um 
diálogo cultural que diz respeito a 
quadros contextuais maiores como 
a identidade pessoal e cultural, a 
família, a comunidade e a 
nacionalidade. 
Alguns definem a arte 
contemporânea como a arte 
produzida dentro de "nossa vida", 
reconhecendo que as vidas e a vida 
variam. No entanto, há um 
reconhecimento de que esta 
definição genérica está sujeita a 
limitações especializadas. 
A classificação da "arte 
contemporânea" como um tipo 
especial de arte, em vez de uma 
frase adjetiva geral, remonta ao 
começo do modernismo no mundo 
de língua inglesa. Em Londres, a 
Sociedade de Arte Contemporânea 
foi fundada em 1910 pelo crítico 
Roger Fry e outros, como uma 
sociedade privada pela compra de 
obras de arte para colocar em 
museus públicos. 
Uma série de outras 
instituições que usam o termo 
foram fundadas na década de 1930, 
como em 1938, a Sociedade de Arte 
Contemporânea de Adelaide, 
Austrália e um número crescente 
após 1945. Muitos, como o Instituto 
de Contemporâneo Arte, Boston 
mudou seus nomes de pessoas 
usando a "arte moderna" neste 
período, como o modernismo se 
tornou definido como um 
movimento de arte histórico, e 
muito arte "moderna" deixou de ser 
"contemporânea". A definição do 
que é contemporâneo é 
naturalmente sempre em 
movimento, ancorada no presente 
com uma data de início que avança, 
e as obras que a Sociedade de Arte 
Contemporânea comprou em 1910 
não podem mais ser descritas como 
contemporâneas. 
Pontos particulares que foram 
vistos como marcando uma 
mudança nos estilos de arte incluem 
o fim da Segunda Guerra Mundial e 
 
 44 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
os anos 1960. Talvez tenha havido 
falta de pontos de ruptura naturais 
desde a década de 1960, e as 
definições do que constitui "arte 
contemporânea" em 2010 variam, e 
são imprecisas na sua maioria. 
A arte dos últimos 20 anos é 
muito provável de ser incluída, e as 
definições geralmente incluem arte 
voltando para cerca de 1970; "a arte 
do final do século 20 e início do 
século XXI"; "a arte do final do 
século XX e início do século XXI, 
tanto uma superação quanto uma 
rejeição da arte moderna"; 
"Estritamente falando, o termo" 
arte contemporânea "refere-se a 
arte feita e produzida por artistas 
que vivem hoje"; "Arte da década de 
1960 ou 1970 até este mesmo 
minuto"; e às vezes mais, 
especialmente nos contextos dos 
museus, como museus que formam 
uma coleçãopermanente de arte 
contemporânea inevitavelmente 
encontram este envelhecimento. 
Muitos usam a formulação 
"Arte moderna e contemporânea", 
que evita esse problema. Pequenas 
galerias comerciais, revistas e 
outras fontes podem usar definições 
mais rigorosas, talvez restringindo o 
"contemporâneo" para trabalhar a 
partir de 2000. Artistas que ainda 
são produtivos após uma longa 
carreira e movimentos artísticos em 
curso podem apresentar uma 
questão específica; galerias e 
críticos muitas vezes relutam em 
dividir seu trabalho entre 
contemporâneo e não 
contemporâneo. 
A socióloga Nathalie Heinich 
estabelece uma distinção entre a 
arte moderna e contemporânea, 
descrevendo-os como dois 
paradigmas diferentes que se 
sobrepõem parcialmente 
historicamente. Ela descobriu que, 
enquanto a "arte moderna" desafia 
as convenções de representação, a 
"arte contemporânea" desafia a 
própria noção de uma obra de arte. 
Ela considera a Fonte de Duchamp 
(que foi feita na década de 1910 no 
meio do triunfo da arte moderna) 
como o ponto de partida da arte 
contemporânea, que ganhou 
impulso após a Segunda Guerra 
Mundial com as performances de 
Gutai, Yves Klein 's' s Monocromos 
e Rauschenberg 's Erased de 
Kooning Drawing. 
Uma das dificuldades que 
muitas pessoas têm em abordar 
obras de arte contemporâneas é a 
diversidade - diversidade de 
material, forma, assunto e até 
períodos de tempo. É "distinguido 
pela falta de um princípio 
 
 45 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
organizador uniforme, ideologia ou 
"ismo" que muitas vezes vemos em 
outros, e muitas vezes mais 
familiares, períodos de arte e 
movimentos. Em termos gerais, 
vemos o Modernismo como 
olhando para os princípios 
modernistas - o foco do trabalho é 
auto referencial, investigando seus 
próprios materiais (investigações de 
linha, forma, cor, forma). 
Do mesmo modo, o 
impressionismo analisa a nossa 
percepção de um momento através 
da luz e da cor em oposição às 
tentativas de realismo rígido (o 
realismo, também, é um movimento 
artístico). A arte contemporânea, 
por outro lado, não tem um único 
objetivo ou ponto de vista. A sua 
visão, em vez disso, é refratada, 
prismática e multifacetada. 
Refletindo a diversidade do mundo 
hoje, em todas as suas 
complexidades, a arte 
contemporânea reflete a vida tal 
como a conhecemos. 
Pode, portanto, ser 
contraditório, confuso e aberto. Há, 
no entanto, uma série de temas 
comuns que apareceram em obras 
contemporâneas. Embora estes não 
sejam exaustivos, os temas notáveis 
incluem: política de identidade, 
corpo, globalização e migração, 
tecnologia, sociedade e cultura 
contemporâneas, tempo e memória 
e crítica institucional e política. 
 A teoria pós-moderna, pós-
estruturalista, feminista e marxista 
desempenhou papéis importantes 
no desenvolvimento das teorias 
contemporâneas da arte. O 
funcionamento do mundo da arte é 
dependente de instituições de arte, 
desde grandes museus até galerias 
privadas, espaços sem fins 
lucrativos, escolas de arte e 
editores, e as práticas de artistas, 
curadores, escritores, 
colecionadores e filantropos. Uma 
grande divisão no mundo da arte 
está entre os setores com fins 
lucrativos e sem fins lucrativos, 
embora nos últimos anos as 
fronteiras entre instituições 
públicas com fins lucrativos, 
privadas e sem fins lucrativos, se 
tornaram cada vez mais turvas. 
 
O Museu de Arte 
Contemporânea em Miami, 
Flórida 
A arte contemporânea mais 
conhecida é exibida por artistas 
profissionais em galerias de arte 
comercial contemporânea, por 
colecionadores privados, leilões de 
arte, corporações, organizações 
artísticas financiadas publicamente, 
 
 46 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
museus de arte contemporânea ou 
por artistas em espaços de artistas. 
Artistas contemporâneos são 
apoiados por bolsas, prêmios e 
prêmios, bem como pela venda 
direta de seus trabalhos. Artistas de 
carreira treinam na escola de arte 
ou emergem de outros campos. 
Existem relações estreitas 
entre as organizações de arte 
contemporânea financiadas 
publicamente e o setor comercial. 
Por exemplo, em 2005, o livro 
Understanding International Art 
Markets and Management 
informou que, na Grã-Bretanha, um 
punhado de concessionários 
representavam os artistas 
apresentados nos principais 
museus de arte contemporânea 
financiados pelo setor público. 
Livros e revistas excepcionais e 
colecionadores individuais podem 
exercer uma influência 
considerável. As corporações 
também se integraram no mundo 
da arte contemporânea, exibindo 
arte contemporânea dentro de suas 
instalações, organizando e 
patrocinando prêmios de arte 
contemporânea e construindo 
extensas coleções corporativas. Os 
anunciantes corporativos usam 
frequentemente o prestígio 
associado à arte contemporânea e a 
conversa legal para atrair a atenção 
dos consumidores para bens de 
luxo. 
As instituições de arte foram 
criticadas por regular o que é 
designado como arte 
contemporânea. Arte estranha, por 
exemplo, é literalmente arte 
contemporânea, na medida em que 
é produzida no presente. No 
entanto, um crítico argumentou que 
não é considerado porque os 
artistas são autodidata e, portanto, 
são assumidos como trabalhando 
fora do contexto histórico da arte. 
As atividades artesanais, como o 
design têxtil, também são excluídas 
do domínio da arte contemporânea, 
apesar do grande público para 
exposições. 
O crítico de arte Peter Timms 
disse que se chama a atenção para a 
forma como os objetos artesanais 
devem subscrever valores 
particulares para serem admitidos 
no domínio da arte contemporânea. 
"Um objeto cerâmico que se destina 
como um comentário subversivo 
sobre a natureza da beleza é mais 
provável que se encaixe na definição 
da arte contemporânea do que uma 
que seja simplesmente bonita". 
Em qualquer momento, um 
determinado lugar ou grupo de 
artistas pode ter uma forte 
 
 47 
HISTÓRIA DA ARTE 
 
influência sobre a arte 
contemporânea subsequente. Por 
exemplo, The Ferus Gallery foi uma 
galeria comercial em Los Angeles e 
revigorou a cena da arte 
contemporânea californiana no 
final dos anos cinquenta e nos anos 
sessenta. 
 
Atitudes Públicas 
A arte contemporânea às vezes 
pode parecer incompatível com um 
público que não sente que a arte e 
suas instituições compartilhem seus 
valores. Na Grã-Bretanha, na 
década de 1990, a arte 
contemporânea tornou-se parte da 
cultura popular, com os artistas se 
tornando estrelas, mas isso não 
levou a uma "utopia cultural" 
esperada. 
Alguns críticos como Julian 
Spalding e Donald Kuspit 
sugeriram que o ceticismo, mesmo a 
rejeição, é uma resposta legítima e 
razoável a muita arte 
contemporânea. Brian Ashbee em 
um ensaio chamado "Art Bollocks" 
critica "muita arte de instalação, 
fotografia, arte conceitual, vídeo e 
outras práticas geralmente 
chamadas de pós-modernas" como 
sendo muito dependentes de 
explicações verbais na forma de 
discurso teórico. 
Disputas Classificatórias 
sobre Arte: 
Uma preocupação comum 
desde a primeira parte do século 20 
tem sido a questão do que constitui 
arte. No período contemporâneo 
(1950 até agora), o conceito de 
Vanguarda pode entrar em jogo 
para determinar o que a arte é 
notada por galerias, museus e 
colecionadores. A propaganda e o 
entretenimento em algumas 
circunstâncias foram considerados 
como gêneros de arte durante o 
período da arte contemporânea. 
Prêmios: 
Algumas competições, prêmios 
e prêmios em arte contemporânea 
são: 
 Prêmio de artista emergente 
premiado pelo The Aldrich 
Contemporary Art Museum 
 Prêmio Fator na Arte do Sul 
 Prêmio Hugo Boss premiado 
pelo Museu Solomon R. 
Guggenheim 
 Prêmio de Pintura de John 
Moore 
 Prêmio Kandinsky para 
artistas russos menores de 30 anos 
 
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HISTÓRIA DA ARTE